Filmbewertungen von Ninjatune666

„Street Fighter – Die entscheidende Schlacht“ Aus dem Jahr 1994 ist ein klares Relikt der 90er-Jahre, das den schmalen Grat zwischen nostalgischem Kult und purem Trash wandert. Regisseur Steven E. de Souza versucht hier, fast alle Charaktere des legendären Capcom-Videospiels in eine einzige Handlung zu quetschen. Das Ergebnis ist ein völlig überladener Actionfilm, der damals wie heute nur bedingt überzeugt.

Colonel Guile (Jean-Claude Van Damme) versucht, den größenwahnsinnigen Diktator M. Bison (Raul Julia) zu stürzen. Die Story rund um Geiselnahmen und Weltherrschaft ist jedoch absolut belanglos und ermüdend.

Positiv hervorzuheben sind die netten Kostüme. Die Macher haben sich sichtlich Mühe gegeben, die ikonischen Looks der Pixel-Vorlagen – von Ryu und Ken bis hin zu Chun-Li – detailgetreu auf die Leinwand zu bringen. Das sorgt zumindest für einen hohen Wiedererkennungswert.

Der Film bietet ein paar ordentliche Fights. Van Damme darf seine berühmten Tritte zeigen, und einige Choreografien machen durchaus Spaß. Dennoch bleibt das Ganze nichts Besonderes und kann mit echten Martial-Arts-Klassikern nicht mithalten.

Raul Julia liefert in seiner leider letzten Kinorolle eine wunderbar theatralische Leistung ab. Er trägt den Film quasi im Alleingang. Van Damme hingegen wirkt oft hölzern oder auch mal übertrieben (immerhin war er angeblich am Set ständig auf etwas drauf) und verlässt sich rein auf seine physische Präsenz.

„Street Fighter“ leidet extrem unter seiner übertriebenen 90er-Jahre-Mentalität. Er ist zweifellos trashig, aber leider nicht im positiven, charmanten Sinn. Vieles wirkt einfach nur unfreiwillig komisch und schlecht gealtert. Wer eine tiefgründige Story oder Martial-Arts-Perfektion sucht, wird enttäuscht. Der Film war damals schon schlecht und ist es heute auch noch. Einfach ein buntes, lautes Stück Popkultur, das man am besten mit viel Augenzwinkern konsumiert. Oder stattdessen lieber den SNES Klassiker zockt.

Technisch passt alles. Bild und Ton sind sehr gut. 

"Cable Guy" aus dem Jahr 1996 ist eine ungewöhnliche Komödie, die vor allem von Jim Carrey getragen wird. In der deutschen Version trägt der Film passend den Untertitel "Die Nervensäge". An der Seite von Carrey spielt Matthew Broderick einen frisch getrennten Mann, der nach dem Ende seiner Beziehung in eine neue Wohnung zieht und dort auf den scheinbar freundlichen Kabeltechniker Chip Douglas trifft. Was zunächst wie eine harmlose Bekanntschaft wirkt, entwickelt sich schnell zu einer immer unangenehmeren und skurrileren Freundschaft.

Regie führte Ben Stiller, der dem Film einen etwas dunkleren und satirischeren Ton verleiht als viele andere Komödien der 90er-Jahre. Neben den Hauptdarstellern gibt es zahlreiche bekannte Gesichter zu entdecken, was zusätzlichen Spaß macht und dem Film einen typischen 90er-Jahre-Charme verleiht.

Auf den ersten Blick wirkt "Cable Guy" wie eine verrückte Komödie voller überdrehter Szenen und exzentrischer Auftritte von Jim Carrey. Wer jedoch genauer hinsieht, erkennt, dass hinter der Figur des Cable Guy eine tragische persönliche Geschichte steckt. Einsamkeit, das Bedürfnis nach Freundschaft und die Auswirkungen eines schwierigen sozialen Umfelds werden immer wieder angedeutet. Dadurch erhält der Film eine gewisse Tiefe, die man in vielen Komödien dieser Zeit nicht unbedingt erwartet.

Trotz dieser interessanten Ansätze zählt "Cable Guy" für mich nicht zu den stärksten Filmen von Jim Carrey. Seine bekanntesten Rollen in Filmen wie "Ace Ventura", "Die Truman Show" oder "Die Maske" bleiben deutlich ikonischer. Dennoch zeigt er hier eine andere Seite seines Könnens und bewegt sich erfolgreich zwischen Komik und unterschwelliger Bedrohlichkeit.

Insgesamt ist "Cable Guy" eine unterhaltsame 90er-Jahre-Komödie mit leichtem Anspruch. Wer sich auf den eigenwilligen Humor und die ungewöhnliche Mischung aus Satire, schwarzer Komödie und Charakterstudie einlässt, wird gut unterhalten. Kein Meisterwerk und sicher nicht Carreys bester Film, aber eine feine, oft unterschätzte Komödie, die auch heute noch ihren Reiz besitzt.

Das 4K UHD Bild gefiel mir wirklich gut. Mit neueren Produktionen sollte man den bereits 30 Jahre alten Film nicht vergleichen, dennoch zeigt die UHD wunderschöne, neutrale Farben, die ab und an sehr satt ausfallen, Details wie Hautporen bei den Nahaufnahmen sind zum greifen nah, der Schwarzwert ist sehr tief mit toller Durchzeichnung und dank HDR/Dolby Vision gibts auch einige Spitzenhelligkeiten. Besonders gut zu sehen gegen Ende des Films, als Carrey und Broderick im Regen stehen und jeder Regentropfen in ihren Gesichtern plastisch wirkt und herausblitzt. Aber auch sonst sind helle neutrale Flächen wirklich hell gehalten. Sehr fein aufgelöstes Filmkorn gibt dem Film eine analoge natürliche Note. Insgesamt und für das Ausgangmaterial alles gut.

Auch der deutsche DTS-HD MA Ton klingt sauber, dynamisch (wenn nötig) und auch die Rears werden immer wieder mit einbezogen. Saubere Dialoge gibt´s sowieso. Der rockige Soundtrack verteilt sich schön im Raum.

Bereits auf der UHD gibt es etwas Bonusmaterial wie Trailer, Audiokommentare und das Musikvideo von Jerry Cantrell ("Alice in Chains"). 

Mit "Minions & Monster" liefert Illumination 2026 einen weiteren Ableger seines erfolgreichsten Franchise ab. Der Film beginnt dabei durchaus vielversprechend, denn gleich zu Beginn wird man mit einem rasanten Erzähltempo und einem überraschend unterhaltsamen geschichtlichen Rückblick auf die Suche der Minions nach einem geeigneten Boss abgeholt. Die Reise führt bis in die 1920er Jahre nach Hollywood (in der der Film dann spielt) und bietet zahlreiche kleine Filmanspielungen, die insbesondere ältere Filmfans erfreuen dürften. Diese Referenzen sorgen für einige der gelungensten Momente des Films und zeigen, dass die Macher mehr im Sinn hatten als bloßen Klamauk.

Leider kann der starke Auftakt das Niveau nicht halten. Die eigentliche Handlung erweist sich als äußerst belanglos und dient letztlich nur als dünner Rahmen für eine Aneinanderreihung von Slapstick-Einlagen. Was anfangs noch charmant wirkt, nutzt sich mit zunehmender Laufzeit schnell ab. Vor allem die Gags leiden unter ständiger Wiederholung. Wenn die Minions zum fünfzehnten Mal denselben lauten Schrei ausstoßen, ist das schlicht nicht mehr witzig, sondern vorhersehbar und ermüdend.

Besonders deutlich wurde dies bei unserer 13-jährigen Tochter, die eigentlich genau zur Zielgruppe des Films gehört. Nach knapp einer Stunde verließ sie das heimische Wohnzimmer mit dem vernichtenden Kommentar: „Langweilig.“ Ein Urteil, das den zentralen Schwachpunkt des Films treffend zusammenfasst. Trotz seines hohen Tempos gelingt es "Minions & Monster" kaum, nachhaltig zu unterhalten oder emotionale Bindung zu seinen Figuren aufzubauen.

Positiv hervorzuheben ist immerhin das hervorragende Animationsdesign, welches ja von vornherein klar war. Die Figuren, Hintergründe und die farbenfrohe Gestaltung bewegen sich auf gewohnt hohem Illumination-Niveau und machen den Film visuell zu einem echten Hingucker.

Ein vielversprechender Beginn, einige nette Hollywood-Anspielungen und technisch beeindruckende Animationen können nicht darüber hinwegtäuschen, dass die Geschichte belanglos bleibt und die Gags schnell ihren Reiz verlieren. Empfehlenswert höchstens für eingefleischte Minions-Fans und auch für diese eher nur zur einmaligen Sichtung.

Das Bild der 4K UHD ist einfach klasse. Das Gelb der Minions knallt, wie viele andere Farben der Monster, förmlich aus dem OLED-Bildschirm heraus. Dabei gibt es einen satten Schwarzwert und eine durchgehende Helligkeit. Die Datenrate liegt so im Durchschnitt bei 80Mbit/s und bietet einen sauberen Transfer und insgesamt ein hochwertiges Bild.

Der deutsche Dolby Atmos Ton, auf BEIDEN Discs, macht ebenfalls alles richtig... zumindest auf der 2D Hörebene. Dialoge kommen glasklar aus den Speakern, de Soundtrack fetzt im gesamtem Raum und auch der Subwoofer darf richtig tief heruntergehen, dass sogar das Wohnzimmer wackeln darf. Allerdings habe ich mir von den 3D Überkopfeffekten mehr erwartet, denn wirklich wahrnehmbar waren lediglich die Sounds von gerade eingeschalteten Deckenlampen und der Score. Dabei gab es unzählige Szenen, bei der sich die Action klar oberhalb des Hörers abspielte. Naja, immerhin passt der restliche Ton, welcher bekannte Synchronsprecher zu Wort kommen lässt.

Deutsch untertiteltes Bonusmaterial gibt´s ebenfalls auf beiden Discs. 

Mit "Indiana Jones und der Tempel des Todes" gelang Regisseur Steven Spielberg eine Fortsetzung, die das Abenteuergefühl des ersten Films erneut aufgreift und dabei mit jeder Menge Charme, Witz und spektakulärer Action begeistert. Der zweite Auftritt des berühmten Archäologen ist rasanter, düsterer und in vielen Momenten sogar noch aufregender als sein Vorgänger.

Bereits die ersten zwanzig Minuten sind ein wahres Feuerwerk an Tempo und Einfallsreichtum. Spielberg gönnt dem Publikum kaum eine Verschnaufpause: Indiana Jones muss kämpfen, wird in eine wilde Verfolgungsjagd verwickelt und springt schließlich sogar aus einem Flugzeug, wobei ein Gummiboot als Fallschirmersatz dienen muss. Mehr Pacing geht eigentlich nicht. Die Eröffnungssequenz zählt noch heute zu den beeindruckendsten und unterhaltsamsten Actionpassagen der gesamten Reihe und zeigt eindrucksvoll, weshalb die Indiana-Jones-Filme als Maßstab für modernes Abenteuerkino gelten.

Harrison Ford überzeugt erneut als charismatischer Held, der Mut, Schlagfertigkeit und eine sympathische Portion Selbstironie vereint. Seine lockeren Sprüche sorgen immer wieder für humorvolle Momente und lockern die spannungsgeladene Handlung gekonnt auf. Auch die exotischen Schauplätze und die fantasievollen Kulissen tragen maßgeblich zur besonderen Atmosphäre des Films bei.

Allerdings kann das hohe Niveau des Anfangs nicht durchgehend gehalten werden. Im Mittelteil schleichen sich einige kleinere Hänger ein, die das Tempo etwas ausbremsen. Manche Szenen wirken etwas zu lang geraten und erreichen nicht ganz die Dynamik der coolen Eröffnung oder des packenden Finales. Dennoch bleiben diese Schwächen überschaubar und beeinträchtigen das Gesamtvergnügen nur geringfügig.

Am Ende überwiegen die Stärken deutlich. Indiana Jones und der Tempel des Todes ist ein charmantes, witziges und äußerst unterhaltsames Abenteuer, das mit kreativen Actionideen, Kultfiguren und einer unverwechselbaren Atmosphäre punktet. Trotz kleiner Längen im Mittelteil bleibt der Film ein echter Kultklassiker und ein unverzichtbarer Bestandteil der legendären Indiana-Jones-Reihe.

Die UHD-Fassung nutzt einen brandneuen 4K-Scan der Originalnegative, und das dynamische HDR-Format Dolby Vision sorgt dafür, dass die Dschungelszenen und die wunderschönen Außenaufnahmen richtig erstrahlen.
Die Schärfe holt feinste Texturen hervor. Man erkennt die Struktur von Textilien (sogar abstehende Stoffhärchen), die Wände im Bergwerk und feines Ziegelwerk auf weit entfernten Gebäuden.
Sonnenstrahlen oder Explosionen leuchten deutlich intensiver und dynamischer als auf der alten Standard-Blu-ray.
Auch in dunkleren Szenen bleiben dank des erweiterten Kontrasts alle Details in den Schatten sichtbar, ohne abzusaufen.
Das dezente, natürliche Filmkorn sorgt zudem dafür, dass der klassische, echte Kino-Look perfekt erhalten bleibt. Kurzum: besser sah der Film nie aus.

Beim Ton gibt es nun eine deutsche Dolby TrueHD 5.1-Tonspur, bei der man den Bass und die gesamte Dynamik wesentlich stärker wahrnimmt. Aber auch feinste Geräusche aus den hinteren Lautsprechern lassen sich gut heraushören. Lediglich die dünnen Stimmen der alten deutschen Synchro können nicht ganz die Qualität des restlichen Tons halten. 

Mit "Der Mondmann" (im Original: Man on the Moon) gelang Regisseur Miloš Forman ("Amadeus") 1999 eine der faszinierendsten und ungewöhnlichsten Biopics der Filmgeschichte. Im Mittelpunkt steht Andy Kaufman, einer der rätselhaftesten Entertainer Amerikas, verkörpert von Jim Carrey in der wohl besten Rolle seiner Karriere. Dass das "Gummigesicht" mehr kann als Grimassen zu schneiden, hat er ja zum Beispiel in "Vergiss mein nicht" oder "Number 23" eindrucksvoll bewiesen.

Carrey spielt Andy Kaufman nicht einfach nur – er IST Andy Kaufman. Von der ersten bis zur letzten Minute verschwimmt die Grenze zwischen Schauspiel und Verkörperung. Seine Darstellung geht weit über klassische Method-Acting-Ansätze hinaus. Jede Geste, jeder Blick und jede noch so absurde Verhaltensweise wirken vollkommen authentisch. Man hat nie das Gefühl, Jim Carrey auf der Leinwand zu sehen. Stattdessen steht Kaufman selbst vor einem.

Der Film zeigt einen Künstler, bei dem die Grenzen zwischen Genie und Wahnsinn nahezu untrennbar ineinander übergehen. Kaufman lebte für die Irritation seines Publikums, provozierte Erwartungen und machte aus seinem gesamten Leben eine einzige Performance. Genau dieses Spannungsfeld fängt der Film meisterhaft ein. Als Zuschauer fragt man sich ständig, ob hier ein visionärer Künstler oder ein verrückter Exzentriker am Werk ist.

Besonders beeindruckend ist, wie konsequent die Geschichte Kaufmans kompromisslosen Weg nachzeichnet. Seine zum Teil absurden Auftritte und öffentlichen Inszenierungen brachten nicht nur Kollegen, Produzenten und Fernsehsender zur Verzweiflung, sondern teilweise auch das Publikum. Viele wussten damals nicht, was sie von ihm halten sollten. War er ein Genie, ein Provokateur oder einfach nur verrückt? Der Film liefert bewusst keine eindeutige Antwort.

Auch abseits von Carreys Ausnahmeleistung überzeugt "Der Mondmann" auf ganzer Linie. Die Nebenrollen sind hervorragend besetzt und verleihen der Geschichte zusätzliche Glaubwürdigkeit und Tiefe. Danny DeVito, Courtney Love und Paul Giamatti fügen sich nahtlos in das Ensemble ein.

"Der Mondmann" ist weit mehr als eine gewöhnliche Künstlerbiografie. Es ist ein faszinierendes, manchmal verstörendes, oft komisches und zugleich tief trauriges Drama über Identität, Kunst und die Frage, wie weit man für seine Vision gehen darf. Ein außergewöhnlicher Film und Jim Carreys größtes Meisterwerk.

Das Blu Ray Bild ist solide, reißt aber keine Bäume aus. Details gibt mehr zu sehen als auf der DVD und auch Konturen wirken schärfer und Farben satter, aber insgesamt wäre da schon mehr drin gewesen.

Auch der Ton ist ok mit Luft nach oben. Immerhin gibt´s glasklare Dialoge und einen tollen Score.

Das Bonusmaterial wurde 1:1 von der DVD entnommen - inklusive SD Bild. 

„Jäger des verlorenen Schatzes“ aus dem Jahr 1981 ist der gelungene Auftakt einer legendären Saga und ein Meilenstein des Popcorn-Kinos. Unter der Regie von Steven Spielberg und basierend auf einer Story von George Lucas entstand ein zeitloses Meisterwerk, das das Abenteuergenre für immer revolutionierte.

Im Mittelpunkt steht Harrison Ford in seiner absoluten Paraderolle als Archäologieprofessor Dr. Indiana Jones. Mit Peitsche, Schlapphut und einer gehörigen Portion unverschämtem Charme etablierte er sich im Handumdrehen als ultimative Abenteuerikone. Ford verleiht der Figur eine perfekte Mischung aus intellektuellem Witz und handfester Nahbarkeit – ein Held, der einstecken muss, aber niemals aufgibt... ähnlich wie "sein" Han Solo. Die Jagd nach der geheimnisvollen Bundeslade führt ihn rund um den Globus und bietet ein filmisches Erlebnis, das bis heute seinesgleichen sucht.

Das Drehbuch ist extrem abwechslungsreich und hält das Tempo von der ersten bis zur letzten Minute atemberaubend hoch. Spielberg inszeniert eine perfekte Balance aus packender Action, subtilem Humor, mystischen Elementen und einer Prise Romantik. Ob die ikonische Flucht vor der riesigen Steinkugel direkt zu Beginn, die Schlangen in der Seele der Götter oder die rasanten Verfolgungsjagden in der Wüste – jede Szene ist präzise durchdacht und visuell beeindruckend umgesetzt. Untermalt von John Williams' unvergesslicher Filmmusik entfaltet das Werk eine magische Atmosphäre.

Mehr als vier Jahrzehnte nach seinem Erscheinen hat dieser Film nichts von seiner Faszination verloren. Er ist und bleibt ein wahrer Kult-Klassiker, der Generationen von Filmemachern inspiriert hat und auch heute noch das Publikum weltweit begeistert. Ein absolutes Must-Watch!

Die UHD-Fassung nutzt einen brandneuen 4K-Scan der Originalnegative, und das dynamische HDR-Format Dolby Vision sorgt dafür, dass die Wüstenszenen und die wunderschönen Außenaufnahmen richtig erstrahlen.
Die Schärfe holt feinste Texturen hervor. Man erkennt die Struktur von Textilien (sogar abstehende Stoffhärchen), die felsigen Wände im Canyon und feines Ziegelwerk auf weit entfernten Gebäuden.
Sonnenstrahlen oder Explosionen leuchten deutlich intensiver und dynamischer als auf der alten Standard-Blu-ray.
Auch in dunkleren Szenen bleiben dank des erweiterten Kontrasts alle Details in den Schatten sichtbar, ohne abzusaufen.
Das dezente, natürliche Filmkorn sorgt zudem dafür, dass der klassische, echte Kino-Look perfekt erhalten bleibt. Kurzum: besser sah der Film nie aus.

Beim Ton gibt es nun eine deutsche Dolby TrueHD 5.1-Tonspur, bei der man den Bass und die gesamte Dynamik wesentlich stärker wahrnimmt. Aber auch feinste Geräusche aus den hinteren Lautsprechern lassen sich gut heraushören. Lediglich die dünnen Stimmen der alten deutschen Synchro können nicht ganz die Qualität des restlichen Tons halten. 

Für mich ist und bleibt "Indiana Jones und der letzte Kreuzzug" aus dem Jahr 1989 der absolute Lieblingsteil der gesamten Saga. In diesem Meisterwerk von Regisseur Steven Spielberg passt einfach alles perfekt zusammen. Der Film ist die ultimative Definition von purem Abenteuerfeeling.

Schon der Einstieg ist genial gelöst, denn das legendäre Intro zeigt die Ursprünge des Archäologen. Man erfährt augenzwinkernd, woher er die Peitsche, den Fedora-Hut und seine panische Angst vor Schlangen hat. Ab dieser ersten Sekunde zieht einen der Film in seinen Bann.

Was danach folgt, ist ein fesselndes Roadmovie auf der Suche nach dem Heiligen Gral. Die Reise führt den Zuschauer an exotische Schauplätze rund um den Globus . Von den romantischen Kanälen in Venedig über staubige Wüsten bis hin zur atemberaubenden Felsenstadt Petra im Nahen Osten. Untermalt wird diese epische Reise von der meisterhaften Musik von John Williams, dessen vertrautes Thema sofort Gänsehaut auslöst.

Das wahre Herzstück des Films ist jedoch die Dynamik des Casts: Das Zusammenspiel zwischen Harrison Ford und Sean Connery als dessen Vater, Professor Henry Jones Senior, ist schlichtweg göttlich. Die Chemie zwischen den beiden Schauspielern sprüht nur so vor Charme und Humor. Ihre spritzigen, witzigen Dialoge und die liebevoll-ironischen Sticheleien bringen eine emotionale Tiefe in die Story, die den anderen Teilen fehlt. Connery glänzt mit viel Selbstironie.

Gleichzeitig bietet der Film genau das, was das Franchise groß gemacht hat. Eine packende Story, ein Wettrennen gegen die Zeit und eine perfekte Balance aus Action und Cleverness. "Der letzte Kreuzzug" ist Popcorn-Kino in seiner Reinform. Ein zeitloser Klassiker, den man immer wieder sehen kann.

Das Bild ist dank Dolby Vision ein echter Traum und holt das Maximum aus dem Meisterwerk heraus. Während "Der Tempel des Todes" oft in düsteren Höhlen spielt, wechselt "Der letzte Kreuzzug" zu einer spürbar helleren, strahlenderen Ästhetik. Die UHD-Fassung nutzt einen brandneuen 4K-Scan der Originalnegative, und das dynamische HDR-Format Dolby Vision sorgt dafür, dass die Wüstenszenen und die wunderschönen Außenaufnahmen richtig erstrahlen.
Die Schärfe holt feinste Texturen hervor. Man erkennt die Struktur von Sean Connerys Tweed-Jacke (sogar abstehende Stoffhärchen), die felsigen Wände im Canyon und feines Ziegelwerk auf weit entfernten Gebäuden.
Sonnenstrahlen, Explosionen oder das Schimmern des Heiligen Grals leuchten deutlich intensiver und dynamischer als auf der alten Standard-Blu-ray.
Auch in dunkleren Szenen bleiben dank des erweiterten Kontrasts alle Details in den Schatten sichtbar, ohne abzusaufen.
Das dezente, natürliche Filmkorn sorgt zudem dafür, dass der klassische, echte Kino-Look perfekt erhalten bleibt. Kurzum: besser sah der Film nie aus.

Beim Ton gibt es nun eine deutsche Dolby TrueHD 5.1-Tonspur, bei der man den Bass und die gesamte Dynamik wesentlich stärker wahrnimmt. Aber auch feinste Geräusche aus den hinteren Lautsprechern lassen sich gut heraushören. Lediglich die dünnen Stimmen der alten deutschen Synchro können nicht ganz die Qualität des restlichen Tons halten. 

„Hell or High Water“ ist ein staubiger Neo-Western, der das klassische Genre gelungen in die Finanzkrise der texanischen Provinz verlegt. Das Drehbuch von Autor Taylor Sheridan (Yellowstone, Sons of Anarchy, Wind River) entfaltet eine packende Sozialstudie, getarnt als melancholischer Roadtrip.

Die Geschichte lebt von ihren starken Kontrasten. Auf der einen Seite stehen Chris Pine und Ben Foster als zwei ungleiche Gangster-Brüder, die aus der Not heraus kleine Bankfilialen überfallen. Pine spielt den besonnenen, von Geldsorgen geplagten Familienvater, während Foster die Rolle des unberechenbaren Ex-Knackis mit intensiver Energie füllt. Die kriminelle Tour dient einem höheren Zweck: Sie wollen die Familienranch vor der Zwangsversteigerung retten. Auf ihrer Flucht finden die entfremdeten Brüder emotional wieder zueinander, was dem Film eine überraschende Herzenswärme verleiht.

Ihr moralischer Gegenspieler ist Jeff Bridges als abgehalfterter Texas Ranger, der kurz vor der Pensionierung steht. Bridges brilliert in der Rolle des alternden, grantigen, aber messerscharfen Ermittlers, der zusammen mit seinem indigenen Partner die Fährte aufnimmt. Seine Präsenz fesselt (wie immer) in jeder Szene.

Die größte Stärke des Films ist seine tolle staubige Optik. Die weiten, ausgedörrten Landschaften von West Texas spiegeln die Perspektivlosigkeit der Charaktere und der hiesigen Bevölkerung perfekt wider. Zusammen mit einem schwermütigen Country-Soundtrack entsteht eine dichte, melancholische Western-Atmosphäre.

Trotz der starken Darsteller und der grandiosen Bildsprache zieht sich das Erzähltempo im Mittelteil etwas in die Länge. Der Fokus liegt hier spürbar mehr auf der Charakterentwicklung und der gesellschaftskritischen Stimmung als auf der reinen Action. Für meinen Geschmack hätte der Film daher noch eine Spur spannender sein dürfen.

Dennoch bleibt „Hell or High Water“ ein herausragender, moderner Genrebeitrag. Es ist ein melancholischer Abgesang auf den amerikanischen Traum, der vor allem durch seine raue Authentizität im Gedächtnis bleibt.

Bild und Ton sind sind sehr gut. Details gibts massig zu entdecken und auch die Farben sind passend warm gehalten.
Der Ton geht ebenfalls in Ordnung. 

„The Dark and the Wicked“ aus dem Jahr 2020 beginnt als atmosphärisch dichter Folk-Horror-Film, wird aber nach einer ordentlichen ersten Hälfte sehr zäh. Regisseur Bryan Bertino inszeniert den Einstieg auf einer abgelegenen Schafsfarm im ländlichen Texas interessant genug. Als zwei Geschwister anreisen, um ihrer Mutter beim Abschiednehmen vom sterbenden Vater beizustehen, entfaltet sich ein beklemmendes Familiendrama.

Der Film greift dabei tiefgründige Themen wie Tod, Isolation und schmerzhafte Trauerbewältigung auf. Bertino spielt geschickt mit der Wahrnehmung des Zuschauers. Was ist real und was entspringt nur dem von Trauer traumatisierten Verstand der Protagonisten? Die düstere Kinematografie mit einigen wirklich schauderhaften Bildern und das permanente Gefühl einer ungreifbaren, bösen Präsenz erzeugen anfangs eine packende, paranoide Grundstimmung.

Leider kann das Werk dieses hohe Niveau nicht über die gesamte Laufzeit halten. In der zweiten Hälfte bricht das Erzähltempo massiv ein – die Handlung zieht sich wie Kaugummi. Statt die psychologische Tiefe weiter zu intensivieren oder die Spannung zu verdichten, verlässt sich der Film zunehmend auf die immer gleichen Horror-Metaphern und Jumpscares, die sich schnell abnutzen.

Am Ende lässt „The Dark and the Wicked“ den Zuschauer mit vielen offenen Fragen zurück. Nicht alles wird aufgeklärt, was in diesem Fall weniger als cleveres Mysterium, sondern eher als unbefriedigendes Drehbuchloch wirkt. Wer auf ein kluges Finale oder tiefere Antworten hofft, wird enttäuscht.

„The Dark and the Wicked“ ist ein handwerklich solider Horrorfilm mit einem starken, emotionalen Fundament, dem hintenraus jedoch völlig die Puste ausgeht. Diesen Film muss man nicht gesehen haben.

Das Bild ist (bewusst?) trist und flach gehalten. Der Schwarzwert ist maximal grau und auch die Farben kommen bräunlich und entsättigt daher. In den dunklen Zimmern sieht man teilweise keine Gesichter - bei Tageslicht im heimischen Wohnzimmer kann man den Film nicht wirklich schauen.

Auch der Ton reißt keine Bäume aus. Dialoge sind zwar glasklar und auch der Score passt, allerdings ist der Ton sehr frontlastig. Ganz selten gibt es auch Effekte von hinten zu hören - meist bei den Jumpscares oder kurz davor.

Das Bonusmaterial ist sehr dürftig. 

„Citizen Vigilante“ ist weit mehr als nur ein neuer Selbstjustiz-Thriller von Regisseur Uwe Boll – er ist das Zentrum einer hitzigen kulturpolitischen Debatte. Weil das Werk in Deutschland keine FSK-Freigabe erhalten hat, wird der Film hierzulande (und auch in vielen anderen Ländern) extrem kontrovers diskutiert. Er wirft damit erneut die wichtige Frage auf, wo staatlicher Jugendschutz aufhört und die Beschneidung von Kunst beginnt.

Aber zurück zum Film. Hauptdarsteller Armie Hammer spielt gut und verkörpert den kompromisslosen Rächer mit einer bitteren, physischen Intensität. Regisseur Uwe Boll nutzt diese Performance für eine Inszenierung, die vor allem durch saftige Gewaltspitzen auffällt. Doch genau diese Härte ist der Grund, warum der Film nun an den deutschen Prüfinstanzen scheitert. Meiner Meinung nach wird hier mit zweierlei Maß gemessen, denn auch in diesem Genre sollte bedingungslos die künstlerische Freiheit gelten. Ein Verbot oder die Verweigerung einer Freigabe entmündigt das erwachsene Publikum. „Citizen Vigilante“ ist ein unbequemes, rohes Werk, für das Deutschland anscheinend einfach noch nicht bereit ist – oder vielmehr die dortigen Prüfstellen, die moralische Schranken über die Kunstfreiheit stellen.

Rein cineastisch betrachtet muss man den Film jedoch differenziert sehen. Die politische Relevanz täuscht nicht über inszenatorische Schwächen hinweg. Das Werk leidet unter einem spürbar unrunden Pacing und weist im Mittelteil teilweise erhebliche Hänger auf, die den Erzählfluss bremsen. Warum muss man zum Beispiel unter einem nervenden Score über zwei Minuten am Stück zusehen, wie die Polizei eine Wohnung stürmt? Aber auch sonst gibt’s einige langweilige Shots. Ab und an blitzt aber dann doch wieder Spannung auf, was den Film sehr wechselhaft macht. Dass es sich im Kern um ein B-Movie handelt, merkt man vor allem am Cast. Während Hammer den Film im Alleingang trägt, fällt das schauspielerische Niveau der Nebendarsteller stark ab und entlarvt das begrenzte Budget von 2 Millionen Euro. Auch wirken Explosionen im fertigen Film unverständlicher Weise wesentlich billiger als „roh“ im making of.
Wenn der Film etwas weniger Leerlauf und einen besseren sowie spannenderen Schnitt bekommen hätte, wäre er vermutlich sogar ganz gut geworden.

„Citizen Vigilante“ mag handwerklich unrund sein, doch seine Zensur macht ihn für mich zu einem Pflichtfilm für die Debatte um die Freiheit der Kunst. Uwe Bolls Thriller ist ein unbequemer Spiegel für eine übervorsichtige deutsche Medienlandschaft. Erwachsenen Bürgern sollte die finale Entscheidung darüber, was sie sehen dürfen, selbst überlassen werden. Da kommt es auf einen Rache-Thriller mehr auch nicht mehr drauf an.

Das Bild der Blu-Ray ist messerscharf und bietet warme Farben, die teilweise fast schon zu saturiert sind. Auch der Kontrast ist mir teilweise etwas zu steil eingestellt. Der Schwarzwert ist schön satt und verschluckt nichts. Ansonsten kann man über das moderne Bild nicht meckern.

Der deutsche DTS-HD MA 5.1 Ton ist sehr frontlastig. Immerhin sind die Dialoge sehr sauber und leicht verständlich. So mancher Score nervt, während er an anderer Stelle wieder sehr kraftvoll und treibend daherkommt.

An Bonusmaterial gibts noch einen Audiokommentar von Uwe Boll, von dem man halten kann was man will, aber er zieht sein Ding in Eigenregie durch und dafür muss man seinen Hut ziehen. Ein 10 minütiges „Behind the Scenes“ und einige Trailer gibts obendrein. 

„Cold Storage“ startet als eine überraschend unterhaltsame Hommage an das Genre-Kino vergangener Tage. Der Film versprüht von der ersten Minute an einen herrlich nostalgischen 80er-Jahre-B-Movie-Charme, der Horror-Fans sofort abholt. Wenn die Bedrohung im tiefgekühlten Hochsicherheitsbunker erwacht, fühlt man sich wohlwollend an Klassiker wie „The Thing“ oder „The Blob“ erinnert. Das Setting ist angenehm klaustrophobisch und die Atmosphäre anfangs dicht inszeniert.

Doch leider kann der Film dieses vielversprechende Niveau nicht über die gesamte Laufzeit halten. Sobald man weiß wie der Hase läuft, biegt die Story in extrem eingetretene Pfade ab. Die Story wird sehr vorhersehbar und überraschungsarm. Jeder Jump-Scare kündigt sich mit Ansage an, und wer schon mehr als drei Survival-Horrorfilme gesehen hat, weiß ganz genau, wer als Nächstes dran glauben muss.

Der Cast gibt sich sichtlich Mühe und die Chemie zwischen den Hauptdarstellern stimmt stellenweise sogar. Letztlich kämpfen die Schauspieler umsonst an, denn sie können das schwache Drehbuch nicht verbessern. Die Dialoge sind oft hölzern und die Entscheidungen der Charaktere folgen der typischen, frustrierenden Horrorfilm-Logik. Gerne hätte ich auch gerne mehr Humor integriert gehabt - oder gar keinen. So ist es irgendwie immer ein unpasendes "Hin und her" der Stimmung.

Einige Highlights retten den Film vor dem Totalabsturz, denn immerhin gibt es eine Handvoll nette Splattereffekte, die erfreulich handgemacht wirken. Ein echter Hingucker ist zudem die kreative „Insekten-Cam“, die für ein paar herrlich eklige und visuell abwechslungsreiche Perspektiven sorgt.

Am Ende kann der Film nicht ganz überzeugen, da ihm der Mut zu eigenen Ideen fehlt. Ein großer Pluspunkt bleibt aber das Erzähltempo, denn immerhin gibt es keine Längen. Mit einer knackigen Laufzeit zieht das Sci-Fi-Horror-Szenario schnörkellos an einem vorbei. Für einen nostalgischen Bier-und-Pizza-Abend reicht es allemal – für einen bleibenden Eindruck leider nicht.

Das Bild der UHD bietet satte Farben, einen mehr als ordentlichen Schwarzwert und einige nette kleine Helligkeitsspitzen dank HDR. Details lassen sich auch immer ausmachen und so braucht sich das Bild nicht zu verstecken. Luft nach oben gibt es aber dennoch, denn etwas schärfer hätte es dann schon sein dürfen.

Auch der deutsche Dolby Atmos Track macht alle richtig. Dialoge kommen glasklar aus dem Center, der Score verteilt sich dynamisch im ganzen Raum und auch von den Deckenlautsprechern kommen gezielte Durchsagen, Alarmsirenen oder einfach nur ein Windhauch auf den Hörer zu. Ein paar Effekte mehr hätten es aber schon sein können. Immerhin mischt auch de Subwoofer ordentlich mit.

Bonusmaterial gibt es keines - weder auf der UHD noch auf der Blu-Ray. Schade. 

"Predator: Badlands" erzählt die Geschichte von Dek, einem jungen, von seinem Vater verstoßenen Predator, der auf einem gefährlichen Planeten strandet und dort auf die Androidin Thia trifft, die zu seiner unerwarteten Verbündeten wird, um gemeinsam einer übermächtigen Bedrohung zu begegnen und sich als würdig zu erweisen.

Der Film bricht mit der Tradition, indem er den Predator als Protagonisten etabliert - und das funktioniert größtenteils. Im Zentrum steht die ungeplante Zusammenarbeit zwischen dem wortkargen Dek und Thia, einem positiv gestimmten Androiden der Weyland-Yutani Corporation. Diese "Buddy-Cop"-Dynamik sorgt für überraschenden Witz und sogar etwas emotionale Tiefe.

In puncto Action und Brutalität liefert der Film von Regisseur Dan Trachtenberg ("Prey") ordentlich ab. Obwohl er im Kino eine 14er-Freigabe erhielt, um ein breiteres Publikum anzusprechen, nutzt er die Abwesenheit von menschlichem roten Blut (da es sich um Kämpfe zwischen Fantasy-Kreaturen und Androiden handelt) für brutalen, intensiven Action-Horror. Es gibt viele spannende Kampfszenen und Verfolgungsjagden, die für Popcorn-Unterhaltung sorgen.

Das Setting auf einem unwirtlichen Alien-Planeten hat mir überraschend gut gefallen, da es visuell beeindruckend in Szene gesetzt wurde. Vor allem die Farbgebung hartes mir angetan. Gut, teilweise mit erkennbarer CGI (z. B. wenn Dek Androidin Thia nach oben wirft), aber immerhin effektiv inszeniert. Die Kreaturen und die Flora/Fauna des Planeten sind fantasievoll gestaltet und tragen zur intensiven Atmosphäre bei.

"Predator: Badlands" ist ein überraschend gelungener Sci-Fi-Action-Abenteuerfilm geworden, der das Franchise in eine neue Richtung lenken könnte. Das starke World Building, die Charakterentwicklung und die Action ergeben einen ordentlichen Mix. Lediglich Fans vom brutalen Predator könnten etwas enttäuscht sein. Nachdem ich mich mit dem neuen Predator Design von Dek arrangieren konnte, fand ich ihn im großen und Ganzen zwar nicht überwältigend aber immerhin noch überraschend solide bis gut.

Das Bild wirkt Disney typisch „clean“ aber schön scharf. Von Bestwerten ist man zwar noch etwas entfernt aber dank HDR gibts knallige Farben, einen satten Schwarzwert und tolle Spitzlichter.

Der DD+ 7.1 Ton ist, wenn man den Pegel etwas anhebt, ebenfalls dynamisch und räumlich genug. 

Oliver Stones „Snowden“ aus dem Jahr 2016 ist ein packend inszenierter Polit-Thriller, der die schockierende Wahrheit hinter den illegalen Überwachungsmethoden der NSA offenbart. Mit einer Laufzeit von 134 Minuten gelingt es dem Regisseur, ein hochkomplexes, technisches Thema in ein durchgehend spannendes und emotional greifbares Drama zu verwandeln. Der Film ist nicht nur handwerklich brillant, sondern auch zutiefst erschreckend in seiner Aktualität, weshalb er völlig zu Recht das Prädikat „Besonders wertvoll“ erhalten hat.

Im Mittelpunkt steht Edward Snowden, grandios und absolut passend besetzt mit Joseph Gordon-Levitt. Er verkörpert den Whistleblower mit einer bemerkenswerten Zurückhaltung, die Snowdens inneren Konflikt perfekt widerspiegelt: den Wandel vom loyalen Patrioten zum meistgesuchten Mann der Welt. Gordon-Levitt meistert die feinen Nuancen zwischen genialem Datenanalysten und verängstigtem Staatsbürger meisterhaft. An seiner Seite glänzt Shailene Woodley als seine Partnerin Lindsay Mills, die dem Film das nötige emotionale Fundament verleiht.

Stone verzichtet auf übertriebene Action und setzt stattdessen auf psychologischen Nervenkitzel. Er zeigt detailliert, wie die NSA massenhaft private Daten sammelt, Webcams hackt und das Prinzip der Privatsphäre komplett auslässt. Ab und zu wirkt der Film fast schon wie eine Doku, da Stone seinem Kameramann genau zeigte, wie er den Film inszeniert haben möchte. Genial auch der Übergang hin zum echten Snowden am Ende des Films. Diese Einblicke sind absolut packend und interessant, werfen jedoch gleichzeitig ein beunruhigendes Licht auf unsere digitale Gegenwart. Die ständige Paranoia, der Snowden und seine Partnerin ausgesetzt sind, überträgt sich spürbar auf das Publikum.

„Snowden“ ist weit mehr als ein reines Biopic. Es ist ein wichtiger Weckruf. Oliver Stone schafft es, die Balance zwischen packender Unterhaltung und investigativer Aufklärung zu halten. Ein cineastisches Meisterwerk, das nach dem Abspann noch lange nachwirkt und zum Nachdenken über die eigenen digitalen Fußabdrücke zwingt. Ein absolut sehenswerter, wichtiger Film.

Bild und Ton können überzeugen.

Beim Bonusmaterial hätte ich mir etwas mehr als nur ein paar Trailer und Interviews gewünscht. 

„In the Line of Fire“ aus dem Jahr 1993 ist ein packender Polit-Thriller, der das klassische Motiv der späten Erlösung geerdet und spannend verfolgt. Unter der Regie von Wolfgang Petersen liefert Clint Eastwood eine seiner verletzlichsten und zugleich stärksten Spätwerk-Leistungen ab.

Eastwood spielt Frank Horrigan, einen alternden Secret-Service-Agenten, der von den Dämonen seiner Vergangenheit gejagt wird: Er war am 22. November 1963 in Dallas dabei und konnte John F. Kennedy nicht beschützen. Jahrzehnte später bekommt er nun noch eine zweite Chance, als ein brillanter Attentäter droht, den aktuellen US-Präsidenten zu ermorden. Aus dieser Prämisse entwickelt sich ein spannendes Katz-und-Maus-Spiel, das psychologisch dicht und handwerklich präzise inszeniert ist.

Der Film lebt vor allem von seinem starken Gegenspieler. John Malkovich glänzt als eiskalter, chamäleonartiger Psychopath Mitch Leary. Die telefonischen Duelle zwischen ihm und Eastwood gehören zu den absoluten Highlights des Thrillers. Leary spiegelt Horrigans Einsamkeit und Pflichtbewusstsein auf perverse Weise, was der Dynamik eine faszinierende Tiefe verleiht. Petersen inszeniert die Bedrohung greifbar und hält die Spannungskurve über weite Strecken extrem hoch.

Trotz der inszenatorischen Klasse ist der Film nicht fehlerfrei. Im Mittelteil leidet er unter leichten Hängern, wenn zB. das Tempo für ermittlungstechnische Routinearbeiten spürbar gedrosselt wird. Zudem bietet das Drehbuch typische Klischees der 90er-Jahre: Die unglaubwürdige Romanze zwischen dem gealterten Horrigan und seiner Kollegin Lilly Raines, gespielt von der 24 Jahre jüngeren Rene Russo. Die Chemie zwischen den beiden stimmt zwar auf freundschaftlicher Ebene, doch der romantische Subplot wirkt erzwungen und nimmt dem ansonsten realistischen Thriller etwas an Glaubwürdigkeit.

Am Ende bleibt „In the Line of Fire“ jedoch ein herausragender Genre-Klassiker. Dank des packenden Duells zweier Schauspiel-Giganten und einem nervenaufreibenden Finale im Hotel-Ballsaal ist der Film auch heute noch absolut sehenswert.

Das 4K Bild ist Wahnsinn- aber im positiven Sinne! Der Film wirkt, als wäre er erst gedreht worden, Farben sind satt und an den Details kann man sich nicht satt sehen. Man bekommt sogar gestochen scharfe Details in den allerletzten Winkeln zu sehen. Egal ob die Uhrzeit an Armbanduhren, wandfresken, Hautporen, Wiesen, Bäume,… so gut wie alles ist extrem plastisch, sauber und detailliert- da können sich sogar aktuelle Produktionen einen Scheibe von abschneiden. Ultrafein aufgelöstes Filmkorn zeigt ein natürliches Bild mit ebenso natürlichen Farben.
Das real 4K Bild ist ununterbrochen ein Genuss, man kann sich gar nicht satt sehen. Der Film ist mit Abstand das beste, was ich in Punkto 4K aus einem „alten“, analogen Material sehen durfte. Nonstop 4K Feeling!

Der DTS HD Ma Ton ist solide, biete einige Surround Effekte und sehr gute Dialogverständlichkeit. 

"Spider-Man: far from home" ist zwar keine Gurke, aber er hat ein großes Problem: Er ist kein eigenständiges Abenteuer, sondern anscheinend eher die Post-Credits-Episode von "Avengers: Endgame" (welchen ich nicht gesehen habe).

Für Hardcore-MCU-Fans bietet der Film zwar nette Verknüpfungen, aber wer wie ich einfach nur einen klassischen, unabhängigen Spider-Man-Film sehen will, bleibt oft auf der Strecke. Ohne tiefes Vorwissen über Tonys Vermächtnis, die Ereignisse des „Blips“ und die neue Dynamik von Phase 4 kommt man hier streckenweise gar nicht mit... und wird am Ende enttäuscht.

Die größte Schwäche des Films ist die dünne Story. Die Geschichte verlässt sich zu sehr auf das emotionale Erbe von Iron Man, anstatt Peter Parker eine wirklich starke, eigene Entwicklung zu gönnen. Die Teenie-Romanze und die Alibi-Bedrohung durch die Elementals wirken extrem konstruiert. Ich musste mich ehrlich gesagt durch die erste Hälfte des Films durchkämpfen, da der Plot lange Zeit auf der Stelle tritt und der eigentliche Twist meilenweit gegen den Wind zu riechen war.

Was den Film rettet und vor dem Absturz bewahrt, ist die handwerkliche Inszenierung. Die Action ist absolut fantastisch, visuell kreativ gelöst (besonders die psychedelischen Illusionstricks im späteren Verlauf) und perfekt choreografiert. Ein echtes Highlight sind zudem die gelungenen Schauplätze, von denen ich selbst einige schon bereist habe. Die Reise quer durch Europa bringt frischen Wind in die Optik. Venedig und Prag werden visuell wunderschön eingefangen und bieten eine großartige, unverbrauchte Kulisse für Spideys Netzschwingerei, die man so aus den New-York-Szenarien noch nicht kannte. Allerdings nimmt es Hollywood mit der Geografie nicht immer so genau, denn wenn die Schulklasse durch die östlichen Alpen reist, sind sie nicht wie angegeben in Österreich sondern in Cortina d´Ampezzo in Italien unterwegs...

"Spider-Man: far from home" ist NUR für Fans ein unterhaltsamer MCU-Epilog mit grandiosen Bildern und tollen Schauplätzen. Erzählerisch ist er aber leider viel zu dünn geraten. Eine erneute Sichtung meinerseits ist ausgeschlossen.

Das 4K UHD Bild ist, wie beim direkten Vorgänger, Sony typisch sehr hochwertig, hell und klar. Alles glänzt, funkelt und scheint um die Wette. Der Schwarzwert ist sehr satt und büßt keine Durchzeichnung ein. Die Farben kommen gut saturiert daher und auch die Schärfe lässt unzählige Details erkennen. Insgesamt war ich mit dem 4K Bild sehr zufrieden.

Auch der deutsche DTS-HD MA Ton klingt glasklar, dynamisch und schön differenziert. Alles bestens.

Bonusmaterial gibts lediglich auf der beiliegenden Blu Ray Disc. 

„Taxi“ aus dem Jahr 1998 ist der Beweis für alle, die glauben, dass das französische Kino nur aus tiefgründigen Arthaus-Dramen und rauchenden Intellektuellen in Pariser Cafés besteht. Produziert von Action-Garant Luc Besson zeigt diese Actionkomödie eindrucksvoll, dass sich das französische Kino selbst absolut nicht zu ernst nimmt.

Im Mittelpunkt steht ein sympathisches Duo wider willen: Daniel, ein geschwindigkeitsbesessener Pizzabote, der endlich seinen Traum als Taxifahrer verwirklicht, und Émilien, ein notorisch tollpatschiger Polizist, der zum achten Mal durch die Fahrprüfung gerasselt ist. Als Daniel beim Rasen erwischt wird, zwingt Émilien ihn zu einer ungewöhnlichen Kooperation: Daniel soll ihm helfen, eine schwer fassbare deutsche Bankräuberbande in ihren roten Mercedes-Limousinen zu schnappen.

Regisseur Gérard Pirès inszeniert dieses ungleiche Paar mit exzellentem komödiantischem Timing. Die Chemie zwischen Samy Naceri und Frédéric Diefenthal trägt den gesamten Film. Was „Taxi“ aber bis heute zu einem Kultklassiker macht, sind die tollen Verfolgungsjagden. Wenn Daniels Peugeot 406 per Knopfdruck Spoiler und Rennreifen ausfährt und mit ohrenbetäubendem Motorensound durch die engen Straßen von Marseille jagt, schlägt das Herz jedes Actionfans höher. Die Stunts sind handgemacht, dynamisch und versprühen den rohen Charme der späten 90er-Jahre.

Ergänzt wird das Spektakel durch nette Schießereien und eine ordentliche Portion Slapstick, bei der vor allem die völlig unfähige Polizei von Marseille ihr Fett wegbekommt. Mit einer knackigen Nettolaufzeit von nur 82 Minuten verliert der Film zu keinem Zeitpunkt an Fahrt. Es gibt keine unnötigen Längen, kein aufgeblasenes Drama.

Fazit: „Taxi“ ist beste Unterhaltung und die ideale, leichte Kost für zwischendurch.

Auch Teil 2 und 3 gefallen mir sehr gut. Lediglich der vierte Teil hat zeigt leichte Abnutzungserscheinungen.

Bi ld und Ton sind bei allen Filmen mehr als ordentlich.

Auch an Bonusmaterial wurde gedacht. 

Ach, ich liebe diese Teenie-Slasher Filme der späten 90er und frühen 2000er Jahre. Egal ob „Scream“, „Final Destination“, „Ich weiß was du letzten Sommer getan hast“, oder die vielen anderen. Alle Filme haben vor allem eines gemeinsam: kreischende Stereotype. Und ja, ich mag das… meistens jedenfalls . :) Auch „Düstere Legenden 2“ aus dem Jahr 2000 bietet das selbe wie seine Vorbilder, denn auch hier schleicht sich ein Killer herum und möchte tunlichst gefunden werden.

Cooles Alleinstellungsmerkmal ist allerdings die verschneite Universität mit seinen vielen Film Nerds. Von verlassenen Jahrmarkt-Attraktionen über dunkle Schneideräume bis hin zu Tonstudios bietet die Filmuniversität visuell abwechslungsreiche Schauplätze, die für eine dichte, beklemmende Atmosphäre sorgen.

Aber auch die Kills selbst sind nicht von schlechten Eltern (Nierenraub). Allzu brutal wirds zwar nie aber dennoch schön spritzig und abwechslungsreich. Auch hier gibt es natürlich viele Verfolgungsjagden mit Gekreische und Wackelkamera, aber so etwas gehört wie die vielen stereotypen eben zum Genre dazu.

Regisseur John Ottman, der hier sein Debüt gab und gleichzeitig den Score komponierte, spielt sehr gut mit den Mechanismen des Filmemachens. Ständig verschwimmen die Grenzen zwischen Fiktion und Realität. Alleine das Intro mit dem Flugzeug hätte aus einem Scream-Film stammen können.

Neben Jennifer Morrison (HIMYM) gibt´s auch noch Eva Mendes (Training Day) als Eyecandy. Alle Darsteller machen ihre Sache (im Rahmen ihrer Möglichkeiten) recht ordentlich, nur die Uni-Security Lady ist mir dann doch zu cartoonhaft.

Fans des Genres machen auch mit „Düstere Legenden 2“ nichts falsch und bekommen 98 Minuten feiste Genrekost serviert. Aber nicht vergessen: das Rad wird auch hier nicht neu erfunden.

Das Bild ist mehr als ordentlich, wenn man das Alter des Ausgangsmaterials berücksichtigt.
Die Farben kommen meist herbstlich warm, aber teilweise auch winterlich kühl daher. Details wie Haare und Hautporen gibt´s einige zu entdecken. Mit aktuellen Produktionen kann sich der Film natürlich nicht messen.

Der DTS-HD-MA 5.1 Ton hat genug Dynamik, lässt aber auch Dialoge schön sauber aus dem Center erklingen. Der Score verteilt sich im ganzen Raum. 

Spider-Man: Homecoming bringt den freundlichen Netzschwinger aus der Nachbarschaft endlich vollends in das Marvel Cinematic Universe (MCU). Regisseur Jon Watts liefert mit diesem Reboot eine frische Version der bekannten Figur ab, die vor allem auf eine jüngere Zielgruppe zugeschnitten ist.

Der Film punktet mit einem netten, unbeschwerten Humor, der perfekt auf Teenager abgestimmt ist. Ich, als 44 jähriger fühle mich da nicht mehr ganz so abgeholt. Peter Parker wird hier als ganz normaler Highschool-Schüler gezeigt, der sich mit alltäglichen Teenager-Problemen wie Hausaufgaben, Partys und der ersten großen Liebe herumschlägt. Tom Holland verkörpert diesen jugendlichen Leichtsinn und den charmanten Witz absolut großartig.

Unterstützt wird die kurzweilige Coming-of-Age-Story von tollen visuellen Effekten und rasanten Actionszenen, die durchgehend optisch bestens unterhalten.

Allerdings bringt das Projekt auch eine gewisse Müdigkeit mit sich, da es sich hierbei bereits um die dritte Origin-Verfilmung von Spider-Man innerhalb weniger Jahre handelt. Gerade weil die klassische Geschichte um den Spinnenbiss und Onkel Ben diesmal übersprungen wird, fühlt sich der Neustart der Figur erzählerisch etwas weniger interessant an.
Ein deutlicher Schwachpunkt ist zudem der extrem dominante Avengers-Bezug. Iron Man alias Tony Stark fungiert quasi als Peters Mentor und der gesamte Film ist so stark in das MCU-Netzwerk eingewoben, dass Spider-Man kaum Raum bleibt, als eigenständiger Held zu glänzen. Ich persönlich kann auch wenig mit dem MCU anfangen und habe dementsprechend auch wenige Filme davon gesehen. Ständig wird an die großen Ereignisse der Avengers erinnert, was der Geschichte etwas von ihrer Intimität nimmt.

Für mich persönlich gilt daher: Die Sam Raimi-Verfilmungen mit Tobey Maguire sind immer noch besser. Sie besaßen mehr Herz, eine tiefere dramaturgische Fallhöhe und ließen Spider-Man im Rampenlicht stehen, anstatt ihn im Schatten von Iron Man agieren zu lassen.

Insgesamt ist Homecoming trotzdem ein unterhaltsamer Teenie-Actionfilm, der (für mich) im Vergleich zu den alten Klassikern aber an Eigenständigkeit einbüßt.

Das 4K UHD Bild ist wirklich Sony typisch hochwertig, hell und klar. Alles glänzt, funkelt und scheint um die Wette. Der Schwarzwert ist sehr satt und büßt keine Durchzeichnung ein. Die Farben kommen gut saturiert daher und auch die Schärfe lässt unzählige Details erkennen. Insgesamt war ich mit dem 4K Bild sehr zufrieden.

Auch der deutsche DTS-HD MA Ton klingt glasklar, dynamisch und schön differenziert. Alles bestens.

Bonusmaterial gibts lediglich auf der beiliegenden Blu Ray Disc. 

„Aushilfsgangster“ (im Original: Tower Heist) entpuppt sich als unerwartet unterhaltsame Heist-Komödie, die von der ersten bis zur letzten Minute Spaß macht. Mit einer knackigen Laufzeit von exakt 100 Minuten ist der Film perfekt durchgetaktet und leistet sich absolut keine Längen. Was als ruhiges Drama über betrogene Angestellte beginnen könnte, wandelt sich schnell in eine feine, seichte Abenteuerkomödie, die das Herz am rechten Fleck trägt.

Der Film punktet vor allem durch sein starbesetztes und extrem sympathisches Team. Wenn Hollywood-Größen wie Ben Stiller, Alan Alda, Matthew Broderick und ein herrlich aufgekratzter Eddie Murphy aufeinandertreffen, ist Kinospaß vorprogrammiert. Die Dynamik innerhalb der Truppe aus Amateurgangstern ist stimmig, die Dialoge sind knackig und die Situationen herrlich lustig. Man fiebert ungezwungen mit dieser bunten Truppe mit, die versucht, sich ihr gestohlenes Geld vom schurkischen Wall-Street-Milliardär zurückzuholen.

Ein weiteres echtes Highlight ist die Kulisse: New York als Schauplatz geht einfach immer. Die glitzernde Skyline von Manhattan, das luxuriöse Penthouse-Ambiente und das wuselige Treiben rund um die Thanksgiving-Parade verleihen dem Raubzug eine edle, aber auch angenehm vertraute Atmosphäre.

Klar ist die Story sehr vorhersehbar und einiges läuft dann auch „zu problemlos“ für den Raubzug ab, aber darüber kann ich hinwegsehen.

Wer Lust auf unbeschwertes Popcorn-Kino hat, wird hier bestens bedient. Regisseur Brett Ratner liefert genau das, was er verspricht: ein temporeiches, witziges und visuell ansprechendes Gauner-Abenteuer. Am Ende bleibt das Gefühl, eine rundum gelungene Wohlfühl-Komödie gesehen zu haben, die perfekt für einen entspannten Filmabend auf der Couch ist. Ein charmanter Spaß eben.

Bild und Ton sind in Ordnung und auch ordentlich Extras gibt’s auf der blauen Scheibe. 

Frontière(s) (2007) unter der Regie von Xavier Gens ist ein Paradebeispiel für das französische Terrorkino der 2000er Jahre. Mit einer Laufzeit von 96 Minuten versucht der Film, gesellschaftspolitische Ängste in brutale Horrorbilder zu übersetzen. Wer allerdings, wie ich, die geschnittene Fassung erwischt, verpasst einen Großteil der intensiven Wirkung, die dieses Werk eigentlich ausmacht.

Der Einstieg in den Film gestaltet sich als Geduldsprobe. Das erste Drittel zieht sich in die Länge. Die Flucht einer Gruppe jugendlicher Krimineller aus den von Unruhen geplagten Pariser Vororten wird mit hektischen Schnitten und viel Geschrei inszeniert. In dieser Phase verpasst es der Film, echte Sympathien für die Charaktere aufzubauen. Die politische Prämisse wirkt aufgesetzt und dient letztlich nur als mühsame Brücke, um die Protagonisten in die Isolation der französischen Provinz zu treiben.

Sobald die Gruppe jedoch in den Fängen einer rechtsradikalen, degenerierten Inzest-Familie landet, zieht das Tempo drastisch an. Ab diesem Wendepunkt wird das Geschehen deutlich spannender. Gens inszeniert die klaustrophobische Flucht aus dem abgelegenen Gasthof als dreckigen, schweißtreibenden Albtraum. Die Terror-Atmosphäre greift, und die dichte Kulisse sorgt für soliden Nervenkitzel. Auch die Optik und die Ausstattung passen dann besser als am Anfang.

Dennoch liefert der Film nichts Bahnbrechendes. Die Parallelen zu Klassikern wie "The Texas Chain Saw Massacre" der "The Hills Have Eyes" sind schlicht zu offensichtlich. "Frontier(s)" kopiert bekannte Genre-Muster, ohne ihnen neue Facetten hinzuzufügen.

In der geschnittenen Version verliert der Film zudem seine wichtigste visuelle Durchschlagskraft, wodurch die ohnehin dünne Story noch deutlicher hervortritt. Am Ende bleibt ein handwerklich solider, aber inhaltlich generischer Genrebeitrag. Einmal schauen reicht vollkommen aus, um diesen französischen Terrortrip abzuhaken. 

„Harry Potter und der Feuerkelch“ markiert den endgültigen Wendepunkt der Reihe hin zu einem erwachsenen, düsteren Fantasy-Abenteuer. Unter der Regie von Mike Newell entfaltet sich das Trimagische Turnier als ein packendes Spektakel, das die Welt der Zauberer erweitert. Der vierte Teil bricht endgültig mit der kindlichen Unschuld der ersten beiden Filme von Chris Columbus und führt die Reihe konsequent auf einen finsteren, reiferen Pfad.

Das Herzstück des Films ist das legendäre Turnier, das mit seinen drei lebensgefährlichen Aufgaben für konstante Hochspannung sorgt. Ob der fesselnde Kampf gegen den ungarischen Hornschwanz, der atmosphärische Tauchgang im Schwarzen See oder das beklemmende Finale im Labyrinth – jede Prüfung zieht den Zuschauer tiefer in ihren Bann. Newell gelingt es meisterhaft, das Gefühl einer größeren magischen Gemeinschaft zu vermitteln, indem er internationale Zauberschulen einführt.

Visuell setzt der Film neue Maßstäbe für das Franchise. Die Schauplätze sind extrem hochwertig gestaltet: Die Dimensionen der Quidditch-Weltmeisterschaft zu Beginn, die opulente Pracht des Weihnachtsballs und die düstere, neblige Kulisse des Friedhofs zeigen eine enorme Liebe zum Detail. Die visuellen Effekte und das Set-Design wirken organisch und unterstreichen die wachsende Bedrohung durch Lord Voldemort.

Neben der Action vernachlässigt das Drehbuch jedoch nicht die emotionalen Hürden des Heranwachsens. Die typischen Teenager-Probleme, von Eifersucht bis zur ersten großen Liebe, bilden einen gelungenen Kontrast zu den finsteren Ereignissen. Das furiose und emotionale Finale bricht endgültig mit den Mustern klassischer Kinderfilme. Mit dieser perfekten Balance aus jugendlichem Drama, epischer Action und einer spürbaren Bedrohung reiht sich der vierte Teil perfekt in die Reihe ein und bleibt ein absoluter Höhepunkt der Saga.

Das 4K Bild, ist ähnlich wie beim Erstling, eine kleine, aber feine Verbesserung in der Schärfe, den Kontrast und den Farben. Der Schwarzwert ist ebenfalls richtig satt und zaubert schöne kontrastreiche Bilder auf den Bildschirm. Allzu viel Steigerung darf man sich nicht erwarten, ein tolleres und insgesamt "runderes" Bild bekommt man aber dennoch geboten. Auch das Filmkorn des analog erstellten Films ist noch feiner aufgelöst erkennbar.

Der Ton ist solide, könnte aber noch einen Ticken öfter direktionaler daherkommen. Dennoch merkt man auch hier eine Steigerung zu den Teilen davor. 

"Terminator 2: Judgment Day" ist nicht nur die gelungene Fortsetzung eines bereits erfolgreichen Science-Fiction-Films, sondern ein echtes Meisterwerk des Kinos. Regisseur James Cameron schuf 1991 einen Film, der bis heute als Meilenstein des Genres gilt und nicht nur von mir sondern vielen Kritikern und Filmfans als einer der besten Filme aller Zeiten angesehen wird.

Im Mittelpunkt steht erneut Arnold Schwarzenegger als Terminator, diesmal jedoch in einer ungewohnten Rolle als Beschützer des jungen John Connor. Gemeinsam mit Linda Hamilton als Sarah Connor entsteht ein faszinierendes Dreiergespann, das gegen den hochentwickelten T-1000 kämpft. Robert Patrick verkörpert diesen nahezu unaufhaltsamen Gegner mit beeindruckender Intensität und macht ihn zu einem der denkwürdigsten Bösewichte der Filmgeschichte.

Besonders bemerkenswert sind die revolutionären Spezialeffekte. Die Darstellung des flüssig-metallischen T-1000 war 1991 absolut bahnbrechend und setzte neue Maßstäbe für die Filmindustrie. Viele der Effekte wirken selbst Jahrzehnte später erstaunlich modern. James Cameron kombinierte technische Innovation mit einer packenden Geschichte und schuf damit einen Film, der sowohl visuell als auch erzählerisch überzeugt.

Darüber hinaus behandelt Terminator 2 Themen, die heute aktueller denn je sind. Die Gefahren künstlicher Intelligenz, die Verantwortung des Menschen gegenüber seiner Technologie und die Frage nach dem freien Willen stehen im Mittelpunkt der Handlung. Dadurch besitzt der Film eine zeitlose Relevanz, die weit über reine Action-Unterhaltung hinausgeht.

Spannende Verfolgungsjagden, emotionale Momente und perfekt inszenierte Actionsequenzen sorgen dafür, dass keine Minute langweilig wird. Gleichzeitig entwickelt sich der Terminator von einer kalten Maschine zu einer Figur, mit der das Publikum mitfühlt. Dieser emotionale Kern verleiht dem Film zusätzliche Tiefe.

Auch mehr als drei Jahrzehnte nach seiner Veröffentlichung bleibt "Terminator 2: Judgment Day" ein wegweisender Science-Fiction-Klassiker. Mit seiner Mischung aus Action, Innovation, starken Darstellern und visionären Ideen ist er ein zeitloses Meisterwerk und zweifellos einer der größten Filme aller Zeiten.

Beim 4K UHD Bild scheiden sich die Geister: für die einen wirkt der Film nicht mehr "dreckig" genug und fühlt sich nicht mehr so an wie früher. Für die anderen hat der Film noch nie "besser" bzw. moderner ausgesehen. Ich zähle mich zu letzteren. Ja, das Bild wirkt nun etwas glatter und frei von Filmkorn, aber weit weg von wachsig - wie man schon öfter lesen musste. Dank 4K DI bekommt man Details, die früher nicht zu erkennen waren. Der Schwarzwert ist fantastisch und verleiht dem Bild die nötige Tiefe, dank perfekter Kontrastwerte. HDR sorgt für schöne Helligkeitsspitzen bei allem was glänzt, metallisch schimmert oder einfach nur hell aufblitzt - das gefällt mir besonders gut. Auch wurden Farben neutraler angepasst und das Bild wirkt nun nicht mehr so bläulich sondern rötlich warm. Dies finde ich wesentlich passender.

Der deutsche DTS-HD MA 7.1 Ton gefällt ebenfalls mit glasklaren Dialogen, wuchtigen Schüssen, tollen Surroundeffekten und einem eingängigen Score von Brad Fiedel. Der Subwoofer darf ebenfalls mitmischen. Insgesamt bekommt man viel aufs Ohr.

Auch das Bonusmaterial kann überzeugen. Ganze drei Filmfassungen (nur die Kinofassung schaffte es auf die UHD) und massig Extras runden das Film-Gesamtpaket ab. 

Mit "Harry Potter und die Kammer des Schreckens" gelang Regisseur Chris Columbus ein würdiger Nachfolger des ersten Teils. Der Film knüpft nahtlos an die Stärken von "Harry Potter und der Stein der Weisen" an und erweitert die magische Welt von Hogwarts um ein noch spannenderes und düstereres Abenteuer. Dabei bleibt die Geschichte stets familienfreundlich und unterhaltsam, sodass Zuschauer jeden Alters auf ihre Kosten kommen.

Besonders beeindruckend ist erneut das fantastische Set-Design. Hogwarts wirkt größer, lebendiger und geheimnisvoller als zuvor. Die detailreichen Kulissen, die verwinkelten Gänge und die beeindruckenden Innenräume erschaffen eine glaubwürdige Zauberwelt, in die man sich sofort hineinversetzen kann. Gerade die geheimnisvolle Kammer des Schreckens sorgt für eine fesselnde Atmosphäre und verleiht dem Film zusätzliche Spannung.

Auch die Handlung überzeugt. Harry, Ron und Hermine stehen vor einem mysteriösen Rätsel, als Schüler versteinert aufgefunden werden und Gerüchte über ein gefährliches Monster die Runde machen. Die Geschichte verbindet gekonnt Fantasy, Abenteuer und Krimielemente. Dadurch entsteht ein Film, der von Anfang bis Ende spannend bleibt und immer wieder neue Überraschungen bereithält.

Ein weiteres Highlight ist die riesige Schlange, der Basilisk, die als bedrohlicher Gegner für packende Momente sorgt. Die Begegnungen mit dem Monster gehören zu den coolsten Szenen des Films und verleihen dem Finale die nötige Dramatik. Gleichzeitig bleibt der Film seinem magischen Grundton treu und verliert niemals den Zauber, der die Reihe auszeichnet.

Insgesamt ist "Harry Potter und die Kammer des Schreckens" ein zeitloser Fantasy-Abenteuerfilm für die ganze Familie. Chris Columbus beweist erneut sein Gespür für die magische Welt von J.K. Rowling. Mit seiner gelungenen Mischung aus Spannung, Atmosphäre, Humor und Fantasie erreicht der Film nahezu das Niveau seines Vorgängers und gehört für mich zu den stärksten Einträgen der gesamten Reihe.

Das 4K Bild, ist ähnlich wie bei m Erstling, lediglich eine kleine, aber feine Verbesserung in der Schärfe, den Kontrast und den Farben. Der Schwarzwert ist ebenfalls richtig satt und zaubert schöne kontrastreiche Bilder auf den Bildschirm. Allzu viel Steigerung darf man sich nicht erwarten, ein tolleres und insgesamt "runderes" Bild bekommt man aber dennoch geboten. Auch das Filmkorn des analog erstellten Films ist noch feiner aufgelöst erkennbar.

Der Ton ist solide, könnte aber noch einen Ticken öfter direktionaler daherkommen. 

Harry Potter und der Stein der Weisen (4K UHD)

Gestern mit den Kids wieder einmal den Ersten Teil der Potter Saga gesehen.
„Harry Potter und der Stein der Weisen“ ist der perfekte Grundstein für eine der größten Filmreihen aller Zeiten. Regisseur Chris Columbus ("Kevin allein zu Haus/ New York", Mrs. Doubtfire") beweist hier eindrucksvoll, dass er genau weiß, was er tut und erweckt J.K. Rowlings magische Vision mit viel Liebe zum Detail auf der Leinwand zum Leben.

Schon dieser erste Teil hat alle Zutaten, die ein episches Fantasy-Abenteuer braucht. Columbus wirft uns gemeinsam mit Harry in eine Welt voller Wunder und Gefahren, die von der ersten Minute an fasziniert. Die Bandbreite an magischen Elementen ist schier überwältigend: Wir erleben das rasante und packende Quidditch-Turnier, verstecken uns unter dem legendären Zauberumhang und staunen über unzählige, kreativ inszenierte Zaubersprüche.

Doch Hogwarts ist nicht nur ein Ort des Lernens, sondern auch der Geheimnisse. Die Geschichte geizt nicht mit düsteren Momenten und geschickten Intrigen. Auf dem Weg zur Wahrheit müssen sich Harry, Ron und Hermine einem riesigen, bedrohlichen Troll in der Mädchentoilette stellen und ein lebensgefährliches, monumentales Monsterschach überstehen. Auch die Dynamik zwischen den Charakteren stimmt von Anfang an – die humorvollen und emotionalen Reibereien untereinander sind das Salz in der Suppe.

Besonders stark ist das spannende Finale rund um Professor Quirrel, der sich letztendlich als klassischer Wolf im Schafspelz entpuppt und für einen dramatischen Plot-Twist sorgt.

Aus heutiger Sicht muss man zwar zugeben, dass einige visuelle Effekte nicht mehr so toll gealtert sind und das CGI an manchen Stellen etwas staubig wirkt. Dem unbestreitbaren Charme, der nostalgischen Atmosphäre und dem puren Sinn für Magie tut das jedoch keinen Abbruch.
Ein zeitloser Klassiker, der auch nach Jahren noch Jung und Alt verzaubert.

Das 4K Bild, ist ähnlich wie bei „Prestige“ (ebenfalls aus dem Hause Warner), lediglich eine kleine, aber feine Verbesserung in der Schärfe, den Kontrast und den Farben. Allzu viel Steigerung darf man sich nicht erwarten, ein tolleres Bild bekommt man aber dennoch geboten. Auch das Filmkorn des analog erstellten Films ist noch feiner aufgelöst erkennbar.

Der Ton ist solide, könnte aber noch einen Ticken öfter direktionaler daherkommen. Der Schwarzwert ist ebenfalls richtig satt und zaubert schöne kontrastreiche Bilder auf den Bildschirm. 

"Twins – Zwillinge" aus dem Jahr 1988 von Regisseur Ivan Reitman zeigt, dass gegensätzliche Pole sich nicht nur anziehen, sondern auch verdammt gut unterhalten können. Das Konzept, Arnold Schwarzenegger als genetisch perfektionierten, feinsinnigen Riesen Julius und Danny DeVito als seinen kriminell veranlagten, kleinwüchsigen Zwillingsbruder Vincent zu besetzen, ist bis heute ein genialer Geniestreich der 80er-Jahre-Komödie.

Der Film lässt sich recht deutlich in zwei Hälften unterteilen. Die erste Hälfte ist bekanntermaßen die witzigere. Hier zieht das Werk seinen Humor fast ausschließlich aus dem starken Kontrast der ungleichen Brüder. Julius, der weltfremde Gelehrte im Körper eines Bodybuilders, trifft auf den schlitzohrigen Kleinkriminellen Vincent. Die Situationskomik, das humorvolle Kennenlernen und Arnolds erste tapsige Schritte in der Zivilisation sorgen für die stärksten Lacher.

In der zweiten Hälfte schlägt der Film eine spürbare Richtungsänderung ein. Ein Roadtrip soll Klarheit über ihre gemeinsame Mutter bringen. Die zweite Hälfte wird trotz mehr Action deutlich emotionaler. Zwar geraten die Brüder ins Visier von Geldeintreibern, was für die nötige Dynamik sorgt, doch im Kern geht es nun um Familienbande, Akzeptanz und echte brüderliche Zuneigung. Das Zusammenspiel zwischen Schwarzenegger und DeVito gewinnt hier spürbar an Wärme.

Am Ende bleibt alles recht oberflächlich. Ivan Reitman verzichtet auf tiefschürfende Genetik-Debatten oder tiefgreifende Charakterstudien. Das Drehbuch bedient Klischees und steuert geradewegs auf ein vorhersehbares Hollywood-Happy-End zu. Doch genau das macht den Charme aus. "Twins" will nicht belehren, sondern Spaß machen. Es ist perfekte, leichte Kost für zwischendurch, die nostalgischen 80er-Jahre-Flair versprüht und dank des legendären Hauptdarsteller-Duos auch nach Jahrzehnten noch bestens funktioniert. Einfach ein Wohlfühlfilm. Nicht mehr und nicht weniger.

Das Bild ist leider sehr körnig und selten richtig scharf.

Der Ton ist ebenfalls maximal Durchschnitt.