Filmbewertungen von Ninjatune666

„Scary Movie 5“ aus dem Jahr 2013 führte die bekannte Parodie-Reihe fort, indem der Film damals aktuelle Horror-Highlights und Blockbuster durch den Kakao zog. Die Macher gaben sich wie gewohnt große Mühe, die Kulissen und Schlüsselmomente der Originale detailgetreu nachzustellen. Das sorgt für einen hohen Wiedererkennungswert. Allerdings gilt auch hier das altbewährte Gesetz der Reihe: Man muss die parodierten Filme zwingend gesehen haben, um die Pointen überhaupt zu verstehen. Wer die Vorlagen nicht kennt, blickt oft ins Leere.

Im Zentrum der Gags stehen dieses Mal vor allem fünf große Kinohits. Die Haupthandlung orientiert sich stark an dem Horrorfilm „Mama“ und dem Found-Footage-Schocker „Paranormal Activity“. Das Paar Dan und Jody nimmt darin die wild gewordenen Kinder von Dans verstorbenem Bruder auf. Ergänzt wird dieses Chaos durch gelungene visuelle Anspielungen auf das Tanz-Drama „Black Swan“ und das Horror Reboot „Evil Dead“. Sogar der komplexe Sci-Fi-Thriller „Inception“ wird in die absurde Handlung verwoben.

Mit einer Netto-Laufzeit von nur rund 70 Minuten (ohne den langen Abspann) ist der Film extrem kurz und knackig ausgefallen. Das Erzähltempo ist dadurch rasant. Ein Gag jagt den nächsten, wodurch kaum Leerlauf entsteht. Qualität und Humor der Witze bleiben zwar Geschmackssache, doch Fans von flachen Slapstick-Parodien kommen auf ihre Kosten.

Wer Lust auf ein schnelles, anspielungsreiches Gag-Feuerwerk hat und die genannten Originalfilme kennt, erlebt mit dem fünften Teil der „Scary Movie“-Reihe erneut einen kurzweiligen und unterhaltsamen Filmabend. 

Christopher Nolans „The Dark Knight“ aus dem Jahr 2008 ist ein revolutionäres Meisterwerk, das das Superhelden-Genre neu definiert. Getragen von einem herausragenden Cast, brilliert der Film als düstere Kriminalgeschichte. Heath Ledger liefert als Joker eine schlichtweg ikonische und oscarprämierte Performance ab, die alle in den Schatten stellt.

In „The Dark Knight“ prallen zwei extreme Weltanschauungen aufeinander: Batmans unbedingter Wille zur Ordnung und die pure Anarchie des Jokers. Christian Bale gibt dem Titelhelden die nötige physische und emotionale Tiefe, während Heath Ledger mit manischer Energie den ultimativen Showstealer verkörpert. Sein Joker ist unberechenbar, psychopatisch und faszinierend zugleich. Er stellt Batman vor moralische Zerreißproben, die den Film zu weit mehr als bloßer Comic-Action machen.

Regisseur Christopher Nolan setzt kompromisslos auf visuelle Wucht. Als erster Spielfilm überhaupt wurden für „The Dark Knight“ ausgewählte Sequenzen mit extrem hochauflösenden IMAX-Kameras gedreht. Die Bildqualität in diesen Momenten ist atemberaubend. Was den Film zudem besonders auszeichnet, sind die weitestgehend handgemachten Effekte: Ob echte Lkw-Überschläge auf offener Straße oder gewaltige Explosionen – die visuelle Erdung sorgt für eine bedrohliche Realitätsnähe.

Trotz der brillanten Story und des perfekten Pacings in den ersten zwei Dritteln geht dem Film gegen Ende ein wenig die Puste aus. Mit knapp zweieinhalb Stunden Laufzeit – inklusive des ausufernden Showdowns um Harvey Dent – ist das Epos minimal zu lang geraten. Auch, dass der (gelungene) Score fast ununterbrochen läuft, hat mich dieses Mal etwas gestört. Das ist jedoch Jammern auf extrem hohem Niveau.
„The Dark Knight“ ist ein düsteres Meisterwerk, das mit Ledgers Ausnahme-Joker Filmgeschichte schrieb.


Die 4K Ultra HD Blu-ray von „The Dark Knight“ bietet einen visuellen Mehrwert und stellt ein massives Upgrade gegenüber der alten Blu-ray von 2008 dar. Dank des neuen 4K-Remasters erstrahlt Christopher Nolans Meisterwerk in völlig neuem Glanz.
Wie im Kino wechselt die Disc zwischen dem standardmäßigen Breitbildformat (2,40:1) und dem bildschirmfüllenden IMAX-Format (1,78:1), wobei letzteres eine visuelle Wucht ist! Die in echtem 65mm-IMAX gefilmten Szenen (wie der Banküberfall zu Beginn oder die Überführung von Dent) erreichen absolutes UHD-Referenzniveau. Jede Pore, die Risse in Jokers Make-up, Fenster in Wolkenkratzern und die Strukturen von Batmans Anzug sind messerscharf. Der Rest ist gehobenes Mittelfeld.
Der Schwarzwert ist extrem tief. HDR10 sorgt dafür, dass Explosionen packend leuchten, während in dunklen Gassen Gothams keine Details im Bildrauschen verloren gehen.
Aber auch sonst stechen Beleuchtungen aus dem dunklen Gotham City dank heller Spitzlichter hervor.

Der DTS-HD MA Ton der UHD schlägt auch den Dolby Digital 5.1 Ton der Blu Ray. Der Sound ist nun eine Nuance dynamischer und effektreicher, muss aber etwas nach oben angehoben werden, da sonst Stimmen zu leise aus dem Center kommen können. 

Story: Komet rast auf die Erde zu- Erde beschiesst den Kometen- giftige Kleinstteile der Raketen kommen in die Atmosphäre und vergiften Flora und Fauna- Tiere wurden zu Monstern und haben den Großteil der Menschheit und dann fast sich selbst ausgelöscht. 7 Jahre sind seitdem vergangen.

Hier beginnt der Film. Der ängstliche Joel macht sich auf die Reise, seine 140km entfernte große Liebe Aimee zu suchen, und begegnet auf der Oberfläche Monster im Wasser, in der Erde, Androiden uvm.
Joel ist von Anfang an sympathisch und wächst an seinen Herausforderungen. Die Effekte sind ganz nett, der Humor ist stimmig, das Setting überzeugt, Monster gibt’s unzählige und die 100 Minuten vergehen wie im Flug. Netter Abenteuer-Film ab 12, den man immer wieder mal schauen kann.

Gefiel mir sogar etwas besser als bei der ersten Sichtung. Cool, weil auch Abenteuer-, Fantasy-, Comedy- und Endzeit-Fans gleichermaßen bedient werden.

Bild und Ton sind klasse. Die Effekte fügen sich schön ins Bild ein und auch der deutsche Dolby Digital 5.1 Ton ist schön räumlich sowie dynamisch. 

Mit „Scary Movie 2“ setzte 2001 die Wayans-Familie ihr erfolgreiches Parodie-Franchise fort. Wer den rauen Vorgänger mochte, bekommt genau das, was er erwartet. Die Gagdichte ist erneut sehr hoch. Der Film feuert im Sekundentakt derbe Witze ab und nimmt dabei prominente Horror-Streifen wie Exorzist, Geisterschloss, Hollow Man und natürlich Scream gnadenlos aufs Korn.

Allerdings muss man ehrlich sein: Nicht jeder Gag sitzt. Die Fortsetzung verlässt sich stark auf extremen Fäkal- und Ekelhumor, der bisweilen sehr anstrengend wirkt. Viele der Pointen zielen zu sehr auf puren Schock ab, anstatt den subtilen Witz früherer Genre-Parodien zu treffen. Das führt dazu, dass „Scary Movie 2“ der schwächste Teil der Reihe ist.

Trotz dieser Schwächen hat der Film seine Momente. Wer sich auf den überdrehten Klamauk einlässt, wird vor allem durch das herrlich absurde Opening und den motivierten Cast (ua James Woods und Tim Curry) bestens unterhalten. Letztendlich ist „Scary Movie 2“ ein nostalgisches Guilty Pleasure: Ich mag die Reihe einfach für ihre ungenierte Art und kann sie in regelmäßigen Abschnitten schauen.

Bild und Ton sind klasse. 

„The Autopsy of Jane Doe“ aus dem Jahr 2016 von André Ovredal („Die letzte Fahrt der Demeter“) ist ein absoluter Geheimtipp für echten Horror. Dieses intensive, klaustrophobische Kammerspiel fesselt von der allerersten Minute an und bietet gruseligste Unterhaltung auf allerhöchstem Niveau.

Die Handlung ist extrem simpel, aber genau deshalb so hocheffektiv aufgebaut: Das eingespielte Vater-Sohn-Gespann Tommy (Brian Cox) und Austin Tilden (Emile Hirsch) betreibt ein abgelegenes, unterirdisches Krematorium. In einer stürmischen Nacht wird die unversehrte Leiche einer unbekannten Frau („Jane Doe“) eingeliefert. Was als sterile, rein medizinische Untersuchung beginnt, entwickelt sich rasant zu einem unfassbaren, psychologischen Albtraum.

Das größte Plus dieses Schockers ist das absolut knackige Pacing. Ovredal verzichtet komplett auf unnötiges Vorgeplänkel oder zähe Szenen. Der 86 minütige Film kennt absolut keine Längen. Jede einzelne Entdeckung am Körper der Toten enthüllt ein neues, noch düstereres Rätsel. Die dichte, ungemütliche Atmosphäre kriecht dem Zuschauer förmlich unter die Haut und lässt den Atem stocken. Das Fundament des Ganzen bildet die grandiose Chemie des Casts. Brian Cox und Emile Hirsch harmonieren perfekt miteinander. Ihre tiefe, familiäre Bindung und die später spürbare, nackte Panik tragen das Kammerspiel mühelos auf ihren Schultern. Man leidet und zittert in jeder Sekunde intensiv mit ihnen mit.

Ein weiteres, absolutes Highlight ist das phänomenale Make-up und die Maske. Die Darstellung der Leiche (gespielt von Olwen Catherine Kelly) ist schockierend realistisch, detailverliebt und kommt fast vollständig ohne billige CGI-Effekte aus. Diese lebensechte, makabere Optik erzeugt ein tiefes, anhaltendes Unbehagen, das den puren Grusel perfekt antreibt. Jedes Skalpell, das Knacken von Knochen und das unheimliche Läuten einer kleinen Glocke lassen den Puls unaufhaltsam rasen.

Einziger Kritikpunkt ist der Genrewechsel vom cleveren, psychologischen Thriller in einen konventionellen, übernatürlichen Horrorfilm im letzten Drittel. Hierbei wird ein Teil der einzigartigen Atmosphäre für bekanntere Genre-Klischees geopfert.

Wer intelligenten Horror sucht, der auf handgemachte Effekte setzt, darf diesen Genre-Tipp nicht verpassen. „The Autopsy of Jane Doe“ ist ein spannendes sowie gruseliges Kammerspiel, das beweist, dass ein einziger Raum völlig ausreicht, um das Blut gefrieren zu lassen.

Bild und Ton leisten sich keine Fehler.

Beim Bonusmaterial wurde aber leider etwas gespart. 

Erstsichtung, um eine „Bildungslücke“ zu schließen. „Texas Chainsaw Massacre – Die Rückkehr“ aus dem Jahr 1994 ist unbestreitbar der absolute Tiefpunkt des gesamten Horror-Franchises.

Der Film von Kim Henkel präsentiert sich weniger als strukturierter Slasher, sondern vielmehr als ein hysterischer, völlig misslungener Fiebertraum. Wer hier Terror erwartet, bekommt stattdessen puren Trash geliefert, den man am liebsten ganz schnell wieder vergessen möchte.
Das größte Problem des Films liegt in seiner unerträglichen Inszenierung. Die Handlung ist quasi nicht vorhanden. Stattdessen setzt das Drehbuch auf unfassbar doofe Dialoge und eine endlose Aneinanderreihung von absurden Szenen. Die Antagonisten sind durch die Bank weg unsympathische, kreischende Psychopathen, die dem Zuschauer rasch auf die Nerven gehen. Besonders skurril ist dabei der Auftritt des damals noch unbekannten Matthew McConaughey. Sein Overacting sprengt jegliche Grenzen der Vernunft: Er schreit, schneidet Grimassen und rennt auf einer mechanischen Beinprothese herum, was die ohnehin kaum vorhandene Gruselstimmung komplett im Keim erstickt.

Einziger echter Lichtblick in diesem filmischen Desaster ist Renée Zellweger. Als gepeinigtes Final Girl Jenny gibt sie sich als Einzige sichtlich Mühe, ihrer Rolle trotz des katastrophalen Skripts eine gewisse Ernsthaftigkeit und Tiefe zu verleihen. Sie kämpft tapfer gegen den Wahnsinn an, der sie umgibt, kann das sinkende Schiff aber alleine auch nicht mehr retten.

Achja, die Ausstattung und Locations sind ebenfalls solide.

Besonders dreist wirkt der Versuch, den missratenen Plot durch ständige, plumpe Referenzen an das legendäre Original von 1974 aufzuwerten. Das gipfelt schließlich in einer völlig bizarren Neuauflage des ikonischen, finalen Abendmahls der Kannibalen-Familie, die jedoch im Vergleich zum Urzeit-Klassiker jegliche Bedrohlichkeit vermissen lässt.

Auch ist die Maske von Leatherface äußerst billig und zum Fremdschämen. Am Schlimmsten ist allerdings, dass der Film in Punkto physischer Gewalt sehr zahm daherkommt, denn außer ein paar Schlägen und Kratzern sieht man keine Gore-Szenen, die man bei diesem Titel erwarten würde.

Am Ende bleibt ein hysterisches, lautes und anstrengendes Stück Film. „Texas Chainsaw Massacre - Die Rückkehr“ scheitert auf jeder Ebene und ist höchstens als unfreiwillig komisches Zeitzeugnis zweier späterer Hollywood-Megastars genießbar. Ein filmischer Unfall, den man getrost ignorieren kann. 

Mein allerliebster Katastrophenfilm!!

Wenn Michael Bay Regie führt und Jerry Bruckheimer produziert, gibt es kein Halten mehr. Armageddon aus dem Jahr 1998 ist das absolute Paradebeispiel für den starbesetzten Action-Blockbuster-Kracher der 90er Jahre. Die Story ist natürlich absurd: Ein riesiger Asteroid rast auf die Erde zu. Statt Astronauten das Bohren beizubringen, schickt die NASA lieber eine Truppe raubeiniger Tiefseebohrer rund um Harry Stamper (Bruce Willis) ins All. Logik? Fehlanzeige. Unterhaltungswert? Gigantisch.

Der Film zelebriert den puren Exzess. Regisseur Michael Bay setzt auf epischen Pathos (die zwei Raketen nennen sie „Freedom“ und „Independence“), wehende US-Flaggen und eine gehörige Portion Kitsch. Die Liebesgeschichte zwischen Ben Affleck und Liv Tyler wird so dick aufgetragen wie der Soundtrack selbst. Doch genau das funktioniert (für mich) prima. Untermalt von Aerosmiths ikonischer Megaballade „I Don’t Want to Miss a Thing“ und Rocksongs von ZZ Top wird jede Szene emotional maximal aufgeladen. Der orchestrale Score peitscht die Stimmung zusätzlich an.

Schauspielerisch zieht die Starbesetzung alle Register. Neben Bruce Willis glänzen Steve Buscemi, Ben Affleck, Owen Wilson und Billy Bob Thornton. Sie verleihen dem Actionspektakel den nötigen Humor und viel Charme.
Optisch ist der Film ein Fest: Für die späten 90er Jahre sind die Spezialeffekte und praktischen Explosionen verdammt stark gealtert und bieten puren Schauwert.

Kritikpunkte gibt es dennoch: Das letzte Drittel auf dem Asteroiden mutiert visuell zum anstrengenden Overkill. Michael Bay übertreibt es hier maßlos mit extremem Kameragewackel und einem nervösen Schnittgewitter. Man verliert im Finale schlichtweg manchmal die Orientierung.

Das macht „Armageddon“ aber nur bedingt schlechter. Wer hier wissenschaftliche Korrektheit sucht, ist im falschen Film. Man muss einfach mal alle fünfe gerade sein lassen, das Gehirn komplett ausschalten und das handgemachte Actionspektakel auf sich wirken lassen. „Armageddon“ bleibt bis heute ein absolut zeitloser und verdammt unterhaltsamer Kultfilm, der trotz oder gerade wegen seiner übertriebenen Art verdammt viel Spaß macht. Eben ein echter Blockbuster-Meilenstein, der vermutlich so heutzutage gar nicht mehr funktionieren würde. 

"Zwei Himmelhunde auf dem Weg zur Hölle" aus dem Jahr 1972 markiert einen Meilenstein: Es ist der erste gemeinsame Film, den Bud Spencer und Terence Hill bewusst als das ikonische Duo drehten, das wir heute lieben. Doch wer hier den reinen, klamaukigen Slapstick späterer Meisterwerke erwartet, wird überrascht.

Der Film schlägt deutlich ernstere Töne an. Der Humor ist spürbar reduzierter und weicht einer rauen, abenteuerlichen Atmosphäre. Das tut dem Werk jedoch keinen Abbruch. Im Gegenteil: Die dichte Stimmung profitiert massiv von den grandiosen Landschaftsaufnahmen. Die Kamera fängt die unbarmherzige Weite Südamerikas perfekt ein. Beim Zuschauen spürt man die drückende, staubige Hitze des Dschungels und der Savanne förmlich auf der eigenen Haut.

Ein kleiner Schwachpunkt ist das wechselhafte Pacing. Der Film nimmt sich viel Zeit für seine Charaktere und die Kulisse, wodurch die Erzählung stellenweise ins Stocken gerät. Längere, ruhige Phasen wechseln sich abrupt mit Action ab. Das nimmt der Story manchmal die Dynamik.

Ausgeglichen wird dies durch den absolut genialen Soundtrack von Oliver Onions. Der legendäre Ohrwurm „Flying Through the Air“ verleiht den Flugszenen (mit einigen wirklich coolen Modellen) eine unbeschwerte Freiheit und brennt sich sofort ins Gedächtnis ein.

"Zwei Himmelhunde auf dem Weg zur Hölle" ist kein typischer Prügelfilm, sondern ein atmosphärisches Abenteuer, der nur etwas seltener gesehen werden kann. Für Fans des Duos ist dieser charmante, raue Vorreiter dennoch ein absolutes Must-Watch mit großartiger Musik.

Das Bild ist nur bedingt schärfer als die alte DVD, bringt aber immerhin sattere Farben mit.
Der Ton ist solide. 

3,5 von 5 Punkte für die Story

„Good Luck, Have Fun, Don’t Die“ markiert die Rückkehr von einem meiner Lieblingsregisseure, Gore Verbinski. Nach Blockbustern wie „Fluch der Karibik“, dem oscarprämierten Animationshit „Rango“ (ich liebe diesen Film) und dem visuell berauschenden Psychothriller „A Cure for Wellness“ beweist er erneut sein unverkennbares Händchen für außergewöhnliche Filme. Mit diesem Werk liefert er eine vollkommen abgedrehte Sci-Fi-Satire ab, die das Thema Künstliche Intelligenz im Alltag ins Visier nimmt und gekonnt mit rabenschwarzem Humor würzt.

Die Story glänzt durch extreme Originalität: Ein mysteriöser, namenloser Mann aus der Zukunft platzt in ein typisches Diner in Los Angeles. Seine Mission lautet, ein exzentrisches Team aus den dort anwesenden Gästen zusammenzustellen, um die Menschheit in einer einzigen, chaotischen Nacht vor der endgültigen Apokalypse durch eine übermächtige KI zu retten.
Gespielt wird dieser Zeitreisende von Sam Rockwell, der hier einmal mehr untermauert, warum er zu den besten Schauspielern überhaupt gehört. Rockwell trägt das Werk mit einer manischen, unwiderstehlichen Energie und immensem Charisma.

Erzählt wird das Ganze episodenhaft: Die Hintergrundgeschichten der einzelnen Figuren entfalten sich durch clevere Rückblenden. Zu Beginn wirken diese Einzelschicksale noch völlig unzusammenhängend, doch im Verlauf des Films fügen sich die Handlungsstränge wie ein Puzzle zusammen. Diese Struktur erinnert in ihrer treffenden Sozialkritik und der düsteren Tech-Satire stark an eine überlange Episode von „Black Mirror“. Der Film warnt dabei weniger vor der Technologie an sich, sondern seziert vielmehr humorvoll und bissig unsere moderne Smartphone-Abhängigkeit und den unreflektierten Umgang mit dem digitalen Fortschritt.

Trotz aller Originalität verliert die eigentlich rasant inszenierte Weltrettung im Mittelteil etwas an Boden. Das Pacing zeigt sich hier mit Schwächen im Timing sehr wechselhaft. Die Rahmenhandlung weicht stellenweise sich wiederholenden Flucht- und Verfolgungsjagden sowie kryptischen Dialogen, was den Erzählfluss merklich ausbremst. Mit einer stolzen Laufzeit von 134 Minuten ist der Streifen letztlich gut mindestens 20 Minuten zu lange geraten. Ein strafferer Schnitt hätte der Dynamik des Independent-Projekts sichtlich gutgetan.

Wer auf der Suche nach einem gewöhnlichen und „Mainstreamigen“ Science-Fiction-Film ist, wird hier vermutlich den Kopf schütteln. Für Fans von morbider Gesellschaftskritik, absurden Twists und brillanten Darstellern ist Verbinskis neuester Streifen jedoch ein absoluter Pflichttermin.
„Good Luck, Have Fun, Don’t Die“ ist ein skurriler, unvorhersehbarer und herrlich zynischer Ritt, der immerhin für eine einmalige Sichtung reichen sollte.


Die 4,6K-Kameras fangen feinste Texturen ein. Das abgenutzte Leder der Diner-Sitze, Schweißperlen auf Sam Rockwells Gesicht und die metallischen Oberflächen der futuristischen Gadgets wirken extrem plastisch.
Da der Großteil des Films nachts oder in schummrigen Kulissen spielt, zeigt HDR hier seine Muskeln. Neonlichter, blinkende Bildschirme und die surrealen Tech-Glitches leuchten intensiv, ohne zu übersteuern oder in angrenzende Bildbereiche auszubluten. Teilweise wird es „dank“ einem satten Schwarzwert aber schon mal zu dunkel – vor allem in Gesichtern.
Trotz der oft aggressiven, kühlen oder neongetränkten Farbdarstellung behalten die Gesichter der Schauspieler eine glaubwürdige, warme Farbe.
Ein minimales, digitales Rauschen tritt nur dort auf, wo es als Stilmittel für die "Glitch"-Ästhetik der KI-Apokalypse gewollt ist.

Die Dolby Atmos-Tonspur der 4K UHD ist ein akustisches Highlight und fängt das surreale Chaos des Films perfekt ein. Sobald die Zeitreise-Action im Diner losbricht, wandelt sich das Wohnzimmer in eine packende 3D-Klangkulisse – zwar nicht oft aber immer passend.
Das Prasseln des nächtlichen Regens auf das Blechdach des Diners, die Schulglocke, der einstürzende Beton oder das Summen der alten Neonröhren wird perfekt über die Köpfe der Zuschauer gelegt.
Der Subwoofer darf ordentlich zupacken. Jedes Mal, wenn die KI zuschlägt oder die Apokalypse ein Stück näher rückt, untermalt der Tiefbass das Geschehen mit einem staubtrockenen, physisch spürbaren Grollen – auch beim coolen elektronischen Score.
Dennoch bleiben Dialoge jederzeit sauber.

Bonusmaterial gibt´s lediglich auf der beiliegenden Blu-Ray. Achja, einen Pappschuber und drei Artcards gibts obendrauf. 

Wer glaubt, im Weltraum-Horror bereits alles gesehen zu haben, wird von Daniel Espinosas („Morbius“) „Life“ aus dem Jahr 2017 eines Besseren belehrt. Der Film atmet den Geist von „Alien“, entwickelt aber von der ersten Sekunde an eine ganz eigene, unfassbar intensive Dynamik. Was als bahnbrechende Entdeckung von mikroskopischem Leben auf dem Mars beginnt, mutiert für die Besatzung der ISS rasch zu einem hyperintelligenten, permanent mutierenden Überlebenskampf.

Die größte Stärke des Thrillers ist sein absolut kompromissloses Pacing. Hier gibt es keinerlei Leerlauf. Die Regie verzichtet auf lange Vorreden und wirft das Publikum direkt in ein klaustrophobisches Kammerspiel, das die Daumenschrauben der Spannung Minute für Minute fester anzieht. Die Schwerelosigkeit wird dabei selbst zum Feind, denn Fluchtwege sind dreidimensional, Gefahren lauern in jedem Lüftungsschacht und die Isolation des Weltalls drückt schwer auf das Gemüt.

Getragen wird diese permanente Hochspannung von einem fantastischen Cast. Jake Gyllenhaal glänzt als sichtlich erschöpfter Mediziner, der sich in der Einsamkeit des Alls isoliert, während die hübsche Rebecca Ferguson als resolute Mikrobiologin mit kühlem Kopf gegen das Chaos ankämpft. Die spürbare Chemie und die authentische Todesangst des Ensembles sorgen dafür, dass jedes Opfer des außerirdischen Organismus namens „Calvin“ emotional tief trifft.
Calvin selbst ist kein stumpfes Monster, sondern ein faszinierender, hochentwickelter Jäger, dessen Anpassungsfähigkeit pure Gänsehaut erzeugt.

Das Ganze steuert unaufhaltsam auf ein Finale zu, das selbst Genre-Veteranen den Atem rauben dürfte. „Life“ bleibt knapp 100 Minuten lang bis zur allerletzten Sekunde konsequent unterhaltsam, doch das mörderische Ende ist ein absoluter Schlag in die Magengrube für jeden Sci-Fi-Fan. Ein bitterer, meisterhaft inszenierter Schockeffekt, der nach dem Abspann noch lange nachwirkt. Wer hochkarätigen Nervenkitzel sucht, kommt an diesem modernen Sci-Fi-Survival-Highlight nicht vorbei.

Da der Film auf High-End-Arri-Alexa-Kameras in 3.2K und 6.5K gedreht und über ein 3,2K DI ausgespielt wurde, ist die Bildschärfe der Sony Disc phänomenal. Jede Textur der Raumanzüge, die feinen Schalter der ISS und Schweißtropfen auf den Gesichtern des Casts sind perfekt erkennbar.
Dank HDR10 kommen die extremen Helligkeitsunterschiede im Weltall voll zur Geltung. Tiefe, fehlerfreie Schwarztöne im Vakuum stehen im harten Kontrast zu den hellen Lichtern der Raumstation und Sonnenreflexionen.
Die klinische, sterile Laboratmosphäre der ISS mit ihren kühlen Blautönen wirkt extrem plastisch. Wenn der Organismus „Calvin“ wächst oder Notsignale rot aufleuchten, liefert der erweiterte Farbraum eine erstklassige Sättigung ohne Bildrauschen. Zum Referenzbild fehlt nicht mehr viel.

Der deutsche Dolby Digital 5.1 Ton der UHD ist auf dem Papier zwar ein Downgrade zum DTS-HD MA 5.1 Ton der Blu Ray, aber auch der Ton der UHD ist sehr hochwertig und bietet neben feinsten Nuancen während der Dialoge und sauberen Effekten aus allen Speakern obendrein auch noch richtig viel Dynamik, wenn es die Szene zulässt. Natürlich darf da auch der Subwoofer ordentlich Gas geben. 

Mel Brooks’ „Verrückte Geschichte der Welt“ aus dem Jahr 1981 ist ein wilder Ritt durch einige Epochen der Menschheit. Von der Steinzeit über das Römische Reich bis zur Spanischen Inquisition nimmt der Meister der Parodie kein Blatt vor den Mund. Dennoch zeigt sich der Episodenfilm als ein zweischneidiges Schwert des Humors.

Das größte Problem des Films liegt in seiner Treffsicherheit. Nicht jeder Gag zündet – auch damals schon nicht. Neben genialen, auch subtileren Gags stehen flache Witze, die heute merklich gealtert wirken. Besonders die ausschweifende Musicalnummer hätte man sich sparen können. Die Inquisition als opulentes Tanzspektakel zieht das Erzähltempo unnötig in die Länge, anstatt die satirische Deutlichkeit auf den Punkt zu bringen. Hier verliert sich Brooks zu sehr in seiner eigenen Theaterleidenschaft.

Trotz dieser Längen besitzt das Werk unbestreitbaren Charme. Die detailverliebten Kulissen, der augenzwinkernde Umgang mit historischen Mythen und Brooks in gleich mehreren Hauptrollen versprühen eine angenehme Nostalgie. Es ist ein unbeschwerter, bisweilen herrlich alberner Film, dem man die Freude aller Beteiligten in jeder Sekunde anmerkt.

Letztendlich bleibt diese Aneinanderreihung von Sketchen zwar charmant, aber nur für Fans des Regisseurs wirklich empfehlenswert. Wer den spezifischen, oft klamaukigen Stil von Mel Brooks liebt, wird auch hier gerade noch ordentlich unterhalten und kann über die Schwächen hinwegsehen. Filmfans ohne diese Vorliebe könnten sich jedoch schnell an der zähen Struktur und den flachen Pointen stören.

Das Bild geht in ordnung, zeigt natürliche und warme Farben und besitzt eine gelungene Schärfe.

Der Ton ist etwas undynamisch und sehr frontlastig - für eine Komödie aus dem Jahr 1981 aber noch ausreichend.

Extras gibts einige nette. 

Ein bisschen „Matrix“, ein bisschen „John Wick“ und auch etwas „Venom“ und der Look eines Cyberpunk 2077, so schaffte es Regisseur Leigh Whannell einen coolen Sci-Fi Actioner zu inszenieren.
Er ist wahrscheinlich am besten für seine Zusammenarbeit mit James Wan bekannt, mit dem er an „Saw“ und „Insidious“ mitwerkelte. Hier tritt er erneut aus Wans Schatten heraus und zeigt, dass er auch Action inszenieren kann - auch wenn hier selten „die Post abgeht“. Vielmehr ist es die dystopische Welt selbst, in der „Upgrade“ spielt.

Der Film bietet aber auch viele clevere Wendungen in der Erzählung, so dass die knapp 90 Minuten (netto)Spielzeit erneut wie im Flug vergehen. Ich mag Hauptdarsteller Logan Marshall-Green („Prometheus“), diese dreckige Sci-Fi Welt, die oft an 90er Jahre B-Movies und Videospiele erinnert, den schrägen sowie sehr eindringlichen Score, die Choreografie in den wenigen Action-Szenen und irgendwie habe ich mich beim Schauen richtig gut unterhalten gefühlt.

Dass die Story lediglich eine plumpe Rachegeschichte ist - geschenkt. Auch dass sich einiges nach „abarbeiten“ des Hauptdarstellers anfühlt oder vieles sehr vorhersehbar ist, empfand ich hier nicht mal als störend. Neben all den coolen futuristischen Ideen fand ich tatsächlich lediglich eine schlecht: und zwar die schießenden Hände inklusive nachladevorgang im Unterarm. Das hätte man sich meiner Meinung nach schenken können. Immerhin gibts solche Szenen nur äußerst selten.

Mir gefällt aber dieses Sci-Fi Subgenre im Umgang mit der Angst und den Gefahren der KI und wie sie Oberhand nimmt. „Upgrade“ fühlt sich oft wie ein Potpourri aus vielen bekannten Sci-Fi Größen an und schafft es aber doch, eigenständig zu unterhalten.
Unterhaltsam und stilvoll ist „Upgrade“ definitiv, aber jetzt nichts bahnbrechendes was man unbedingt gesehen haben sollte. Ich hatte aber erneut 90 Minuten Filmspaß.

Bild und Ton können durchgehend überzeugen.
Satte Farben, dank viel Trostlosigkeit ein toller Schwarzwert und dazu noch ein dynamischer Sound.

Leider gibts keine Extras. 

Leichte Spoiler!!

Erstsichtung.
De r Horror-Thriller „Abigail“ aus dem Jahr 2024 verspricht eine blutige Vampir-Hatz, bleibt am Ende aber hinter seinen Möglichkeiten zurück. Das absolute Highlight des Films ist die titelgebende Ballerina-Vampirin Abigail. Ihre Darstellung mischt kindliche Unschuld mit brutaler Mordlust. Das ist visuell extrem cool inszeniert. Wenn sie im Tutu blutüberströmt durch die Hallen tanzt, zeigt der Film seine größten Stärken.

Der restliche Cast, bestehend aus einer Truppe von Entführern, agiert solide. Die Schauspieler holen das Beste aus ihren typischen Klischeerollen heraus. Die Gruppendynamik funktioniert in den ersten Minuten gut. Leider verliert das Kammerspiel schnell an Fahrt.

Das größte Problem von Abigail ist seine Laufzeit. Mit fast zwei Stunden ist der Film viel zu lange geraten. Die Geschichte zieht sich ab der Hälfte zäh wie Kaugummi. Anstatt die Spannung hochzuhalten, reihen Regisseure Matt Bettinelli-Olpin und Tyler Gillett zu viele Längen aneinander. Wendungen werden unnötig in die Länge gezogen. Das nimmt dem Horror jegliches Tempo. Was ein knackiger 90-Minüter hätte sein können, verkommt zu einer zweistündigen Geduldsprobe.

Erfahrene Horrorfans werden sich hier schnell langweilen. Die Schockeffekte und Wendungen sind zu vorhersehbar. Der Film eignet sich daher nur für Genreneulinge, die noch wenige Vampirfilme gesehen haben und sich von einfachen Gore-Effekten unterhalten lassen.

Abigail selbst rettet den Film vor dem Totalausfall. Wer jedoch ein straffes, nervenaufreibendes Horror-Highlight erwartet, wird bitter enttäuscht. 

Mit „The Matrix“ schufen die Wachowski-Geschwister 1999 einen Meilenstein der Filmgeschichte. Der Sci-Fi-Klassiker prägte den Zeitgeist der Jahrtausendwende und ist heute aktueller denn je.

Die Story bricht radikal mit der wahrgenommenen Realität. Der Hacker Neo (Keanu Reeves) steht vor der existenziellen Wahl: Die blaue Kapsel lässt ihn im bequemen Schein verbleiben. Die rote Kapsel führt ihn in die echte Welt. Angeführt von Morpheus (Laurence Fishburne) erkennt Neo die bittere Wahrheit. Die Menschheit wurde von Maschinen versklavt. Sie dient nur noch als biologische Batterie.

Der Film inszeniert einen düsteren Maschinen-Krieg. Er wirft damit tiefschürfende, philosophische Fragen auf. Was ist real? Wo endet menschliche Selbstbestimmung? Die Parallelen zur Gegenwart sind verblüffend. In Zeiten von generativer KI, Deepfakes und algorithmischer Überwachung fühlt sich die Matrix nicht mehr wie ferne Fiktion an. Sie wirkt wie eine akkurate Parabel auf unsere digitale Abhängigkeit.

Visuell war das Werk absolut bahnbrechend. Die Erfindung des „Bullet-Time“-Effekts revolutionierte das Actionkino nachhaltig. Der coole Lederlook, die sterilen Grün- und Blautöne sowie die Synthese aus Cyberpunk und fernöstlicher Kampfkunst schufen eine unverkennbare Ästhetik. Reeves glänzt als stoischer, zweifelnder Erlöser. Fishburne verleiht dem Film mit seiner ruhigen Präsenz mythologische Tiefe.

„The Matrix“ ist kein gealtertes Relikt der späten Neunziger. Es ist ein prophetisches Meisterwerk. Der Film verbindet revolutionäre Special Effects perfekt mit existenziellen Kernfragen der Menschheit. Ein visionärer Meilenstein, der auch nach Jahrzehnten im Streaming-Zeitalter absolut fesselt.

Nun zum UHD Bild:
Die auffälligste Änderung betrifft das Color Grading. Frühere Heimkino-Releases (wie die DVD von 1999 oder die danach erschienene Blu Ray) litten unter einem extremen, nachträglich verstärkten Grünstich in fast allen Szenen. Die neue 4K-Fassung korrigiert dies. Der grüne Schleier ist innerhalb der Matrix zwar immer noch als Stilmittel präsent. Er wurde jedoch deutlich feinfühliger dosiert.
Besonders positiv fallen die optimierten Hauttöne auf. Gesichter wirken jetzt weitaus natürlicher und lebendiger. Wo Keanu Reeves und Laurence Fishburne früher oft kränklich und grünlich überstrahlt wirkten, zeigt das HDR-UHD-Bild nun echte, gesunde Hautfarben. Das sorgt für deutlich mehr Tiefe und Realismus in den Charakterporträts.
Diese Farbrekonstruktion basiert auf den originalen Kinofilmen von 1999. Sie bringt das Werk so zurück auf den Bildschirm, wie es damals im Kino zu sehen war. Der Kontrast ist dank HDR extrem knackig. Das tiefe Schwarz in der echten Welt bietet einen grandiosen Kontrapunkt zu den hellen, sauberen Tönen der Simulation. Mitunter wird’s dann schon etwas Dunkel in der Beleuchtung von Gesichtern.
An Details gibt’s dank einem 4K DI wieder mehr zu erkennen als auf der Blu Ray: Schweißperlen, Regentropfen, Hautporen oder die zerzausten Wollpullis von Morpheus´ Crew – alles lässt sich nun genauestens und plastisch erkennen.
Die 4K UHD ist die ultimative Version des Filmklassikers. Sie befreit das Meisterwerk vom künstlichen Grün-Look späterer Heimkino-Fassungen. Sie liefert stattdessen ein natürliches, detailreiches und originalgetreues Kino-Erlebnis.

Der deutsche Dolby Digital Ton ist noch der gleiche wie auf der DVD bzw. der Blu Ray. Dialoge sind etwas zu leise abgemischt, sind aber das einzige Manko einer ansonsten mehr als soliden Tonspur. Man bekommt genug Dynamik und Surroundeffekte aus den Lautsprechern. Mit heutigen Blockbustern sollte man den Ton aber nicht vergleichen. 

„Operation: Kingdom“ aus dem Jahr 2007 unter der Regie von Peter Berg ist ein packender Hybrid aus politischem Drama und intensiver Action. Gerade die Filme „Boston“ oder „Deepwater Horizon“, die beide später erschienen, fand ich klasse. Der Film verhandelt ein hochkomplexes, schwieriges Thema: den modernen Terrorismus und die tiefen Gräben zwischen westlichen Ermittlern und der arabischen Welt.
Nach einem verheerenden Anschlag auf eine US-Siedlung in Saudi-Arabien reist ein FBI-Team rund um den entschlossenen Agenten Ronald Fleury (Jamie Foxx) ins Epizentrum der Gefahr, um die Hintermänner zu jagen.

In knackigen 105 Minuten Laufzeit entfaltet sich ein bemerkenswert realistischer Thriller. Berg verzichtet auf klischeehafte Schwarz-Weiß-Malerei und zeigt ungeschönt die bürokratischen Hürden, kulturellen Missverständnisse und die allgegenwärtige Bedrohung vor Ort. Besonders stark glänzt das Werk in der Annäherung zwischen Fleury und einem saudischen Colonel, was dem Action-Spektakel eine unerwartete emotionale Tiefe verleiht.

Die handwerkliche Umsetzung ist meisterhaft. Die Kameraarbeit fängt das staubige, nervenaufreibende Setting dynamisch ein. Das extrem bleihaltige Finale im letzten Drittel des Films raubt dem Zuschauer den Atem. Es zeigt die brutale Realität moderner urbaner Kriegsführung ohne moralischen Zeigefinger, regt jedoch durch seinen bitteren Schlusssatz stark zum Nachdenken über die Endlosspirale der Gewalt an.

Hier gibt’s dann doch noch etwas Kritik, da der Film diese ausufernde Action im letzten Drittel gar nicht gebraucht hätte. Dazu noch viele Klischeehafte Charaktere und für den einen oder anderen eine zu fest wackelnde Kamera (Shaky-Cam).

Dennoch erhält man mit „Operation: Kingdom“ ein intelligentes, handlungsorientiertes Action-Drama. Wer einen realistischen, politisch ambitionierten Thriller mit Tiefgang und handwerklich perfekter Action sucht, wird hier bestens unterhalten. 

1995 brachte der Regisseur Joe Johnston (Captain America: The First Avenger, Jurassic Park 3) den Film „Jumanji“, der auf dem gleichnamigen Kinderbuch vom Autor Chris Van Allsburg aus dem Jahr 1981 basiert, weltweit in die Kinos. Heraus kam dabei ein abwechslungreicher Mix aus Fantasy, Action und wohl dosiertem Humor. Bei einem Budget von 50 Millionen Dollar und einem weltweiten Einspielergebnis von 262 Millionen Dollar kann man zu Recht von einem Kinoerfolg sprechen.

Die Schauspieler wurden gut gewählt, allen voran natürlich Robin Williams (Der Club der toten Dichter, Mrs. Doubtfire), der sich wieder einmal in Höchstform präsentiert. Auch die damals erst 13 jährige Kirsten Dunst (Spiderman Trilogie, Melancholia) spielt ihre Rolle glaubhaft. Mit der Ausnahme von Jonathan Hyde (Titanic, Die Mumie), zu sehen in einer Doppelrolle, spielen die restlichen Akteure zwar zweckdienlich, aber dennoch ordentlich ihre mitunter recht lustigen Rollen. Einer, der unter anderem dafür verantwortlich ist, dass der Humor im Film nicht zu kurz kommt, ist Police Officer Carl Bentley, gespielt von David Alan Grier. Zuzusehen wie sein Polizeiauto im Laufe des Film immer mehr in Mitleidenschaft gezogen wird, bereitet einem schon ein lachendes sowie auch ein weinendes Auge.

Was man dem Film damals wie auch heute noch negativ ankreiden kann ist, dass er sich aufgrund der Fokussierung der damaligen recht neuen und überzeugenden CGI Spezialeffekte für eine tiefere Charakterzeichnung wenig Zeit nimmt. Zwar kommt in den 104 Filmminuten keine Langeweile auf, aber ein bisschen mehr Vorgeschichte von einigen Rollen hätte dem Film bestimmt nicht geschadet. Immerhin ist deshalb das Pacing hervorragend.

Die zuvor angesprochenen CGI Effekte, die in George Lucas´ Industrial Light und Magic Schmiede entstanden sind, waren damals State-of-the-Art und gehörten zum Besten, was man nach „Terminator 2“ an visuellen Effekten zu sehen bekommen hat. Bis auf einige wenige Momente, wie zum Beispiel die Darstellung der Affen, können die Spezialeffekte auch heute noch überzeugen.

Abenteuer- und Fantasy Fans kommen bei „Jumanji“ definitiv auf ihre Kosten. Als Familienfilm würde ich „Jumanji“ nur bedingt sehen, da selbst Robin Williams damals erwähnte, den Film seiner 6 jährigen Tochter (noch) nicht zeigen zu wollen. Daher auch die FSK Freigabe: ab 12.
Die Handlung, die Darsteller und selbst die Effekte überzeugen auch über 30 Jahre nach Erscheinen des Films den Cineasten von heute und so ist und bleibt „Jumanji“ aus dem Jahr 1995 für mich immer noch der beste Teil der Reihe.


„Jumanji“ erschien auch auf der UHD im Ansichtverhältnis 1,85:1. Die durchschnittliche Bitrate ist zwischen 50 und 70 Mbit/S im gehobenen Bereich anzusiedeln - was man der Qualität auch ansieht. Filmkorn ist jederzeit präsent und verleiht dem Film diesen natürlich Look, der mit realistischer Farbgebung und toller Schärfe zu überzeugen weiß. Der Schwarzwert als auch der Kontrast sind perfekt aufeinander abgestimmt und verschlucken auch in dunkleren Szenen so gut wie keine Details. Apropos Detail, denn diese lassen sich fast jederzeit bestens ausfindig machen. Egal ob die Struktur der Kleidung, Hautporen, Laubblätter auf Bäumen oder auf Straßen – man kann sich fast gar nicht satt sehen.
Insgesamt wirkt das Bild sehr plastisch und stimmig und man merkt dem Film das Alter (bis auf einige weichere CGI Effekte) in keinster Weise an. Er wirkt fast wie „frisch“ gedreht, da er nun noch mehr Strahlkraft erhielt. Dank HDR sind auch die Farben natürlich warm und auch sehr satt. Spitzlichter auf chromatischen Oberflächen oder Lampen strahlen ebenfalls schön heraus. Mit aktuellen Hochglanz-Filmen kann „Jumanji“ natürlich nicht ganz mithalten, verfehlt aber auch nur knapp eine Höchstwertung.

Zusammen mit der englischen und der spanischen Tonspur, erschien auf der UHD nun auch die deutsche Fassung in DTS-HD MA 5.1. Gegenüber den vorigen Editionen von Jumanji hat man nun einen entscheidenden Mehrwert, da diese nur über Deutsch Dolby Digital 5.1 verfügen.
Die deutschen Dialoge sind stets gut zu verstehen, nur die englische Originalfassung klingt da etwas klarer und direkter.
Erwähnenswert ist auch, dass der Subwoofer einiges zu tun bekommt, denn ab und an driftet dieser sogar in den Tiefbassbereich herab. Die Frequenzübergänge werden dabei sehr sauber dargestellt. (gut zu hören in der Löwenszene bei Minute 28:45).
Mit James Horner (Titanic, Avatar, Braveheart) konnte damals einer der angesehensten Filmkomponisten engagiert werden. Der Score, der auch die Surroundkanäle mit einbezieht, passt jederzeit perfekt zum Geschehen und trägt auch für die Atmosphäre des Films reichlich bei.
Ein paar direktionale Surroundeffekte mehr und eine etwas höhere Tonbewertung wäre die Folge gewesen. 

„Herz aus Stahl“ aus dem Jahr 2014 und unter der Regie von David Ayer („Suicide Squad“) ist ein brutal ehrliches Kriegsdrama, das den Zuschauer ohne Vorwarnung in den Schlamm des Zweiten Weltkriegs wirft. Im April 1945 führt der abgehärtete Sergeant „Wardaddy“ (Brad Pitt) seine erschöpfte Panzerbesatzung tief in das kollabierende Nazi-Deutschland. Es ist ein dreckiger, kompromissloser Blick auf die finale Phase des Konflikts.

Der Film besticht durch extrem tolle Actionszenen, die durch ihre Wucht und Intensität im Gedächtnis bleiben. David Ayer inszeniert die Panzerschlachten mit einer beklemmenden Klaustrophobie und setzt dabei auf maximale Authentizität. Ein herausragendes visuelles Detail sind die historisch akkuraten Leuchtspuren bei den Schüssen. Das farbige Aufleuchten der Munition verleiht den Gefechten eine fast surreale Dynamik und fängt das Chaos des echten Schlachtfelds perfekt ein.

Besonders stark ist, dass das Drama auf moralische Schwarz-Weiß-Malerei verzichtet. Beide Seiten kommen nicht gerade sympathisch rüber. Die deutschen Truppen agieren mit fanatischer Grausamkeit, doch auch die US-Soldaten sind durch das jahrelange Töten emotional abgestumpft. Sie plündern, exekutieren Gefangene und zwingen Rekruten zu Kriegsverbrechen. Brad Pitts Figur verkörpert diesen inneren Verfall meisterhaft zwischen Fürsorge und absoluter Kälte.
Diese moralischen Grauzonen werden durch extrem harte, brutale Szenen unterstrichen. Der Film spart weder zerfetzte Körper noch die psychischen Narben der Männer aus. „Fury“ , wie er im Original heißt, glorifiziert nichts, sondern zeigt die Entmenschlichung im Panzer als klaustrophobischen Überlebenskampf.

„Herz aus Stahl“ ist ein packendes, visuell beeindruckendes Meisterwerk des Genres. David Ayer liefert ein ungeschöntes Kriegsdrama ab, das durch technische Präzision und eine düstere, kompromisslose Atmosphäre überzeugt. Ein absoluter Pflichtfilm für Fans realistischer Antikriegs-Epen.

Das 4K Bild ist sehr gut. Natürlich spielt vieles in dreckiger, verrauchter Umgebung, gesättigte Farben kann HDR auch nicht strahlender machen. Die Schärfe war solide, aber sicher keine Referenz. Das hätte evtl. auch nicht zum Film gepasst. Da ich die BR nicht gesehen habe, kann ich keine Vergleiche ziehen.

Obwohl nur DD5.1 Ton fürs deutsche, ist der Sound eine Wucht, im wahrsten Sinne des Wortes. Direktionale Bombenexplosionen, dauerfeuer aus allen Rohren und auch die Dialoge sind immer gut verständlich. Der Subwoofer kommt auch ab und an in den Tiefbassbereich- so muss das sein. 

Es gibt Filme, die wir anschauen, und es gibt Filme, die wir tief in uns drinnen fühlen. Rob Reiners zeitloses Meisterwerk „Stand by Me“ aus dem Jahr 1986 gehört für mich zweifellos zu letzteren und steht zurecht in meiner Top 5 Filme aller Zeiten.
Basierend auf Stephen Kings Novelle „The Body“ entfaltet sich hier ein cineastisches Juwel, das den Zuschauer ab der allerersten Sekunde sofort in seinen Bann zieht und bis zum Abspann nicht mehr loslässt. Es ist ein Werk, das weit über die Leinwand hinausreicht und direkt die Seele berührt.

Die Geschichte von Gordie, Chris, Teddy und Vern ist eine zutiefst melancholische Reise zurück in die eigene Vergangenheit. Reiner inszeniert hier eine Kindheit, die sich so unbeschwert, warm und voller Abenteuergeist anfühlt, dass es genau die Kindheit ist, die jeder von uns gerne gehabt hätte. Die vier Jungen brechen auf, um entlang einsamer Bahngleise die Leiche eines vermissten Jungen zu finden. Doch auf den staubigen Schienen des ländlichen Oregons suchen sie in Wahrheit nach sich selbst und nach Halt in einer Welt, die sie oft nicht versteht. Es sind die wehmütigen letzten Tage der Kindheit, getragen von einer tiefen, verletzlichen Unschuld, die spürbar dem Ende geweiht ist.

Jede Sekunde des Films verströmt das bittersüße, schmerzhafte Wissen, dass dieser eine Sommer der unumkehrbare Wendepunkt ihres Lebens sein wird. Hier endet die Kindheit, unwiderruflich und radikal. Der Zuschauer geht hautnah mit auf diese emotionale, raue Reise zum Erwachsenwerden, spürt die unausgesprochene Angst der Jungen vor der Zukunft und lernt den unschätzbaren Wert bedingungsloser Loyalität kennen. Getragen wird diese emotionale Wucht von perfekt gewählten Jungstars. Allen voran River Phoenix, Wil Wheaton, Corey Feldman und Jerry O’Connell spielen mit einer derart rohen, ungeschminkten Ehrlichkeit, die sofort unter die Haut geht. Ihr Schmerz, ihr Lachen und ihre Einsamkeit wirken in jedem Moment absolut real.

Untermalt wird dieses atmosphärische Gesamtkunstwerk von einem genialen Soundtrack. Der legendäre, namensgebende Titelsong von Ben E. King fängt die Essenz dieser tragischen Verbundenheit makellos ein. Er untermauert die Momente des Abschieds und brennt sich als akustisches Denkmal für immer in das kollektive Gedächtnis ein.
„Stand by Me“ ist kein bloßer Nostalgietrip. Es ist eine schmerzhaft schöne Hommage an die flüchtigen Augenblicke der Jugend. Am Ende bleibt ein tiefer Kloß im Hals und die berühmte Erkenntnis, die der gealterte Gordie auf seiner Schreibmaschine eintippt: „Ich hatte später nie mehr solche Freunde wie damals, als ich zwölf war. Mein Gott, wer hat die schon?“ Ein makelloser, unsterblicher Film.

Nun zum 4K Bild. Filmkornhasser sollten einen Bogen um den Film machen… auch wenn das filmische Korn sehr fein daherkommt. Wer allerdings ein realistisches Bild möchte, bekommt hier die bestmögliche Version dieses Columbia Klassikers. Klar gibts auch einige weichere Einstellungen, Überbelichtungen und auch die Beleuchtung ist ab und zu nicht perfekt aber immerhin kommen die Farben schön rüber. Das Grün der Wiesen und der Bäume ist sehr satt, Hautfarben erstrahlen natürlich und man kann jedes Blatt an den Bäumen oder Laub am Boden zählen. Auch das Blau des Himmels war nie schöner.
Der 4K Scan lässt das Bild im Vollbild Ansichtsformat einfach frischer erstrahlen. 70Mbit/S Datenrate bringen eben auch viele Details zum Vorschein.
Spitzlichter gibts immer wieder in Form von lichtbrechungen im Wasser oder beim Glanz in den Augen. Aber auch metallische Oberflächen glänzen sehr schon.
Wer den 40 Jahre alten Film mag, muss unbedingt Upgraden - sollte ihn aber nicht mit aktuellen Produktionen vergleichen.

Der deutsche 5.1 Dolby Digital Ton ist solide.

Als Extra gibts ca 6 Minuten nicht veröffentlichtes Bildmaterial auf der UHD. 

„Bodyguard“ aus dem Jahr 1992 unter der Regie von Mick Jackson („Volcano“) ist ein Kultfilm des 90er-Jahre-Kinos. Das Drehbuch von Autor Lawrence Kasdan („Star Wars – Episode 5, 6, 7 oder „Indiana Jones -Jäger des verlorenen Schatzes“) verbindet geschickt Elemente aus Liebesfilm und Kriminaldrama. Dieser Romantic-Thriller funktioniert vor allem durch das Zusammenspiel der beiden Hauptdarsteller.

Kevin Costner überzeugt als stoischer, extrem professioneller Leibwächter Frank Farmer. Er soll die exzentrische Pop-Ikone Rachel Marron beschützen. Diese wird von einer der größten Stimmen der Musikgeschichte verkörpert: Whitney Houston. Zwischen den beiden ungleichen Charakteren entsteht eine spürbare, knisternde Chemie. Die Liebesgeschichte bildet das emotionale Herzstück des Films.

Aus heutiger Sicht zeigt das Werk jedoch auch Schwächen. Das etwas träge Pacing entspricht nicht mehr ganz den modernen Sehgewohnheiten. Manche Szenen ziehen sich in die Länge. Auch die eigentliche Thriller-Handlung rund um den unbekannten Stalker bleibt solide, aber etwas vorhersehbar. Wirkliche Überraschungen oder komplexe Wendungen bietet das Drehbuch nicht.

Der wahre Star des Films ist ohnehin die Musik. Der tolle Soundtrack brach weltweit Rekorde und ist bis heute legendär. Whitney Houstons Coverversion von „I Will Always Love You“ ging in die Popgeschichte ein. Der emotionale Geniestreich brachte dem Film zudem zwei Oscar-Nominierungen in der Kategorie „Bester Song“ ein („I Have Nothing“ und „Run to You“).

„Bodyguard“ ist aber trotz kleinerer Längen (20 Minuten weniger hätten dem Film gutgetan) ein absolut sehenswerter Kultfilm. Er lebt von seiner Atmosphäre, den starken Darstellern und unvergesslichen Melodien.

Einzig das Bild der Blu-Ray (dürfte ein alter Codec sein) geht eigentlich gar nicht mehr. Die Schärfe könnte wesentlich höher sein und auch die Farben, vor allem diese fahlen, blaustichigen Gesichter, gehörten auch mal überarbeitet. Der Schwarzwert ist auch nicht wirklich Top.

Aber auch der Ton reißt keine Bäume aus. Er ist sehr frontlastig und wenig dynamisch. Immerhin kann man Whitneys Song gut lauschen. 

„3 Engel für Charlie – Volle Power“ aus dem Jahr 2003 schraubt die Erfolgsformel des Vorgängers von 2000 konsequent nach dem Motto „Höher, schneller, weiter“ hoch. Regisseur McG zündet ein hyperaktives Action-Feuerwerk, das physikalische Gesetze komplett ignoriert und die Realität bewusst hinter sich lässt. Die Stunts sind völlig übertrieben, machen durch diese ungebremste Comic-Ästhetik aber phasenweise richtig Spaß.

Ein großer Pluspunkt bleibt der Humor. Der Film nimmt sich zu keiner Zeit ernst. Er zelebriert seinen eigenen Trash-Faktor mit einem Augenzwinkern, was den absurden Plot um gestohlene Datenringe erträglich macht. Getragen wird das Ganze von einem absolut starbesetzten Cast. Das eingespielte Trio aus Cameron Diaz, Drew Barrymore und Lucy Liu versprüht pure Spielfreude. Ergänzt werden sie durch hochkarätige Gaststars wie Demi Moore als gefallener Engel, Bruce Willis, Pink und John Cleese, die für tolle Momente sorgen.

Untermalt wird das Spektakel von einem absoluten Hammer-Soundtrack, der von treibendem Rock bis hin zu poppigen Nostalgie-Hits jeden Kampf perfekt rhythmisiert.

Allerdings kann die Fortsetzung den Überraschungseffekt des Erstlings nicht wiederholen. Das Konzept wirkt nicht mehr so neu und frisch wie noch im Jahr 2000. Durch das permanente Dauerfeuer an visuellen Reizen stellen sich zudem schnell erste Abnützungserscheinungen ein. Wenn alles ständig auf Anschlag läuft, fehlt es dem Film irgendwann an echter Dynamik und erzählerischer Tiefe.

„3 Engel für Charlie – Volle Power“ ist eine schrille, extrem überdrehte Fortsetzung. Für Fans von popkultureller Reizüberflutung und kurzweiliger Popcorn-Unterhaltung bleibt der Streifen trotz kleinerer Ermüdungserscheinungen ein unterhaltsames Guilty Pleasure.

Das Bild ist ordentlich, bietet aber absichtliche steile Kontraste, übersättigte und warme Farben.
Auch der DD 5.1 Ton kann sich noch hören lassen. 

Regisseur Dan Trachtenberg (10 Cloverfield Lane) vollbrachte 2022 das Unmögliche: Er befreite das schwächelnde Predator-Franchise aus dem Sci-Fi-Sumpf und führte es zurück zu seinen brachialen Wurzeln. „Prey“ ist kein müder Aufguss, sondern das packendste Survival-Spektakel seit Jahren und ohne Zweifel der beste Film der Reihe seit dem legendären Original von 1987.

Die Handlung springt zurück ins Jahr 1719. Im Mittelpunkt steht Naru, eine junge Komantschen-Kriegerin, die sich gegen alle patriarchalischen Stammesregeln beweisen will. Amber Midthunder („The Ice Road“) liefert hier eine absolute schauspielerische Meisterleistung ab. Sie trägt den Film fast im Alleingang und besticht durch eine unfassbar starke Physis. Naru ist keine unbesiegbare Superheldin, denn jeder Sturz tut weh, jeder Fehler ist tödlich. Das macht ihren Überlebenskampf so intim und intensiv.

Die Kulisse ist ein visuelles Meisterwerk. Epische Landschaftsaufnahmen Kanadas fangen die unberührte, raue Schönheit der Wildnis perfekt ein. Doch die Idylle trügt. Trachtenberg inszeniert nervenzerfetzende Verfolgungen durch dichte Wälder und neblige Moore, bei denen der Puls des Zuschauers unaufhaltsam nach oben gejagt wird. Auch bei meiner erneuten Sichtung.

Das Highlight ist die Jagdbeute selbst: Ein neuer, extrem cooler Predator. Technisch etwas primitiver ausgestattet als seine Nachfahren, aber dafür umso sadistischer. Die Actionszenen münden in brachiale Kämpfe, die durch handgemachte Effekte und kompromisslose Härte schockieren. Wenn Hightech-Alien-Waffen auf Pfeil, Bogen und unbändigen Überlebenswillen treffen, entstehen Choreografien von purer, roher Dynamik.

„Prey“ versteht im Kern, was das Original so großartig machte: Es ist ein minimalistischer, dreckiges Überlebenskampf in der endlosen Natur. Ein atmosphärisches Action-Meisterwerk, das dem ikonischen Jäger endlich wieder seine wohlverdiente Krone aufsetzt. Für mich ein absolutes Must-Watch!


Das 4K Bild ist ausgezeichnet. Dank hoher Datenraten (durchschnittlich über 70Mbit/S!) gibts definitiv ein saubereres Bild als im Disney Stream. Keine Spur von Kompression. Details gibts in Hülle und Fülle. Egal ob kleinste Büsche, trockene Baumrinden, grüne Wiesen, Kieselsteine, Texturen der Kleider - alles ist genauestens erkennbar. Obendrein wirkt das Bild sehr plastisch. Der Schwarzwert ist schön satt und dank HDR Spitzlichter leuchten auch Fackeln oder Lagerfeuer extrem hell aus dem Dunkeln des OLEDs heraus. Auch die Durchzeichnung kann man als gelungen bezeichnen- im Dunkeln geht nichts verloren.

Der Dolby Digital 5.1 Ton ist auch hier wieder nur am Papier „schlecht“. Tatsächlich bietet er aber eine wahnsinnig starke Dynamik, glasklare Dialoge, tolle Effekte aus den hintern Lautsprechern, einen tollen Score und auch einen Subwoofer, der in den Action Szenen genug zu tun hat. Hier merkt man wahrlich nicht, dass hier eine veraltete Tonspur werkelt. Hier kann ich nicht meckern- der Ton hat wirklich Spaß gemacht im heimischen Wohnzimmer. 

„Es: Welcome to Derry“ erweist sich in der Gesamtbetrachtung als eine ordentliche Horrorserie, die vor allem durch ihre dichte Atmosphäre und einen überragenden Hauptdarsteller glänzt.

Als Prequel zu Stephen Kings legendärem Meisterwerk beleuchtet die achtteilige HBO-Produktion die düstere Vorgeschichte der verfluchten Kleinstadt Derry.
Optisch zieht die Serie alle Register. Die Produktion ist visuell extrem hochwertig ausgefallen. Jede Einstellung atmet die gewohnte, cineastische HBO-Qualität. Düstere Schatten, historische Kulissen und eine bedrückende Farbpalette ziehen das Publikum sofort in den Bann.

Ein absolutes Highlight ist dabei die Rückkehr von Bill Skarsgard als Pennywise. Seine Darstellung ist erneut perfekt, verstörend und absolut meisterhaft. Jede einzelne Szene mit dem tanzenden Clown ist ein purer Genuss. Gut, dass die Figur jedoch sehr spärlich eingesetzt wird, was ihre Bedrohlichkeit nur noch weiter steigert. Die gruseligen Szenen glänzen nur so vor Abwechslung und tollen Ideen.

Die Serie konzentriert sich stark auf Derry selbst und die düstere Geschichte hinter der Fassade. Besonders positiv sticht hervor, wie sensibel und schmerzhaft die historischen Rassenprobleme der Stadt aufgegriffen werden. Das neue Ensemble aus Kindern und Jugendlichen schlägt sich ebenfalls hervorragend. Die Kids passen perfekt in das King-Universum und harmonieren wunderbar miteinander – wobei für mich natürlich nichts an die Chemie und den Charme der Derry Kids bzw. dem „Club der Verlierer“ aus der allerersten „ES“-Verfilmung von 1990 herankommt.

Allerdings leidet die Dynamik der acht Folgen unter erzählerischen Schwächen. Nach einem starken Auftakt erweisen sich insbesondere die Folgen 2 und 3 als eher schwach und langatmig. Die Macher wollen oft zu viel auf einmal: Es gibt schlicht zu viele Handlungsstränge, die gleichzeitig bedient werden wollen. Gepaart mit häufigen, teils unübersichtlichen Zeitsprüngen verliert die Erzählung dadurch gelegentlich ihren roten Faden und strapaziert die Geduld der Zuschauer.

Wer ein reines Jumpscare-Fest erwartet, wird eventuell enttäuscht. Wer sich jedoch auf eine atmosphärische, bildgewaltige Überlieferung des Bösen einlässt, bekommt mit „Es: Welcome to Derry“ ein stark gespieltes Serienerlebnis für Fans des Franchises geboten.

Die UHD bietet im Vollbild-Ansichtsverhätlnis 1,78:1 meist gestochen scharfe Bilder mit unzähligen Details. Die Farbpalette ist sehr warm und beinhält viele gold und brauntöne – können aber gerade in den gruseligen Momenten kühler daherkommen. Vor allem Rottöne (Feuerwehrautos, Luftballons, Blut) darf man in allen Akzenten genießen. Helligkeitsspitzen in Form von Feuer, Taschenlampen, Lichtern der Stadt oder gar Pennywise´s Augen, die im Dunkeln herausblitzen, machen Laune. Der Schwarzwert ist schön tief, bietet sattestes Schwarz und lässt nur in ganz wenigen Ausnahmefällen Details in Gesichtern verschwinden – vor allem, wenn diese vor einem sehr hellen Hintergrund wie einem Fenster stehen.

Der Dolby Digital 5.1 Ton klingt (wieder einmal) nur am Papier altbacken, denn was Dynamik anbelangt, bringt diese Tonspur auch das Heimkino zum Beben. Der Subwoofer darf ordentlich mitmischen und Dialoge kommen glasklar aus dem Center. Der Score selbst geht schon in Ordnung, könnte aber etwas eingängiger sein.

Als Bonusmaterial gibt’s zu jeder Folge einen Audiokommentar und Featurettes zu sehen. Auch gibt es Einblicke hinter die Kulissen, zum Beispiel wenn Bill Skarsgard stundenlang zu Pennywise geschminkt wird. 

Ace Ventura

Kinofassung: 85:48 Min.
Integralfassung: 96:56 Min.

Ich wollte unbedingt einmal die Intergralfassung sehen, in der es einige erweiterte Szenen zu sehen gibt. Dabei betrifft es unter anderem Szenen, bei der Ace mit einem Polizisten telefoniert, er länger mit den Reportern am Delphinbecken diskutiert, seine Kontaklinsen zerbricht oder sogar selbst auf der Bühne beim „Cannibal Corpse“ Auftritt performt. Tja, kann man sehen, verpasst aber wirklich nichts extrem witziges. Sehr cool, dass man für die erweiterten Szenen Jim Carreys Stammsynchronsprecher verpflichten konnte.

Wer Interesse hat, kann auch noch die deutsche Fassung der US TV-Fassung schauen, bei der einige Schimpfwörter entfernt und neue Szenen hinzugefügt wurden. Die TV Fassung geht ungefähr 2 Minuten länger als die Kinofassung. Die Farben wirken dort nicht mehr so filmisch warm sondern etwas zurückhaltender.

Zurück zum Film…
Privatdetektiv Ace Ventura erhält eines Tages den Auftrag, das Maskottchen der Miami Dolphins names Snowflake aufzuspüren. Während Ace der Spur von Delfin Snowflake folgt, wird ihm eines schnell klar: Hinter dem Verschwinden steckt ein großer Komplott. Sogar die Polizei scheint darin verwickelt zu sein.

Teil 1 aus dem Jahr 1994 (ja, das selbe Jahr in dem auch „Die Maske“ UND „Dumm und Dümmer“ erschienen!) ist auch heute noch eine witzige Jim Carrey Show… sofern man ihn mag. Kaum zu glauben dass der Film bereits über 30 Jahre alt ist!

Die Komödie ist bodenständig, albern hat einen obercoolen Hauptcharakter, der locker noch einen Drittel Teil hätte stemmen können, bietet sogar Twists und obendrein so viele genial lustige Szenen. Neben den irrwitzigen Szenen im Ballett-Tutu im Irrenhaus oder das Autofahren mit dem herausgestreckten Kopf ist natürlich auch der Auftritt der Death-Metalband Cannibal Corpse unvergesslich.

Carrey liefert hier richtig ab… auch physisch. Aber auch weitere bekannte Gesichter wie Courtney Cox, Sean Young oder Udo Kier fügen sich gut in die Story ein. Die 96 Minuten Laufzeit verfliegen sprichwörtlich und wenn man eine simple Story und eine gute Zeit haben will, geht „Ace Ventura“ eigentlich immer.



Ace Ventura - Jetzt wird‘s wild

Ace Ventura kehrt von einer spirituellen Suche zurück, um das Verschwinden einer seltenen weißen Fledermaus zu untersuchen, dem heiligen Tier eines Stammes in Afrika.

Ja ich muss es leider zugeben: Ace Ventura 2 ist schlecht gealtert. Im Gegensatz zu Teil 1, wo man Ace sofort in sein Herz schließt, ist er hier anfangs sogar recht unsympathisch. Obwohl ich Jim Carrey schätze und extrem gerne mag, ist er mir hier „too much“. Seine Grimassen sind hier oft fehl am Platz… obwohl ich sie früher gefeiert habe.

Klar gibts einige geniale Szenen, angefangen von der „Cliffhanger-Verarsche“ im Intro bis hin zum Kampf gegen den weißen Teufel aber zwischendrin ist er einfach nur naja bis solide. Auch zündet längst nicht mehr jeder Gag.
Teil 1 wirkt auch insgesamt „runder“. War der Film früher für mich ne klare 4 von 5 gibts jetzt nur mehr noch 3 von 5 Punkten.

Bild und Ton sind bei beiden Filmen in Ordnung.
Warme Farben, ordentliche Schärfe und ein solider Schwarzwert. Der Ton ist aber recht frontlastig und wenig dynamisch - für eine Komödie aber in Ordnung.

Teil 3, Ace Ventura Jr., sehe ich als nette Dreingabe. Ohne Carrey und mit 2000er TV Charme kommt er nicht an die beiden ersten Teile heran. 

„Zwei außer Rand und Band“ aus dem Jahr 1977 ist ein Klassiker des Prügelkinos. Er beweist eindrucksvoll, warum das Duo Bud Spencer und Terence Hill bis heute unerreichten Kultstatus genießt. Mit einer Laufzeit von rund 114 Minuten bietet das Werk kurzweilige, zeitlos lustige Unterhaltung, die Generationen von Fans begeistert.

Die Story ist bewusst simpel gehalten: Zwei sympathische Gauner wollen eigentlich nur einen Geldtransport überfallen. Durch ein absurdes Missgeschick landen sie jedoch mitten in der Rekrutierungsstelle der Polizei von Miami. Plötzlich tragen die beiden chronischen Sprücheklopfer eine Uniform. Diese Geschichte dient als perfekter Start für eine endlose Reihe von Verwechslungen, absurden Situationen und natürlich die legendären, perfekt choreografierten Schlägereien. Wenn Bud Spencer mit der Faust von oben zuschlägt, bleibt kein Auge trocken.

Das absolute Highlight des Films ist, wie immer, die geniale deutsche Synchronisation. Die legendäre „Schnodderdeutsch“-Bearbei tung von Rainer Brandt hebt den Film auf ein völlig neues Humorniveau. Die Sprüche sind längst fester Bestandteil der Popkultur. Die pointierten Dialoge verleihen jeder Szene einen unnachahmlichen Humor, der im italienischen oder auch im englischen Original so gar nicht existiert.

Abgerundet wird dieses filmische Vergnügen durch den kultigen Soundtrack der Brüder Guido und Maurizio De Angelis (Oliver Onions). Der eingängige Titelsong „Angels and Beans“ geht sofort ins Ohr, bleibt dort stundenlang als Ohrwurm und transportiert perfekt das unbeschwerte Lebensgefühl der späten 1970er Jahre.

„Zwei außer Rand und Band“ ist zwar nicht mein Lieblingsfilm mit den beiden, dennoch ist er pures, ehrliches Wohlfühlkino. Die Kombination aus genialem Slapstick, der unübertroffenen Synchronisation, den schönen Aufnahmen Miamis und zwei Hauptdarstellern in absoluter Bestform macht diesen Film zu einem zeitlosen Klassiker der Comedy, den man immer wieder ansehen kann. 

„Sicario 2“ ist ein bleihaltiger, moralisch pechschwarzer Thriller. Wo der geniale Vorgänger von Denis Villeneuve („Arrival“, „Blade Runner 2049“) noch investigative Fragen stellte, wirft uns Regisseur Stefano Sollima („Tom Clancy´s Gnadenlos“) direkt in die brutale, staubige Realität des US-mexikanischen Grenzkriegs. Das Ergebnis ist ein packendes, kompromissloses Stück Starkino.

Der Film verzichtet konsequent auf jedes Schwarz-Weiß-Denken. Es gibt kein Gut oder Böse. Alle moralischen Grenzen verschwimmen im Wüstensand. Die US-Regierung agiert mit denselben skrupellosen Methoden wie die Kartelle, um einen internen Krieg zwischen den Gangstern zu entfachen. Mittendrin brillieren Josh Brolin als eiskalter CIA-Agent Matt Graver und Benicio del Toro als stoischer, von Rache getriebener Auftragskiller Alejandro. Ihre gnadenlose Präsenz trägt die düstere Atmosphäre mühelos.

Handwerklich ist die Fortsetzung ebenso perfekt wie das Original. Die Kamera von Dariusz Wolski („Prometheus“, „Fluch der Karibik“) fängt die lebensfeindliche Ödnis der Grenze in bedrohlichen Bildern ein. Der wummernde, nervenzerreißende Soundtrack von Hildur Guonadottir erzeugt eine permanente, physisch spürbare Anspannung. Die Action ist trocken, extrem schonungslos und ohne Hollywood-Pathos inszeniert. Jeder Schusswechsel fühlt sich absolut lebensgefährlich an.

Dennoch ist der Film nicht ganz so genial wie sein Vorgänger. Der Cast ähnelt sich zu sehr – hier war Emily Blunt in Teil 1 einfach eine starke Identifikationsfigur für den Zuschauer. Die zweite Hälfte schwächelt dazu etwas. Nach einem hochpolitischen, rasanten Start verengt sich das Drehbuch im Mittelteil zu einer etwas konventionelleren Rettungsmission. Einige Plot-Entscheidungen im letzten Drittel wirken erzählerisch erzwungen, um ein Hintertürchen für einen dritten Teil offenzuhalten. Das raubt dem Finale ein Stück seiner zuvor aufgebauten, kompromisslosen Konsequenz.

„Sicario 2“ erreicht zwar nicht ganz die intellektuelle Tiefe des Originals, bleibt aber ein handwerklich makelloser, packender Schlag in die Magengrube. Ein finsteres Action-Drama, das dem Zuschauer keine moralische Ausflucht erlaubt.

Das 4K UHD Bild ist, wie schon bei Teil 1, sehr stark. Trotz des 2K-Ausgangsmaterials ist die Schärfe enorm hoch. Texturen von Militärkleidung, staubigen Fahrzeugen und den Gesichtern der Darsteller wirken sehr greifbar. Dazu gesellt sich ein künstlich erstelltes sehr fein aufgelöstes Filmkorn.
Die Farbpalette ist erdig und von warmen Wüstentönen, staubigem Gelb und tiefem Grün geprägt. HDR verleiht diesen Tönen eine spürbar höhere Sättigung und Intensität, ohne unnatürlich zu wirken. Spitzlichter gibt’s in Form von der Sonne über der mexikanischen Wüste, Scheinwerfer von SUVs bei Nacht oder die Mündungsfeuer bei den Schusswechseln. Dazu wirkt das Bild schön plastisch. Der (tiefe) Schwarzwert ist nahezu perfekt eingestellt und verschluckt keine Details.

Auch der Dolby Atmos Ton fürs Deutsche kommt schön dynamisch und, wenn´s sein muss, tief daher. Die Schusswechsel besitzen eine enorme Wucht. Jeder Schuss aus den schweren Maschinengewehren der Humvees schlägt spürbar in die Magengrube ein. Projektile fliegen hörbar von hinten nach vorne durch den Raum.
Das Dolby Atmos-Highlight sind die zahlreichen Helikopter-Überflüge und Drohnenszenen. Wenn die Black-Hawk-Hubschrauber durch das Zimmer fliegen, ist die Deckenaktivität perfekt und fließend ortbar. Auch Regen, das Echo von Schüssen in engen Gassen oder das Dröhnen von Flugzeugturbinen im Inneren einer Transportmaschine werden präzise nach oben gemischt. Top.