Blog von Charlys Tante

Ein Monument des Historienfilms in neuer Pracht.

Für "Königreich der Himmel" wurde ein neues 4K Master für eine UHD Blu-ray Veröffentlichung erstellt die am  04. Juli 2025 erschienen ist. Sie enthält sowohl den Director's Cut als auch die Roadshow-Version in 4K.
Die Veröffentlichung erfolgt als limitiertes Steelbook und ist leider nur exklusiv im Leonine Studios Shop und bei Amazon.de erhältlich. Die 4K UHD Blu-ray enthält den Director's Cut und die Roadshow-Version des Films. Der deutsche Ton liegt in DTS-HD High Resolution 5.1 vor.
Es handelt sich demnach um eine limitierte Steelbook Ausgabe, ich konnte mir schon früh ein Exemplar sichern und habe es genau am 04.07.2025 geliefert bekommen.

Lange mussten alle Fans dieses grandiosen Ridley Scott Epos darauf warten Königreich der Himmel in der besten Fassung nämlich in 4 K sehen zu können. Und nicht so wie oft, wurde hier nicht nur die m.E. nicht zur Sichtung zu empfehlende Kinofassung, sondern die wesentlich längere grandiose Director's Cut Fassung in 4 K aufgelegt. Das ist natürlich dem durchwachsenen abschneiden des Films im Kino geschuldet. Heute ist er im Historienfilm Genre fast auf einer Ebene mit Gladiator zu sehen. Auch wenn Hans Zimmer hier keinen seiner genialen Soundtracks beigesteuert hat. Das soll den Score von Harry Gregson-Williams jedoch in keinster Weise schmälern.

Manche Filme entfalten ihre volle Wucht erst im Heimkino – Königreich der Himmel ist ein Paradebeispiel dafür. Ridley Scotts Kreuzritter-Epos aus dem Jahr 2005 wurde seinerzeit im Kino unter Wert verkauft. Die Kinofassung, trotz stolzer 2,5 Stunden Laufzeit, war schlichtweg zu kurz, um dem komplexen Handlungstrang gerecht zu werden. Die Folge: harsche Kritik, dramaturgische Löcher, verschenktes Potenzial.

Doch später offenbarte der Director’s Cut, was Scott wirklich im Sinn hatte – und nun, 2025, erstrahlt dieser Meilenstein der Filmgeschichte in neu gemastertem 4K, was Grund genug für mich ist, das Schwert erneut zu schwingen und den Film noch einmal hier zu würdigen.

Die Story – Ein Epos um Glauben, Ehre und Menschlichkeit

(Achtung: leichte Spoiler), ich denke aber, dass jeder die Handlung sowieso kennt.

Jerusalem, zur Zeit der Kreuzzüge: Der junge französische Schmied Balian (Orlando Bloom) hat seine Frau verloren und hadert mit dem Leben. Dann tritt sein leiblicher Vater Godfrey von Ibelin (Liam Neeson) in sein Leben – ein Baron und Kreuzritter, der ihn mit ins Heilige Land nehmen will. Nach einem familiären Eklat flieht Balian in Richtung Jerusalem, übernimmt das Erbe seines Vaters und wird zum Baron von Ibelin.

Dort erwartet ihn nicht nur eine politische Pulverfass-Situation zwischen Christen und Muslimen, sondern auch eine verbotene Liebe zur Königsschwester Sybilla (Eva Green). Der leprakranke König Balduin IV. (großartig: Edward Norton hinter der Maske) hält die fragile Ordnung mühsam aufrecht – doch sein Tod entfesselt einen erbarmungslosen Glaubenskrieg.

Was folgt, ist eine beeindruckende Heldenreise, in der nicht der Kampf, sondern Barmherzigkeit und Moral im Mittelpunkt stehen.

Der Director’s Cut – Der wahre Film

Erst in der knapp 190 Minuten langen Director's Cut-Fassung wirkt Königreich der Himmel wie aus einem Guss. Neue Szenen – besonders rund um Sybillas tragisches Schicksal, die politische Intrige am Hof und Balians innerer Konflikt – fügen sich nahtlos ein und verleihen der Geschichte die emotionale Tiefe, die der Kinofassung fehlte. Ich weiß bis heute nicht, was die Entscheider damals dazu bewogen hat, quasi einen unfertigen Film ins Kino zu bringen.

Nicht zuletzt wird deutlich: Es sind nicht die "Heiden", die als Antagonisten fungieren, sondern fanatische Christen, Machtgier und Verrat in den eigenen Reihen. Saladin wird dabei nicht als Feind, sondern als ehrenvoller Gegenpart porträtiert – einer, der sich ebenso um Würde und Frieden bemüht wie Balian. Der berühmte Satz Saladins – „Jerusalem ist nichts … und alles“ – bringt den Kern des Films auf den Punkt.

Die 4K-Fassung – Visuelles Wiedererwachen

Ja, „Königreich der Himmel“ wurde für die 4K Ultra HD Blu-ray tatsächlich in nativer 4K-Qualität veröffentlicht, basierend auf einem neuen 4K-Scan des Original-Kameranegativs.
Der Film wurde ursprünglich auf 35mm-Film gedreht – ein Medium, das deutlich mehr als 4K-Auflösung hergeben kann.

Für die 4K-Veröffentlichung wurde das Material neu in 4K gescannt und remastered – also kein künstlich hochgerechnetes „Fake-4K“ (Upscaling), wie es bei manchen Katalogtiteln der Fall ist. 
Die Director’s Cut-Fassung wurde ebenfalls mit berücksichtigt, auch wenn einige Ergänzungsszenen vermutlich nicht exakt die gleiche Bildqualität wie das Hauptmaterial aufweisen.

Was bietet die 4K-Version:
Dolby Vision oder HDR10 (je nach Version), was für deutlich besseren Kontrast und Farbdynamik sorgt. Verbesserte Farbdarstellung und mehr Bildtiefe, insbesondere in den Wüstenlandschaften. Jede Rüstung, Stofftextur, Gesichtspore ist jetzt sichtbar – besonders bei Tageslicht-Szenen. Hauttöne sind deutlich natürlicher (weniger Gelb-/Grünstich wie früher). Nachtszenen, die dunklen Innenräume (z. B. Sybillas Gemach oder Kerkerszenen) verlieren ihr Grauschleier-Problem. Schwarz ist nun wirklich schwarz – ohne Details zu verschlucken in den Innenräumen Jerusalems. Feinste Details in den Jerusalem-Mauern oder in Balians Anwesen stechen besonders hervor. Die Sonne Jerusalems, Lagerfeuer, Metallreflexe oder Glasmalereien profitieren massiv von HDR. Eine viel präzisere Schärfe als bei der alten Blu-ray, bei Schlachtenszenen wirkt das Bild dreidimensionaler durch höhere Leuchtkraft und Kontrasttiefe.Vor allem in Totalen, Kostümen und architektonischen Details.
Zwar gibt es noch einzelne weichere Szenen – vermutlich aus dem ursprünglichen Filmmaterial –, aber insgesamt präsentiert sich das Werk in erstaunlicher Qualität.

Bildbewertung: 4,5 von 5 Sternen in der UHD Fassung.

 Bildvergleich: Blu-ray vs. 4K UHD (2025 Remaster)

Alte Blu-ray (2008)	Neue 4K UHD (2025 Remaster)
Auflösung 1920 x 1080 (Full HD)	3840 x 2160 (echtes 4K-Remaster vom originalen 35mm-Negativ)
Mastering veraltetes HD-Master	komplett neues 4K-Scan & Remaster
kein HDR	Dolby Vision + HDR10
Schärfe / Detailzeichnung Teilweise weich, leicht DNR (Rauschfilter)	Deutlich knackiger, natürliche Filmkörnung
Kontrast / Schwarzwert Grautöne oft verwaschen	Tiefes Schwarz, feine Differenzierung in dunklen SzenenHDR-Wirkung – Lichtquellen, Rüstungen, Himmel & Fackeln wirken spektakulär
Filmlook Eher „digitalisiert“, flach	Filmisch & analog, mit authentischer 35mm-Anmutung
Bitrate ca. 25–30 Mbps	ca. 60–80 Mbps (je nach Szene, oft über 90 Mbps bei HDR)
Farbtiefe 8 Bit SDR (Standard Dynamic Range)	10 Bit HDR – erweitertes Farbspektrum (Rec. 2020)
höchstens mittelmäßige Streamingqualität	Jedem Stramimg haushoch überlegen

Was bietet der Dolby Atmos-Mix in der deutschen Steelbook Fassung.
Zunächst ist wieder einmal festzuhalten, dass Dolby Atmos nur im englischen Ton vorliegt. Das ist natürlich schade. Denn in Dolby Atmos ist die vertikale Staffelung von Soundeffekten, wie Pfeilregen, Schlachtenlärm, Hall in Palästen, Wettereffekte – dezent, aber atmosphärisch gut umgesetzt. Es gibt mehr Raumklang in Innenräumen, die Szenen in Jerusalem oder in Balians Anwesen wirken noch räumlicher.
Der Score & Musik hat mehr Tiefe.
Der Soundtrack von Harry Gregson-Williams entfaltet sich voluminöser, mit besserer Platzierung im Raum.
Der Dolby Atmos Ton ist jedoch ncht übertrieben, es ist kein Action Bombast – der Atmos-Mix bleibt filmisch ausgewogen und subtil, was gut zum historischen Epos passt.

Braucht man aber überhaupt einen Dolby Atmos Ton oder kommt man auch mit DTS HD Master RS auf seine Klangkosten?
Wer keine Möglichkeit hat den Film in Dolby Atmos mit 7.1.4  in englisch zu sehen und zu hören, der muss sich mit der aber immer noch sehr guten DTS-HD Master Audio 5.1 zufrieden geben oder einen Soundupscaler benutzen. 
Der 5.1 Ton ist dennoch sehr gut mit einem klarern, dynamischen Klang mit großer Räumlichkeit. Besonders auch der epische Score von Harry Gregson-Williams entfaltet hier seine volle Wirkung.

Auf den DTS 5.1 Ton gehe ich hier nicht weiter ein.

Auch bei diesem Film zeigt sich, wie ein Soundtrack einen Film verändert oder im Besten Sinne ergänzt, wenn er zu Film passt. Was Harry Gregson-Williams hier abliefert ist  grandioses Soundtrack Kino, denn der  Soundtrack ist einer der größten Stärken des Films:
Atmosphärisch, emotional und orientalisch inspiriert, oft getragen von Chören und Streichern. 

Effekte & Surround:
In den großen Schlachten: besitzt er eine kräftige Dynamik, gute Tiefenstaffelung.
Umgebungsgeräusche (Marktplätze, Wind in der Wüste, Glocken in Jerusalem) sind gut verteilt. 
Die Schlacht um Jerusalem liefert ein intensives Klangbild mit Pfeilregen, Explosionen und Rüstungseffekten. 

Dialoge:
Im Englischen: Klar und gut in den Mix eingebettet.
Im Deutschen: Verständlich, aber manchmal nicht ganz so natürlich in der Abmischung.

 Fazit zum Ton:

Aspekt Bewertung (Deutsch) Bewertung (Original)

Klarheit & Dynamik ★★★★☆ ★★★★★
Surround-Effekte ★★★★☆ ★★★★★
Score-Wirkung ★★★★☆ ★★★★★
Dialogverständlichkeit ★★★★☆ ★★★★★

Empfehlung:
Wer das volle akustische Erlebnis will, muss zur englischen Originalspur mit entsprechendem Kinoequipment greifen.

Die deutsche Tonspur ist gut, aber nicht referenzwürdig 
Insgesamt aber ein rundum gelungener Ton, der dem epischen Charakter des Films gerecht wird – gerade in der 4K-Version mit dem Director’s Cut entfaltet er seine volle Wirkung.

Darsteller & Ausstattung – Großes Kino in jeder Hinsicht

Orlando Bloom überzeugt als stiller, moralisch gefestigter Held – fernab seiner „Legolas“-Figur. Liam Neeson bringt wie immer Autorität auf die Leinwand, Eva Green zeigt erste Anzeichen jener schauspielerischen Intensität, die sie später in Casino Royale zur Ikone machte ( Ich bin das Geld). Edward Norton verleiht dem leprakranken König Würde und Tiefe, obwohl sein Gesicht nie zu sehen ist, einfach grandios mit Gänsehautfaktor gespielt.

Die historische Ausstattung ist über jeden Zweifel erhaben: Jerusalem, die Ländereien von Ibelin, die Kostüme und Requisiten – alles wirkt authentisch, ohne museal zu sein. Mit Hunderten von Statisten, präziser Architektur und realistischen Schlachtfeldern versetzt der Film sein Publikum unmittelbar ins Mittelalter.

Und der Cast? Ein Blick in die Zukunft: Kevin McKidd, Alexander Siddig, Iain Glen oder Nikolaj Coster-Waldau – viele der damals noch unbekannteren Nebendarsteller sollten später in Serienklassikern wie Game of Thrones, Rom oder Da Vinci’s Demons zu sehen gewesen.

Fazit:

Ridley Scott, der bereits mit Gladiator zeigte, wie man ein Historienepos ins große Kino bringt, hat mit Königreich der Himmel gezeigt, wie man ein Epos herausbringt. Wäre der Film von Anfang an in der Director's Cut Fassung im Kino gelandet, wäre er bestimmt schon damals sehr erfolgreich gewesen. So fehlte ihm damals die Seele.
Königreich der Himmel war nie nur ein Schlachtenepos. Es ist ein Film über Toleranz, Verantwortung und moralisches Handeln in einer Zeit der Intoleranz. Die 4K-Version des Director’s Cut hebt diesen Film endlich auf das Level, das er verdient – technisch und dramaturgisch.
Ein historisches Meisterwerk, das nicht nur durch seine Inszenierung, sondern auch durch seine Botschaft relevant bleibt. Und gerade heute – angesichts globaler Konflikte um Religion und Territorien – aktueller denn je ist.

Die 4K-Veröffentlichung von Königreich der Himmel ist ein Paradebeispiel für erstklassige Restaurierung und modernes Heimkino. Die Bildqualität ist atemberaubend, mit exzellenter Schärfe, natürlichem Filmkorn und durchdachter Kodierung – eine technische Meisterleistung. Auch der Dolby Atmos-Ton überzeugt mit Klarheit, Tiefe und einem immersiven, detailreichen Klangdesign, das subtil und wirkungsvoll inszeniert ist.

Inhaltlich bleibt Ridley Scotts Epos ein kraftvoll erzählter, visuell herausragender Film mit beeindruckender Bildsprache und emotionaler Tiefe. Die Kombination aus künstlerischem Anspruch und technischer Perfektion macht diese Edition zur ultimativen Version des Films – und zum starken Argument für physische Medien im Streaming-Zeitalter.

Kurz: Eine Referenzveröffentlichung für Film- und Heimkino-Liebhaber – cineastisch, technisch und emotional auf höchstem Niveau.

Bewertung
Film: (5 von 5 – Director’s Cut sei Dank!)

Bild (4K UHD): 4,5 von 5 (satte Farben, feine Details, kleinere Schwächen)

Ton: 4 von 5 (atmosphärisch dicht, schön orchestriert, gute Räumlichkeit)

Empfehlung:
Für Fans von Gladiator, Braveheart oder The Last Kingdom ein absolutes Muss. Wer das Mittelalter liebt, findet hier nicht nur Pathos, sondern auch Tiefe.


In diesem Sinne!
Eure Charlys Tante

 

 

Als Event Horizon 1997 in die Kinos kam, fiel das Echo eher frostig aus – zu wirr, zu brutal, zu düster. Doch was damals am Mainstream vorbeirauschte, entpuppte sich über die Jahre als Kultfilm mit wachsender Fangemeinde. Paul W.S. Anderson (Resident Evil, Mortal Kombat) inszenierte mit Event Horizon einen Space-Horror, der Lovecraft’sche Visionen mit Science-Fiction verbindet und auch heute noch in seiner düsteren Konsequenz beeindruckt. Nachdem ich mittlerweile die 4K UHD Fassung in meinem Regal habe, stellte sich mir die Frage kann dieser Klassiker durch das audiovisuelle Update den Film sowohl inhaltlich als sonst dem Ruf des Films gerecht werden?

Inhalt:

Im Jahr 2047 wird das seit sieben Jahren verschollene Raumschiff Event Horizon plötzlich in der Nähe des Neptuns entdeckt. Die Crew des Bergungsschiffs Lewis & Clark, begleitet vom Konstrukteur der Event Horizon, Dr. William Weir, wird entsandt, um das mysteriöse Schiff zu untersuchen. Vor Ort finden sie Hinweise auf ein grausames Massaker. Als der experimentelle Antrieb der Event Horizon unerwartet aktiviert wird, wird ihr eigenes Schiff beschädigt – die Crew muss auf das verlassene Schiff umsteigen. Doch dort beginnt eine Reihe unheimlicher, psychologisch verstörender Ereignisse, die nahelegen, dass die Event Horizon etwas aus einer anderen Dimension mitgebracht hat.

 

Ansichtssache: Zwischen Wahnsinn und Gravitation

Bevor Paul W. S. Anderson mit Resident Evil einen finanziellen Hit landete, inszenierte er 1997 den Sci-Fi-Horrorfilm Event Horizon – Am Rande des Universums. Der Film basierend auf einem Drehbuch von Philip Eisner. Anderson konnte die Zeit zwischen zwei Projekten nutzen und wollte einen düsteren, nicht jugendfreien Film realisieren, jedoch wollte er weg vom Alien- Abklatsch und inszenierte Quasi einen „Haunted House im All“ Streifen. Da man den Film unbedingt vor Titanic damals ins Kino bringen wollte, wurde kräftig am Schnitt geschnitten um den etwas zu lang geratenen Film nach einen Erstsichtung noch zu kürzen. So kam er dann ins Kino.

Im Kino floppte Event Horizon dann ziemlich. Erst in der Heimkinoauswertung entwickelte er sich zum Kultfilm. Leider konnte nie ein Director’s Cut konnte nie realisiert werden.

Lange habe ich Event Horizon in meinem Regal als alte Blu Ray Fassung stehen gehabt. Damals war ich etwas enttäuscht, denn die Gesamtqualität war doch eher durchwachsen und hat mich nicht in den Film eintauchen lassen. Durch Zufall kam ich vor kurzem in den Genuss der 4 K- Fassung und musste ihn mir natürlich wieder einmal anschauen. Event Horizon lebt m.E. nicht vom Sci-Fi-Szenario allein, sondern vom psychologischen Terror, der sich langsam aber unaufhaltsam im Film ausbreitet. Die Grundidee ein Raumschiff, buchstäblich aus der Hölle zurückkehren zu lassen ist einfach, aber effektiv. Die Hölle, die die Crew erwartet, ist dabei nicht bloß eine Metapher, sondern manifestiert sich im Inneren jedes Einzelnen. Dieser innere Zerfall erzeugt ein Grauen, das lange nachwirkt und den Film für mich auch heute noch so faszinierend macht.

Die Besetzung trägt maßgeblich zur Wirkung bei: Sam Neill als zunehmend besessener Dr. Weir überzeugt mit intensiver Präsenz, während Laurence Fishburne als Captain Miller einen dringend benötigten moralischen Gegenpol bietet. Trotz gelegentlich pathetischer Dialoge eskaliert der Film spätestens zur Hälfte in einen apokalyptischen Albtraum, dem man sich kaum entziehen kann.

Bildbewertung – 4K UHD Remastered (4/5)

Die Neuauflage von Paramount basiert auf dem originalen Kameranegativ und bietet ein erfreulich scharfes, detailreiches Bild:

Die Schärfe und Detailtiefe sind klar verbessert gegenüber der alten Blu Ray Disc Fassung aus dem Jahre 2009. Die klaustrophobische Innenarchitektur, Uniformdetails und Hauttexturen wirken greifbar und plastisch.

HDR sei Dank sind die Lichtakzente von Notbeleuchtung bis Plasma-Entladungen wesentlich besser und profitieren vom erweiterten Dynamikumfang. Der Schwarzwert und Kontraste sind hervorragend abgestimmt.

Es bleibt ein feiner, authentischer Filmkorn-Look bleibt erhalten. Kein Wachsfilter, kein künstliches Überschärfen. Das Remaster hält die Balance zwischen nostalgischem Filmlook und moderner UHD-Präsentation.

Natürlich kommt hierbei auch besser heraus, das einige VFX-Szenen deutlich gealtert wirken. Die damalige Tricktechnik lässt sich nun Mal nicht vollends in die UHD-Ära retten.

Zudem wurde das Bild wieder zurechtgerückt und der Eierköpfe durch realistische Wiederhergestellt. Trotz kleinerer Schwächen ist es die bislang beste Version des Films auf Heimkino-Medien.

Tonbewertung – Dolby TrueHD 5.1 (3.5/5)

Die Tonspur bleibt beim bekannten Dolby TrueHD 5.1-Mix (englisch), der solide, aber nicht überragend ist:

Die Dialoge sind klar, deutlich und sauber abgemischt. Sie sind immer gut verständlich und passen sich gut in den Film ein.

Bei den Effekten, besonders in den Horror-Szenen entfaltet der Surround-Kanal seine Wirkung. Schwebende Objekte, metallisches Knarzen, Stimmen aus dem Off – alles sitzt atmosphärisch genau.

Der Subwoofer darf auch mitreden und kommt, wenn nötig kraftvoll, aber wohldosiert zum Einsatz, besonders bei den markanten Szenen mit dem Gravitationstriebwerk.

Leider hat man den Film kein Dolby Atmos-Upgrade verpasst. Das hätte hier bestimmt besonders gut gewirkt. Ein solider Mix, der das beklemmende Sounddesign transportiert. Jedoch mit Luft nach oben.

 

Fazit – Höllentrip in Bestform

Event Horizon ist das Ergebnis einer teuflischen Kreuzung zwischen Hellraiser und 2001 – und das ist durchaus als Kompliment zu verstehen. Immerhin hat der Film bereits 25 Jahre auf dem Buckel. Jedoch hat der Film, ähnlich wie Alien heute nichts von seiner Wirkung eingebüßt. Die UHD-Neuauflage liefert das visuell bislang überzeugendste Gesamtpaket und holt technisch das Beste aus dem Kultklassiker heraus. Zwar bleibt der große Traum einer „Uncut-Version“ wohl für immer unerfüllt, doch Bild, Ton und Bonusmaterial bieten ein rundes Erlebnis für alle Fans des nihilistischen Sci-Fi-Horrors.

Wer düsteren, psychologischen Horror in klaustrophobischer Kulisse schätzt, sollte diese Edition ins Regal stellen – am besten für nächtliche Alleinsichtungen im Dunkeln.

Film: ★★★★☆

Bild (UHD): ★★★★☆

Ton: ★★★½☆

Extras: ★★★½☆

Empfehlung: Pflichtkauf für Fans von Alien, Hellraiser und düsterer Sci-Fi. Eine der besten Veröffentlichungen dieses unterschätzten Klassikers – auch ohne verlorene Höllenszenen.

Ein Danke ist des Reviewer Lohn!
Also traut euch????

In diesem Sinne
Eure
Charlys Tante

„F1 – Der Film“ – Wenn Adrenalin auf Zelluloid trifft

Ein Kinobesuch, auf den ich lange hingefiebert habe – und das nicht nur, weil Brad Pitt zu meinen absoluten Lieblingsdarstellern zählt. Wenn sein Name auf dem Plakat steht, kann man sich eigentlich sicher sein: Das wird kein alberner Quatsch. Und richtig – „F1 – Der Film“ liefert. Groß. Laut. Wuchtig. Und überraschend emotional.

Gladiatorenkämpfe:
Formel 1 ist schon lange mehr als nur Motorsport – es ist Spektakel, Hightech, menschliches Drama. Der moderne Gladiatorenkampf in Carbonrüstung. Und selten wurde das so eindrucksvoll auf die Leinwand gebracht wie hier. Produzent Jerry Bruckheimer und Regisseur Joseph Kosinski („Top Gun: Maverick“) haben das Unmögliche geschafft: Sie durften mit einem eigenen Team (APXGP) direkt in der realen F1-Zirkus mitmischen – inklusive Boxengasse, Startaufstellung und Siegerehrung. Näher dran war noch kein Film.

Story:
Brad Pitt spielt Sonny Hayes, einen ehemaligen F1-Star der 90er, der nach einem tragischen Unfall eigentlich abgeschlossen hatte – bis ihn ein verzweifelter Rennstallbesitzer (Javier Bardem als Ruben) zurück ins Cockpit bittet. 350 Millionen Dollar Verlust und ein ausbleibender Sieg drohen dem Team APXGP das Genick zu brechen. Hayes soll helfen – zusammen mit dem jungen Rookie Joshua Pearce (Damson Idris). Und das in einem Alter, in dem andere maximal noch den Oldtimer am Wochenende ausfahren.

Action:
Der Vergleich mit „Top Gun: Maverick“ liegt nahe – nur dass statt Düsenjets nun F1-Boliden durch IMAX-Bilder rasen. Und wie sie das tun! Die Kameraarbeit – mit bis zu 15 (!) Kameras in echten Formel-2-Autos – lässt einen das Tempo nicht nur sehen, sondern fühlen. Besonders die Rennszenen aus der Ego-Perspektive machen „F1 – Der Film“ zu einem Erlebnis. Wenn man im Kinosessel den Gurt sucht, weiß man: Mission erfüllt.

Klischee:
Natürlich ist die Story nicht Oscar-Material – aber darum geht es hier auch nicht. Wer sich auf das Blockbuster-Konzept einlässt, wird mit Adrenalin pur, jeder Menge augenzwinkerndem Drama und einem Film belohnt, der seine Klischees kennt – und trotzdem funktioniert. Boxenstopp-Zaubereien wie in der Schumacher-Ära, taktische Intrigen und der ewige Kampf gegen Sekundenbruchteile – das alles wird so packend inszeniert, dass man gar nicht merkt, wie sehr man mitfiebert.

Hans Zimmer: 
Ein persönliches Highlight war für mich – wie so oft – der Soundtrack. Seit ich Hans Zimmer 2016 das erste Mal live gesehen habe, bin ich Fan. Dass er nun auch für diesen Film die Musik beisteuert, war für mich das Sahnehäubchen. Und obwohl im Vorfeld viel über eine „Techno-Zimmer“-Variante spekuliert wurde, ist das Ergebnis überraschend subtil. Die Musik bleibt immer im Dienst der Szene – nie zu dominant, nie zu aufdringlich.

Den vollen Zimmer-Wumms gibt’s eigentlich erst im Abspann – aber auch zwischendurch blitzen Highlights auf: Das Rennen in Las Vegas mit seiner minimal-elektronischen Untermalung oder der überraschende Einsatz von „Whole Lotta Love“ zu Beginn. Kein Soundtrack zum Nebenbei-Hören, sondern zum Mitgehen, Miterleben, Mitzittern.

Brad Pitt:
Was den Film letztlich trägt, ist – neben der brillanten Technik – Brad Pitt. Mit stoischer Coolness, leichtem Selbstironie-Lächeln und einem Körper, der offensichtlich viel Zeit im Eisbad verbringt, wirkt er glaubwürdig, ohne je zur Karikatur zu verkommen. Die Chemie mit Javier Bardem funktioniert prächtig, doch die echten Funken sprühen mit Kerry Condon als erster weiblicher Technikchefin der F1. Ihre Dialoge sind so spritzig, dass man sich die beiden direkt in einer Screwball-Komödie wünscht.

Authenzität:
 Was den Film F1 so authentisch wirken lässt, ist nicht zuletzt die außergewöhnliche Herangehensweise der Produktion: Statt auf CGI oder Studio-Nachbauten zu setzen, wurde direkt während echter Formel-1-Rennwochenenden an realen Grand-Prix-Strecken gedreht. Das fiktive Team APX GP, angeführt von Brad Pitt als Sonny Hayes, war mit eigenem Wagen, Boxencrew und sogar Grid-Präsenz vor Ort – als wäre es ein elfter Rennstall.

Drehorte:
Gedreht wurde u. a. bei folgenden echten Grands Prix:
Silverstone (UK), Monza, Spa, Zandvoort, Suzuka, Mexiko-Stadt, Las Vegas und Abu Dhabi. Ergänzt wurden die Rennszenen durch Aufnahmen in Daytona (24-Stunden-Rennen), auf dem Circuit of the Americas (Austin, USA) sowie Trainingssessions in Paul Ricard (Frankreich). Die Onboard-Kameras wurden eigens für den Film entwickelt, um echtes Renntempo hautnah einzufangen – mit minimalem CGI-Einsatz.


Fazit:
„F1 – Der Film“ ist kein tiefgründiges Charakterdrama. Aber er will es auch nicht sein. Was er will – und grandios umsetzt – ist ein Action-Erlebnis auf höchstem technischen Niveau. Ja, die Prämisse ist hanebüchen: Ein 50-jähriger Ex-Fahrer steigt zurück in die Formel 1 – aber dank Pitt, Kosinski und einem phänomenalen Produktionsteam nimmt man es dem Film nicht übel. Im Gegenteil: Man steigt gerne ein.  F1 fühlt sich oft mehr wie ein Live-Event an als wie ein Spielfilm – eine immersive Rennsport-Erfahrung mit filmischem Anspruch.

Wer Formel 1 liebt, muss diesen Film im Kino sehen. Wer mit der F1 bislang wenig anfangen konnte, wird nach diesen 150 Minuten vielleicht kein Fan, aber mit einem fetten Grinsen aus dem Saal gehen. Und wer Hans Zimmer liebt, bekommt noch einen akustischen Bonus obendrauf.

Bewertung:
Film: 4,5 von 5 Punkte (rein persönlich betrachtet).
Ein spektakuläres PS-Märchen – unvernünftig, überdreht, aber wahnsinnig unterhaltsam. Und verdammt laut.

Soundtrack: 5 von 5 Punkte
Weil ich Hans Zimmer Fan bin und hierbei nicht objektiv bleiben kann. Zwischen den Soundzeilen habe ich immer wieder Anleihen aus anderen Blockbuster herausgehört.

P.S. Wie ich von Christian, aus der Filmdatenbank Redaktion für Importe, mitgeteilt bekommen habe (vielen Dank dafür), soll
der Film auch auf Disc erscheinen, da Warner die Rechte daran hat. Apple habe nicht einmal exklusive Streamingrechte.

In diesem Sinne!
Eure
Charlys Tante

Die Fotografin – ein Film, der bleibt

Vor einiger Zeit stieß ich zufällig auf den Trailer zu Die Fotografin. Ich fragte mich: Wer ist diese Lee Miller? Dann verlor ich den Film zunächst wieder aus den Augen. Einer meiner Söhne ist Geschichtslehrer und beschäftigt sich intensiv mit dem Holocaust. Jedes Jahr reist er mit einer Gruppe Geschichtsinteressierter seiner Schule nach Krakau, um von dort aus nach Auschwitz zu fahren – ein Ort, an dem über eine Million Menschen auf grausamste Weise ermordet wurden. Diese Reisen sind für alle Beteiligten immer wieder extrem belastend. Und doch sind sie notwendig. Die Welt darf nicht vergessen. Jeder antisemitische Gedanke muss im Keim erstickt werden – unabhängig davon, gegen welche Menschengruppe er sich richtet. Ein Mensch ist ein Mensch. Punkt.

Lee Miller, Kriegsfotografin, hielt gemeinsam mit anderen das Grauen des Zweiten Weltkriegs in Bildern fest. Ihre Fotos sind bleibende Zeugnisse menschlicher Abgründe – ein Spiegel, der uns zeigt, wozu Menschen fähig sind, wenn sie sich hinter Gesetzen, Ideologien oder der Masse verstecken.

Die Fotografin hat mich tief beeindruckt. Der Film verzichtet auf reißerische Inszenierung – zurecht, denn das Thema verlangt Respekt und Zurückhaltung.

Ich habe den Film spätabends über Amazon Prime gesehen, mit leiser Lautstärke – zwei Enkel schlafen zu der Zeit im Haus, und Kopfhörer wollte ich nicht benutzen. Eine technische Bewertung von Bild und Ton erspare ich mir daher.

Der Einstieg fiel mir zunächst etwas schwer. Der Film beginnt chronologisch, zeigt zuerst Lees Modelkarriere und ihre Beziehung zu Roland Penrose. Vielleicht hätte Regisseurin Ellen Kuras diesen Teil etwas kürzer halten können. Andererseits war es ihr wohl wichtig, den Wandel der glamourösen Mode-Ikone zur kompromisslosen Kriegsfotografin herauszuarbeiten. Dafür ist die Gesamtlaufzeit allerdings fast ein wenig knapp geraten. Gerade für die intensiveren Passagen hätte ich mir mehr Raum gewünscht – aber das ist Meckern auf hohem Niveau. Trotz mancher Kürzung bleibt ein klares Bild davon, wer Lee Miller war.

Mit Die Fotografin hat Ellen Kuras in ihrem Regiedebüt ein leidenschaftlich inszeniertes Porträt geschaffen, das weit über ein klassisches Biopic hinausgeht. Der Film ging mir immer tiefer unter die Haut, je länger ich ihn sah. Kate Winslet verkörpert Lee Miller nicht nur großartig als Schauspielerin, sondern war auch als Produzentin maßgeblich an der Entstehung des Films beteiligt – sogar aus eigener Tasche finanzierte sie Teile der Produktion. Ihr persönliches Engagement, ihr Durchhaltevermögen trotz einer Verletzung am Set – all das spiegelt die Entschlossenheit der porträtierten Frau wider. Eine Parallele, die den Film noch authentischer macht.

 

Inhaltlich beginnt der Film mit einem Interview: Lee Miller blickt zurück – auf ein Leben zwischen Kunst, Krieg und inneren Narben. Als Model berühmt geworden, wird sie während des Zweiten Weltkriegs zur Fotografin an der Front. Für die britische Vogue dokumentiert sie das Grauen des Krieges – von zerstörten Städten über tote Soldaten bis hin zur Befreiung der Konzentrationslager. Ihre Bilder verändern den Blick auf den Krieg nachhaltig.

 

Kuras wählt eine klassische Erzählstruktur, die von einem Interviewrahmen zusammengehalten wird. Diese Klarheit gibt der Figur Raum, sich zu entfalten. Im Fokus steht stets Lees Perspektive – ihr innerer Konflikt zwischen persönlichem Glück und beruflichem Pflichtgefühl. Besonders bewegend ist ihre Emanzipation: vom musealen Model zur eigenständigen Kriegsberichterstatterin, die sich in einer männerdominierten Welt behauptet.

 

Neben der bewegenden Biografie bringt Die Fotografin auch starke feministische Untertöne mit. Immer wieder zeigt der Film, wie Frauen – an der Front wie im zivilen Leben – an den Rand gedrängt werden. Diese Wut ist spürbar, aber sie wird nie laut oder belehrend. Stattdessen entsteht ein zutiefst menschliches Porträt einer Frau, die hinsah, wo andere wegsahen.

 

Ich bin froh, dass ich mich in mein  Kellerkino begeben habe. Es sind genau diese Filme, die mir zeigen, wie wertvoll dieser Rückzugsort ist – auch wenn ich heute nicht mehr so oft Zeit finde, ihn zu nutzen.

 

Fazit:

Die Fotografin ist für mich ein eindringliches Biopic, ein feministisches Statement und ein bedeutender Beitrag zur filmischen Auseinandersetzung mit dem Zweiten Weltkrieg – intensiv, emotional, absolut sehenswert.

 

Ich habe den Film meinem Sohn für den Geschichtsunterricht in der 10. Klasse empfohlen.

 

Filmwertung: 4 von 5

 

In diesem Sinne,

Eure

Charlys  Tante

„Superman Reloaded – und Krypto rettet den Tag“

Ach, wie lange haben wir gewartet – und jetzt ist er da: Superman, frisch entstaubt und mit einem Schuss James-Gunn-Wahnsinn serviert. Und was soll ich sagen? Das Warten hat sich gelohnt. Es ist nicht die übliche Krypton-Kind-auf-Erde-Geschichte. Kein rührseliges „Oh, schaut mal, ein Baby im blauen Cape“. Nein, wir landen mitten im Metropolis-Getümmel, und unser Held fällt wortwörtlich vom Himmel. Wirklich! Zum Glück schleppt ihn sein Hund Krypto (der heimliche Star des Films!) in den Unterschlupf. Allein diese Szene ist es wert, das Popcorn nicht nur zu knabbern, sondern vor Lachen zu verschütten.
Aber bitte nicht falsch verstehen, die Origin-Story mit zuletzt Henry Cavill fand ich auch super.

Lex Luthor? Der hat wieder mal seinen größten Spaß daran, Superman zur Strecke zu bringen. Und ja, natürlich weiß man, dass der Gute am Ende triumphiert – sonst wäre es ja kein Superman-Film. Aber der Weg dahin ist diesmal gespickt mit schrägem Humor, herrlich skurrilen Einfällen und einem Superman, der mehr Mensch ist, als man vermutet hätte. Da bekommt selbst der unverwundbare Kryptonier mal ein blaues Auge und muss sich anhören, dass selbst Helden nicht immer strahlen wie frisch polierte Statuen.

James Gunn – der Mann für den schrägen Superhelden-Spaß

Dass James Gunn das Ruder in die Hand genommen hat, merkt man sofort. Gunn, der bereits mit „Guardians of the Galaxy“ (ich liebe diese Filme alle) bewiesen hat, dass er selbst einem Waschbären mit Knarre Tiefe verleihen kann, zeigt uns hier einen Superman mit Ecken, Kanten und jeder Menge Selbstironie. Kein grimmiger, dunkler Weltenretter, sondern einer, der auch mal über sich selbst stolpert. Und ja, da ist diese Szene mit dem gigantischen Riesenbaby Kaiju, das Superman und die herrlich schräge League-Gang (Green Lantern, Metamorpho und Hawkgirl) gemeinsam bekämpfen müssen. Herrlich over-the-top und doch so charmant, dass man sich fast wünscht, Gunn würde auch die nächsten Superman-Filme machen.

Liebe, Streit und Lois Lane
Was  wäre Superman ohne Lois Lane, die alles immer zusammenhält, dem Held den Kopf wächt und ihm zeigt, wer hier das sagen hat, zumindest wenn Superman nur Glark Kent ist.
Lois Lane, gespielt von der grandios scharfzüngigen Schauspielerin Rachel Brosnahan (Grandiose Serie -The Marvelous Mrs. Maisel- unbedingt anschauen) (Insider munkeln, Gunn habe die Dialoge teilweise spontan am Set umschreiben lassen), steht Superman nicht nur zur Seite, sondern auch gehörig auf den Füßen. „Heldentum ist kein Freifahrtschein für Blödsinn“, so ungefähr könnte ihr Leitspruch lauten. Und diese Dynamik macht das Paar so herrlich menschlich, dass man glatt vergessen könnte, dass da ein Mann im Cape durch die Lüfte schwebt.

3D oder nicht 3D?

Tja, das 3D. Wie so oft eine zweischneidige Sache. Einige Szenen wirken großartig – man möchte fast nach Superman greifen, wenn er durch die Wolken stürzt – andere Szenen hingegen… nun ja, eher wie eine 2D-Postkarte mit leichtem Tiefenschärfe-Filter. Das ist der Preis, wenn Filme nachträglich konvertiert werden. Spaß hat’s trotzdem gemacht, aber wenn der Film im Heimkino in knalligem 4K anläuft, ist das Popcorn schon bestellt. Nein, natürlich nicht -Kein Popcorn in meinem Kino!

Und der Ton?

Dolby Atmos gab’s im Kino leider nicht, was etwas schade ist. Stellenweise hätte ein Donnerschlag von oben oder ein kreischendes Alien aus der Decke noch mal für Gänsehaut gesorgt. Aber hey – wenn man schon ein eigenes Heimkino hat (mit 3D und quasi eingebautem „Dolby Himmel“), dann meckert man auf hohem Niveau.

James Gunn und sein Superman – Ein Blick hinter die Kulissen

James Gunn, der Meister des schrägen Superheldenhumors, hat mit „Guardians of the Galaxy“ und „The Suicide Squad“ bewiesen, dass er selbst aus Randfiguren Kultfiguren machen kann. Als Warner Bros. ihn 2022 zum kreativen Kopf des neu aufgestellten DC-Universums ernannte, war die Überraschung groß: Ausgerechnet Gunn sollte Superman neu erfinden – den strahlendsten aller Helden?

Doch Gunns Ansatz ist erfrischend anders. Er wollte weg vom übermenschlichen Halbgott-Image und hin zu einem Superman, der auch mal scheitert, zweifelt und dabei nahbar bleibt. „Superman darf Mensch sein, auch wenn er keiner ist“, sagte Gunn in einem Interview – und genau das spürt man in jeder Szene.

Kurios am Rande: Der vierbeinige Krypto-Held entstand aus einer spontanen Idee beim Brainstorming. Gunn wollte einen „Sidekick, der Superman an die Leine legt – im wahrsten Sinne des Wortes“. Seitdem ist Krypto nicht mehr wegzudenken und für mich der heimliche Star des Films.

Die Dreharbeiten waren übrigens eine Mammutaufgabe: Gunn bestand darauf, dass viele der Effekte praktisch umgesetzt wurden, um eine greifbarere Welt zu schaffen. 

Und noch mehr News!
3 Dinge, die du noch nicht über diesen Superman wusstest

1. Krypto war fast ein Kätzchen.
James Gunn hatte ursprünglich überlegt, Superman einen Sidekick in Form einer Katze (!) zu geben. „Aber eine Katze hätte ihn wahrscheinlich verraten und Lex Luthor in die Arme getrieben“, witzelte Gunn später. Zum Glück entschied er sich für den loyalsten Hund der Filmgeschichte – und Krypto stahl am Set und im Film allen die Show.

2. Das Riesenbaby ist kein CGI-Monster.
Ja, du liest richtig: Für den Baby-Kaiju baute das Team eine vier Meter hohe Animatronic-Puppe. Die Crew taufte sie liebevoll „Baby Bruce“ – nach Bruce Wayne. Angeblich musste Gunn mehrmals während der Dreharbeiten eingreifen, weil das Baby zu realistisch „weinte“ und die Extras verstörte.

3. Superman hat ein geheimes Easter Egg.
In einer Szene sieht man kurz eine Werbetafel mit dem Schriftzug „Fly Safe, Mr. Gunn!“ – eine kleine Hommage des Teams an den Regisseur. Dieses Easter Egg geht im 3D-Gewusel leicht unter, also beim zweiten Kinobesuch gut hinschauen!



Fazit:
„Superman“ ist kein Reboot im klassischen Sinne, sondern fühlt sich eher wie ein Superman 2.0 an – direkt rein ins Geschehen, ohne lange Origin-Storys. Ein frischer, frecher, kurzweiliger Film, der Superman von seiner besten (und manchmal verletzlichsten) Seite zeigt. Es ist ein Neustart, der Mut beweist, und dabei so viel Spaß macht, dass selbst Lex Luthor vor Freude die Glatze polieren könnte.

Bewertung:

Film: 4 von 5 Krypto-Pfoten

Bild (3D): 3,5 von 5 – mit Bonuspunkten für die Baby-Kaiju-Szene

Ton: unbewertet (Dolby Atmos, wo warst du?)


In diesem Sinne:

Ab ins Kino – bevor Krypto euch den Platz wegschnappt!
Vielleicht bleibt ihr bis zum Abspannende einfach mal im Kino sitzen und genießt den Score, sowie hoppla, was kommt denn da noch. Ist das vielleicht ein Hinweis auf Superman 3.0 oder so ?????

Eure
Charlys Tante

Ferrari – Michael Manns verdichtetes Porträt einer Legende:

Adam Driver überrascht immer wieder. Bereits in House of Gucci zeigte er, dass er komplexe, vielschichtige Charaktere eindrucksvoll verkörpern kann. Als Enzo Ferrari liefert er nun eine weitere Glanzleistung ab und taucht gemeinsam mit Penélope Cruz tief in eine entscheidende Phase des Lebens der Motorsport-Ikone ein. Michael Mann konzentriert sich in seinem Biopic nicht auf ein komplettes Lebenswerk, sondern komprimiert die Handlung auf ein einziges Jahr – 1957. Dieses Jahr wird zu einem Brennglas, das die Essenz von Ferrari offenlegt: kompromissloser Ehrgeiz, der Sieg als einziges Ziel – und der Preis, den Menschen dafür zahlen müssen.

Inhalt und Stil

Ein Jahr - 1957 -. Diese kurze Spanne reicht aus, um die Essenz von Enzo Ferrari zu erfassen: ein Mann, der kompromisslos dem Erfolg verschrieben ist, koste es, was es wolle. Michael Mann verzichtet auf eine klassische, chronologische Biografie. Stattdessen verdichtet er das Leben Ferraris zu einem intensiven Momentbild – ein Porträt eines Mannes, der zwischen privater Tragödie und geschäftlicher Existenzangst zerrieben wird.

Bereits in den ersten Minuten ist klar, dass Ferrari kein gewöhnliches Biopic ist. Mann mischt Archivaufnahmen von Enzo als Rennfahrer mit filmisch überhöhten Momenten, in denen Motorenlärm und Choräle ineinanderfließen. Eine Sequenz, in der ein Gottesdienst und eine Rekordfahrt auf der Rennstrecke parallel geschnitten werden, zeigt exemplarisch diesen Mut zu filmischer Verdichtung.
 

Enzo Ferrari: Ein Mann im Zwiespalt

Enzo Ferrari wird als Mann gezeichnet, der einerseits von Ehrgeiz und Vision getrieben ist, andererseits aber ein Leben voller Schuld und Trauer führt. Sein privates Leben ist zerüttet. Seine Ehe mit Laura ist geprägt von Schmerz und Wut, wenn sie morgens eine Pistoelkugel direkt neben ihm einschlagen lässt, da bekommt man einen Eindruck von ihrer Intensität.. Neben dem Motorsport stehen demnach seine Beziehungen zwischen seiner Frau Laura und seiner Geliebten Lina Lardi  im beonderen Fokus, die gegensätzlicher nicht sein könnten. Ihr gemeinsamer Sohn ist verstorben, und das Paar lebt zwischen Schmerz, Misstrauen und aufgestauter Wut. Cruz füllt jede Szene mit einer eruptiven Energie – sei es, wenn sie ihrem Mann mit einem Füllfederhalter oder mit Obst Aggressionen entgegenwirft oder in scharfen Wortgefechten die Oberhand behält.
Die Dynamik zwischen Driver und Cruz ist ein Schauspiel für sich: ein Tanz zwischen Hass und Leidenschaft, der zuweilen an die Grenzen der Komik stößt, wenn ein US-Amerikaner und eine Spanierin ein italienisches Ehepaar verkörpern. Doch diese Widersprüchlichkeit ist es, die dem Film eine besondere Würze gibt.

Rennszenen mit Wucht:

Die Rennszenen sind spektakulär inszeniert, rau und kompromisslos. Mann zeigt die Gefahr des Motorsports ohne jegliche Beschönigung. Wenn es zu Unfällen kommt, sind diese von einer brutalen Realitätsnähe, die man so schnell nicht vergisst. Der Zuschauer spürt den Adrenalinschub und die tödliche Ernsthaftigkeit des Sports.

Historischer Hintergrund

Michael Mann hegte seit über 30 Jahren den Traum, ein Biopic über Enzo Ferrari zu drehen. Das Drehbuch von Troy Kennedy-Martin (The Italian Job), der 2009 verstarb, bildet die Grundlage. Zahlreiche Stars waren zwischenzeitlich für die Rolle im Gespräch – Robert De Niro, Hugh Jackman oder Christian Bale. Doch Adam Driver ist die perfekte Wahl: Seine Darstellung von Ferrari vereint Stolz, Sturheit und eine tiefe innere Zerrissenheit.
Penélope Cruz ist als Laura Ferrari nicht weniger brillant: Als betrogene Ehefrau und Geschäftspartnerin spielt sie mit einer Intensität, die einem Gänsehaut beschert.

Das Jahr 1957, das der Film in den Fokus rückt, war ein Wendepunkt für Ferrari – nicht nur wegen wirtschaftlicher Probleme, sondern auch aufgrund des tragischen Mille-Miglia-Unfalls, der den Ruf des Unternehmens zu zerstören drohte.


Bild:

Nostalgisch angehauchte leicht gedeckte Farben dominieren das Bild, wodurch die Rennsportwelt der 1950er-Jahre authentisch wirkt. Das ikonische Ferrari-Rot sticht dabei als bewusster Kontrast hervor.  Die Kamera bleibt oft nah an den Figuren und fängt das Gesicht von Adam Driver in nuancierten Nahaufnahmen ein, um Enzo Ferraris innere Zerrissenheit zu zeigen. Die Rennsequenzen sind dynamisch und kraftvoll inszeniert. Hierbei nutzt Michael Mann schnelle Schnitte, wackelnde Kameraperspektiven und extreme Close-ups, um die Gefahr und Geschwindigkeit hautnah erlebbar zu machen. Das Bild ist scharf, aber nicht übertrieben digital. Es wirkt organisch und fügt sich gut in den historischen Kontext des Films ein.
 

Ton:

Der Ton liegt in DTS-HD Master Audio 5.1 vor. Er entfaltet seine volle Kraft besonders bei den Rennszenen, wenn der typische Ferrari-Sound durch den Raum jagt. Insgesamt ist der Ton etwas frontlastig, dafür mit klar definierten Effekten, die immer mal wieder hervorblitzen. Besonders bei Unfällen oder Überholmanövern ist der Sound immersiv und eindringlich. der Soundtrack wurde  innerhalb einer Woche eingespielt, und trägt starke italienische Einflüsse. Klassische Streicher und Opernanklänge unterstreichen Ferraris kulturelle Wurzeln. Das Ticken von Stoppuhren, Motorengeheul oder das Klicken von Werkzeugen sind akustische Highlights, die die Authentizität des Films erhöhen.
 

Fazit:

Ferrari ist kein klassisches Biopic, sondern ein künstlerisch verdichtetes Psychogramm. Michael Mann gelingt es, das Innenleben eines Mannes zwischen Triumph und Tragödie zu erforschen, ohne sich in Hollywood-Klischees zu verlieren. Adam Driver und Penélope Cruz tragen den Film mit intensiven, körperlichen Darstellungen, die im Gedächtnis bleiben. Wer bereit ist, sich auf Manns stilisierte Erzählweise einzulassen, wird mit einem packenden, kraftvollen Kinoerlebnis in seinem möglichst großen Heimkino belohnt.
Es ist einer der Filme, die ich eigentlich nicht bewerten möchte. Jeder sollte sich hier sein eigene Sicht bewahren und nicht durch mein Votum beeinflusst werden.

 

In diesem Sinne

Eure

Charlys Tante