Filmbewertungen von Ninjatune666

„Ein Mann sieht rot“ aus 1974 ist der unumstrittene Urvater des Selbstjustiz-Thrillers. Regisseur Michael Winner schuf damit einen zeitlosen, wenn auch kontroversen Klassiker des Genres.
Charles Bronson brilliert in seiner absoluten Paraderolle als Paul Kersey. Mit seiner unvergleichlich coolen Ausstrahlung und seiner Präsenz trägt er den gesamten Film. Die Verwandlung vom friedlichen, liberalen Architekten zum erbarmungslosen Rächer gelingt ihm absolut glaubwürdig.

Der Film fesselt durch ein anfangs flottes Pacing und einen unerwartet harten Einstieg. Der brutale Überfall an Kerseys Familie schockiert auch heute noch und bildet das emotionale Fundament für die folgende Jagd auf New Yorks Kriminelle. Diese Drastik zieht den Zuschauer sofort in das düstere Geschehen hinein.

Danach wird es wieder etwas ruhiger und man wird dann leider Zwangsbeglückt mit Unzähligen Aufnahmen von Brosnans Architekturarbeit in Arizona. Klar, hier erhält er dann seine Rache-Waffe aber dafür hätte es diesen Ausflug eigentlich nicht gebraucht. So oder so vergehen die 93 Minuten recht zügig.
Auch, dass ihm nun so viele Gangster an den Kragen wollen wirkt arg konstruiert.

Ein absolutes Highlight ist der coole Jazz-Score von Herbie Hancock. Seine unkonventionellen, urbanen Rhythmen fangen die schmutzige Atmosphäre des New Yorks der 1970er Jahre perfekt ein. Die Musik untermalt das psychologische Drama Kerseys, ohne die Action billig zu übertönen.

Auch Jahrzehnte nach seiner Veröffentlichung bleibt „Ein Mann sieht rot“ ein packendes Zeitdokument. Der Film regt bis heute Diskussionen über Moral, Recht und Gesetz an. Für Fans von dreckigen Actionkinos und Charles-Bronson-Liebhaber ist dieser Wegbereiter des Vigilanten-Kinos ein absolutes, atmosphärisches Must-Watch. Dennoch finde ich das Remake mit Bruce Willis besser. 

Der Film fühlt sich leider weniger wie ein episches Filmereigneis sondern vielmehr wie eine komprimierte Mini-Staffel, die eilig für die große Leinwand zusammengeschnitten wurde, an. Statt einer eigenständigen, runden Kinogeschichte serviert uns Regisseur Jon Favreau ein Stück filmisches Fast Food für zwischendurch – schmackhaft im Moment, aber ohne jede Nachhaltigkeit.

Das größte Problem des Films liegt in seiner Struktur. Die Handlung plätschert ohne echten dramaturgischen Bogen vor sich hin. Es fehlt an erzählerischer Tiefe und vor allem an einem echten, bedrohlichen Antagonisten, der der Reise von Mando und seinem kleinen grünen Baby Yoda echte Relevanz verleihen würde. So wirkt das Abenteuer oft mittelmäßig und wenig spannend, da die emotionale Fallhöhe der Serie auf der Strecke bleibt.

Man ertappt sich bei dem Gefühl, lediglich drei oder vier durchschnittliche TV-Episoden am Stück zu sehen. Dennoch ist nicht alles schlecht im Outer Rim.

Visuell zieht der Film alle Register: Man bekommt tolle Welten zu sehen, die mit viel Liebe zum Detail und kreativem Worldbuilding gestaltet wurden. Vom staubigen Wüstenplaneten bis zu eisigen Außenposten fängt die Kamera die typische, dreckige Star-Wars-Atmosphäre perfekt ein.

Untermalt wird das Ganze von einem ordentlichen Score, der für die nötige Epik sorgt. Auch die Actionszenen können sich sehen lassen. Die Blaster-Duelle und Flugmanöver sind sauber inszeniert, bieten jedoch kaum Innovationen, die man nicht schon in den vergangenen Staffeln auf Disney+ gesehen hat. Die Monsterkämpfe fand ich aber wieder stark, vor allem den, gegen die Riesenschlange.

Am Ende bleibt "The Mandalorian and Grogu" ein solider, aber enttäuschender Sci-Fi-Happen. Für Hardcore-Fans bietet das Duo zwar gewohnte Schauwerte, doch das große Kinodebüt von Din Djarin hätte deutlich mehr Mut und erzählerische Größe verdient.

Bild und Ton sind dafür Top (jeweils mit etwas Luft nach oben) und auch etwas Bonusmaterial gibt´s noch auf der Disc zu finden. 

Mit "John Q. - Verzweifelte Wut" lieferte Regisseur Nick Cassavetes 2002 ein fesselndes Drama, das nach einer emotionalen ersten Hälfte geschickt in einen Thriller umschlägt. Die Geschichte eines Vaters, der die Notaufnahme eines Krankenhauses besetzt, um das Leben seines sterbenden Sohnes zu retten, lässt vor allem Eltern sofort mitfühlen. Man stellt sich unweigerlich die Frage: Wie weit würde ich selbst gehen?

Der Film glänzt allen voran durch seinen Hauptdarsteller. Denzel Washington beweist erneut, dass er zu den besten Schauspielern seiner Generation gehört. Seine Darstellung des verzweifelten Vaters John Quincy Archibald ist voller roher Emotionen, Würde und Intensität. Er trägt den gesamten Film fast mühelos alleine auf seinen Schultern. Unterstützt wird er dabei von einem starbesetzten Ensemble. Hollywood-Größen wie Ray Liotta und Robert Duvall füllen selbst kleinere Rollen perfekt aus und verleihen der Dynamik zwischen Polizei und Geiselnehmer spürbare Tiefe.

Die große Stärke des Drehbuchs liegt in seiner unbarmherzigen Botschaft. Der Thriller zeigt schonungslos auf, wo die Fehler im amerikanischen Gesundheitssystem stecken. Profitgier steht über Menschenleben, und bürokratische Hürden entscheiden über Leben und Tod.
Allerdings trägt der Film an einigen Stellen etwas zu dick auf. In der zweiten Hälfte rutscht die Inszenierung zu sehr in den Mainstream ab und bedient klischeehafte Hollywood-Muster, die der bitteren Realität des Themas die Ernsthaftigkeit nehmen. Auch der Soundtrack enttäuscht streckenweise, da er oft thematisch nicht zum dramatischen Geschehen passt und die Szenen eher überlädt oder verfremdet, statt sie subtil zu untermalen.

Trotz kleinerer handwerklicher Schwächen bleibt "John Q." ein packendes, exzellent gespieltes emotionales Drama, das auch Jahre nach seinem Erscheinen nichts an seiner Botschaft verloren hat.

Bild und Ton waren sehr gut. 

„Gesetz der Rache“ aus dem Jahr 2009 ist für mich der beste Selbstjustiz-Thriller. Einfach ein knallharter, packender Ritt, der unter die Haut geht.

Die Story stellt eine unbequeme aber immer wieder aktuelle Frage: Wie weit darf man gehen, wenn das System versagt? Als die Familie von Clyde Shelton (Gerard Butler) bestialisch ermordet wird und die Justiz aufgrund von Verfahrensfehlern einen faulen Deal mit den Tätern eingeht, bricht seine Welt zusammen. Doch statt zu verzweifeln, entdeckt er die Lücken der Gesetze für sich und nutzt sie als tödliche Waffe gegen das gesamte System.

Gerard Butler spielt den gebrochenen Vater einfach hervorragend. Seine Verwandlung vom traumatisierten Opfer zum eiskalten, genialen Mastermind ist absolut fesselnd. Man spürt zu jeder Sekunde seinen tiefen Schmerz, aber auch seine erschreckende Entschlossenheit. Man erwischt sich immer wieder dabei, ihm die Daumen zu drücken, ja seine Handlungen sogar zu akzeptieren.
Ihm gegenüber steht Jamie Foxx als ehrgeiziger Staatsanwalt Nick Rice. Foxx liefert den perfekt geerdeten Gegenpol. Seine Figur ist kein glatter Held. Er hat eine ebenso interessante Story und muss schmerzhaft erkennen, dass sein blinder Glaube an Paragrafen des Gesetzes Mörder schützt und Unschuldige zerstört.

Was diesen Film so genial macht, ist das angesprochene moralische Dilemma. Regisseur F. Gary Gray inszeniert ein psychologisches Schachspiel voller spektakulärer Wendungen und kompromissloser Härte. Am Ende bleibt es ganz dem Zuschauer überlassen, ob Clydes Rache in Ordnung war. Ist er ein Monster oder die logische Konsequenz eines blinden Justizapparats?

"Gesetz der Rache" ist ein meisterhafter, hochspannender Thriller, der bis zur letzten Sekunde fesselt und noch lange nach dem Abspannen zum Nachdenken anregt. Ein absolutes Must-Watch!

Obwohl das Bild nur einem 2K DI entstammt, ist es dennoch besser als das der Blu-Ray. In Nahaufnahmen sieht man nun Details, die vorher nur zu erahnen waren. Dank eines satten Schwarzwertes und unter Einsatz von HDR bzw. Dolby Vision erhält man nun eine Spitzenhelligkeit bei den Kontrastspitzen. Soll heißen: Lampen, Lichter und helle Flächen strahlen nur so um die Wette. Farben sind eher kühl gehalten - passen aber hervorragend zum Film. Auch ist das Gezeigte sehr plastisch. Fein aufgelöstes Filmkorn lässt den Film schön filmisch aussehen.

Der dynamische deutsche DTS-HD HR 5.1 Ton ist ebenfalls top. Dialoge kommen kristallklar aus dem Center, der passende Score verteilt sich schön im Raum und bei den wenigen Actionszenen greift auch mal der Subwoofer beherzt zu. Umgebungsgeräusche lassen den Zuschauer immer wieder mittendrin statt nur dabei sei. 

Der neueste Ableger des Franchises bietet vor allem eines: „more of the same“. Es gibt keine Entwicklung und für manche Fans passt das sicher auch. Der eine ist der Coole- der andere der Clown.
Wer den direkten Vorgänger „Bad Boys For Life“ kennt, weiß was ihn erwartet. Coole Sprüche, Witze bzgl. des älter werdens, Action, Schießereien, die (bunte) Location Miamis und eine Story, die auf einen Bierdeckel passt. Vor allem auch optisch: hier muss fast jede Szene in neonfarben getränkt werden - ist Geschmacksache.
Immerhin wirkt „Ride or die“ insgesamt etwas „runder“ und unterhaltsamer als sein Vorgänger, wenn auch nie die Leichtigkeit, die Coolness und vor allem die Qualität von Teil 1 und 2 erreicht werden kann. Die seichte Story stört gar nicht mal so sehr, auch wenn sie nur so vor Logiklöchern strotzt. Was mir fehlt ist ein charismatischer Antagonist. Die meisten Charaktere sind leider sehr hölzern und austauschbar.
Inmerhin passt die Action. Die wurde wirklich gut eingefangen- die Kamera ist teilweise sehr kreativ und immer nah am Geschehen.
Ihr seht schon, positives wechselt sich mit dem negativen ab und ergibt ein solides Endergebnis, nicht mehr aber auch nicht weniger.
Kann man definitiv schauen, verpasst aber auch nichts, wenn man ihn auslässt. Als Action No Brainer taugt er allemal.

Das 4K UHD Bild ist wie erwartet eine 4K Vorzeigebild. Farben kommen gut saturiert daher, die Schärfe erreicht Höchstwerte und lässt auch bis in die hinteren Bereiche Details bestaunen. Die nächtliche Miami Skyline bei Minute 12 ist Referenzmaterial! Aber auch der Schwarzwert bietet tiefstes schwarz. Die Durchzeichnung ist prima- hier wird nichts im Dunkeln verschluckt. Auch Spitzlichter blenden richtig schön heraus, egal ob Beleuchtungen in der Nacht oder Polizei-Blaulichter- hier strahlt es nur so. Auch die Helligkeit insgesamt ist wirklich angenehm für das Auge. Hier kann man die Disc aus dem Hause Sony getrost als überaus gelungen bezeichnen.

Der DTS-HD Ton ist kristallklar, dynamisch, effektreich und die Dialoge sind jederzeit präzise. Die hinteren Kanäle bekommen genug Futter und such der Subwoofer unterstreicht die ein oder andere Explosion. 

Mit „Backrooms“ wollte man 2026 das erreichen, was einst „The Blair Witch Project“ für das Found-Footage-Genre war. Ein digitales Internet-Phänomen wurde meisterhaft für die Kinoleinwand adaptiert. Was als viraler Kulthit begann, entfaltet sich als ein tiefgründiger, psychologischer Albtraum.

Doch was genau sind die Backrooms? Kurz gesagt handelt es sich um eine endlose, labyrinthartige Dimension aus verlassenen Bürokorridoren mit feuchtem Teppich, gelblichen Tapeten und dem monotonen Summen von Neonröhren. Wer aus der Realität rutscht, landet hier. Ohne zu viel zu spoilern, lässt sich über die eigentliche Handlung kaum etwas verraten, denn der Film lebt von seiner absoluten Unvorhersehbarkeit und seiner einzigartigen, minimalistischen Ästhetik.

Der Film setzt nicht auf billige Jumpscares oder klassischen Horror. Er ist nicht im traditionellen Sinne allzu gruselig, sondern vielmehr verstörend. Regisseur und Macher nutzen die liminalen Räume (popkulturelle Orte des Übergangs, die menschenleer, surreal und seltsam vertraut wirken) als eine gigantische Metapher für menschliche Traumata und ungelöste psychische Probleme. Je tiefer die Charaktere in das gelbe Nichts vordringen, desto mehr scheint die Umgebung ihre eigenen Ängste, Isolationen und inneren Abgründe zu spiegeln und gegen sie zu verwenden. Das Labyrinth wird zum MRT-Scanner der menschlichen Seele.

Diese erzählerische Dichte sorgt dafür, dass „Backrooms“ extrem viel Platz für eigene Interpretationen, Fan-Theorien und Spekulationen lässt. Das Gesehene brennt sich ins Gedächtnis ein, wirft aber gleichzeitig mehr Fragen auf, als es Antworten liefert. Aufgrund der versteckten Details, der metaphorischen Verknüpfungen und der kryptischen Symbolik wird man diesen Film vermutlich zwei- oder dreimal schauen müssen, um alle Facetten, Zeitlinien und psychologischen Ebenen wirklich vollends verstehen zu können.

Allerdings wird es auch Leute geben, die mit dem ganzen Film nichts anfangen können. Der Film liefert wenig bis keine Antworten und verlangt dem Publikum viel Geduld und Interpretationsarbeit ab. Auch das Pacing finde ich nicht immer treffend.

Für Fans von anspruchsvollem Mindfuck-Horror ist dieses Werk definitiv ein Blick wert, da es noch tagelang zum Nachdenken anregt.

Das 4K UHD Bild, welches meist im 1,85:1 Vollbildformat daherkommt, bietet scharfe Kanten, unzählige Details zum bestaunen und eine sehr warme Farbkomposition mit kräftigen Farben. Schwarz ist ebenfalls schön satt und sorgt mit dem gut eingestellten Kontrast für ein insgesamt plastisches Bild. Ab und an gibt es auch ein 4:3 VHS Bild, das der Atmosphäre geschuldet ist und ebenfalls realistisch wirkt. Spitzlichter halten sich in Grenzen und bieten "lediglich" Glanz in den Augen und strahlend helle Flächen.

Vom deutschen Dolby Atmos Ton hatte ich mir mehr "Spielereien" gewünscht. Dialoge sind zwar sauber und klar, einige wenige Surroundeffekte sowie einen sehr coolen Ambient-Score gibts auch, allerdings könnte es etwas mehr direktionale Dynamik geben. Auch "von oben" hörte ich lediglich das Summen der Neonröhren - aber auch nur, wenn man genau hinhört. Hier wäre mehr drinnen gewesen.

Das Bonusmaterial befindet sich ausschließlich auf der beiliegenden Blu-Ray... die UHD hat nur den Hauptfilm. Wer die 16 Minuten längere Fassung ("Everything must go Edition") sehen will, muss die Blu-Ray einlegen. Ich habe noch kein Bonusmaterial geschaut, da ich den Film noch etwas wirken lassen wollte. 

„Obsession – Du sollst mich lieben“ ist eine von zwei Horror-Überraschungen des Jahres 2026. Dass dem jungen Regisseur Curry Barker für diesen Schocker ein gerade einmal 1 Million Dollar Budget zur Verfügung stand, sieht man dem fertigen Werk zu keiner Sekunde an. Der Independent-Film beweist eindrucksvoll, dass echter Horror nicht durch teure Effekte, sondern durch kreatives Handwerk entsteht.

Der Einstieg verlangt dem Zuschauer zunächst etwas Geduld ab. Die Geschichte nimmt sich viel Zeit, um die Figuren zu etablieren, wodurch das Tempo zu Beginn fast schon zu gemächlich wirkt. Wer diese anfängliche, hölzerne Durststrecke jedoch überwindet, wird mit einem absolut packenden und intensiven Filmerlebnis belohnt. Sobald es dann endlich losgeht, zieht die Spannungsschraube unerbittlich an.

Getragen wird der Film von einer herausragenden Hauptdarstellerin. Inde Navarrette liefert eine bärenstarke und emotionale Leistung als verfluchte Nikki ab. Ihre Transformation und die spürbare Verzweiflung im Kampf gegen das Unheil gehen unter die Haut und verleihen dem Horror eine emotionale Erdung.

Barker inszeniert das Ganze mit einer fantastischen, dichten Atmosphäre. Die visuelle Gestaltung fesselt den Blick, während der tolle, minimalistische Ambient Score ununterbrochen für ein unterschwelliges Unbehagen sorgt. Die Musik kriecht förmlich unter die Haut und bereitet den Boden für das eigentliche Highlight: die Schockmomente. Dem Film gelingen unerwartete und überaus gelungene Jumpscares, die nicht billig wirken, sondern präzise gesetzt sind und selbst abgehärtete Genre-Fans eiskalt erwischen.

„Obsession – Du sollst mich lieben“ ist ein atmosphärisches Werk im Low-Budget-Bereich. Trotz des ruhigen Starts entwickelt sich der Film zu einem packenden Horror-Hit, den man so schnell nicht vergisst. Ein absoluter Pflichtfilm für Genre-Liebhaber.

Vom 4K UHD Bild habe ich mir etwas mehr erwartet.Das Bild um Bildformat 1,50:1 (links und rechts schwarze Balken) bietet warme Farben die vermehrt gelb, Gold und Brauntöne zeigt. Der Schwarzwert ist ok und verschluckt nur Details, die auch verschluckt werden sollen. Die Schärfe ist ok - hebt sich aber nicht wirklich von der Blu Ray ab - wenn dann nur in Nuancen. Der Film soll aber nicht modern, crisp und Ultrascharf sein. Also wer möchte, kann auch beruhigt zur Blu Ray greifen, denn HDR Spitzlichter halten sich sehr in Grenzen.

Der deutsche Dolby Digital 5.1 Ton bietet saubere Dialoge, transportiert den genialen Score in den ganzen Raum und hat auch nette Surroundeffekte zu bieten. Der Subwoofer darf während den Jumpscares mitmischen, bleibt aber ansonsten unauffällig.

Extras sind eine Handvoll bereits auf der UHD enthalten. 

Niemand hat von der verspäteten Fortsetzung der Kult-Reihe ein cineastisches Meisterwerk erwartet. Dennoch hinterlässt meine erste Sichtung von „Scary Movie“ aus dem Jahr 2026 ein zwiespältiges Gefühl, und ich kann die teils vernichtenden Kritiken leider vollkommen nachvollziehen.

Für mich markiert dieser Teil vorerst das traurige Schlusslicht der gesamten Reihe, die ich nach wie vor liebe und schätze. Das größte Problem des Films liegt in seinem Timing und der Gag-Dichte. Nicht jeder Witz und schon gar nicht jeder flache, blöde Spruch sitzt hier. Viel zu oft verkommt die Handlung zu einer unzusammenhängenden Nummernrevue, bei der ein Sketch an den nächsten gereiht wird, ohne dass ein echter Erzählfluss entsteht. Vieles wirkt bemüht und extrem aufgesetzt. Besonders die altbekannten Rassismus-Gags wiederholen sich ständig, wirken einfach abgenutzt, formelhaft und haben ihren einstigen, provokanten Biss komplett verloren.

ABER – und das ist das große Aber, warum ich den Film nicht gänzlich abschreiben kann: Der Nostalgie-Faktor rettet das Spektakel vor dem totalen Absturz. Ich liebe die alte Crew rund um die Wayans-Brüder und die fantastische Anna Faris. Ihr Zusammenspiel auf der Leinwand zu sehen, ist ein wunderbares, warmes Wiedersehen, das Fan-Herzen höher schlagen lässt. Wenn die Crew in Fahrt kommt, blitzt er wieder auf, dieser herrlich anarchische Humor, bei dem absolut jede Seite politisch unkorrekt ihr Fett wegkriegt. Und es gibt sie, die gelungenen Gags und Sprüche.

Zudem kommen Horrorfilm-Fans voll auf ihre Kosten. Die zahllosen Anspielungen auf aktuelle Genre-Highlights und die moderne Popkultur machen beim Entdecken einfach großen Spaß.
Gepaart mit einer überraschend hochwertigen optischen Umsetzung, die sich deutlich von den billigen Looks früherer Trittbrettfahrer-Parodien abhebt, bleibt ein extrem durchwachsenes Filmerlebnis.

Wer die alten Charaktere vermisst hat und über platte Rohrkrepierer hinwegsehen kann, wird passabel unterhalten – ein popkulturelles Highlight ist die Rückkehr jedoch nicht. Bei mir hat er aber noch etwas Fanboy-Bonus. Achja, auch positiv ist, dass in der deutschen Fassung wirklich alle Charaktere ihre gewohnten Synchronsprecher haben.

Das 4K UHD Bild ist wie erwartet gelungen. Natürliche warme Farben mit tollen Kontrasten und Spitzenhelligkeiten gepaart mit einem tiefen Schwarzwert der nichts verschluckt. Details gibt’s obendrauf zur Genüge zu entdecken - eben eine moderne Produktion.

Der deutsche Dolby Digital 5.1 Ton ist genrebedingt solide bis gut, reißt aber natürlich keine Bäume aus. Dialoge sind jederzeit klar und verständlich und auch Surroundeffekte gibts immer wieder mal. Bei den wenigen Musikstücken darf auch immer wieder mal der Subwoofer mitmischen.

Beim Bonusmaterial gibts eine Handvoll Extras. 

„Wrong Turn 2: Dead End“ von 2007 versucht, auf der damals extrem populären Welle von Reality-TV-Formaten mitzuschwimmen. Dieser damalige Zeitgeist rund um die fiktive Endzeit-Show „The Ultimate Survivalist“ bot eigentlich eine Steilvorlage für eine richtig gute, satirische Horror-Umsetzung… zumindest auf dem Papier.

Leider versagt die Fortsetzung des kultigen Erstlings von 2003 auf fast allen Ebenen und verkommt zu einem unlogischen Splatter-Fest ohne Verstand. Das größte Problem sind die schlechten Darsteller. Selbst Genre-Ikone und Metalhead Henry Rollins als exzentrischer Showmaster bleibt erschreckend blass, eindimensional und liefert eine hölzerne Performance ab. Vielleicht passt auch Christian Tramitz als Synchronsprecher für ihn nicht wirklich.
Besser macht’s da noch Erica Leehrson („Blair Witch 2“). Man nimmt den Figuren zu keiner Sekunde ab, dass sie sich in Todesangst befinden. Aber auch sonst ergibt wenig ihrer Handlungen Sinn.

Verstärkt wird das durch haarsträubende Logikfehler. Von Zeitzonen-Absurditäten beim Sonnenstand bis hin zu Charakteren, die trotz Lebensgefahr völlig kopflos agieren, reißt einen das Drehbuch ständig aus der Illusion. Die mutierte Hinterwäldler-Familie wurde zwar vergrößert, verliert dadurch aber jeglichen bedrohlichen Mythos des Erstlings und verkommt zur grotesken Karikatur.

Handwerklich enttäuscht der Film ebenso durch eine extrem schwache Kinematografie. Die Kameraarbeit wirkt billig und uninspiriert. Der Kameramann hält oft einfach nur ganz nah und lustlos drauf, als würde er eine echte, schlecht produzierte Low-Budget-Doku drehen. Somit wirkt auch das Bild einfach nur „flach“. Genau dann, wenn es spannend wird, versagt das Handwerk komplett. Bei den eigentlichen Kills wird die Kamera wild hin und her gewackelt, sodass man vor lauter Shaky-Cam kaum etwas erkennt.

Was als clevere Mediensatire im Survival-Gewand hätte glänzen können, scheitert an unfähigen Schauspielern, filmischen Fehlern und einer Optik, die dem Prädikat „Kinofilm“ nicht gerecht wird. Wer guten Backwood-Horror sucht, sollte „Weong Turn 2: Dead End“ getrost ignorieren und lieber nochmals Teil 1 schauen.

Das Bild wirkt, wie bereits erwähnt, flach, künstlich grobkörnig und verwaschen. Markante Bilder brennen sich nicht wirklich ein.

Auch der DTS-HD HR 5.1 Ton reißt keine Bäume aus. Gut, ab und an bekommt man nette Hintergrundgeräusche des Waldes aber ansonsten bleibt es meist frontal.

Extras gibt’s gleich gar keine, weil es eh niemanden interessiert. 

„The Grey – Unter Wölfen“ aus dem Jahr 2011 ist kein stumpfer Actionkracher, sondern ein erbarmungsloses, tiefschürfendes Survival-Drama, das richtig fesseln kann. Regisseur Joe Carnahan liefert hier einen packenden Drama-Thriller ab, der die physische Brutalität der Wildnis perfekt mit den inneren Dämonen seiner Figuren verwebt. Wer Popcorn-Kino erwartet, wird eventuell enttäuscht... aber mit einem starken Film belohnt.

Die Kameraarbeit und das Sounddesign sind mehr als gelungen. Wenn der eisige Wind durch die Lautsprecher im heimischen Wohnzimmer peitscht und der Atem der Männer gefriert, spürt man die klirrende Kälte Alaskas förmlich auf der eigenen Haut. Die ständige Prise Gefahr durch das mörderische Wolfsrudel (leider deutlich zu erkennen, dass hier KEINE echten Wölfe im Einsatz waren) im Nacken sorgt für permanenten Terror.

Der Film verlässt sich nicht auf billige Jumpscares. Die wahre Bedrohung ist die Natur selbst und die Frage, wie viel Menschlichkeit in einer Extremsituation übrig bleibt. Es ist ein Kampf ums Überleben.

Die Dynamik in der Gruppe der Überlebenden funktioniert perfekt. Jedes Gesicht transportiert die schiere Verzweiflung. Durch geschickte, schnelle Schnitte in den Schlüsselmomenten wird die Panik der Männer absolut greifbar. Allen voran zeigt Liam Neeson eine absolute Glanzleistung. Er spielt John Ottway nicht als unzerstörbaren Actionhelden, sondern als einen zutiefst gebrochenen Mann, der eigentlich schon mit dem Leben abgeschlossen hat. Sein Kampf gegen die Wölfe ist gleichzeitig ein brutaler Kampf gegen seine eigenen inneren Dämonen. Neeson verleiht der Figur eine emotionale Wucht und Verletzlichkeit, die man so nur selten oder eben in früheren Filmen von ihm gesehen hat.

"The Grey" ist intensiv, düster und packend. Ein Survival-Drama, welches im Kopf nachhallt. Genrefans und Liebhaber anspruchsvoller Thriller sollten unbedingt einen Blick riskieren!

Das Bild der Blu-Ray bietet harsche Kontraste, passende kühle Farben und in einigen Szenen schmuddeliges Filmkorn, um die Kälte und ungemütliche Umgebung noch mehr zu unterstützen. Di Schärfe geht in Ordnung und zeigt in gut ausgeleuchteten Szenen viele Details in Gesichtern, der Kleidung oder der Natur. Der Schwarzwert geht ebenfalls in Ordnung, könnte aber satter sein.

Der deutsche DTS-HD MA 5.1 Ton ist klasse und bietet ein gelungenes "Mittendrin"-Gefühl. Der eiskalte Wind peitscht unentwegt am Zuschauer vorbei, Dialoge sind präzise und auch der spärliche einsetzende Score verteilt sich schön im Raum.

Extras gibt´s obendrauf einige interessante, wie zum Beispiel die harten, schweren und kalten Drehtage der Crew im kurzen Making-Of. 

Mit der Grundidee, ein versehentlich in die Cloud hochgeladenes selbst gefilmtes Sexvideo zu löschen, verspricht die Komödie „Sex Tape“ aus dem Jahr 2014 rasanten Hollywood-Humor. Das Ergebnis ist jedoch eine absolute Ernüchterung. Regisseur Jake Kasdan scheitert daran, aus der digitalen Panik echten Witz zu generieren. Stattdessen verfliegt das Potenzial der Story bereits nach wenigen Minuten.

Hauptdarsteller Jason Segel, den ich schon bei "How I met your mother" unpassend und unlustig fand, hat es hier ebenfalls nicht drauf. Seine Performance wirkt seltsam lustlos und uninspiriert. Die Chemie zwischen ihm und Cameron Diaz, die in früheren Projekten durchaus funktionierte, bleibt bemüht. Man nimmt den beiden weder die anfängliche "Ehekrise" noch die darauffolgende Panik ab.

Der Film plätschert als uninspirierte Massenware vor sich hin und erweist sich als wenig unterhaltsam. Bis auf ein paar nette Sprüche und vereinzelte, absurde Gastauftritte wie von Rob Lowe herrscht im Drehbuch gähnende Leere. Die Gags zünden nicht, die Dialoge sind zweckmäßig und die Handlung verstrickt sich in unlogischen Slapstick-Einlagen.

Humor ist ja bekanntlich immer subjektiv. Was den einen zum Lachen bringt, lässt den anderen kalt. Mich sprach der Film mit seinem Mix aus zahmem Fäkalhumor und biederer Beziehungsberatung allerdings so gar nicht an. Wer auf der Suche nach einer cleveren Komödie über das digitale Zeitalter ist, sollte diesen Streifen getrost überspringen. Ein Paradebeispiel für verpufftes Potenzial, das extrem schnell in Vergessenheit gerät.
Leider enttäuschte mich auch diese zweite Sichtung... eine dritte ist daher ausgeschlossen.

Bild und Ton sind in Ordnung. 

Man muss ihm einfach eine Chance geben und die Nostalgie-Brille absetzen. Das Remake von RoboCop aus dem Jahr 2014, ist (zumindest für mich) weit besser als sein Ruf. Natürlich, gegen Paul Verhoevens kultigen, ultragewalttätigen Erstling aus den 80er-Jahren kommt er dennoch nicht heran. Gegen Teil 2 und 3 aber schon. Und wer sagt eigentlich, dass ein "RoboCop"-Film immer brutal sein muss, wenn er doch auch gleichzeitig kritische Fragen aufwerfen kann? Wer diese unfaire Messlatte ablegt, erlebt einen überraschend tiefgründigen und packenden Sci-Fi-Action-Thriller.

Der Film von Regisseur José Padilha punktet vor allem mit seiner Thematik. Statt einer bloßen Kopie des Originals entfaltet sich ein hochaktuelles Szenario, das existenzielle Fragen über künstliche Intelligenz und die Natur menschlicher Emotionen aufwirft. Wo hört die Maschine auf, und wo fängt die Seele an? Besonders intensiv wird dies veranschaulicht, wenn die Software Alex Murphys Gefühle künstlich drosselt, um seine Effizienz zu steigern – ein emotionaler Punkt, der nachdenklich macht.

Dazu zeichnet der Thriller ein erschreckend realistisches Bild von manipulativer Berichterstattung. Samuel L. Jackson brilliert als zynischer Medienmogul Pat Novak, dessen TV-Show die öffentliche Meinung skrupellos lenkt, um den Einsatz von Drohnen auf US-Boden zu rechtfertigen.

Ergänzt wird dieser starke Cast durch einen verdammt coolen Joel Kinnaman im modernen, mattschwarzen Anzug, einen gewohnt vielschichtigen Gary Oldman als innerlich zerrissenen Wissenschaftler und Michael Keaton als skrupellosen Konzernchef.

Auch die Action-Szenen sind toll inszeniert. Die Befreiung aus der Fabrik oder das Taktiktraining gegen die ED-209-Drohnen bieten exzellente, dynamische Choreografien und modernste visuelle Effekte. Sie machen RoboCop (2014) zu einem (familienfreundlichen?) rasanten Blockbuster, der auch nach dem Abspann noch nachdenken lässt.

Bild und Ton sind, wie zu erwarten, einfach Top. 

Regisseur Mike Hodges erschuf zusammen mit den Drehbuchautoren Lorenzo Semple Jr. und Michael Allin, die zusammen die 1930er Comic Serie adaptierten, einen fantastischen Film, der bis heute nichts von seinem Kultstatus verloren hat- im Gegenteil.
Aber was macht „Flash Gordon“ so kultig? Sind es die knallbunten, kitschigen und teils billig wirkenden Masken und Kulissen, die direkt aus einer alten Folge Raumschiff Enterprise stammen könnten? Sind es die unfreiwillig komischen und auch irgendwie unschuldigen Darsteller, die sich beim Overacting selbst übertreffen wollten? Ist es der Mix aus „Der Zauberer von Oz“ und „Krieg der Sterne“ gewesen oder war es doch der geniale Soundtrack von Queen? Man weiß es nicht genau aber vermutlich war es eben eine gute Mischung von allem, die den Film auch 40 Jahre nach Erscheinen noch äußerst unterhaltsam erscheinen lässt.

Auch wenn die Story auf einen Bierdeckel passt, dem Science-Fiction-Fan werden exotische Schauplätze, Gladiatorenkämpfe, Mutproben, Verfolgungsjagden, Schießereien mit Laserknarren, übertriebene Explosionen und obendrein auch noch einige Liebeleien geboten. Obwohl der Film damals an den Kinokassen floppte, mauserte er sich im Laufe der Zeit zum Kultfilm, denn seinem antiquierten Charme kann man sich dann doch nicht so leicht entziehen.

Der Film bietet dem Zuschauer aber auch so einiges mehr, denn zu den bereits genannten Dingen gesellen sich noch einige wirkliche „Bad Guys“, wie etwa der gnadenlose Imperator Ming, der großartig von Max von Sydow („Die 3 Tage des Condor“, „Minority Report“) gespielt wurde. Ihm zur Seite stellte man den gold-maskierten Handlanger und obersten Berater Klytus, (Peter Wyngarde aus der Serie „Jason King“), der mehr als offensichtlich ein Pendant zu George Lucas´ Darth Vader darstellen sollte. Auch Mings undurchschaubare Tochter, Prinzessin Aura, gespielt von der wunderschönen Ornela Muti („Der gezähmte Widerspenstige“) gibt dem Film nicht nur einmal einen märchenhaften Look.
Natürlich dürfen auch die „Good Guys“, die dem titelgebenden Flash mal mehr und mal weniger unterstützen, nicht fehlen. Da wäre der nächste Prominente, Timothy Dalton („James Bond 007 – Die Lizenz zum Töten“) als Prinz Barin, Brian Blessed („Viel Lärm um nichts“) als Prinz Vultan oder auch Topol („Anatevka“) als Dr. Hans Zarkov.

Das Science-Fiction-Märchen sollte immer schon der simplen Unterhaltung dienen und sich, ganz im Gegensatz zum original Comic-Strip, auch nicht ganz ernst nehmen. Wer auf eine tiefsinnige und anspruchsvolle Story oder gar auf eine Botschaft des Films hofft, wird kläglich enttäuscht werden.
Wer aber ein ordentliches, zuweilen kitschiges aber immerzu charmantes Science-Fiction Märchen sehen möchte, sollte sich Flash, Dale und Dr. Zarkov anschließen um Ming zu stürzen und sich mit „Flash Gordon“ 111 Minuten fantastisch unterhalten lassen.

Vom 35mm Film wurde ein 4K Scan durchgeführt und ein Digital Intermediate erstellt, hier bringt die neue Schärfe wieder prächtige Details wie die blinkenden Knöpfe in Dr. Zarkovs Labor oder die Beschaffenheit in Mings Palast gestochen scharf zum Vorschein.
Auch das feine Filmkorn hält nun wieder Einzug, störend ist es aber zu keiner Zeit. Ebenso wurden einige blasse Szenen (Raketenflug) farblich wieder korrigiert, so dass die Darsteller nun eine gesunde Hautfarbe erhielten.
Apropos Raketenflug: der immer schon ersichtliche und schlecht erstellte Spezialeffekt, ein quadratischer Rand rund um die Rakete, wurde nun etwas kaschiert, dezent zu sehen ist er aber leider immer noch.
Neben einer, mit einigen wenigen Ausnahmen, noch nie dagewesenen Schärfe fällt auch sofort der wesentlich besser eingestellte Kontrast auf. Farben wirken nun noch kräftiger, was auch perfekt zur Comic-Vorlage passt. Mings und Auras rote Seiden-Gewänder strahlen mit ihrem Goldschmuck um die Wette. Ganz selten neigen die Farben aber dann doch fast zum Überstrahlen – ganz so schlimm wirkt es dann aber doch nicht.
Auch der Schwarzwert bietet nun ein satteres Schwarz, was vor allem bei den vielen Blue-Screen-Aufnahmen positiv auffällt und den „grauen Schleier“ der älteren Veröffentlichungen vergessen lässt.

Die Dialoge könnten etwas lauter daherkommen – dafür rockt Queens Soundtrack umso mehr. Aber auch Howard Blake´s Score passt schön ins Gesamtkonzept und kommt in feinster Stereo-Qualität daher. Echte Dynamik gibt es also leider auch beim Ton der deutschen UHD nicht. 

Invasion

„Invasion“ aus dem Jahr 2007 von Regisseur Oliver Hirschbiegel ("Der Untergang") ist ein packender Sci-Fi-Thriller, der auch nach Jahren nichts von seiner fesselnden Wirkung verloren hat. Als moderne Adaption des Klassikers „Die Körperfresser kommen“ gelingt es dem Film meisterhaft, das paranoide Grundgefühl der Vorlage in eine dynamische, zeitgemäße Kulisse zu übertragen. Es ist ein Film, den ich eigentlich immer wieder gut schauen kann.

Das größte Plus des Films ist sein starkes Pacing. Regisseur Hirschbiegel verzichtet auf lange Vorreden und wirft das Publikum direkt in ein beklemmendes Szenario: Eine außerirdische Epidemie greift um sich. Sie verändert das Verhalten der Menschen im Schlaf und raubt ihnen jegliche Emotionen. Von der ersten Minute an zieht das Tempo unaufhaltsam an. Die ständige Bedrohung, dass jeder Mitmensch bereits infiziert sein könnte, sorgt für durchgehend spannende Elemente und Nervenkitzel auf höchstem Niveau.

Getragen wird das dystopische Verwirrspiel von einer starken Performance des stargespickten Casts. Nicole Kidman brilliert als Psychiaterin Carol Bennell, die verzweifelt versucht, ihren Sohn vor der Infektion zu schützen. Ihre spürbare Angst und ihr unbedingter Überlebenswille verleihen der Sci-Fi-Atmosphäre eine tiefe emotionale Erdung. An ihrer Seite überzeugt Daniel Craig als loyaler Dr. Ben Driscoll. Die Chemie zwischen den beiden Hauptdarstellern funktioniert perfekt und lässt den Zuschauer in jeder Sekunde mitfiebern.
Gut, die etwas zu lange geratene Flucht wurde leider zu viel gestreckt aber ansonsten macht "Invasion" vieles richtig

Besonders stark zeigt sich der Film in seinen leisen, psychologischen Momenten. Das erzwungene Unterdrücken von Gefühlen, um in der Masse der Infizierten nicht aufzufallen, erzeugt eine enorme, subtile Spannung.

Insgesamt ist „Invasion“ ein absolut sehenswerter Sci-Fi-Thriller. Er kombiniert eine klassische Ausgangslage mit moderner Action, einer dichten Atmosphäre und herausragenden Schauspielern.

Dank FSK 12 verkommt der Thriller zu keiner Gewaltorgie, ein paar gut platzierte Schocker sind aber dennoch dabei.

Das (bildschirmfüllende) Bild und der Ton sind top. 

"Johnny English – Jetzt erst recht!" aus dem Jahr 2011 ist und bleibt für mich der Höhepunkt der gesamten Agenten-Trilogie. Er glänzt mit dem mit Abstand besten Pacing der Reihe. Wo der Vorgänger noch kleine Durchhänger hatte, jagt hier ein perfekt getimter Gag den nächsten, ohne dass der Erzählfluss ins Stocken gerät.

Rowan Atkinson liefert eine meisterhafte Performance ab, die das Beste aus zwei Welten vereint. Auf der einen Seite steht die messerscharfe James-Bond-Persiflage, die ikonische Spionage-Klischees – von absurden Gadgets bis hin zu dramatischen Verfolgungsjagden – herrlich durch den Kakao zieht. Auf der anderen Seite zündet Atkinsons unverwechselbarer Mr. Bean-Slapstick. Ob bei einer lautlosen, aber umso chaotischeren Verfolgung über die Dächer von Hongkong oder dem absurden Kampf mit einem Rollstuhl – die physische Comedy ist schlichtweg genial.

Ergänzt wird die Slapstick-Komponente durch einen überraschend treffsicheren Wortwitz und clevere Dialoge, die den britischen Charme perfekt einfangen. Ein weiteres großes Plus sind die netten Locations. Von den neongetränkten Straßen Hongkongs über die malerische englische Landschaft bis hin zur hochgesicherten Festung in den Schweizer Alpen bietet der Film eine visuell abwechslungsreiche Kulisse, die echte Kino-Atmosphäre versprüht und sich auch so von dem ruhigeren Erstling abhebt.

Bei so viel handwerklicher Klasse und hohem Unterhaltungswert verzeiht man den simplen Plot der klassischen Maulwurf-Suche liebend gern. Wer erstklassige Parodie mit Herz und Tempo sucht, kommt an diesem zweiten Johnny English Abenteuer nicht vorbei.

Bild und Ton sind sehr hochwertig.
Auch Bonusmaterial gibts auf der blauen Scheibe. 

„Findet Dorie“ aus dem Jahr 2016 ist eine gelungene und interessante Fortsetzung des Animationsklassikers „Findet Nemo“, die den Fokus geschickt verschiebt. Dieses Mal dreht sich natürlich alles um Dorie, die liebenswerte Paletten-Doktorfisch-Dame mit dem extremen Kurzzeitgedächtnis. Als plötzlich bruchstückhafte Erinnerungen an ihre Kindheit und ihre Eltern in ihr aufsteigen, begibt sie sich gemeinsam mit Marlin und Nemo auf eine abenteuerliche Reise quer durch den Ozean bis zum renommierten Meeresbiologischen Institut in Kalifornien.

Der Film bietet fantastische Animationen. Die Unterwasserwelt strahlt in leuchtenden Farben, und die Texturen des Wassers sowie der Meeresbewohner wirken noch detailreicher und lebendiger als im Vorgänger. Besonders der wandlungsfähige Oktopus Hank ist ein visuelles Meisterwerk der Pixar-Schmiede.

Dabei balanciert die Handlung perfekt zwischen zwei Welten. Sie ist unglaublich lustig und voller Slapstick-Momente, gleichermaßen aber auch tiefgründig und macht nachdenklich. Dories ständiger Kampf mit ihrem Handicap sorgt für humorvolle Missverständnisse, berührt jedoch auch auf einer emotionalen Ebene, da es um Identität, Verlustängste und bedingungslose Freundschaft geht. Neue Charaktere wie der kurzsichtige Walhai Destiny bringen frischen Wind in die Geschichte.

Insgesamt ist die Fortsetzung ordentlich erzählt und schafft es, dem Original treu zu bleiben, ohne es einfach nur stumpf zu kopieren. Regisseur Andrew Stanton liefert ein warmherziges Familienabenteuer ab, das sowohl Kinder als auch Erwachsene begeistert.

Wer den ersten Teil geliebt hat, wird von diesem charmanten und visuell beeindruckenden Sequel definitiv nicht enttäuscht werden. Ein echtes Filmhighlight für die ganze Familie.

Bild und Ton sind Disney-typisch erstklassig. 

Steven Spielberg gilt als der unangefochtene Großmeister des Blockbuster-Kinos, doch mit seinem neuesten Werk „Disclosure Day“ liefert er eine filmische Bruchlandung ab. Das größte Problem dieses zähen Science-Fiction-Dramas lässt sich wie folgt zusammenfassen: Dieser Film kommt einfach 40 Jahre zu spät. Spielberg versucht hier krampfhaft, das Rad neu zu erfinden, obwohl er selbst es war, der mit Meisterwerken wie „Unheimliche Begegnung der dritten Art“ oder „E.T.“ die Goldstandards des Genres gesetzt hat. Wo früher staunende Magie und nervenzerreißende Spannung herrschten, regiert heute nur noch gähnende Leere.

„Disclosure Day“ erweist sich eigentlich durchgehend als extrem träge, langweilig und zu keinem Zeitpunkt packend. Die Inszenierung schleppt sich zäh von einer ereignislosen Szene zur nächsten, ohne jemals auch nur ansatzweise in Schwung zu kommen. Es gibt keine spürbare Dynamik, keinen Spannungsaufbau und erst recht keine emotionale Tiefe. Stattdessen verliert sich das Werk in endlosen Dialogen, die die Handlung komplett im Keim ersticken.

Der solide Cast gibt sich zwar sichtlich Mühe, steht jedoch von Anfang an auf verlorenem Posten. Am besten spielt hier noch Emily Blunt wohingegen ein Colin Firth sowas von fehlbesetzt wirkt - ich nehme ihm seinen „Morpheus“ einfach nicht ab. Die hochkarätigen Schauspieler können schlichtweg nichts für das katastrophal schwache Drehbuch, das ihnen keinerlei Raum zur Entfaltung bietet. Die Charaktere bleiben blasse Hohlkörper, deren Schicksal dem Zuschauer völlig gleichgültig ist. Man ertappt sich permanent beim Blick auf die Uhr und muss sich regelrecht bis zum bitteren Ende durchkämpfen.
Ein Ende, das zu allem Überfluss auch noch gefühlt eine Stunde zu spät stattfindet und den ohnehin schon quälend in die Länge gezogenen Kaugummi-Plot vollends ruiniert. Die 145 Minuten Spielzeit sind einfach viel zu lange, für so wenig Handlung.

Selbst Altmeister John Williams kann das Debakel diesmal nicht retten. Sein Score plätschert überraschend lustlos vor sich hin und ist für seine Verhältnisse nicht gerade berauschend.

Am Ende bleibt die traurige Gewissheit: „Disclosure Day“ ist ohne jeden Zweifel Spielbergs schlechtester Film. Ein absolut seelenloses Filmdesaster, bei dem man sich als Zuschauer nur noch enttäuscht abwenden kann. Schade um das Potenzial und die verschwendete Lebenszeit.


Wer gehofft hat, dass wenigstens die Heimkino-Veröffentlichung den Film rettet, wird ebenfalls enttäuscht. Die Bildqualität der 4K UHD präsentiert sich zwar als ordentlich, ist aber weit davon entfernt, referenzwürdig zu sein. Während einige Close-ups mit solider Schärfe punkten, fehlt es den dunkleren Szenen an Plastizität und HDR-Brillanz. Vielleicht liegt das auch an den vielen verwendeten Filtern…

Auch vom deutschen Dolby Atmos Ton war ich enttäuscht. Klar, Dialoge kommen präzise aus dem Center und auch die ein oder anderen Effekte kommen aus den hintern Lautsprechern, aber insgesamt ist der Ton doch, auch filmbedingt, recht dynamikarm. Von den oberen Atmos Lautsprechern gibts auch eher wenig Anlass zur Begeisterung, denn etwas Regen, ein kleiner Vogel und etwas Score „von oben“ ist mir zu wenig.

Es gibt eine Handvoll Bonusmaterial aber nach DEM Film hatte ich kein Bedürfnis mehr, weiter in die Materie einzusteigen. 

Das Regie-Duo hinter den Genre-Schockern „Inside“ und „Among the Living – Das Böse ist hier“, Julien Maury und Alexandre Bustillo, liefert mit „Leatherface“ eine blutrünstige Coming-of-Rage-Story und stellt immer wieder die wichtige Frage: „Wer wird Leatherface?“ Aufmerksame Genrefans werden sicher festgestellt haben, dass es bereits 2006 ein Prequel, das sich allerdings an Michael Bay´s „The Texas Chainsaw Massacre“ Remake aus dem Jahr 2003 orientierte, gibt. „Leatherface (2017)“ richtet sich direkt an Tobe Hooper´s Erstlingswerk „Blutgericht in Texas“ von 1974. Soweit so verwirrend, oder?

Nachdem sich die ersten Teile von „The Texas Chainsaw Massacre“ (TCM) eher auf das Abschlachten von unschuldigen Eindringlingen im beschaulichen Süden der USA konzentrierten, gab es eigentlich nur eine logische Schlussfolgerung: es musste ein Prequel her, das sich der kaputten Familiengeschichte der Sawyers und den Anfängen des Terrors widmet, um frischen Wind ins viel zu vernachlässigte Franchise zu bringen. Was nun frischer wirkt, aber sicher nicht von allen Fans der Vorgängerfilme wohlwollend aufgenommen wurde, ist definitiv die Ausrichtung hin zum Roadmovie á la „Natural Born Killers“ oder sogar noch mehr wie in Rob Zombies „The Devil´s Rejects“ bzw. dessen direkte Fortsetzung „3 From Hell“. Gelungen ist diese Ausrichtung aber allemal, da die Idee „Cop jagt Bösewichte“ etwas mehr Tempo in die blutige Hatz bringt.

Ebenso gelungen darf man das Drehbuch bezeichnen, denn zur kurzweiligen, 87 Minuten andauernden Origins-Story, gesellt sich auch eine stetig steigende Spannungskurve, ein gut gewählter Cast sowie eine Geschichte, die mit einem Plot-Twist erst im blutigen sowie gelungenen Finale preisgibt, wer von den möglichen Psychopathen denn nun der titelgebende „Leatherface“ ist. Positiv hervorzuheben wäre auch das Design des Filmes, denn alleine durch die gelungene, gelblich braune Farbgebung, kommt das morbide „60s-Südstaaten-Hillbilly-D esign“ noch mehr zur Geltung. Für TCM-Fans der ersten Stunde könnte allerdings der Look etwas zu clean und modern daherkommen, boten doch die Vorgänger allesamt ein schmutziges und körniges Bild. Endlich ist auch wieder einmal Stephen Dorff („Blade“, „Krieg der Götter“) als Sheriff Hartmann vor der Kamera mit vollem Elan dabei. Ihm zur Seite stellte man die ebenfalls renommierte Lili Taylor („The Conjuring“, „Six Feet Under“) als diabolische Mutter Verna Sawyer. Der Rest der Darsteller, der aus noch unverbrauchten Gesichtern besteht, spielt ganz solide auf. Nicht mehr aber auch nicht weniger.

Jetzt könnte man meinen, wenn ein Film unter dem Siegel „Keine schwere Jugendgefährdung“ erscheint, komplett ungeschnitten ist und obendrein noch „Leatherface“ heißt, müsste der doch ultra-brutal sein, oder? Nun ja, etwas roter Lebenssaft wird durchaus vergossen und natürlich kommt er auch recht brutal daher, wer aber bereits andere, einschlägige Genrebeiträge kennt, weiß sofort was wirklicher „Splatter“ und „Gore“ bedeutet. Fans der härteren Machart kommen bei „Leatherface (2017)“ aber durchaus auf ihre Kosten und sollten sich jetzt nicht abgeschreckt fühlen, denn es wird noch reichlich nach bester TCM-Südstaaten-Manier geschnetzelt, geballert und terrorisiert.

Der oben angesprochene frische Wind ist an und für sich ja ein guter Ansatz und bietet auch Abwechslung zu Genüge, dennoch fügt sich „Leatherface (2017)“ irgendwie nicht so ganz perfekt in die guten „alten“ Texas Chainsaw Massacre Teile ein. Fans der bereits achtteiligen Reihe sind einfach eine „Gut gegen Böse-Story“ gewöhnt, bei der sich der Zuschauer in die Opferrolle hineinversetzen kann, wenn er denn möchte. Hier wurden (bewusst?) bis auf Geisel „Lizzy“ alle Charaktere recht unsympathisch gehalten, ja sogar der rachsüchtige Sheriff Hartmann nimmt es mit dem Gesetz nicht mehr so genau und könnte es in Punkto Rücksichtslosigkeit und Boshaftigkeit fast mit den Sawyers aufnehmen. Beinahe könnte man meinen, das Regie-Duo möchte dem Zuseher beide Seiten als „böse“ verkaufen, nur um den Film noch teuflischer darzustellen.

Natürlich ist das Jammern auf hohem Niveau, da mit „Leatherface (2017)“ unterm Strich nichtsdestotrotz ein solides, fieses und blutiges Terror-Roadmovie entstand, das über weite Strecken unterhält, Neues wagt, aber leider selbst nicht sonderlich aus der Reihe herausstechen mag. „Kettensägen Massaker“-Fans und Interessierte sollten aber dennoch einen Blick riskieren.


Die 4K UHD ist ansehnlicher als ihr Blu-ray-Pendant geraten und bietet neben einem dezenten Anstieg der Schärfe auch eine deutliche Kontrastverbesserung, wodurch das Gesamtbild der UHD etwas mehr „Glanz“ erhält. Das Weiß von Lampen und anderen Lichtquellen ist heller und Spitzlicht wie erwartet fast schon blendend. Das dunklere HDR-Bild, das zwar ein satteres Schwarz präsentiert, neigt aber leider auch hin und wieder dazu, so manches Detail in dunklen, weniger gut ausgeleuchteten Szenen zu verschlucken. Apropos verschlucken: auch das (künstliche) Filmkorn kommt ultrahochaufgelöst, noch sehr viel feiner und fast nicht mehr wahrnehmbar daher.

Von allen Farben profitiert gerade Rot vom erweiterten Farbraum: wer den Ford Pickup in Minute 4 und die unzähligen Blutspritzer bzw. die vom Blut getränkten Klamotten der Darsteller einmal auf der UHD gesehen hat, möchte keine andere Disc mehr einlegen. Besagte Farbe wird in allen nur erdenklichen Nuancen wiedergegeben und zeigt extrem feine Abstufungen, strahlt aber dennoch angenehm vom Rest hervor. War bereits das Full-HD Bild schon mehr als gut, wird dies nun vom 4K UHD Bild noch mal etwas getoppt. Hier setzt eben primär HDR10 noch eine Schippe drauf, zum Referenzbild reichte es aber nicht ganz. Einen qualitativen Quantensprung gegenüber der mehr als ordentlichen Blu-ray darf man aber als 4K-Fan allerdings nicht erwarten.

Das Sounddesign weiß mit seiner Dynamik zu gefallen. Auch wenn die deutschen sowie die englischen Originalstimmen sauber aus dem Center kommen, so gibt es doch immer noch viel für die restlichen Lautsprecher zu tun. Die unzähligen Umgebungsgeräusche lassen sich genauestens orten und auch Kugeln schießen durchaus gut hörbar in alle Richtungen – etwas druckvoller hätten die Schüsse genrebedingt aber schon einschlagen können. Wenn schließlich die Kettensäge angeworfen wird gesellt sich ein gut platzierter und druckvoller Einsatz des Subwoofers dazu, der die bedrohliche Atmosphäre des Films noch gefährlicher gestaltet. In den Tiefbassbereich kommt aber auch der Subwoofer nicht.

Extras sind lediglich auf der beiliegenden Blu Ray enthalten. 

Mit „We Bury the Dead“ aus dem Jahr 2024 liefert Regisseur Zak Hilditch ein emotional packendes Zombie-Drama, das sich wohltuend von den üblichen Vertretern des Genres abhebt. Anstatt auf stumpfe Action und pausenlose Gore-Effekte zu setzen, betritt der Film das Terrain eines selteneren Genres: Es ist eine tiefgründige Mischung aus Charakterstudie, Trauerverarbeitung und einem spannenden Roadtrip vor dem Hintergrund einer Apokalypse.

Im Mittelpunkt der Geschichte steht Ava, absolut brillant und verletzlich gespielt von Daisy Ridley. Nach einem katastrophalen Ereignis begibt sie sich auf eine verzweifelte Reise, um ihren vermissten Ehemann zu finden. Um Zugang zu den abgesperrten Zonen zu bekommen, schließt sie sich einer Einheit an, die die Leichen der Opfer birgt. Diese Geschichte verleiht dem Roadtrip eine konstante, unterschwellige Spannung. Die Zombies rücken dabei eher in den Hintergrund. Sie fungieren nicht als primäre Antagonisten, sondern als atmosphärische, bedrohliche Erinnerung an den allgegenwärtigen Verlust.

Visuell ist der Film ein absolutes Highlight. Es gibt tolle Bilder, die die raue, melancholische Schönheit der australischen Landschaft perfekt einfangen. Jede Einstellung spiegelt Avas innere Zerrissenheit und Isolation wider. Untermalt wird diese visuelle Pracht von einem sehr schönen Score. Die Musik ist dezent, geht aber unter die Haut und verstärkt die emotionale Tragweite von Avas Suche in den richtigen Momenten.

Einziger Wermutstropfen ist das letzte Drittel: Das Finale selbst ist leider etwas schwach geraten. Nach dem atmosphärisch dichten und erzählerisch starken Aufbau verliert sich der Film am Ende in vorhersehbaren Mustern und lässt die emotionale Konsequenz vermissen, auf die alles hinsteuerte.

Trotz dieser kleinen Schwäche im Schlussakt bleibt „We Bury the Dead“ ein atmosphärisch dichtes, bildgewaltiges Drama. Ein Geheimtipp für Fans, die im Zombie-Genre nach emotionalem Tiefgang suchen.

Bild und Ton sind klasse. 

Quentin Tarantinos "Pulp Fiction" aus dem Jahr 1994 gilt unbestritten als wegweisender Kult-Klassiker, der das moderne Kino im Sturm erobert und eine ganze Generation von Filmemachern geprägt hat. Doch blickt man heute, mit dem Abstand von Jahrzehnten und unzähligen Sichtungen, erneut auf dieses filmische Monument, stellt sich eine nüchterne Erkenntnis ein: Für mich hat das Meisterwerk etwas von seinem einstigen Glanz verloren und ist auch nicht mehr "der" perfekte Film. Er zieht einfach nicht mehr so konsequent wie früher, weshalb ich ihn schweren Herzens von meinem persönlichen Podest herunterholen musste.

Das größte Problem bei einer heutigen Betrachtung liegt im Pacing. Mit einer Laufzeit von über zweieinhalb Stunden fühlt sich die verschachtelte, non-lineare Erzählstruktur stellenweise etwas zu lange und zäh an. Was damals als revolutionär und dynamisch empfunden wurde, leidet heute unter spürbaren Längen. Das Timing, das früher wie ein Uhrwerk wirkte, lahmt in einigen Passagen, und mancher Handlungsstrang verliert zwischen den ikonischen Schlüsselmomenten spürbar an Fahrt.

Trotz dieser dramaturgischen Abnutzungserscheinungen bleibt "Pulp Fiction" handwerklich ein absolutes Brett. Die Dialoge sind nach wie vor absolut brillant, geschliffen und von einer zeitlosen Coolness durchdrungen. Jedes Gespräch über Hamburger, Fußmassagen oder biblische Verse besitzt eine ungeheure rhetorische Wucht, die auch heute noch perfekt zündet.

Visuell ist der Film ebenfalls eine Klasse für sich: Die Kameraführung von Andrzej Sekuła ist schlichtweg 1A. Sie fängt die schmuddelige Unterwelt von Los Angeles in Bildern ein, die sich für immer in mein Gedächtnis eingebrannt haben.
Untermalt wird das Ganze von einem legendären Soundtrack, der den Szenen ihre unverkennbare popkulturelle Identität verleiht.

Am Ende bleibt "Pulp Fiction" ein Meilenstein der Filmgeschichte. Doch während die handwerkliche Brillanz, der Soundtrack und die Wortgewandtheit unantastbar bleiben, nagt der Zahn der Zeit spürbar am Erzählrhythmus. Ein großartiger Film, der für mich jedoch nicht mehr ganz die magische Anziehungskraft von einst besitzt.

Zum 4K UHD Bild kann ich nur eines sagen: "Wow!" Die knackige Schärfe zeigt allerfeinste Details. Seien es Hautporen, die nun noch genauer zu erkennen sind, Haare, Fältchen, Strukturen von Stoffen, Wänden oder Straßen - man kann sich nicht satt sehen. Gut, ab und an gibt es kurz weichere Bilder, die aber eher Kamerabedingt softer eingefangen wurden aber ansonsten ist der Film schön crisp und scharf.
Die Farben werden neutral aber gut saturiert wiedergegeben, HDR bzw. Dolby Vision sorgt für schöne Kontrastspitzen, welche nie überreißen und auch der Schwarzwert ist durchgehend satt bei toller Durchzeichnung.

Auch der DTS-HD MA 5.1 Ton macht alles richtig bei diesem (frontlastigen) dialoglastigen Film. Gespräche kommen glasklar aus dem Center während der kultige Soundtrack von allen Lautsprechern ausgegeben und schön im Raum verteilt wird.

Extras gibt´s bereits auf der UHD. 

3,5 von 5

„Operation: 12 Strong“ wirft einen packenden Blick auf eine fast vergessene, aber wahre Episode der Post-9/11-Geschichte. Kurz nach den Anschlägen wird ein zwölfköpfiges Green-Beret-Team unter Captain Mitch Nelson als erste US-Einheit nach Afghanistan geschickt. Ihre Mission ist so gefährlich wie ungewöhnlich: Inmitten des unwegsamen Hindukusch-Gebirges müssen sie sich mit einer lokalen Allianz verbünden – und den Kampf gegen die Taliban als berittene Kavallerie hoch zu Ross bestreiten.

Visuell zieht der Film alle Register. Regisseur Nicolai Fuglsig nutzt die raue Kulisse für tolle Landschaftsaufnahmen, die die Isolation und die gewaltige Dimension des Konflikts perfekt einfangen. Wenn die Soldaten im Galopp durch Staubwolken reiten, entstehen Bilder von fast schon Westernartiger Schönheit.

Sobald die Konfrontation beginnt, liefert der Film packende Gefechte und ordentlich Action. Die Kampfszenen sind wuchtig inszeniert, extrem dynamisch und vermitteln ein intensives Gefühl für das Chaos auf dem Schlachtfeld. Hier zeigt sich die Stärke des prominenten Ensembles. Ein bekannter Cast rund um Chris Hemsworth, Michael Shannon und Michael Peña verleiht den Soldaten die nötige Nahbarkeit und Physis, selbst wenn die Charaktertiefe manchmal hinter den wuchtigen Explosionen zurückbleibt.

Der Film arbeitet mit etwas zu viel Pathos und bedient die klassischen Klischees des amerikanischen Heldenkinos. Die moralischen Grauzonen des Afghanistan-Krieges werden weitgehend ausgeblendet, stattdessen dominieren wehende Fahnen und emotionale Ansprachen. Das wärs dann auch schon mit den größten Kritikpunkten.

Wer über den stellenweise dick aufgetragenen US-Patriotismus hinwegsehen kann, bekommt mit „Operation: 12 Strong“ einen handwerklich erstklassigen, bildgewaltigen und hochspannenden Kriegsfilm geliefert. Die faszinierende, wahre Begebenheit der modernen Reiter-Soldaten macht das Action-Spektakel trotz inhaltlicher Schwächen absolut sehenswert.

Das Bild ist schön scharf, bietet erdige sowie natürliche Farben und liefert dank eines tollen Schwarzwertes satte Kontraste.

Auch der Ton ist sehr dynamisch. Dialoge sind sauber und wenn die Action losgeht, bebt das ganze Wohnzimmer. Hier dürfen die Lautsprecher wieder einmal zeigen, wofür sie da sind. Hier zischen Kugeln um die Ohren und bei Explosionen packt der Subwoofer ordentlich zu. Hier kann man nicht meckern. 

"Asterix bei den Briten" aus dem Jahr 1986 ist ein absoluter Klassiker der Zeichentrickgeschichte und für mich immer noch zeitlos. Regisseur Pino Van Lamsweerde gelang hier eine der besten Comic-Adaptionen überhaupt, die auch nach Jahrzehnten nichts von ihrem Witz verloren hat.

Das größte Highlight des Films ist der humorvolle Umgang mit nationalen Stereotypen. Viele Nationen bekommen hier ihr Fett weg, allen voran natürlich die Briten selbst. Ob es das lauwarme Bier, das pünktliche Stoppen jeglicher Kämpfe für die „fünf-Uhr-Teestunde“ (hier noch heißes Wasser mit Milch) oder der linksgerichtete Straßenverkehr ist – die britischen Eigenheiten werden liebevoll, aber messerscharf parodiert. Auch die Römer glänzen in ihrer gewohnten Rolle als sympathisch-überforderte Besatzer.

Natürlich hat der Film eine passende Dynamik. Die Reise von Asterix und Obelix, die ihrem Cousin Teefax ein Fass Zaubertrank bringen wollen, um ein kleines britisches Dorf vor Julius Cäsar zu retten, ist vollgepackt mit Running Gags und cleveren Wortspielen.
Die deutsche Synchronisation setzt dem Ganzen die Krone auf und transportiert den typischen Humor der Vorlage perfekt.

Visuell besticht das Werk durch seinen charmanten, handgezeichneten Stil. Die Animationen fangen den Geist von Uderzo perfekt ein, während der ikonische Soundtrack sofort ins Ohr geht. Vor allem der Intro-Song ist mir seit Ewigkeiten im Ohr geblieben.

"Asterix bei den Briten" zeigt perfekt, wie zeitloser Humor funktioniert. Er ist clever, charmant und funktioniert für Kinder ebenso wie für Erwachsene. Ein echter Klassiker, den man (auch aufgrund seiner kurzweiligen Laufzeit von gerade einmal 79 Minuten) immer wieder schauen kann. 

Joseph Vilsmaiers „Stalingrad“ aus dem Jahr 1993 ist kein gewöhnlicher Kriegsfilm – es ist ein 138-minütiger, beinharter Blick auf die Menschlichkeit, das den Zuschauer von der ersten bis zur letzten Sekunde fesselt. Vilsmaier verzichtet komplett auf künstliche Computereffekte. Jede Detonation, der klirrende Frost und der allgegenwärtige Schlamm wirken dadurch so echt, dass man die Kälte fast auf der eigenen Haut spürt.

Trotz seiner stolzen Laufzeit von über zwei Stunden weist dieses Werk keinerlei Längen auf. Es ist durchgehend packend und von einer erdrückenden Intensität. Im Zentrum dieses filmischen Mahnmals steht eine Gruppe deutscher Soldaten, deren anfänglicher Stolz im eisigen Inferno von Stalingrad schmilzt. Was bleibt, wenn der Krieg einem alles nimmt? Es sind die tiefsten menschlichen Werte, die in der weißen Hölle ans Tageslicht kommen. Treue, tiefer Glaube und eine unerschütterliche Freundschaft. Die Männer klammern sich nicht an eine politische Ideologie, sondern aneinander. Inmitten von Hunger, Tod und Verzweiflung teilen sie ihre letzten Rationen, spenden sich Trost und weigern sich, ihr Mitgefühl komplett zu verlieren.

"Stalingrad" zeigt schonungslos die Fratze des Krieges. Es gibt keine Helden, nur Opfer eines sinnlosen Sterbens. Doch gerade in den dunkelsten Momenten, wenn ein Kamerad im Schnee verblutet oder der letzte Funke Hoffnung zu erlöschen droht, leuchtet die Menschlichkeit am hellsten. Der Film berührt zutiefst, weil er zeigt, dass selbst in der absoluten Brutalität die Fähigkeit zu lieben und zu vertrauen überleben kann.

„Stalingrad“ ist ein emotionaler Schlag in die Magengrube, der lange nachwirkt und uns schmerzhaft daran erinnert, was es bedeutet, im Angesicht des Untergangs ein Mensch zu bleiben. Ein rührendes, ehrliches und unvergessliches filmisches Denkmal fernab von Hollywood-Kitsch und Co. 

„Der Manchurian Kandidat“ aus dem Jahr 2004 von Regisseur Jonathan Demme („Das Schweigen der Lämmer“) ist ein packender, hochaktueller Politthriller, der auch ohne Vorkenntnisse des Originalfilms von 1962 vollkommen überzeugt.

Im Zentrum der beklemmenden Verschwörung stehen die US-Präsidentschaftswahlen und die düsteren Abgründe von Gehirnwäsche und technologischer Manipulation.Denzel Washington brilliert in der Hauptrolle als Bennett Marco, ein traumatisierter Golfkriegs-Veteran. Ihn plagen kryptische Albträume über seinen damaligen Einsatz, bei dem sein Kamerad Raymond Shaw (gespielt von einem hervorragend distanzierten Liev Schreiber) eine heldenhafte Rettung vollbracht haben soll. Shaw nutzt diesen Ruhm nun im aktuellen Wahlkampf aus und steht kurz davor, Vizepräsident der Vereinigten Staaten zu werden. Doch Marcos wachsende Zweifel enthüllen ein Komplott, das bis in die höchsten politischen Kreise reicht…

Der emotionale und bedrohliche Kern des Films wird, wie sich erst herausstellt, maßgeblich von Meryl Streep getragen. Sie verkörpert Eleanor Prentiss Shaw, Raymonds ehrgeizige Mutter und Senatorin. Streep spielt diese Rolle mit einer erschreckenden Kälte und manipulativen Intensität, die richtig beeindruckt. Ihr Zusammenspiel mit Schreiber verleiht dem Thriller eine psychologische Tiefe, die weit über ein klassisches Polit-Drama hinausgeht.

Jonathan Demme inszeniert das Remake als paranoiden Fiebertraum. Durch extreme Nahaufnahmen und eine nervenaufreibende Kameraführung überträgt er des öfteren Marcos Orientierungslosigkeit und Angst direkt auf das Publikum. Der Film verzichtet auf übertriebene Action und setzt stattdessen auf psychologische Spannung, die sich im Laufe des Wahlkampfs unaufhaltsam zuspitzt.

Für Fans von packenden Verschwörungsgeschichten ist dieser Film ein absolut sehenswertes Highlight.

Bild und Ton sind ok, könnten aber etwas spektakulärer ausfallen.

Extras sind einige nette dabei. 

Der Hexen-Klassiker "Zauberhafte Schwestern" (im Original "Practical Magic") aus dem Jahr 1998 hinterlässt einen extrem zwiespältigen Eindruck. Der Film ist keineswegs eine Katastrophe, fühlt sich letztendlich aber unrund und nicht wirklich zu Ende gedacht an. Das größte Problem liegt in seiner Unentschlossenheit. Regisseur Griffin Dunne versucht, viel zu viele Genres auf einmal zu bedienen.

Der Film schwankt unkontrolliert zwischen düsterer Fantasy, emotionalem Familiendrama, kitschiger Romantik und lockerer Komödie. Keine dieser Facetten bekommt den nötigen Raum, um sich stimmig zu entfalten. Sobald man sich auf die emotionale Tiefe der Schwesternschaft einlässt, kippt die Stimmung in albernen Kitsch oder einen überhasteten Thriller-Plot rund um einen untoten Ex-Freund. Man merkt an jeder Ecke, dass das Drehbuch die Balance der unterschiedlichen Genres einfach nicht meistert.
Bei der hochkarätigen Besetzung mit Sandra Bullock und Nicole Kidman hätte ich mir das Ergebnis definitiv besser und stimmiger vorgestellt.

Was den Film vor dem völligen Absturz rettet und ihm bis heute eine treue Fangemeinde beschert, ist vermutlich sein immenser handwerklicher Charme. "Zauberhafte Schwestern" versprüht wunderschöne, nostalgische 90er-Jahre-Vibes, die sofort ein wohliges Gefühl auslösen - "Dawsons Creek" und "Charmed" lässt grüßen...
Optisch ist das Ganze mit dem legendären Hexenhaus und der herbstlichen Atmosphäre ein absoluter Traum. Dazu kommt ein verdammt starker Soundtrack mit ikonischen Songs von Stevie Nicks und Faith Hill, der perfekt durch den wunderschönen, verträumten Score von Alan Silvestri ergänzt wird. Musikalisch und atmosphärisch ist der Film für mich ein absolutes Highlight.

Am Ende bleibt "Zauberhafte Schwestern" ein atmosphärisch starkes, inhaltlich aber unrundes Stück Starkino der Jahrtausendwende. Wer auf der Suche nach purer 90er-Nostalgie ist, kann einen Blick riskieren. Für mich gilt hier jedoch: Eine einmalige Sichtung reicht völlig aus.

Bild und Ton sind sehr gut. Warme Farben, gute Schärfe und ein ordentlicher Schwarzwert gepaart mit sauberen Dialogen und einem wunderschönen Score.

Als Extra gibt es zwei kleinere Making-Ofs und Trailer.