Filmbewertungen von LoSt_F.a.n.

Von den paar Horrorfilmen, die ich gesehen habe, ist Scream von 1996 einer meiner Lieblinge. Auch wenn ich ihn erst vor zwei Jahren das erste Mal gesehen habe, hat das der Erfahrung keinen Abbruch getan. Der Film funktioniert dank seines meisterhaften Drehbuchs auch 25 Jahre später noch tadellos. 11 Jahre nach dem vierten Teil kommt nun das nächste Sequel. Das ist der erste Scream-Teil, welcher ohne den mittlerweile verstorbenen Wes Craven inszeniert wurde.

Mittlerweile ist es echt ein Ding in Hollywood geworden, dass man alte Marken wiederbelebt und altbekannte Charaktere zurückholt, damit sie nochmal zeigen können, dass die jungen Leute zwar cool sind, aber nicht so cool wie die zurückkehrenden Stars aus dem ersten Teil. Wie wir in den letzten Jahren gesehen habe, ist diese Formel ein Hit and Miss. In der Regel läuft es eher auf ein Miss hinaus. Mit der Nostalgienote werden zwar genug Zuschauer erreicht, aber leider wird sich durch diesen Aspekt viel zu wenig Mühe mit dem Rest des Films gegeben.

Scream 5, wie ich in jetzt mal nennen werde, weil er genau das ist, hat ein Problem, was die meisten "Requels" nicht haben. Im Gegensatz zu anderen Filmreihen gab es mit Scream 4 bereits diese Fortsetzung für das Franchise, welche einige Jahre nach dem letzten Teil herausgekommen ist und alte mit neuen Figuren auftreten lässt. Jetzt, 11 Jahre später, beerben das Regie-Duo Matt Bettinelli-Olpin und Tyler Gillett den Horror-Meister Wes Craven und dürfen den gleichen Aufguss nochmal starten. Leider wirkt Teil 5 ziemlich ausgelutscht, gerade weil es der mittlerweile fünfte Teil ist und immer noch nach dem gleichen Schema vorgegangen wird. In der ersten Szene habe ich mich echt gefragt, ob es der Ernst der Macher ist. Wenn man zum fünften Mal den gleichen Stoff neu aufwärmt, muss man auch mal irgendwas neues bieten und das tut Scream 5 meiner Meinung nach nicht oder er tut es in so einem geringen Ausmaß, dass es den Film in der Summe einfach nicht retten kann.

Die neuen Darsteller*innen sind solide, aber auch recht vergessenswert, vor allem im Hinblick auf die Geschichte. Es sticht hier niemand wirklich heraus. Der erste Scream hatte hingegen reihenweise interessante und gut geschriebene Figuren, welche ihn so sehr gegenüber anderen Horrorfilmen hevorstechen lassen. Die drei in den anderen Teilen schon vorgekommenen Hauptcharaktere Sidney Prescott, Gale Weathers und Dewey Riley kehren auch hier zurück, aber bekommen kaum etwas zu tun. Man bekommt nicht das Gefühl, dass die Figuren in dem Film sein müssen, sondern viel mehr, dass sie hier sind, weil der Film sich so besser verkaufen lässt und die Fans so befriedigt werden.
Dewey bekommt von den dreien noch am ehesten ein Hauch von Charaktertiefe, aber selbst diese wird mit einem so dummen Verhalten der Figur wieder eingerissen.

Im Allgemeinen ist der Film voll mit Logikproblemen und sehr dummen Entscheidungen. Wenn ich mich im Jahr 2022 in einem Horrorfilm immer noch über die Dummheit von Charakteren aufrege, welche aufgrund der vergangenen Ereignisse innerhalb des Filmuniverums und ihres Selbstbewusstsein gegenüber der Metaebene deutlich intelligenter handeln müssten, ist das einfach ein absolutes No-Go. Dass hier auch noch die gleichen Fake-Jumpscares zurückgeholt werden, macht das Ganze nicht besser.

Was ich immerhin zu Gute halten muss, ist der blutige Gewaltgrad, denn dieser ist schon ordentlich. Hätte für meinen Geschmack sogar noch etwas heftiger sein können.
Die Frage nach dem Whodunit macht auch hier Spaß bis zum Ende, hätte aber noch besser funktioniert, wenn die Charaktere interessanter gewesen wären und intelligenter agiert hätten und dies nicht bereits der fünfte Teil wäre.

Scream 5 ist für mich eine ziemliche Enttäuschung. Der Film ist zwar relativ unterhaltsam, aber er erfüllt die geringsten Ansprüche, damit er in seinem Genre und als Nachfolger von Scream funktionieren kann. Meiner Meinung nach hätte man den Film aber entweder sein lassen oder sich deutlich mehr Mühe mit dem Drehbuch machen sollen, damit sich ein Ausflug nach Woodsboro im Jahr 2022 überhaupt noch lohnt. Ich gebe Scream 5 2,5 Punkte. 

Ich habe die Serien aller Serien beendet. Ich muss zugeben, dass ich auch nach fünf Staffeln nicht der größte Fan von David Simons Magnum Opus geworden bin. Ähnlich wie zuletzt bei Better Call Saul, ist mein Respekt gegenüber der Serie größer wie mein Genuss gewesen. Ich war nie dauerhaft 100% hooked und habe nicht ohne Grund vor ein paar Jahren meinen ersten Watch mitten in der dritten Season abgebrochen. Denn The Wire ist nicht wie andere Serien.

Man muss sagen, dass David Simon hier eine Serie geschaffen hat, die sich komplett von der Konkurrenz absetzt. Hier gibt es keine krassen Cliffhanger, große Shootouts und spektakuläre Tode wie man sie aus anderen Crime-Serien kennt. Dadurch zeichnet sich The Wire aus. Gewalt und Spannung ergeben sich aus der Geschichte heraus, aber nicht weil der Zuschauer jede Folge gefesselt werden muss. Mit ihrer Authentizität stellt die Serie alles andere in den Schatten und erinnert schon fast mehr an eine Dokumentation wie eine fiktive Unterhaltungsshow.

Die Handlung ist über alle Staffeln hinweg sehr komplex geschrieben, wodurch man durchweg seine ganze Aufmerksamkeit der Serie widmen muss, um in den vollen Genuss zu kommen. Die Darsteller*innen in diesem großen Ensemble spielen allesamt großartig. Ob hier jemand direkt von der Straße gecastet wurde oder zuvor schon ein begnadeter Darsteller war. Alle überzeugen vollkommen.

Durch die verschiedenen Institutionen Baltimores bekommt man im Laufe der Serie viele Charaktere zu sehen, von denen manche nur kleine Randfiguren und andere mit staffelübergreifenden Arcs von Anfang bis Ende mit dabei sind. Am besten unterhalten war ich, wie sollte es auch anders sein, von allem was sich im Ghetto abgespielt hat. Die Charaktere, deren Verhalten und die Beziehungen untereinander haben mich am meisten interessiert. Der Kontrast zu den Polizeiermittlern um McNulty war auch interessant mit anzusehen.

Sobald es politischer wurde und in höhere Positionen der Stadt abgedriftet ist, habe ich leider immer nur mit einem halben Ohr hingehört. Das sagt natürlich weniger etwas über die Qualität der Serie aus, als vielmehr über mich als Konsumenten.

Gelohnt hat sich das Ansehen der Serie aufgrund einiger Figuren wie z.B. Omar, Bunk oder Snoop und der allgemeinen Seherfahrung allemal. Meinen persönlichen Serienolymp konnte The Wire jedoch vorerst nicht erklimmen. Ich gebe The Wire insgesamt 4 Punkte. 

Beim ersten Mal konnte ich mit Scream 3 nahezu gar nichts anfangen und war etwas erschrocken von der Meta-Idee des Drehbuchs. Beim Rewatch habe ich schon erwartet, dass mich das zweite Sequel des Franchise erneut nicht begeistern wird. Ein richtiger Fan bin ich auch dieses Mal nicht geworden. Trotzdem hatte ich eine ganz gute Zeit und sogar ein bisschen Spaß im Vergleich zum ersten Mal.

Inhaltlich geht es um die Dreharbeiten zu Stab 3, dessen fiktive Filmreihe sich mit der Geschichte um Sidney Prescott und Co. befasst und bereits im zweiten Teil vorgekommen ist. Der dritte Teil soll allerdings innerhalb des Scream-Universums eine fiktive Geschichte erzählen. Als jedoch Morde am Set durch einen neuen Ghostface-Killer geschehen, melden sich Dewey, Gale und schließlich auch Sidney zurück, um der Sache auf den Grund zu gehen und den Täter zu stellen.

Wenn man von der Meta-Ebene und dem viel präsenteren Humor absieht, macht der Film nichts wirklich neues. Ob man es einer Filmreihe abnehmen kann, dass in jedem Teil irgendwer sich erneuert dasselbe Kostüm anzieht, muss wohl jeder für sich entscheiden.
Ich für meinen Teil hatte schon im zweiten Teil deutliche Ermüdungserscheinungen gemerkt und muss sagen, dass der Original-Scream für sich genommen am besten funktioniert und es keiner Fortsetzung bedarf. Die Nachfolger ziehen das Original nicht in den Dreck, aber ebenbürtig ist keines der Sequels. Leider werden hier noch unnötige Familiengeschichten zu Sidney Prescott twistartig aufgemacht, welche die Glaubwürdigkeit ziemlich runterziehen.

Scream 3 hat mit dem Film-im-Film einen netten und unterhaltsamen Ansatz und bringt somit mehr frischen Wind in das Franchise, wie sein Vorgänger. Eine wirklich gute und würdige Fortsetzung, welche sich am Original messen lassen kann, ist der Film aber trotzdem nicht geworden. Ich gebe Scream 3 3 Punkte. 

Mit ihrem letzten Film "Good Time" konnten mich die Safdie Brüder schon voll und ganz überzeugen.
Als ich hörte, dass ihr nächster Film eine A24-Produktion mit Adam Sandler in der Hauptrolle wird, war ich sehr gespannt.
Durch den Kinostart Ende 2019 in den USA kamen schon viele Lobeshymnen rein und der Film füllte einige Top-Listen. Der Erwartungshaltung war also relativ hoch.

Die Prämisse, dass ein Gambler sich immer weiter in die Scheiße reitet, klingt erst einmal grundsätzlich interessant. Trotzdem ist der Film definitiv nicht für jedermann. Er ist sehr hektisch.Das liegt sowohl am Pacing wie auch an Sandlers Charakter. Seine Figur Howard Ratner ist definitiv ernster angelegt wie viele andere Quatsch-Rollen in Sandlers Karriere. Er labert trotzdem viel Scheiße und es wird viel geflucht. Ein kompletter Gegensatz zu seinen bisherigen Rollen ist Howard also nicht. Er zeigt hier aber deutlich, dass er schauspielerisch mehr drauf hat, wie man durch seine meisten Filmen vermuten könnte. Der restliche Cast macht seine Sache gut, vor allem Lakeith Stanfield kann eine weitere sehr gut gespielte Nebenrolle in seiner Filmographie verzeichnen. Die visuelle Inszenierung unterstreicht das ganze nur noch. Besonders profitieren tut der Film auch durch den elektrisierenden Soundtrack von Daniel Lopatin.
Handwerklich überzeugt Uncut Gems wie auch schon Good Time auf ganzer Linie. Der Climax hat mir sehr gut gefallen.

Insgesamt haben die Safdies hier einen absolut sehenswerten Film mit einem fantastischen Adam Sandler abgeliefert. Ich gebe Uncut Gems 4 Punkte. 

Der erfolgreiche Scream-Reihe fängt für mich leider schon in der ersten Fortsetzung an zu schwächeln. Das zeitlose Original war in seiner Idee und Ausführung sehr revolutionär für das Horror-Genre. Auch im zweiten Teil stellt man sich durchweg die Frage, wer denn nun der Killer ist. Das Miträtseln macht natürlich wie bereits im erfolgreichen Vorgänger Spaß und erzeugt Spannung. Die Auflösung am Ende ist aber leider richtig schwach. Trotz seiner Laufzeit von zwei Stunden, kann ich nicht behaupten, dass ich mich währenddessen groß gelangweilt habe. Die wirklichen Highlights blieben aber leider trotzdem aus.

Zum dem wiederkehrenden Hauptcast stößt der fantastische Timothy Olyphant und Laurie Metcalf, deren Rolle mir aber nicht zugesagt hatte. Die bereits bekannten Gesichter um Neve Campbell und David Arquette machen erneut einen soliden Job.

Dass Scream 2 nur ein Jahr nach dem Original erschienen ist, wusste ich tatsächlich gar nicht mehr. Da ist es gar nicht so verwunderlich, dass das Sequel mit weniger Cleverness und Raffinesse daherkommt wie sein Vorgänger. Eine mittelmäßige Fortsetzung, die es für mich nicht gebraucht hätte, aber wenigstens noch deutlich sehenswerter als der dritte Teil ist.
Ich gebe Scream 2 3 Punkte. 

Drei Jahre nach der gleichnamigen Fortsetzung zu John Carpenters Horrorklassiker Halloween führt David Gordon Green mit Halloween Kills die Story um Michael Myers weiter und knüpft an das Ende seines Vorgängers an. Wie das Sequel von 2018 es vorgemacht hat, werden (mehr oder weniger) gekonnt alle anderen Teile bis dahin ignoriert.

Überraschenderw eise beginnt der Film mit einem Flashback in die Halloween-Nacht von 1978. Officer Hawkins erschießt versehentlich seinen Partner bei dem Versuch Michael Myers auszuschalten. Myers wird dennoch kurz daraufhin von der Polizei gestellt und Hawkins vereitelt im letzten Moment Myers Exekution durch Dr. Loomis. 40 Jahre später setzt die Handlung am Ende vom 2018er Halloween an. Laure Strode ist mit ihrer Tochter und ihrer Enkelin auf dem Weg ins Krankenhaus, während ein wütender Mob unterdessen versucht dem nicht tot zu kriegenden Michael Myers endgültig den Garaus zu machen.

Der Beginn ist an sich schon das Highlight des Films. Ob man dies jetzt sowohl auf inhaltlicher wie auch auf inszenatorischer Ebene wertet, wird jeder anders sehen. Ich war jedenfalls schwer beeindruckt, wie der Film es schafft den Look und die Atmosphäre des Originals einzufangen. Die Szenen mit Thomas Mann und Jim Cummings, über deren Auftritt ich mich sehr gefreut habe, könnten vom Look auch locker aus dem Original von 1978 stammen. So gut wurde hier das Bild mit Körnung und Farbgebung angepasst. Ein Großteil der Filme, welche ebenfalls solche Abstecher in die Handlung früherer Werke machen, nehmen diesen Aufwand gar nicht auf sich. Dabei zeigt Halloween Kills, wie viel sich die Arbeit im Hinblick auf die Immersion und das Seherlebnis auszahlt. Was den Inhalt angeht, finde ich den Flashback gelungen. Gebraucht hätte ich ihn nicht unbedingt, aber ich nehme ihn gerne. Da ich weder riesiger Fan noch ein Experte des Franchise bin, wird mir hier das Original nicht angekratzt und die Handlung sinnvoll erweitert.

In der Gegenwart wollen sich die Bewohner von Haddonfield Michael Myers mit allen möglichen Waffen stellen. Und hier beginnt auch schon eine Reihe von Problemen, die ich mit dem Film habe. Michael Myers mordet sich wie ein Irrer durch diesen Film. Statt der Suspense stehen hier die Kills im Fokus. Die haben es durchaus in sich und rechtfertigen das 18er-Rating mit Leichtigkeit. Im Vergleich mit dem Original ist das aber vom eigentlichen Horror schon ein wenig entfernt. Klar, die üblichen Horror-Tropes sind auch hier stellenweise vorhanden. Der Body-Count und die Art des Tötens scheinen mehr im Vordergrund zu stehen wie die Angst und der Grusel vor dem maskierten Killer. Die Bedrohung wird dadurch deutlich in ihrer Wirkung abgeschwächt, wenn sie so oft präsent und vor allem sichtbar ist. Dass hier mal wieder Nebenfiguren dran glauben müssen, verstärkt diese Schwäche nur weiter. Die Rückkehr von Figuren aus dem Original, ob selbe oder neue Darsteller, ist zwar schön und für den einen oder anderen Fan bestimmt auch erfreulich, macht aber das Ableben der Figuren nicht unbedingt interessanter oder emotionaler für den Zuschauer. Dafür fehlt die Bindung, welche durch das irrationale Handeln leider nur mehr eingerissen wie aufgebaut wird. Die einzige Person, um die man wirklich bangen würde, ist Laurie Strode und die ist hier nur ein Nebencharakter, welcher sich für den finalen dritten Film im Krankenhaus regenerieren muss. Da Michael aus unmöglichsten Situationen lebendig rauskommt, macht sich am gerade am Ende auch noch die Suspension of Disbelief bemerkbar.

Leider merkt man Halloween Kills sehr stark an, dass er nur der Mittelteil einer Trilogie ist. Der lahme Handlungsstrang im Krankenhaus nimmt das Tempo aus dem ansonsten kurzweiligen, blutigen Slasher. Für mich konzentriert sich der Film zu sehr auf die Mordlust und die einzelnen Tötungen seines Killers, als auf Spannung und Grusel zu setzen, welche John Carpenters Klassiker ausgemacht haben. Die Rückkehr von mehr oder weniger bekannten Charakteren, die ikonische Maske und das angespielte Kult-Theme reichen da nicht annähernd aus, um das Level vom 1978er-Halloween ranzureichen. Da haben David Gordon Green und Danny McBride sich für mein Empfinden etwas zu weit von der Quelle wie auch von ihrem ersten Streifen entfernt. Ein unterhaltsamer, kurzweiliger Slasher bleibt der Film allemal. Ich hoffe nur, dass die Reihe mit Halloween Ends nochmal die Kurve kriegt und diese Trilogie neben einem Kassenhit für Universal auch eine bleibende, inhaltliche Relevanz für das Original wie auch die Figuren von Laurie Strode und Michael Myers zu bieten haben wird. Ich gebe Halloween Kills 2,5 Punkte. 

Ziemlich genau 20 Jahre nachdem ich Rush Hour 2 auf VHS und somit wahrschinlich auch Jackie Chan entdeckt habe, kam es nun Dank der deutschen Neuauflage im Heimkino zu meinem ersten Watch von Police Story. Mir war bewusst, dass es mehrere Teile gibt. Bisher hatte ich aber nur New Police Story von Benny Chan gesehen. Was ich erst kurz vor dem Kauf des Films bemerkt habe, war, dass Chan sowohl hier wie auch im zweiten Teil Regie geführt hat. Wahnsinn!

Jackie spielt einen Polizisten, welcher einen Drogenboss hinter Gittern bringen möchte und dessen Sekretärin für eine Zeugenaussage beschützen muss. Währenddessen kommen ihm nicht nur die Handlanger des Drogenbosses, sondern auch noch Kollegen aus den eigenen Reihen in die Quere. Diese Handlung bildet das Grundgerüst, an dem Jackie seine ganzen Kampf- und Stuntkünste vollführen kann. Für das Jahr 1985 sieht man hier erstaunliche Stunts, die selbstverständlich alle von Chan selbst vollzogen wurden und auch zu etlichen Verletzungen geführt haben.
Heutzutage mag einem da nicht jede Actionszene aus den Socken hauen, aber alleine der Showdown im Kaufhaus ist diesen Film schon wert.

Sehr ungewohnt war, dass Jackie hier von Arne Elsholtz, der damalige Stammsprecher von Tom Hanks, synchronisiert wurde. Daran musste ich mich erstmal gewöhnen. Leider gibt es ein paar Stellen, wo er nochmal von einer ganz anderen Stimme gesprochen wird. Die Szenen sind scheinbar nachsynchronisiert worden und haben in der damaligen Fassung gefehlt. Auch wenn es ohnehin eine deutliche Action-Komödie ist, legt die deutsche Synchro an manchen Stellen noch einen drauf, was manchmal zu klamaukig wird. Insgesamt hat mir der Humor aber genau so viel Laune wie die Action gemacht. Brigitte Lin als Zeugin Selina und Maggie Cheung als Freundin May haben mir sehr gut gefallen und haben eine schöne Chemie mit Jackie. Bei Lin fand ich es noch stark, wie sie körperlich im Finale einstecken musste und wie involviert sie war. Das habe ich bisher selten so gesehen.

Auch wenn mich die Synchro hier und da aus dem Geschehen rausreißt, die Handlung recht dünn ist und der Film in der Mitte die eine oder andere Länge aufweist, habe ich mich doch sehr gut unterhalten gefühlt und amüsiert.
Dass ich mich mal mit früheren Werken von Jackie Chan beschäftige, war längst überfällig. Ich gebe Police Story 4 Punkte. 

Ich habe bisher keinen Candyman-Film gesehen und bin hauptsächlich durch den Hauptdarsteller Yahya Abdul-Mateen II und durch Jordan Peele als Produzenten auf diesen Candyman aufmerksam geworden.
Es geht um eine Weiterführung des Mythos um den Candyman und somit eine indirekte Fortsetzung. Soweit ich das beurteilen konnte, schmälern fehlende Vorkenntnisse zum Franchise das Seherlebnis nicht.

Für die Ahnungslosen wie mich, die den originalen Candyman von 1992 nicht gesehen haben: der Candyman ist eine urbane Legende, bei der es um einen dunkelhäutigen Mann geht, der grausam ermordet wurde. Ihm wurde die Hand abgesägt und er wurde mit Honig übergossen, wodurch er von Bienen zu Tode gestochen wurde. Wenn man in den Spiegel schaut und fünfmal hintereinander seinen Namen sagt, ruft man ihn herbei. Im Film wird das aber auch genügend erklärt.

Inhaltlich möchte ich nicht zu viel verraten. Der Künstler Anthony McCoy (Yahya Abdul-Mateen II) hört von der Legende des Candyman und sucht darin Inspiration für seine Werke. Man merkt sehr schnell, dass Nia DaCosta hier sehr feine Arbeit in der Inszenierung geleistet hat. Ich schaue bekanntlich selten Horrorfilme, aber dieser hier sticht handwerklich heraus. Da sind einige beeindruckende Einstellungen dabei, wo ich auch nochmal Kameramann John Guleserian lobend erwähnt haben möchte. Die Spiegel werden visuell und erzählerisch gut eingebunden. Die schauspielerischen Leistungen sind super, allen voran Yahya Abdul-Mateen II und Colman Domingo. Spannend bleibt der Film durchweg, auch wenn die Bedrohung zur Jetzt-Zeit natürlich nicht mehr originell daherkommt. Das machen die blutigen Gewaltspitzen wieder wett.

Durch die knackige Laufzeit von 90 Minuten kommt keine Langeweile auf. Das Ende fand ich sowohl cool wie auch etwas antiklimaktisch. Das Drehbuch wirkt im letzten Drittel etwas zu gehetzt, was ein deutlicher Gegensatz zum gemächlichen Anfang ist. Ein bisschen mehr Laufzeit wäre nicht verkehrt gewesen. Alles in allem ist Nia DaCosta aber ein sehr rundes Ding gelungen. Ich gebe Candyman 3,5 Punkte. 

Eigentlich habe ich mich nicht für das Elvis-Biopic interessiert. Mit Baz Luhmanns Inszenierung konnte ich bisher in The Great Gatsby gar nichts anfangen, weshalb ich mich gar nicht erst mit Elvis auseinandersetzen wollte. Dieser sah nämlich ähnlich überborden aus. Da die Wertungen durchschnittlich doch recht hoch waren und ich sehr neugierig auf Austin Butler's viel gelobte Leistung war, habe ich den Film nun zum Heimkino-Release direkt nachgeholt.

Leider ist hier die gleiche Reizüberflutung wie in The Great Gatsby eingetreten. Luhrmann verliert sich total in seinen technischen und stilistischen Spielereien und vergisst dabei eine richtige Geschichte zu erzählen. Einzelne Anhaltspunkte in Elvis' Leben werden nur kurz abgehandelt. Gerade in der ersten Hälfte kann man froh sein, wenn überhaupt mal eine kurze Szene kommt, in der versucht wird, die Charaktere aufzubauen. Ein Großteil der Szenen fühlt sich an wie ein riesengroßer Trailer. Sowas habe ich echt noch nicht gesehen. Trotz der stolzen Laufzeit von 160 Minuten schafft es der Film bis auf wenige Momente sich durchgehend gehetzt anzufühlen. Wenn man ein Biopic inszeniert, sollte man der Geschichte die Zeit geben, die sie braucht. Hier springt man hingegen von Moment zu Moment mit endlosen Schnitten und spielerischen Szenenübergängen. Die Kreativität ist dem Film nicht abzusprechen, auch vor der Kamera im Hinblick auf die Sets, die Ausstattung und die Kostüme. Die mangelnde Charakterzeichnung wie auch die zu oberflächlich erzählte Geschichte kann dadurch aber leider nicht annähernd ausgeglichen werden.

Am ärgerlichsten ist das Ganze im Hinblick auf die Leistung von Austin Butler. Wie wahrscheinlich jeder habe auch ich bei Elvis Presley direkt ein Bild wie auch eine Stimme in meinem Kopf und es ist unglaublich wie Butler diese Rolle rockt. Er spielt nicht Elvis, er IST Elvis. Er bewegt sich wie Elvis und er spricht wie Elvis. Wenn er die Songs auf der Bühne performt, ist das der Wahnsinn. Das ist eine absolute Glanzleistung, welche einen deutlich besseren Film verdient hätte. Wenn es hier keine Oscarauszeichnung gibt, weiß ich auch nicht weiter. Elvis' Manager hingegen gleicht einer Karikatur und Tom Hanks erinnert eher an einen Paolo Gucci, welcher hier nicht so ganz rein passt. Dass er auch noch die Rolle des Erzählers erhält, macht das Ganze nicht gerade besser. Keine Ahnung, was sich alle Beteiligten und Tom Hanks selbst bei dieser Casting-Entscheidung gedacht haben.

Die restlichen Figuren spielen sehr untergeordnete Rollen, die noch weitaus weniger Persönlichkeit wie die beiden Hauptfiguren auf den Leib geschrieben bekommen haben. Dabei hätte ich gerne mehr zu Elvis' Beziehung mit seiner Mutter und seiner damals zu Zeit des Kennenlernens noch viel zu jungen Frau Priscilla gesehen. Dass man selbstverständlich nicht das ganze Leben des Elvis Presley in all seiner Breite erzählen kann, ist mir bewusst. Baz Luhrmann hat sich aber für einen Weg entschieden, der inhaltlich weder dem Musiker und dem Menschen Elvis Presley noch der begnadeten Schauspielleistung des Austin Butler gerecht wird. Er hat sich zu sehr auf die mehr als gelungenen Bühnen-Performances seines Hauptdarstellers konzentriert und dabei die Geschichte und ihre Figuren aus den Augen verloren.

Für Austin Butler alleine würde ich eine Schauempfehlung raushauen. Wer sich davon nicht unbedingt beeindrucken lässt und mehr Wert auf eine schlüssige Geschichte legt, wird hier eventuell schwer enttäuscht werden. Ich gebe Elvis 3 Punkte. 

The Worst Person in the World klingt alleine vom Titel her schon sehr interessant. Es geht um die junge Julie, welche mitten im Leben steht und sich weder um bei ihrer Berufswahl noch bei ihrer Partnerwahl sicher ist. Sie möchte nichts verpassen und keinen falschen Weg einschlagen. Ihr älterer Partner Aksel denkt schon an Kinder, während sie noch gar nicht an dem Punkt in ihrer Lebensplanung angekommen ist.

Direkt in der ersten Szene zeigt sich die großartige Kameraarbeit von Kasper Tuxen (Riders of Justice). Das Level wird auch während des ganzen Films über gehalten. Untermalt werden die schönen Bilder mit einem passenden Score von Ola Fløttum, welcher es schafft die dramatischen aber auch die glücklichen Momente genau einzufangen.

Renate Reinsve hat mir in der Hauptrolle sehr gut gefallen, auch wenn Julie öfters unsympathisch daherkommt. Die Ähnlichkeit mit Dakota Johnson ist erstaunlich. Ich kann mir gut vorstellen, dass sie jetzt groß rauskommt und früher oder später bestimmt auch in der einen oder anderen US-Produktion zu sehen sein wird. Die beiden männlichen Hauptdarsteller fand ich ebenfalls klasse.
Die Dialoge und Situationen sind sehr authentisch und lebensnah, was mir gefallen hat, da sich viele Beziehungsdramen in Klischees verlieren. Hier kann man sich gut in die Szenen hineinversetzen, weil man ähnliche Diskussionen und Streitgespräche aus eigenen Beziehungen kennt oder die Figuren aufgrund der Argumentation, dem Streitthema oder der Körpersprache gut nachvollziehen kann.

Die Erzählstimme hat für mich nicht so gut funktioniert, da sie über Schlüsselmomente drüber spricht und eigentlich das selbe sagt, was die Figuren gerade von sich geben, während diese noch im Hintergrund zu hören sind. Im letzten Drittel gibt es außerdem einen sehr dramatischen Einschlag, welcher mir zu unnötig im Hinblick auf den ganzen Film ist. Auch wenn das Drehbuch gut mit dieser Situation umgeht, war es doch für mein Empfinden etwas zu dick aufgetragen aus inhaltlicher Sicht.

The Worst Person in the World wird im Großen und Ganzen mit ein paar Abstrichen den hohen Wertungen gerecht. Regisseur Joachim Trier und Drehbuchautor Eskil Vogt zeigen, dass realitätsnahe und authentische Dialoge wie auch Situationen unverzichtbare Bestandteile in einem Beziehungsdrama sind, wenn man aus der Masse herausstechen möchte.
Ich gebe The Worst Person in the World 3,5 Punkte. 

The Black Phone weckte sowohl von der Story wie auch vor allem von dem coolen Poster mein Interesse. Regisseur Scott Derrickson konnte mich mit Doctor Strange nur bedingt begeistern. An den "unheimlichsten Horror-Film aller Zeiten", Sinister, habe ich mich nicht ran getraut, da ich dem Horror-Genre als Angsthase weitesgehend den Rücken kehre. Sein neuester Streifen sah eher nach gruseligem Mystery-Thriller aus, was dann für mich noch erträglich ist.
Ethan Hawke spielt einen maskierten Entführer. Seine Opfer sind Jugendliche, die er in seinen Truck lockt und im Keller einsperrt.

Der Beginn zeigt Parallelen zum IT-Remake oder Stranger Things, da von der Hauptfigur Finney und seiner Schwester Gwen sowohl der Schulalltag wie auch das problematische Privatleben mit ihrem alkoholkranken Prügelvater gezeigt wird. Mason Thames und Madeleine McGraw sind dabei großartig gecastet und ein gutes Beispiel für starke Jungdarsteller. Nach der Entführung entwickelt sich der Film leider schnell zum Einheitsbrei, welcher sich nur durch Ethan Hawke mit seiner Maske und den übernatürlichen Elementen um das titelgebende Black Phone von anderen Entführthrillern absetzt. Hawke spielt klasse und die Masken lassen ihn sehr bedrohlich wirken, aber er bekommt weder eine wirkliche Persönlichkeit noch ein Motiv. Sehr schade, da ich die ersten Auftritte von ihm sehr stark inszeniert fand. Die Atmosphäre ist durch die Sets und den kraftvollen Score sehr düster und wird an wenigen Stellen von unpassenden Comedy-Momenten gestört. Die übernatürliche Einschübe, welche keinen so kleinen Anteil haben, waren nicht mein Ding, weil sie weder erklärt werden, noch nachvollziehbar erscheinen.

Auch wenn The Black Phone ein handwerklich guter Horror-Mystery-Thriller mit starken Schauspielleistungen geworden ist, verschenkt er für mich doch einiges an Potenzial. Der übernatürliche Part hat mich immer wieder rausgerissen. Für die Atmosphäre und die Darsteller kann man hier aber definitiv als Fan des Genres mal reinschauen.
Ich gebe The Black Phone 3 Punkte. 

Ferris Bueller's Day off ist eine der bekanntesten und kultigsten John Hughes Produktionen. Trotzdem hat es lange gedauert, bis ich auf die Idee gekommen bin ihn mir anzusehen.

Man merkt direkt zu Beginn, dass Matthew Broderick die Idealbesetzung für den titelgebenden Schulschwänzer ist. Wie er alles plant und in die Tat umsetzt, ist sowohl unrealistisch wie auch sehr unterhaltsam. Bei seinem Ausflug nach Chicago begleiten ihn sein neurotischer Kumpel Cameron wie auch seine Freundin Sloane. Immer wieder durchbricht Ferris die vierte Wand und spricht somit direkt zu dem Zuschauer, wie man es heutzutage von Deadpool kennt, welcher sogar eine ganze Szene aus diesem Film zitiert. Währenddessen versucht der Schulleiter Rooney das mysteriöse Fehlen der Schüler aufzudecken.

Ob man Ferris als Charakter mag oder nicht, der Film macht Spaß und ist sehr unterhaltsam. Ganz ohne Kritikpunkte kommt der Film aber auch nicht aus. Übel aufgestoßen ist mir Ferris' Umgang mit Cameron bzw. seiner Krankheit. Das ist fernab von vertretbar und absolut kein vorbildliches Verhalten. Hier hätte man wenigstens noch ein Umdenken bzw. eine Entschuldigung miteinbauen können.
Wenn man von diesem Fehltritt absieht, ist Ferris Bueller's Day Off eine weitere glänzend besetzte und gut geschriebene Coming-Of-Age Comedy von John Hughes. Ich gebe Ferris Bueller's Day Off 3,5 Punkte.

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Ich glaube, dass ich bis zum Erscheinen der John Hughes Collection auf Blu-Ray bisher nie von diesem Film gehört habe. Wenn ich doch mal über den Titel gestolpert bin, habe ich ihn wahrscheinlich direkt wieder vergessen. Steve Martin sagte mir vom Namen her und John Candy kannte ich nur durch seine Nebenrolle in Home Alone. Da ich John Hughes' Filme mag und der Film sehr gut bewertet ist, war ich gespannt, was mich hier erwarten wird.

Der Film ist eine reine Roadtrip-Comedy, bei der gefühlt so viel schiefgeht wie bei den Griswolds an Weihnachten. Man schaut Martin und Candy dabei zu, wie sie sich etlichen Hürden stellen müssen und sich dabei noch Wortgefechte liefern. Die Geschichte ist simpel, aber reicht als Rahmenhandlung komplett aus. Am Ende machen die Hauptdarsteller, deren Dialoge und das Drehbuch den Film zum Klassiker. Die Laufzeit ist mit knapp anderthalb Stunden knackig und das Pacing ist genau richtig. Der Humoranteil ist sehr groß, aber es bleibt auch Zeit für herzliche Momente. Insgesamt ein schöner Roadtrip-Film mit sehr gut aufgelegten Darstellern, guten Gags und einem herzerwärmenden Ende. Ich gebe Ein Ticket für Zwei 4 Punkte.

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Ich habe Pretty in Pink jetzt zum zweiten Mal gesehen. Bei der ersten Sichtung hat er mir nicht so zugesagt. Und ich muss sagen, dass ich auch beim zweiten Mal nicht ganz überzeugt bin. Molly Ringwald spielt Außenseiterin Andie, welche eher aus bescheidenen Verhältnissen kommt. Eines Tages lernt sie bei ihrem Nebenjob im Plattenladen den wohlhabenden Blane kennen und verguckt sich in ihn. Blane interessiert sich auch für sie und lädt sie zu einem Date an. Andies Kumpel Duckie, welcher ebenfalls auf sie zu stehen scheint, passt das gar nicht.

Ein weiterer Coming-of-Age Film aus der Feder von John Hughes, dieses Mal inszeniert von Howard Deutch. Auch wenn Pretty in Pink viele Teenie-Probleme behandelt und hier sogar auf Arm-/Reich-Thematik eingeht, werde ich mit dem Film nicht ganz warm. Das liegt vor allem an den Charakteren. Blane ist derartig uninteressant, dass man Andies Interesse an ihm nicht nachvollziehen kann. Duckie ist für einen aus ärmlichen Verhältnissen stammenden Jungen viel zu overdressed. Auch wenn ich sagen muss, dass mir Jon Cryer in der Rolle gut gefallen hat. Am meisten beeindruckt haben mich aber klar die Nebenrollen. Harry Dean Stanton ist trotz seiner kleinen Rolle eine der besten Film-Väter, die man in diesem Genre vorfinden kann. James Spader als Blanes Kumpel Steff stiehlt ihm komplett die Show und wäre meine Meinung nach eine viel passenderes Love Interest für Andie gewesen. Das ist schon echt schade.

Seinen 80s- und Coming-of-Age-Charme hat dieser Film trotzdem und die Montage, welche mit Elegia von New Order unterlegt ist, dürfte einer meiner Lieblingsszenen aus dem Genre sein. Allgemein ist der Soundtrack klasse.
Ich finde ihn immer noch nicht super, aber immerhin weiß ich ihn ein wenig mehr zu schätzen wie beim ersten Mal. Ich gebe Pretty in Pink 3 Punkte.

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Bei She's having Baby zeigt John Hughes mal nicht Teenager mit Liebeskummer, währends des Nachsitzens oder beim Schuleschwänzen. Hier geht es um das frisch gebackene Ehepaar Jake und Kristy, welches sich dem neuen, gemeinsamen Lebensabschnitt und damit der einen oder anderen unerwarteten Herausforderung entgegenstellt. Die Geschichte fängt vielversprechend an, um sich dann recht schnell an eine lose Aneinanderreihung von Momenten in dem Leben der beiden abzuarbeiten. Themen wie Fremdgehen werden nur angeschnitten. Anstatt aber wirklich in den Plot eingewoben zu sein, verschwimmen viele Themen zu Träumen oder Tagträumen und sorgen somit für unterhaltsame und lustige Momente, welche aber die Handlung nicht vorantreiben.
Leider wird hier überwiegend nur die männliche Perspektive dargestellt, ohne dass man ein wirkliches Gefühl für die Beziehung der beiden bekommt. Das titelgebende Baby bzw. die Schwangerschaft kommt dann einfach aus dem Nichts in der zweiten Hälfte, um zu einem emotionalen Finale hinzuleiten. Da die Beziehung nie wirklich greifbar ist und der Genre-Mix aus Drama und Comedy nur bedingt funktioniert, hat mich das Ende und auch der Weg dahin recht kalt gelassen. Inszenatorisch hat mir der Film durchaus gefallen. Kevin Bacon und Elisabeth McGovern spielen überzeugend. Für mich ist die Formel hier aber nicht ganz aufgegangen.
Von John Hughes' Produktionen ist She's having a Baby für mich einer der schwächeren Filme, den ich auch kein zweites Mal zu sehen brauche. Ich gebe She's having a Baby 2,5 Punkte.

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"Ist sie nicht wunderbar?" ist nach Pretty in Pink die zweite John Hughes Produktion unter der Regie von Howard Deutch. Hughes zeigt sich erneut für das Drehbuch verantwortlich. Es handelt sich auch hier um einen romantischen Coming-Of-Age-Film, welcher eine ähnliche Thematik wie Pretty in Pink mit vertauschten Rollen erzählt: Keith (Eric Stoltz) schwärmt für die vergebene Amanda (Lea Thompson), während seine beste Freundin Watts (Mary Stuart Masterson) anfängt Gefühle für ihn zu entwickeln und eifersüchtig zu werden.

Die Story klingt recht simpel und das ist sie auch. Ohne zu spoilern, kann man sich bereits zu Beginn denken, in welche Richtung sich die Geschichte entwickeln wird. Ich fand die Beziehung zwischen Keith und Watts sehr glaubhaft, was an dem Schauspiel und natürlich auch an John Hughes' Dialogen liegt. Den Soundtrack und die 80s-Atmosphäre fand ich klasse. Der Film ist hier und da etwas drüber und das Ende mag etwas kitschig sein, aber insgesamt mag ich ihn sehr gerne. Das Genre gemixt mit den 80s ist einfach mein Ding.
Ich gebe "Ist sie nicht wunderbar?" 3,5 Punkte. 

Da Everything Everywhere all at once so extrem gut bei der Masse ankommt und von der Begeisterung her der diesjährige Parasite zu sein schien, war es nur eine Frage der Zeit, bis ich ihn endlich sehen würde. Am Ende hat es doch bis zum Heimkino-Release gedauert und bis dahin bin ich natürlich noch über viele weitere, restlos begeisterte Meinungen gestolpert.

Leider kann ich mich den ganzen euphorischen Stimmen nur bedingt anschließen. EEAAO empfand ich zu großen Teilen als sehr anstrengend. Wahrscheinlich ist er sogar einer der anstrengendsten Filme, die ich jemals gesehen habe. Die beiden Regisseure und Drehbuchschreiber Daniel Scheinert und Daniel Kwan haben hier ihrer Kreativität komplett freien Lauf gelassen. Es geht grob um ein Familiendrama, welches durch den Aspekt des Multiversums in die absolute Crazyness abdriftet. Die Geschichte ist ansich klein, wird aber durch die verschiedenen Welten und Varianten der Hauptfiguren auf über zwei Stunden gestreckt. Das Tempo ist dabei enorm (!) und oft sind die Abstecher in andere Welten auch nur sehr kurz.

Das Ganze strotzt nur so vor Ideenreichtum. Wahnsinn, was hier alles in dem Film gelandet ist. So viele Kostüme, Orte, Gegenstände und Gimmicks. Das Balance aus Klamauk und herzergreifender Geschichte hat für mich nicht ganz funktioniert. Ich hätte tatsächlich lieber einen ganz bodenständigen Film über diese liebenswerte Familie gesehen. Immer wenn ich mich nämlich auf die Figuren und dessen Beziehungen einlassen wollte, hat der Film sich nicht die Zeit genommen, musste einen Gag einbauen oder schon wieder an einen anderen Ort springen. So ist man zwar erstaunt über das, was man zu sehen bekommt, aber gleichzeitig kann man kaum etwas davon verarbeiten, weil alles wie in einer sehr schnellen Achterbahnfahrt an einem vorbeizieht.

Die Kampfszenen sind toll inszeniert und choreographiert. Allgemein ist EEAAO handwerklich erste Sahne und wenn mal ein Effekt oder Hintergrund nicht so schön ist, kann man sich immer vor Augen halten, was die beiden Regisseure hier für einen Aufwand und für ein Dauerfeuerwerk betrieben haben. Der Film hatte nur 25-Millionen US-Dollar Budget und sieht dafür besser aus wie viele Blockbuster die sechs- bis achtmal so viel kosten.

Michelle Yeoh hat mir richtig gut gefallen. Sie performt sowohl schauspielerisch wie auch körperlich sehr überzeugend. Für die meisten war die größte Überraschung die Rückkehr von Key Huy Quan, den die meisten als Short Round aus dem zweiten Indiana Jones kennen sollten. Nach 20 Jahren war das ein fantastisches Comeback für ihn als Schauspieler. Er zeigt aber auch, dass er in seinen früheren Jobs als Stunt-Choreograph einiges an Skills mitgenommen hat.

Für mich ist die Formel der beiden Daniels leider nicht voll aufgegangen. Mir war das alles zu viel und zu schnell und dann auch noch zu lang. Auch ich meckere oft über die Einfallslosigkeit vieler Drehbuchautoren. EEAAO reiht sich hier erfreulicherweise nicht ein und beweist das Gegenteil. Während der zweite Doctor Strange 2 zu wenig Multiversum zeigte, macht man hier für mein Empfinden zu viele Wundertüten auf einmal auf. Sowohl der Zuschauer wie auch die Figuren bekommen nie einen Moment zum Atmen und zum Sackenlassen der Geschehnisse.

Auch wenn es von mir hier keine besonders gute Bewertung gibt, habe ich Respekt vor dem Aufwand und der Ausführung des Wahnsinns. Am besten macht sich jeder hier sein eigenes Bild und entscheidet selbst, wie sehr er/sie mit der Reizüberflutung und dem Tempo klar kommt. Mir war es zu viel von allem und leider haben mir mehr Charaktertiefe und Verschnaufspausen gefehlt. Die Hommage an Wong Kar-Wai's In The Mood For Love fand ich absolut großartig.

EEAAO konnte mich zwar nicht so begeistern wie viele andere, aber trotzdem weiß ich den Film zu schätzen und freue mich für alle Beteiligten vor und hinter der Kamera, dass er so erfolgreich ist und so gut aufgenommen wird. Ich gebe Everything Everywhere All At Once 3 Punkte. 

Licorice Pizza war einer meist erwarteten Filme des Jahres. Ich mag Boogie Nights sehr gerne und habe sonst bisher nur The Master und Punch-drunk love von Paul Thomas Anderson gesehen, welche ich solide bis gut fand. Aufgrund mangelnder Vorstellungen habe ich seit dem Kinostart von Licorice Pizza im Januar den Heimkino-Release herbeigesehnt. Es gab viele überschwängliche Meinungen, die mich ganz Großes erwarten ließen.

PTA liefert hier eine Coming-of-Age-Story ab, welche sich um das Leben und die Romanze des übereifrigen, 15-jährigen Gary Valentine (Cooper Hoffman) und der ziellosen, 25-jährigen Alana Kane (Alana Haim) in den 70er-Jahren dreht.
Coming-of-Age ist genau mein Ding, weshalb ich mir unmöglich vorstellen konnte, dass PTA's neuer Film mir nicht gefallen konnte.

Und dann kam für mich leider die große Enttäuschung. Ich habe weder einen Draht zu der strukturlosen Handlung noch zu den Hauptfiguren gefunden. PTA bedient sich hier einem Muster, welches ein anderer großer Regisseur vor gut drei Jahren ebenfalls angewendet hatte. Licorice Pizza erinnert in seiner Ausführung sehr stark an Tarantino's Once upon a time in Hollywood. An diesen Film bin ich damals sogar mit einer noch größeren Erwartungshaltung rangegangen. Auch er versetzte mich in eine andere Dekade mit all seiner beeindruckenden Detailverliebtheit. Am Ende bekam ich dann einen Film, welcher keine wirkliche Struktur hatte und einfach Szene an Szene packte, die mal mehr, mal weniger mit dem Gesamtkonstrukt, wie ich es wahrgenommen habe, zu tun hatte.

Dieser Form der Erzählung kann ich nicht viel abgewinnen. Eine Ananderreihung an Momenten, die auf kein richtiges Ziel hinsteuern, ist nicht mein Ding. Das hat sich seit 2019 nicht geändert. Die Geschehnisse fand ich hier nur selten interessant und leider konnte ich mit den beiden Hauptfiguren weitaus weniger sympathisieren, wie ich es erwartet hatte. Wären die einzelnen Momente noch interessant gewesen, hätte ich über die fehlende Struktur möglicherweise noch besser hinwegsehen können. Leider war das über die Laufzeit von 130 Minuten aber zu selten der Fall. Dass die Liebe nicht so aufdringlich dargestellt wird, hat mir eigentlich gefallen. So wirklich gefühlt habe ich die Beziehung der beiden Figuren aber nicht. Dafür waren mir beide Figuren in großen Teilen auch zu unsympathisch. Mein Highlight war dann eine Nebenfigur: Bradley Cooper als arrogantes Über-Arschloch. Ich hätte lieber einen Film einzig und alleine über seine Figur gesehen. Schade, dass er nur einen so kleinen Part einnimmt.

Handwerklich ist der Film über jeden Zweifel erhaben. Kamera, Schnitt, Austattung und Musik sind großartig. Von PTA erwarte ich in dieser Hinsicht auch nichts anderes. Da fällt es umso schwerer zuzugeben, dass mir der Inhalt in der Summe nicht gut gefallen hat. Ich fand es vom Gedanken her sehr rührend, dass Cooper Hoffman in die Schuhe seines Vaters schlüpft und nun mit PTA zusammenarbeitet. Auch aus diesem Grund wollte ich diesen Film so gerne lieben. Ich gebe Licorice Pizza 2,5 Punkte. 

Regisseur Joseph Kosinski ist in aller Munde. Zumindest sollte er es sein. Hat er doch Regie bei Top Gun: Maverick geführt und mit Spiderhead wartet diese Woche auch schon seine nächste Arbeit auf das Publikum von Netflix. Das war für mich Grund genug, den von Zuschauern sehr gut aufgenommenen Only The Brave bzw. No Way Out mal nachzuholen.

Die Geschichte basiert auf den wahren Ereignissen der Granite Mountain Feuerwehreinheit, die dem Yarnell Hill Fire in Arizona ausgesetzt war. Man lernt dabei über große Teile des Films die Figuren und ihr Privatleben kennen. Dabei beschränkt sich die Screentime vor allem auf die Figuren von Josh Brolin, Miles Teller, Jennifer Connolly und Jeff Bridges. Ich wusste bisher nicht, dass der Film auf wahren Ereignissen beruht und hatte erwartet, dass es größtenteils um einen bestimmten Einsatz der Einheit geht. Dem ist aber nicht so und es gibt hier und da kleinere Einsätze, bis der Film dann auf das dramatische Ende zusteuert. Bis dahin gibt es viele Szenen außerhalb der Arbeit, was mir durchaus zugesagt hat. Ich konnte mir sowieso nicht vorstellen, wie genau mich ein Film über eine Feuerwehreinheit und einen Waldbrand über die gesamte Laufzeit von über zwei Stunden packen sollte.

Die schauspielerischen Leistungen der Hauptdarsteller*innen sind richtig stark. Von den bereits erwähnten Namen habe ich auch nichts anderes erwartet. Gerade über Miles Teller freue ich mich immer sehr, wenn ich ihn zu sehen bekomme. Auch wenn das Drehbuch sich sichtlich Mühe gibt, um einem die Charaktere näher zu bringen, fehlte mir am Ende doch etwas die emotionale Bindung. So dramatisch das Ende gerade aufgrund seiner wahren Begebenheit auch ist, hat es mich doch nicht so sehr mitgenommen, wie ich es mir erhofft hatte. Das Finale wirkte mir auch etwas zu antiklimaktisch. Ich respektiere es natürlich, dass man hier auf Authentizität setzt und nichts actionreicher darstellen möchte, als es war. Das ist ein natürliches Problem, welches Filme nach wahren Ereignissen mit sich bringen können.

Trotzdem muss ich sagen, dass No Way Out ein sehenswertes Drama ist, welches wahnsinnig schön gefilmt ist. Die Bilder, seien es einzelne Bilder oder Kamerafahrten aus der Vogelpersektive, haben mich ziemlich beeindruckt. Da hätte ich mir umso mehr gewünscht, dass ich dem Film etwas mehr abgewinnen kann. Eine Empfehlung spreche ich aber trotzdem aus, da ich gut verstehen kann, warum er so gut bei vielen ankommt. Ich gebe No Way Out 3 Punkte. 

Miami Vice habe ich vor Ewigkeiten schon mal auf DVD besessen und auch einmal gesehen. Das ist aber bestimmt um die 15 Jahre her und ich kann mich nicht gut erinnern. Ich muss dann ungefähr 12 gewesen sein und der Grund, warum ich mir den Film damals gekauft habe, wird höchstwahrscheinlich gewesen sein, dass ich Colin Farrell im ungefähr zur selben Zeit von mir entdeckten "Nicht Auflegen!" komplett abgefeiert habe. Michael Mann's Verfilmung der 80er-Serie konnte mich hingegen damals trotz eines Colin Farrell nicht begeistern. Nach all den Jahren wollte ich dem Thriller nochmal eine Chance geben.

Leider musste ich feststellen, dass sich meine damalige Meinung zu dem Film nicht geändert hat. Die Story ist langweilig, die Charaktere sind uninteressant und die nie still stehende Kamera nervte mich auch gewaltig. Mittdendrin-Gefühl hin oder her, mir sagt diese Kameraführung einfach nicht zu. Colin Farrell und Jamie Foxx machen zwar einen gewohnt guten Job, aber wenn die Geschichte drumherum nicht großartig überzeugt und ihre Charaktere nicht wirklich Tiefe erhalten, können die beiden den Film auch nicht retten. Die Nebenrollen sind recht prominent besetzt, aber nicht der Rede wert. Den Vergleich zur TV-Serie kann ich nicht anstellen, da ich keine Folge gesehen habe. Dass man die Geschichte in die Gegenwart gepackt hat, zeigt aber schon deutlich, dass man hier eher Story, Setting und Charaktere adaptiert hat, anstatt den ganzen Retro-Flair mitzunehmen.

Was mir klar gefallen hat, ist natürlich das Setting. Von mir aus könnte gefühlt jeder zweite amerikanische Action-Thriller an der Küste Floridas spielen. Abgesehen davon hat Michael Mann es einfach drauf, Feuergefechte so authentisch wie möglich zu inszenieren. Das merkt man deutlich am Sound aber auch an den Effekten, was ganz klar die größte Stärke des Films ist. Da tut es mir schon echt weh, dass mir Miami Vice in seiner Summe leider nicht zugesagt hat. Alleine schon wegen seiner Hauptdarsteller und wegen Regisseur Michael Mann wollte ich den Film lieben. Ich gebe Miami Vice 2,5 Punkte. 

Es gab bisher keine Berührungspunkte zum Tennissport in meinem Leben. Von den Williams-Schwestern habe ich natürlich trotzdem schon mal gehört gehabt. Will Smith als den Vater der beiden zu sehen, weckte durchaus mein Interesse. Schon vor der kontroversen Oscar-Verleihung hatte ich Lust auf den Film bekommen, da ich Will Smith mal wieder in einer starken Rolle sehen wollte.

Leider ist das Biopic erschreckend schwach in seiner Erzählung. Venus und Serena sind nur Randfiguren in diesem Drama, das sich um dessen erfolgsgeilen Vater dreht. Dabei bietet das Leben der beiden Schwestern so viel interessante Aspekte an, bei denen alleine einzelne Kapitel schon genug Inhalt hätten, um Spielfilme damit auszufüllen. Stattdessen werden hier aber die interessanten Facetten ihres Lebens nur angerissen. Trotz solider Schauspielleistungen gehen einem die Charaktere nicht nah. Richard Williams, der in der einen Sekunde vor seinen Töchtern Bescheidenheit predigt und ein paar Momente später sich den Milliondeal einsacken will, sowieso nicht. Für mein Empfinden ist die Oscar-Auszeichnung auch nicht unbedingt gerechtfertigt.

Dass Richard Williams nicht der sympathischste Vater gewesen ist, war mir schon vorher bewusst. Aber die Rolle, die Will Smith einnimmt, gibt mir als Zuschauer ein ganz komisches Gefühl. Irgendwie soll man Verständnis haben, dass Richard es nicht leicht hatte und nur das Beste für seine Töchter will. Aber dann ist er einfach ein unsympathischer Egoist und man fragt sich, warum man den Film eigentlich anschaut. Man bekommt keinen wirklichen Einblick in die Jugend von Serena und Venus, welche die eigentlichen Stars dieser beachtlichen Erfolgsgeschichte sind. Im Mittelpunkt steht stattdessen ihr uninteressanter und unsympathischer Vater.

Handwerklich sieht der Film echt ordentlich aus. Reinaldo Marcus Green hat hier gute Arbeit geleistet. Umso ärgerlicher, dass die Geschichte sich nicht anderweitig mit den Schwestern beschäftigen konnte, wo es ansich so viel zu erzählen geben würde. Ich gebe King Richard 2,5 Punkte. 

There it is. The Batman. Eine weitere Interpretation des dunkeln Ritters. Wer meine Batman Begins Review gelesen hat, weiß, dass ich seit Nolans Reboot aus dem Jahr 2005 ein großer Fan der Comicfigur bin. Comics habe ich von Batman keine gelesen, aber dafür ein paar animierte Adaptionen dieser gesehen. Zudem habe ich noch die Arkham Games gezockt und geliebt. Ich habe abgesehen von Val Kilmer und Adam West alle großen Batmans gesehen. Mein bisheriger Favorit war ganz klar Christian Bale. Er gab die perfekte Mischung von einem Bruce Wayne und seinem Alter Ego ab. Diese Fußstapfen konnte der darauffolgende Darsteller, Ben Affleck, größtenteils füllen. Für viele war er der perfekte Batman und das obwohl seine Filme sehr stark polarisiert haben.

Ich war ganz schön überrascht, als Robert Pattinson als Neubesetzung des Batman angekündigt wurde. Er ist deutlich weniger bullig wie seine Vorgänger und sein Look als Bruce Wayne wie als kostümierter Batman ließen mich skeptisch zurück. Pattinson halte ich spätestens seit The Lighthouse für einen wirklich großartigen Schauspieler, der für mich deutlich mehr ist als nur ein Schönling aus dem vierten Harry Potter Teil. Trotz der gewissen Skepsis, die trotz guter Trailer weiterhin angehalten hatte, habe ich durchaus viel erwartet, was zum großen Teil auf die Rechnung von Matt Reeves geht. Ich fand seine bisherigen Filme alle sehr gut bis großartig und ich wusste, dass er ein großer Fan der Vorlage ist und den nötigen Respekt und das Herzblut mit in das Projekt einfließen lassen wird.

The Batman zeigt direkt zu Beginn, dass er düsterer ist wie Nolans Trilogie. Das kurze Opening mit dem Riddler nimmt schon Horrorzüge an. Danach wird dann erst Bruce Wayne mit seinem Voice Over und Nirvanas Something in the Way eingeführt. Das wirkte im ersten Moment etwas befremdlich, störte mich beim Rewatch aber weitaus weniger. Der erste Auftritts des Batman wird eingeleitet. Wie hier das Bat-Symbol am Himmel den Kriminellen Angst einjagt, während Michael Giacchinos Score ertönt, war direkt eine wahnsinnig gute Szene. Hierauf folgt die aus dem Trailer bekannte "I am vengeance"-Prügelszene.

Ei n sehr schönes, wenn auch offensichtliches Detail, welches sich in weiteren Kampfszenen des Films ebenfalls zeigt, ist die fehlende Übermacht von Batman. Er ist ein Badass, der die Schurken ordentlich auseinander nimmt, aber er muss auch Schläge und Schüsse einstecken und dies kostet ihn am Ende fast seinen Kopf. Einen unerfahrenen, wenn auch gleich schon erprobten Rächer in seinem zweiten Jahr zu sehen, war von der Idee her eine sehr gute Wahl. Dadurch wird nämlich auf die erneute Origin-Story des reichen Waisenjungen, dessen Eltern vor seinen Augen ermordet wurden, verzichtet. Die Vergangenheit des Milliardärs spielt dafür im Laufe der Story trotzdem aufgrund des Riddlers eine Rolle und wird somit für Nicht-Kenner der Vorlage noch ausreichend beleuchtet. Sehr erfrischend war hier, dass Thomas und Martha Wayne zwar als gute Menschen bekannt und beliebt waren, welche aber durchaus schlimme Dinge gemacht haben oder zumindest in sie verstrickt waren, was Bruce' Welt nur noch mehr auf den Kopf stellt. Allgemein gilt Batman hier noch als furchteinflößende Schattengestalt anstatt wie Superheld, zu dem die Menschen Gothams aufschauen.

Pattinson's Bruce Wayne ist ein geprügelter Hund und die bisher düsterste und depressivste Version, die wir von dem Charakter in einem Live Action Film präsentiert bekommen. Er ist mehr Batman als Bruce Wayne. Selbst, wenn er als Bruce Wayne in Erscheinung tritt, ob in der Öffentlichkeit oder vor Alfred, sehen wir eigentlich nur einen unkostümierten Batman. Einen jungen Mann, der das Tageslicht so gerade eben ertragen kann, weil er so sehr mit seiner Verbrecherbekämpfung in der Nacht beschäftigt ist, welche ihn innerlich und äußerlich vernarbt zurücklässt. Es gab in anderen Verfilmungen selbstverständlich auch Konsequenzen zu sehen, aber hier habe ich deutlich mehr das Gefühl, dass ich sie Bruce Wayne deutlich mehr anmerke und ansehe.
Die Titelwahl mag im ersten Moment zu schlicht und einfallslos klingen, ist aber im Nachhinein die beste Wahl, die getroffen werden konnte. Wir sehen hier mehr Batman wie je zuvor. Es ist kein Film über Bruce Wayne, welcher eine gewöhnliche Alltagspräsenz hat und nachts Jagd auf Kriminelle macht, sondern ganz klar ein Film über Batman, welcher versucht noch so eben seine Identität als Bruce Wayne zu bewahren und nicht ganz in der Rolle des maskierten Detektivs unterzugehen.

Pattinson's Bruce Wayne geht für mich von seiner Optik, seiner Statur und seiner Präsenz schon sehr weit von dem weg, was ich durch meine bisherigen Berührungen mit der Figur von ihm erwartet hatte. Sein Batman ist aber einmalig und die für mich bisher beste Darstellung des Superhelden. Dass er so viel Screen Time hat, ist vom Drehbuch her die größte Stärke des Films. Wie langsam er sich bewegt und wie viel er anhand seiner Augen aussagen kann, ist beeindruckend und ein Aspekt, den ich so nicht von dem Film erwartet hatte. Ganz großes Plus.

Der restliche Cast ist nicht weniger groß besetzt. Zoë Kravitz spielt eine fantastische Selina Kyle. Jeffrey Wright ist ein starker Jim Gordon, mit erstaunlich viel Screen Time und muss sich dem Vergleich mit Gary Oldman nicht scheuen. John Turturro hat mich als Carmine Falcone überrascht. Colin Farrell als Pinguin stiehlt hier aber allen die Show. Nicht nur aufgrund seines Make-Ups erkennt man den irischen Darsteller nicht wieder. Sein Italo-Akzent sorgt zusätzlich dafür, dass von Farrell keine Spur bleibt, sondern nur die Figur des Pinguin zu sehen und zu hören ist. Wahnsinn. Andy Serkis geht für mich als Alfred ein wenig unter. Vielleicht liegt es an seiner geringen Anzahl an Auftritten oder auch an der unübertrefflichen Besetzung eines Michael Caine in der Nolan-Trilogie. Sehr gut war seine Leistung aber allemal und ich bin gespannt, wie der Charakter in Fortsetzungen eingesetzt wird.

Als Hauptantagonist gibt es Paul Dano als Riddler zu sehen. Wer Denis Villeneuve's Prisoners gesehen hat, weiß genau, dass Dano eine Idealbesetzung für einen Charakter wie den Riddler ist. Er spielt den psychopathischen Serienkiller großartig und das obwohl er oft nur maskiert und auf Bildschirmen zu sehen ist. Die Szenen erinnern dann etwas an Heath Ledgers Joker, welcher ebenfalls in solchen Szenen mit seinem Wahnsinn glänzen konnte. In einer Verhörszene im letzten Drittel, welche ebenfalls an Ledgers Joker erinnert, sehen wir ihn dann noch unmaskiert mit einer preisverdächtigen Performance. Endlich hat der Riddler eine mehr als würdige Umsetzung in einem Spielfilm erhalten.

Neben den Darstellern darf Gotham als Handlungsort nicht unerwähnt bleiben. Gotham sah seit Batman Begins nicht mehr so schmutzig und düster aus. Aufgrund der Sets, der fantastischen Bilder von Greig Fraser und der Lichtgestaltung wirkt Gotham lebendiger als je zuvor. Man freut sich auf jede Szene und jeden weiteren neuen Ort, den man zu Gesicht bekommt. Optisch dürfte The Batman ohnehin die eindrucksvollste und detailverliebteste Comic-Verfilmung sein, die mir bisher untergekommen ist. Hier muss sich selbst ein The Dark Knight warm anziehen. Michael Giacchiano rundet das ganze mit seinem Soundtrack auf akustischer Ebene nur noch ab. So realistisch der Film auch ist, Giacchinos Score schafft es den Comic-Charakter des Films in seinen Stücken zu präsentieren. Oft wirkte es gegensätzlich zu dem Film, aber in der Kombination hat es doch sehr gut funktioniert.

Was das Genre angeht, war ich sehr positiv überrascht wie sehr man sich hier im Crime-Thriller-Gefilde ausbreitet. Nolan hat den Weg für einen realistischen Batman-Film vor über zehn Jahren bereits geebnet. Der Film ist mindestens so realitätsnah wie die Dark Knight Trilogie, vielleicht sogar noch etwas geerdeter. Auf jeden Fall spielt die Detektiv-Arbeit hier eine sehr große Rolle, mehr wie in einem anderen Batman-Film zuvor. Der Riddler bietet wie kein anderer DC-Schurke durch seine hinweisgespickten Tatorte und verschachtelten Mordmuster an, dass Batman hier vollkommen in den Detektiv-Modus geht, um ihn zu bezwingen. Gerade durch die Arkham-Games ist mir bekannt, wie es aussehen kann, wenn Batman als Detektiv aggieren muss. Batman Begins und The Dark Knight reißen dieses Thema auch an, ohne es so sehr wie The Batman auszukosten.

Als kleine Kritikpunkte sehe ich das Finale, dessen körperliche Auseinandersetzung leider mit irgendwelchen im Riddler-Outfit gekleideten Handlangern von statten ging. Ich bin kein Fan davon, auch wenn man beim Riddler natürlich kein 1-gegen-1-Kampf erwarten konnte. Außerdem war ich kein Fan der Sequel-Ankündigung anhand des Jokers. Ich war mir sehr sicher, dass The Batman komplett auf Foreshadowing verzichten wird und dann wird einfach der Erzfeind eingeführt. Nach zwei oscar-prämierten Darstellungen des Clowns brauche ich nicht schon wieder eine weitere Interpretation dieses Charakters. Aber das ist auch nur meine frische Meinung und er wird nur im kleinen Rahmen angekündigt, so dass man sich nicht daran aufhängen muss. Es war aber die einzige Szene, die mich aus dem 3-Stunden-Epos herausgerissen hat und das hatte der Film echt nicht nötig. Bleibt abzuwarten, was aus dem Charakter gemacht wird und wann er wie eingesetzt wird.

In der Summe hat Matt Reeves hier eine der besten Comic-Verfilmungen aller Zeiten geschaffen. Die Laufzeit ist üppig, aber es gibt keinen überflüssigen Moment. Durchweg habe ich der Story gebannt gefolgt und hatte ein sehr schönes Seherlebnis. Die Zeit vergeht daher wie im Flug. Ich bin sehr gespannt, was die Fortsetzungen zu bieten haben werden und wie die Story und Charaktere sich weiterentwickeln werden. Schön zu sehen, dass eine weitere, neue Interpretation der Vorlage so verdammt gut funktioniert und mich als Zuschauer mehr als zufrieden zurücklässt. Ich gebe The Batman 4,5 Punkte. 

Oscar Isaac unter der Regie von Paul Schrader. Das klang nach einem Must-Watch für mich. Der Titel und der Inhalt machten mich aber nicht so heiß drauf. Es geht um den Pokerspieler William Tell, welcher eine schlimme Vergangenheit beim Militär erlebt hat und mittlerweile von Casino zu Casino reist und durch das Kartenzählen beim Poker seinen Unterhalt verdient.

Damit befasst sich die Handlung des Films auch. Man sieht Pokerspiele, Oscar Isaac beim Tagebuchschreiben, komisch gefilmte Flashbacks in die grausame Vergangenheit beim Militär. Außerdem lernt er den jungen Cirk (Tye Sheridan) kennen, dessen Vater dasselbe Schicksal wie William erlitten hatte.

Der teils hypnotische Soundtrack hat mir sehr gut gefallen. Die Bilder sind sowieso über jeden Zweifel erhaben und das liegt nicht nur an den Lichtquellen in den Casinos, die häufig für schöne Einstellungen einladen. Dass Paul Schrader weiß, wie man einen Film inszeniert, ist mir nicht neues.

Die technischen Eigenschaften ließen mich aber nicht darüber hinwegsehen, dass mir das Drehbuch nicht besonders viel gegeben hat. Die Dialoge fand ich stellenweise schwach. Obwohl es eine Charakterstudie über Oscar Isaac's Figur ist, hatte ich das Gefühl, dass ich die Person nie wirklich greifen kann. Über Tye Sheridan und Tiffany Haddish kann ich das gleiche sagen.

Da ich kein Fan vom Poker in Filmen bin, war es schon zu erwarten, dass er mir nicht so gut gefallen werde. Weil einen die Thematik nicht anspricht, muss es natürlich nicht immer direkt bedeuten, dass der Film letztendlich auch nicht gefallen wird. Bei The Card Counter war es dann doch wieder der Fall, auch wenn Poker immer nur oberflächlich behandelt wird.
Inhaltlich konnte er mich in der Summe nicht so gut unterhalten, wie ich es mir von Paul Schrader erhofft hatte. Ich gebe The Card Counter 3 Punkte. 

Im Original heißt der Film "Harold & Kumar go to White Castle" und das ist auch das Ziel der beiden Protagonisten in diesem Road Movie: White Castle. Die beiden Kiffer wollen dem Fast Food Restaurant am späten Abend einen Besuch abstatten und ihren endlosen Hunger stillen.

Ich habe den Film jetzt schon einige Male gesehen und der Spaß-Faktor nimmt einfach nicht ab. Der Film ist voller guter Gags, die teilweise weit unter die Gürtellinie gehen. Dabei ist die Dichte an Gags gewaltig. Es geht von einem Highlight-Moment in den nächsten über. Das Pacing ist perfekt und die Laufzeit ist mit anderthalb Stunden genau richtig.

Ich kann mich sowohl bei der deutschen wie auch bei der englischen Version köstlich amüsieren. John Cho wird von keinem anderen als Oliver Pocher vertont, während Rick Kavanian bei Kal Penn wieder seinen indischen Akzent auspackt. Pocher ist natürlich kein guter Synchronsprecher, aber trotzdem lacht man sich bei den Situationen und Dialogen schlapp.

Ich liebe diesen Film einfach und gucke ihn immer wieder gerne. Eine meiner absoluten Lieblingskomödien. Ich gebe Harold & Kumar 4 Punkte. 

Obwohl ich Tom Cruise als Schauspieler sehr gerne sehe, habe ich es bis 2022 geschafft, einen Bogen um Top Gun zu machen. Ein Wunder, wenn man bedenkt, wie populär der Film ist. Ich erkläre es mir einfach mit der Begründung, dass ich mir nicht vorstellen konnte, wie ein Film über Kampfpiloten mir gefallen könnte. Aufgrund der in den Startlöchern stehenden Fortsetzung wollte ich mir den Kultfilm aber doch endlich mal zu Gemüte führen.

Die Story ist recht kitschig und besonders viel Tiefe bieten die Geschichte und die Charaktere auch nicht. Ich kann aber nicht sagen, dass ich mich nicht gut unterhalten gefühlt habe. Eine Schwäche für die 80er-Ätmosphäre und -Musik habe ich sowieso. Die Bromance zwischen Maverick und Goose wie auch die Kabbeleien mit Iceman machen Spaß . Tom Cruise, Anthony Edwards und Val Kilmer spielen auch sehr gut. In der zweiten Hälfte geht der Film dann noch in eine dramatische Richtung, was mir gut gefallen hat und auch notwendig war, um nicht komplett als Werbefilm für die Navy abgetan zu werden. Die Liebesgeschichte zwischen Tom Cruise und Kelly McGillis geht trotz ihrer Oberflächlichkeit auch klar.

Wenn er mal inhaltlich etwas auf der Stelle tritt, kann man sich immer noch an den Bildern und dem Soundtrack erfreuen. Die Kamera liefert viele eindrucksvolle Bilder und dabei meine ich nicht unbedingt mal die Szenen in der Luft.
Dazu kommt noch der Soundtrack, der neben seinem Hauptthema immer wieder Danger Zone von Kelly Loggins anstimmt. Die melancholischen Tracks waren mir etwas zu dick aufgetragen.Trotzdem zeichnet die Musik Top Gun einfach zu dem Kultfilm aus, der er heute ist.

Wie ich es erwartet habe, bin ich nicht mal der größte Fan von den Flugmanövern. Auch wenn diese natürlich schon für damalige Verhältnisse großartig umgesetzt sind. Bei den Schnitten zwischen Cockpits und Außenaufnahmen fehlte mir etwas die Übersicht. Da gefühlt jeder Jet gleich aussieht, fand ich das nicht so leicht.

Top Gun ist weder ein großartiger noch ein schlechter Film. Er ist irgendwo dazwischen einzuordnen. Ich habe aufgrund der Darsteller, der Bilder und der Musik meinen Spaß mit ihm und sehe dabei gerne über die inhaltlichen Schwächen hinweg. Jetzt bin ich sehr spannt, was die bereits hoch gelobte Fortsetzung zu bieten hat. Ich gebe Top Gun 3,5 Punkte. 

Mit From Dusk Till Dawn hat Robert Rodriguez einen Film geschaffen, den man in der Form nicht alle Tage sieht. Er beginnt als als Crime-Thriller und Roadmovie über zwei kriminelle Brüder, die sich nach einem Bankraub samt Geiseln über die mexikanische Grenze bringen wollen und wechselt dann in einen Monster-Splatter vom Feinsten.

Die erste Hälfte ist dabei sehr dialogreich. In welche Richtung sich der Film entwickeln wird, ahnt man nicht im geringsten. George Clooney liefert hier die wohl erinnerungswürdigste Performance seiner Karriere ab. Nie wieder hat man ihn als ein so cooles Arschloch wie Seth Gecko gesehen. Dass sein Bruder Richie ihm nicht das Wasser reichen kann, war abzusehen. Dieser wird gespielt von Quentin Tarantino, der natürlich auch für das Drehbuch mitverantwortlich war. Tarantino spielt dabei gar nicht mal schlecht. Wer seine Obsession des weiblichen Fußes kennt, kriegt sich bei einer bestimmten Szene vermutlich gar nicht mehr ein. Die Geiseln sind mit Harvey Keitel und Juliette Lewis nicht weniger hochkarätig besetzt. Einzig alleine Ernest Liu fällt als schwächstes Glied der Kette ab. Das ist aber verschmerzbar. In tollen Kurzauftritten gibt es dann noch Salma Hayek, Danny Trejo und Tom Savini zu sehen.

Ich habe den Film jetzt zum zweiten Mal gesehen und so richtig weiß ich immer noch nicht, ob mir diese Mischung der Genres so sehr gefällt. Irgendwie hätte ich doch lieber einen ganzen Film basierend auf dem Gangster-Aspekt gesehen. Dann wiederum macht dieser Genre-Switch diesen Film einfach aus und gerade die zweite Hälfte ist sehr kurzweilig mit tollen Effekten. Den komplett überschwänglichen Wertungen kann ich mich zwar nicht anschließen, aber einen Platz in meiner Sammlung hat From Dusk Till Dawn alleine schön für Clooney's Leistung und den Spaßfaktor verdient. Nach Sin City die wohl beste Arbeit in Rodriguez' Vitae. Ich gebe From Dusk Till Dawn 3,5 Punkte. 

Requiem for a Dream stand jetzt für anderthalb Jahre bei mir eingeschweißt im Regal. In der Vergangenheit habe ich immer aufgrund seiner Schwerfälligkeit einen Bogen um Darren Aronofskys Drogen-Drama gemacht. Durch eine Aktion ist er dann doch in meine Sammlung gewandert. Vor ein paar Tagen spielte ich mit dem Gedanken, ihn einfach zu verkaufen oder ihn für irgendwann später aufzusparen, wenn ich mich bereit für ihn gefühlt hatte. Heute kam es dann doch dazu, dass ich ganz spontan die Hülle von ihrer Folie befreit und die Disc in den Player eingelegt habe.

Über diese Entscheidung bin ich auch froh, denn RfaD hat mir vom Seherlebnis gut gefallen. Von seiner Thematik her, war schon klar, dass es keine allzu leichte Kost sein wird. Ich fand ihn aber bei weitem nicht so zermürbend wie ich es erwartet hatte. Neben der Bilder und der großartigen Darsteller sorgt vor allem der prägnante Soundtrack von Clint Mansell für die deprimierende Stimmung, welche der Film mit sich bringt. Über den immer wieder angestimmten Track "Lux Aeterna" dürfte jeder mal an irgendeiner Stelle in seinem Leben gestolpert sein. Er ist einfach der musikalische Inbegriff von Hoffnungslosigkeit und Gravitas. Hier hat Mansell sich klar selbst übertroffen. Vom Gefühl her hat sich Aranofsky aber für mich ein bisschen zu sehr auf die Wirkung des Soundtracks verlassen.

Was die Story angeht, verläuft mir der Verfall von Ellen Burstyn's Figur Sara etwas zu schnell und unglaubwürdig. Ihr Leiden bleibt dabei trotzdem das interessanteste, da es harmlos beginnt und sich nicht eindeutig schlimme Konsequenzen erahnen lassen. Die Halluzination war mir dann leider auch schon etwas zu drüber, wenn auch inszenatorisch beachtlich. Entweder hätte man ihrer gesundheitlichen Entwicklung mehr Zeit geben müssen oder man hätte sie nicht ganz so verwarlost zeigen sollen. Trotz ihrer durchweg großartigen Leistung wurde ich von diesem schnellen Switch zu sehr überrumpelt, so dass es mich aus dem Geschehen rausgerissen hat.
Ansonsten haben mir die Charaktere und deren Arcs gut gefallen. Jared Leto, Jennifer Connelly und auch Marlon Wayans spielen ebenfalls stark.

Insgesamt konnte mich Requiem for a Dream überzeugen. Ein paar Kritikpunkte habe ich zwar, aber ich kann im Grunde schon verstehen, warum der Film so viel Faszination bei seinen Zuschauern ausgelöst hat. Es darf auch nicht vergessen werden, dass der Film mittlerweile 20 Jahre auf dem Buckel hat und die visuellen Spielereien damals revolutionär gewesen sein müssen. Ich gehe Requiem for a Dream 3,5 Punkte. 

!!!Achtung Spoiler!!!!

Ich denke, ich spreche für die meisten, wenn ich sage, dass wir alle uns mehr oder weniger auf Filme wie Black Widow, Shang-Chi und Eternals gefreut haben oder mit ihnen eine gute Zeit hatten. So wirklich heiß erwartet wurde im letzten Jahr aber nur das dritte Solo-Abenteuer von Tom Holland in der Rolle des Spider-Man. Ich weiß noch, wie skeptisch ich war, als Holland angekündigt und in Civil War vorgestellt wurde. Spätestens nach Homecoming war die Skepsis aber verschwunden. Er gefällt mir als junger Spidey sehr gut und trifft den Charakter des Peter Parker ziemlich genau. Den restlichen Cast fand ich klasse und den Humor fand ich passend und sehr witzig. Far From Home bewegte sich als Road-Movie von Manhatten nach Europa, was sehr erfrischend war. Mittlerweile finde ich das Sequel etwas schwächer und unrunder wie damals zum Release. Jake Gyllenhaal spielt klasse, ist aber vom Drehbuch her doch enttäuschend und die Action hat mir auch nicht zugesagt. Das Klassenfahrt-Feeling, die Charaktere und die Gags haben aber für mich genauso gut funktioniert.

Dann kommt die Mid-Credit-Scene, dessen Twist, dass Spider-Mans wahre Identität von Mysterio offenbart wird, viel zu groß und wichtig ist, um ihn mitten im Abspann zu platzieren. Die Art, wie Peter und die Welt es erfährt, hat mir nicht so zugesagt. Wie auch immer. Hier geht es nur um die Folgen des großen Twists. Während in Homecoming noch Tony Stark als Mentor am Start war, sucht Peter hier die Hilfe von Doctor Strange auf, um die Aufdeckung seiner Identität rückgängig zu machen. Es wurde in der Promophase kein Geheimnis darum gemacht, dass hier Alfred Molina als Doc-Ock, Jamie Foxx als Electro und Willem Dafoe als Green Goblin zurückkehren. Wenn Antagonisten aus früheren Spider-Man Filmen auftauchen werden, ist die Vermutung groß, dass auch die beiden Spider-Man Darsteller Tobey Maguire und Andrew Garfield für einen Auftritt zurückkehren. Aus Studiosicht ist es nahezu ein Geniestreich so ein Erwartungsfass aufzumachen und die Leute somit anzulocken. Wie oft wurde die letzten Monate über dieses Thema gesprochen, wenn es um Spider-Man ging? Da für mich aber am Ende wichtig ist, ob der Film ansich schlüssig ist und funktioniert, habe ich seit den Trailern Bedenken gehabt. Bedenken, dass dieser Film wieder zu überladen wird wie damals Raimis Spider-Man 3. Dass zu viel Fan-Service betrieben wird und dass das Zurückholen früherer Charaktere auf dem Blatt der Macher besser klingt, wie es dann im fertigen Film rüberkommt.

Habe ich mich umsonst verrückt gemacht und ist Jon Watts tatsächlich das Aufeinandertreffen von junger und alter Figuren im großen Effektgewitter gelungen ? Ja, das Aufeinandertreffen der Charaktere ist verdammt gut gelungen. Was für eine große Rolle die altbekannten Antagonisten in der Story spielen, habe ich im Vorfeld bereits gefragt. Ich hatte Kurzauftritte befürchtet, aber es waren alles gut gefüllte Nebenrollen, auch wenn Sandman und Lizard zu kurz kommen. Die beiden waren mir aber sowieso recht egal. Alfred Molina, Willem Dafoe und Jamie Foxx mit Tom Holland und den anderen MCU-Darstellern interagieren zu sehen, hat Spaß gemacht. Das war ein außergewöhnliches Gefühl, dass man die Darsteller nach über 15 Jahren wieder in diesen Rollen in einem aktuellen Film sieht.

Inhaltlich will der Film in seinen zweieinhalb Stunden schon recht viel. Es gibt viele interessante Ansätze, die nur angerissen werden. Von Peters Leben nach der Offenbarung seiner Identität sehen wir nicht so viel, weil er dann auch schon zu Doctor Strange geht. Cumberbatch ist super als Strange. Mir sind Geschichten um Spider-Man aber am liebsten, wenn sie möglichst bodenständig sind. Das ist hier leider nicht der Fall. Leute werden durch Portale geschickt. Doctor Strange verfolgt Peter in seiner Spiegelwelt. Hinzu kommen dann noch die Kämpfe mit Electro und Sandman. Das sorgt für ordentliches Effektgewitter, worauf ich gerne verzichten kann. Die Effekte sind ganz solide, aber nichts was einem vom Hocker haut oder was länger im Kopf bleibt.

Mir hat das High-School-Feeling der ersten beiden Filme sehr stark gefehlt. Man sieht hier überwiegend nur Peter, Ned, MJ und die anderen erwachsenen Charaktere. Auch wenn man grob versteht, worum es geht, hatte ich hier und da Probleme zu verstehen, was jetzt eigentlich vor sich geht oder geplant ist. Entweder ist es allgemein unverständlich oder ich war einfach mit dem Gesamtkonstrukt überfordert. Die Story ist okay. Sie hat deutliche Schwächen und weitaus weniger Tiefe und Inhalt zu bieten wie dachte. Es passiert zwar viel, aber viel von dem gleichen Einheitsbrei.

Ich muss vor den nächsten Worten sagen, dass meine Mutter mir damals Sam Raimis ersten Spider-Man auf VHS gezeigt hatte, was mein erster Superheldenfilm gewesen war. Mit ihr habe ich auch die anderen beiden Raimis und zuletzt Homecoming gesehen. No Way Home hatten wir dann auch gemeinsam im Kino gesehen.
Dann kommt er: der Moment, indem Ned ein Portal öffnet und er Peter im Köstum sieht und zu sich und MJ ruft. Und dann erkennt man am sich nährndem Kostüm, dass es nicht Tom Hollands Spidey ist, sondern Andrew Garfield. Wow, was für ein Moment. Ich habe zu dem Zeitpunkt im Film tatsächlich gar nicht mehr daran gedacht, dass er und Tobey Maguire auftauchen könnten. Was die Dramaturgie angeht, war es auch recht gut platziert. Und dann wird Tobey auch noch durch ein Portal dazugeholt. Wow, das war einfach der wahrscheinlich schönste Moment, welchen ich dieses Jahr im Kino und bei einem MCU-Film generell hatte. Auch hier wurden Garfield und Maguire nicht nur für einen kurzen Auftritt geholt, sondern spielen im Finale eine zentrale Rolle. Es war schon schön die ganzen Bösen wiederzusehen, aber die alten Spider-Man zu sehen, war einfach magisch. Sie helfen MCU-Peter und bauen ihn auf. Es wird sich ausgetauscht, über den Tod von Tante May oder Onkel Ben. Das ist alles ist sehr emotional und ich wurde total nostalgisch. Dieser ganze Aspekt war für mich ein voller Erfolg. Dann kommt es zum finalen Kampf, welcher mich auch wieder nicht vom Hocker gehauen hat. Trotzdem kommt das Finale zu einem guten Schluss.

Am Ende wird es dann noch sehr emotional und den Schluss des Films fand ich richtig stark. Es wurde vor Release schon gesagt, dass bereits eine zweite Trilogie mit Tom Holland geplant sei und ich konnte es mir bisher nicht vorstellen, was denn noch passieren soll. Wo Peter aber am Ende des Films steht, kann ich mir sehr gut noch weitere Abenteuer mit ihm vorstellen. Es bleibt abzuwarten, wie die Geschichte weitergehen wird. Ich würde es willkommen heißen, wenn es mal einen einzigen Antagonisten auf Augenhöhe geben würde wie zuletzt Vulture in Homecoming.

Spider-Man: No Way Home ist nicht der Überfilm geworden, den man sich gewünscht hatte. Er macht viele Fehler, macht aber auch einiges richtig. Und die Sachen, die er richtig macht, macht er so großartig, dass man den Film am Ende doch mehr in sein Herz schließt, wie man anfangs dachte. Ich gebe Spider-Man: No Way Home 3,5 Punkte. 

Schon damals zum Release weckte Melancholia aufgrund des Casts mein Interesse. Durch die Story, welche abgesehen von der Endzeit-Stimmung auch noch eine Hochzeit abhandelt, war ich am Ende doch ein wenig abgeschreckt. Elf Jahre nach Release war es jetzt aber doch so weit, dass ich mir Lars von Triers Weltuntergangs-Drama zu Gemüte führen wollte.

Gleich in den ersten Minuten wird klar gemacht, dass der Film keine leicht verdauliche Kost ist. Damit meine ich nicht, dass von Trier hier mit grafischer Gewalt um sich schmeißt, aber inhaltlich und inszenatorisch hat der Film es schon in sich. Die Hochzeitsfeier, welche grob die erste Hälfte des Films abdeckt, zieht sich ganz schön. Aber auch die zweite Hälfte ist nicht besonders kurzweilig geraten. Der Film ist sehr ruhig. Wie es der Titel vermuten lässt, wird die Geschichte von einer melancholischen Grundstimmung geprägt.

Mir wurde inhaltlich ein bisschen zu wenig geboten. Irgendwann hat man sich an der unzufriedenen Kirsten Dunst auch mal satt gesehen und eine großartige Entwicklung wird auch nicht durchgemacht. Die schauspielerische Leistung von ihr und ihren Kollegen und Kolleginnen ist sehr gut. Ein paar mehr herausstechende Szenen hätte ich mir dennoch gewünscht. Visuell ist der Film immerhin stark eingefangen und der Soundtrack ist auch ziemlich gut. Lars von Trier zeigt hier definitiv, dass er mehr drauf hat, als die Leute nur mit Gewalt und nackter Haut zu schocken. Schade, dass ich nicht noch mehr von Melancholia abgeholt wurde. Den Weltuntergang in einem bodenständigen Drama und nicht in einem Blockbuster wie von Roland Emmerich zu sehen, war durchaus mal eine interessante, neue Seherfahrung.
Ich gebe Melancholia 3 Punkte.