Filmbewertungen von Ninjatune666

Es dauerte etwas, bis ich mich mit dem Film anfreunden konnte. Schließlich fand ich „Die nackte Kanone“ und „Die unglaubliche Reise in einem verrückten Flugzeug“ aus dem selben Hause „Zucker Abrahams Zucker“ (ZAZ), welche ich vorher sah, einfach witziger. Auch sind die Gesangseinlagen (von Val Kilmer selbst gesungen!) nicht so mein Ding, habe aber inzwischen meinen Frieden damit gemacht. Immerhin gibts immer wieder noch neue, coole Parodien auszumachen, welche mir noch gar nicht aufgefallen sind.

Visuelle Gags, Chaos, absurde Charaktere und übertriebener Slapstick- in „Top Secret!“ aus dem Jahr 1984 glänzt Kilmer als der ahnungslose, aber musikalisch talentierte Rockstar, der seine Tanzbewegungen und seine Gesangsfähigkeit zum Besten gibt. Die Nebendarsteller sind ebenso lustig, vor allem das gut durchmischte Widerstandsteam mit dem sich Rivers zusammenschließt. Aber auch die rückwärts gedrehte Szene mit Peter Cushing finde ich nach wie vor genial. Die Sets und Requisiten mögen zwar etwas billig aussehen, aber das ist alles Teil des Charmes, da der Film sich selbst nie zu ernst nimmt und genau weiß, was er zu sein versucht.

Wer wie ich Fan dieser von Parodiefilmen ist, wird hier viel finden, was ihm gefällt. Selten sinnvoll, aber trotzdem irgendwie einer einfachen Handlung folgend, sind die Witze das eigentliche Verkaufsargument. Ob es sich um einen Bahnhof auf Rädern oder ein aggressiv grooviges Lied über das Glätten von Teppichen handelt, die Gags sind rasant und meistens lustig. Der Höhepunkt ist vollgepackt mit einigen der lustigsten und absurdesten Slapsticks, die es gibt. Wie zu erwarten, landet nicht jeder Gag und auch die Geschichte selbst ist nicht gut genug um mit den anderen oben genannten Filmen mitzuhalten. Nichtsdestotrotz ist der Film immer noch ein verdammt guter Ableger für Fans des Genres.

Das 4K Bild im Vollbild Ansichtsformat weiß zu überzeugen. Hatte die alte Blu Ray lediglich einen soliden Transfer und wenig Schärfe macht die UHD hier vieles besser.
Es ist zwar keine erstklassige UHD, aber sie bietet ein angenehmes und filmisches Bild. Sie liefert echte Maserung, eine natürliche Textur und schöne Details im Gegensatz zu dem weichen, verarbeiteten und geglätteten Look des 1080p-Bildes. Man kann die viel höheren, schärferen und greifbareren realistischen Details auf dem Fernseher genießen. Besonders Gesichter und Kleidung, aber auch verschiedene Schriften kommen schön zur Geltung. Einige Materialien glänzen dank HDR/ Dolby Vision wirklich, wie ein Koffer voller Uhren, Lederjacken oder die Postkarten nach ca. 12 Minuten, ganz zu schweigen von der Wandstruktur hinter den Figuren. In Gesichtern und Kleidung ist die UHD der unscharf aussehenden Blu-ray weit überlegen.
Die Farben sind natürlich bis kraftvoll, drängen sich aber nie in den Vordergrund. Die Durchzeichnung ist sowohl bei hellen als auch in dunklen Bereichen sehr gut und bietet nebenbei einen satten Schwarzwert. Insgesamt wirkt die UHD heller und frischer.
Allerdings gibts hin und wieder, meist auf neutralen Flächen oder Nicks hellblauem Hemd, etwas Filmkorn Grieseln und Wuseln - oft kommt das aber nicht vor.

Der deutsche Dolby Digital 2.0 Ton ist in Ordnung und und leistet sich keine Fehler.

Die Extras sind lediglich auf der Blu Ray enthalten. An ein Wendecover ohne FSK12 Flatschen wurde gedacht. 

Mit "The End of Oak Street" liefert David Robert Mitchell, der bereits mit dem starken "It Follows" sein Gespür für Atmosphäre bewiesen hat, einen Film ab, der vor allem durch sein nostalgisches Flair überzeugt. Von der ersten Minute an gelingt es ihm, die Stimmung der 1980er Jahre einzufangen. Die bewusst leicht verschmutzte Bildqualität verleiht dem Werk einen authentischen analogen Look und sorgt für viel Retro-Charme.

Auch die Besetzung kann sich sehen lassen. Anne Hathaway und Ewan McGregor harmonieren hervorragend miteinander und verleihen ihren Figuren Glaubwürdigkeit und emotionale Tiefe. Besonders positiv fällt auf, dass auch die jungen Darsteller überzeugende Leistungen abliefern. Das Zusammenspiel zwischen den Erwachsenen und den Kindern funktioniert durchgehend gut und macht viele Szenen besonders glaubwürdig - immerhin nimmt man sich auch die Zeit, die Charaktere einzuführen.

Ein weiteres Highlight sind die Locations. Hier dachte ich wirklich öfters, ich sehe einen Film, der in den 80ern gedreht wurde. Hier passt in Punkto Ausstattung einfach alles. Die ruhige Vorstadtkulisse erzeugt eine angenehme Abenteuerstimmung, während die spektakulären Dinosaurier für Staunen sorgen. Einen riesigen Saurier zwischen den Häusern umherrennen zu sehen, gehört definitiv zu den unterhaltsamsten Momenten des Films. Auch die Effekte sind gelungen und wirken hochwertig, ohne sich zu sehr in den Vordergrund zu drängen.

Trotz aller Stärken bleibt nach dem Abspann ein leicht gemischter Eindruck zurück. Der Film weiß zwar zu unterhalten, erreicht aber nicht ganz das Niveau, das ich mir aufgrund der talentierten Beteiligten vielleicht erhofft hätte. Vor allem die Ausrichtung des Films wirkt stellenweise unentschlossen. Ist "The End of Oak Street" eine Komödie, ein Survival-Thriller oder doch eher ein klassischer Abenteuerfilm? Der Film versucht, von allem etwas zu sein, und verliert dadurch gelegentlich an Fokus.

Vermutlich wollte Mitchell möglichst viele Zuschauer ansprechen. Das gelingt ihm größtenteils, kostet den Film aber etwas von seiner Eigenständigkeit. Dennoch bleibt "The End of Oak Street" ein kurzweiliger, atmosphärischer Abenteuerfilm mit starken Darstellern, gelungenen Effekten und jeder Menge 80er-Jahre-Flair.

Nun zum UHD Bild. Die Schärfe bewegt sich auf einem guten Niveau und zeigt zahlreiche Details in Gesichtern, Kleidung sowie bei Flora und Fauna. Besonders in hellen Szenen wirkt das Bild angenehm präzise, ohne dabei den gewünschten analogen Charakter zu verlieren.

Farblich setzt der Film auf leicht entsättigte, erdige und warme Töne, die perfekt zur nostalgischen Atmosphäre passen. Dazu gesellt sich ein satter Schwarzwert, der vor allem in den vielen Abend- und Nachtszenen für eine überzeugende Tiefenwirkung sorgt.

Auch gibt es etwas (künstliches) Filmkorn. Dieses fällt durchgehend sichtbar aus und wird sogar von kleinsten Schmutzpartikeln begleitet, wodurch der Eindruck entsteht, einen gut erhaltenen 35-mm-Film aus den 1980er Jahren zu betrachten. Dieser Stil ist klar gewollt und dürfte insbesondere Retro-Fans gefallen.
In dunkleren Einstellungen zeigt sich allerdings auch eine kleine Schwäche. Hier lässt die Bildschärfe gelegentlich etwas nach, was vermutlich Teil des kreativen Konzepts ist. Die Detaildarstellung bleibt zwar ordentlich, erreicht jedoch nicht ganz das Niveau der helleren Szenen.

Die größte Stärke der UHD liegt jedoch in der Dolby-Vision-Abstimmung. Die erweiterten Kontraste verleihen dem Bild zusätzliche Tiefe, während Spitzlichter besonders eindrucksvoll zur Geltung kommen. Das warme Glühen eines brennenden Streichholzes, das Licht einer Taschenlampe oder andere Lichtquellen setzen sich hervorragend vom dunklen Hintergrund ab.
Insgesamt bietet "The End of Oak Street" eine sehr gelungene 4K-Präsentation, die weniger auf maximale Referenzschärfe als auf Stil, Atmosphäre und authentisches 80er-Jahre-Kinofeeling setzt.

Die deutsche Dolby-Digital-5.1-Tonspur ist insgesamt ordentlich und erfüllt ihren Zweck. Die Dialoge bleiben während des gesamten Films klar verständlich und kommen sauber aus dem Center-Lautsprecher eingebunden.
Die Effekte nutzen das vorhandene Surroundfeld sinnvoll aus und sorgen immer wieder für eine ansprechende Räumlichkeit. Vor allem die Dinosaurierbewegungen, Umgebungsgeräusche und kleinere Schreckmomente profitieren von einer dynamischen Abmischung. Auch der Subwoofer wird regelmäßig mit einbezogen und verleiht einzelnen Effekten sowie den Actionszenen den nötigen Wumms..
Trotz der gelungenen Dynamik bleibt insgesamt noch etwas Luft nach oben. Gerade in besonders spektakulären Szenen hätte der Ton noch aggressiver ausfallen dürfen. So bleibt der Mix stets angenehm und ausgewogen, erreicht aber keine echte Referenzklasse.

Beim dürftigen Bonusmaterial ist lediglich das 19minütige Making-of interessant. 

Beverly Hills Cop 2 (4K UHD) (Dolby Vision)

Axel Foley kehrt nach Beverly Hills zurück, um Taggart und Rosewood bei der Untersuchung von Chief Bogomils Beinahe-Todesschüssen und der damit verbundenen Reihe von "Alphabetverbrechen" zu unterstützen.

3 Jahre nach Teil 1 nahm nun Tony Scott (Tage des Donners, True Romance, Unstoppable,…) am Regiestuhl platz und legte überall noch eine kleine Schippe drauf. Es gab etwas mehr Action, mehr und vor allem rasantere Sprüche von Eddie Murphy, mehr Humor und Last but not lesast, ein schnelleres Pacing, da die Charaktere nicht mehr eingeführt werden müssen.
Brigitte Nielsen und Jürgen Prochnow geben ein tolles Bösewicht-Paar ab.
Mir gefällt Teil 2 genauso gut wie auch Teil 1 und er hat mich auch gestern, fast 40 Jahre nach Erscheinen, immer noch sehr gut unterhalten.

Das 4K Bild ist zuerst eines: ziemlich ernüchternd. Vor allem wenn man Tage zuvor erst das geniale 4K Bild von „In the Line of Fire“ bestaunen durfte. Richtiges 4K Feeling kommt nur ganz selten auf, nicht ein mal grelle Spitzlichter gibt es zu sehen- und das trotz Dolby Vision. Feinstes Filmkorn lässt sich ständig erkennen. Auch die Farben sind recht warm und erdig gehalten, passen aber gut zum Beverly Hills Setting. Klar, eine Steigerung zur durchschnittlichen Blu Ray ist die UHD allemal, aber richtig begeistern konnte mich die Disc nun nicht wirklich- trotz Datenraten von bis zu 90 Mbit/S.
Wer Teil 1 auf ner 4K UHD gesehen hat, weiß, was ihn bei Teil 2 erwartet. Nicht schlecht aber auch nicht herausragend.

Genau so auch der dt. 2.0 Stereo Ton, den ich mit meinem Denon AV zumindest auf Surround Sound aufblasen konnte, damit man das eingängige Axel F. Theme auch wirklich gut hören kann. 

Mit Casino schuf Martin Scorsese einen der eindrucksvollsten Gangsterfilme der 1990er-Jahre. Der Film erzählt von Habgier, Geld, Macht und Betrug in der schillernden Welt der Casinos von Las Vegas. Dabei wirft er einen interessanten Blick hinter die glänzende Fassade des Glücksspielgeschäfts und zeigt, wie eng Erfolg und Untergang miteinander verbunden sein können.

Im Mittelpunkt steht Sam „Ace“ Rothstein, gespielt von Robert De Niro, der ein Kasino im Auftrag der Mafia leitet. An seiner Seite sorgt Joe Pesci als unberechenbarer Nicky Santoro für Chaos und Gewalt. Komplettiert wird das Trio durch Sharon Stone als Ginger McKenna, deren selbstzerstörerisches Verhalten die Ereignisse zunehmend außer Kontrolle geraten lässt.

Was diesen Film so besonders macht, sind die herausragenden schauspielerischen Leistungen. De Niro, Pesci und Stone liefern nicht einfach nur gute Darstellungen ab, sie verkörpern ihre Figuren mit einer solchen Überzeugungskraft, dass man ihnen jede Szene jederzeit abkauft. Besonders Sharon Stone beeindruckt mit einer leidenschaftlichen und tragischen Performance, die zu den Höhepunkten ihrer Karriere zählt.

Trotz seiner Laufzeit von knapp drei Stunden vergeht "Casino" erstaunlich schnell. Das liegt vor allem an Scorseses dynamischer Inszenierung. Der Schnitt ist hervorragend, die Kameraarbeit beeindruckend und die Erzählweise stets packend. Jede Einstellung wirkt durchdacht und trägt zur Atmosphäre des Films bei.

Zusätzlich sorgt der großartige Soundtrack mit zahlreichen Songs aus den 1960er- und 1970er-Jahren für den perfekten musikalischen Rahmen. Die Musik unterstreicht die Geschichte hervorragend und verstärkt das Gefühl, mitten in dieser glitzernden, aber gefährlichen Welt zu sein.

"Casino" ist weit mehr als ein klassischer Mafiafilm. Er ist ein mitreißendes Epos über Gier, Macht und den unausweichlichen Fall derjenigen, die niemals genug bekommen können. Dank großartiger Darsteller, meisterhafter Regie und technischer Perfektion ist er ein starkes Stück Film. 

Mit "Ghostbusters" (2016) wurde ein echter Kultklassiker der 80er Jahre neu aufgelegt. Das sorgte damals zwar für viele Diskussionen, doch im Gegensatz zu anderen eher misslungenen Neuinterpretationen wie "Ocean's 8" funktioniert dieses Reboot insgesamt überraschend gut. Der Film schafft es, die bekannte Geschichte in einem frischen Gewand zu erzählen, ohne dabei den Geist der Originale völlig zu verlieren.

Natürlich erreicht die Neuauflage nicht die Genialität, den Charme und den legendären Humor der ersten beiden Ghostbusters-Filme. Bill Murray, Dan Aykroyd und Harold Ramis haben mit den Originalen Filmgeschichte geschrieben, und dieser besondere Zauber lässt sich nur schwer wiederholen. Dennoch bringen Melissa McCarthy, Kristen Wiig, Kate McKinnon und Leslie Jones viel Energie und Spielfreude in ihre Rollen. Vor allem Kate McKinnon stiehlt mit ihrem schrägen Humor und ihren verrückten Einfällen oftmals die Show.

Ein großer Pluspunkt des Films ist der umfangreiche Fanservice. Die zahlreichen Gastauftritte vieler bekannter Darsteller aus den Originalfilmen sorgen für einige schöne Überraschungen und nostalgische Momente. Für langjährige Fans sind diese kleinen Anspielungen und Cameos ein echtes Highlight. Dazu kommt eine moderne Optik mit beeindruckenden Spezialeffekten, die besonders die Geister und Action-Szenen spektakulär in Szene setzt.

Nicht alles gelingt jedoch perfekt. Vor allem im späteren Mittelteil zieht sich die Handlung etwas in die Länge, wodurch das Tempo zeitweise nachlässt. Außerdem kann man dem Film durchaus vorwerfen, dass er nur wenige wirklich neue Ideen präsentiert und sich stark an bekannten Mustern orientiert.

Trotzdem verdient "Ghostbusters" (2016) Anerkennung für den Mut, die Reihe neu zu interpretieren und einem neuen Publikum zugänglich zu machen. Ob ein Reboot überhaupt notwendig war, darüber kann man streiten. Als unterhaltsame, humorvolle Geisterjagd mit sympathischen Figuren, viel Nostalgie und einigen gelungenen Gags macht der Film aber definitiv Spaß und ist besser, als sein Ruf vermuten lässt.

Das Bild der UHD ist Sony typisch sehr gut. Satte knallige Farben, ein tiefer Schwarzwert, unzählige Details und tolle HDR-Kontrastspitzen ergeben in Summe eine Top-UHD.

Auch wenn auf der UHD lediglich ein DD 5.1(anstelle eines DTS-HD MA 5.1 Tons auf der Blu-Ray) enthalten ist, wirkt alles sehr sauber und dynamisch. 

"Kindsköpfe" aus dem Jahr 2010 ist kein komplizierter Film, sondern eine einfache und unterhaltsame Komödie, die vor allem durch ihre sympathischen Figuren lebt. Die Handlung ist bewusst simpel gestrickt. Fünf ehemalige Freunde treffen sich nach vielen Jahren wieder und verbringen gemeinsam mit ihren Familien ein Wochenende am See. That´s it. Dabei entstehen zahlreiche lustige Situationen, die für gute Stimmung sorgen.

Die größte Stärke des Films ist die Chemie zwischen den Hauptdarstellern. Adam Sandler, Kevin James, Chris Rock, David Spade und Rob Schneider wirken, als würden sie nicht nur vor der Kamera befreundet sein. Tatsächlich sind viele von ihnen auch im echten Leben Kumpels, was man ihren gemeinsamen Szenen deutlich anmerkt. Die lockeren Gespräche, die ständigen Neckereien und das natürliche Zusammenspiel sorgen dafür, dass der Film trotz seiner einfachen Geschichte sehr angenehm wirkt.

Besonders positiv fällt auf, dass jeder der Comedians etwas Eigenes zum Film beiträgt. Kevin James punktet mit seiner liebenswerten Art, Chris Rock mit trockenem Humor, David Spade mit seinen bissigen Kommentaren und Rob Schneider mit seiner etwas verrückten Persönlichkeit. Dadurch entsteht eine abwechslungsreiche Mischung, bei der jeder Zuschauer seinen Favoriten finden kann.

Für mich bleibt allerdings Salma Hayek der einzige Fremdkörper im Film. Während die übrigen Darsteller harmonisch zusammenwirken und eine glaubwürdige Freundesgruppe bilden, wirkt sie etwas fehl am Platz und integriert sich für mein Empfinden nicht so natürlich in die Gruppe.

Insgesamt ist Kindsköpfe eine unkomplizierte Wohlfühlkomödie, die von Freundschaft, guter Laune und einem hervorragend eingespielten Ensemble lebt.

Bild und Ton sind Sony-typisch top. Natürliche, warme Farben, Vollbild, Unmengen an Details zu entdecken, ordentlicher Schwarzwert.
Auch beim Ton: saubere Dialoge, cooler Soundtrack und wenn nötig, nette Effekte von den hinteren Kanälen. 

Der „Minecraft-Film“ ist bunt, laut und vor allem eines: unerwartet unterhaltsam. Wer hier ein tiefgründiges Meisterwerk erwartet, ist im falschen Kino. Doch wer bereit ist, den Kopf komplett auszuschalten und das chaotische Abenteuer keine Sekunde ernst zu nehmen, wird mit einem herrlich überdrehten Popcorn-Film belohnt.

Die Story ist zwar so flach wie eine flache Minecraft-Welt, aber das macht überhaupt nichts. Der Film lebt voll und ganz von seiner absurden Energie und dem visuellen Block-Look, der überraschend gut funktioniert.

Das absolute Highlight des Films ist das ungleiche Starduo: Jason Momoa und Jack Black rocken absolut jede ihrer gemeinsamen Szenen. Die beiden nehmen sich selbst nicht im Geringsten ernst und spielen ihre Rollen übertrieben voll auf Anschlag. Jack Black bringt seinen typischen, genialen Humor mit, während Momoa mit sichtbarem Spaß am Trash-Faktor durch die pixelige Welt poltert. Ihre Chemie rettet selbst die flachsten Gags und reißt den Zuschauer mitten hinein in dieses bunte Pixelfieber.

Auch der rockige Soundtrack hat mir gefallen.

Am Ende bleibt ein wilder, extrem chaotischer Ritt durch die Klötzchenwelt, der vor allem durch sein rasantes Tempo punktet. Ein cineastischer Meilenstein ist es sicher nicht, und einmal schauen reicht vollkommen aus, um den Durst nach alberner Action zu stillen. Für einen lustigen Abend mit Freunden oder der Familie ist dieser charmante Quatsch aber genau das Richtige. Filmmodus an, Hirn aus und einfach Spaß haben!

Bild und Ton sind wie erwartet sehr gut und wie von einem Film aus 2025 zu erwarten. Die Schärfe passt, die Farben sind gut saturiert und der Schwarzwert passt. Lediglich der Kontrast kam mir zu steil bzw. zu hell vor - vermutlich ist das aber auch gewollt.

Der Ton bietet klare Dialoge, Dynamik und nette Surroundeffekte.

Extras sind ebenfalls ein paar dabei. 

Mit "Evil Dead Burn" aus dem Jahr 2026 liefert Regisseur Sebastian Vanicek einen weiteren blutgetränkten Beitrag zum legendären Evil Dead-Franchise ab. Der Film startet dabei überraschend zurückhaltend und setzt zunächst stärker auf Drama als auf Horror. Die Figuren und ihre zwischenmenschlichen Konflikte stehen im Mittelpunkt, was grundsätzlich eine interessante Idee ist. Allerdings erweist sich der Großteil des Casts als ziemlich unsympathisch, wodurch es schwerfällt, eine emotionale Bindung zu den Charakteren aufzubauen. Einige Rollen wirken zudem fehlbesetzt und können ihre Figuren nicht überzeugend tragen.

Zum Glück gewinnt der Film etwa ab der Hälfte deutlich an Fahrt. Sobald die dämonischen Kräfte bzw. die Deadite endgültig entfesselt werden, zieht die Spannung merklich an. Von diesem Moment an verwandelt sich "Evil Dead Burn" in einen wahren Albtraum und entfaltet einen Terror, der kaum noch nachlässt. Die Atmosphäre wird zunehmend bedrückender, während das Chaos im Haus eskaliert und die Protagonisten ums nackte Überleben kämpfen.

Besonders Fans kompromissloser Horrorfilme kommen hier voll auf ihre Kosten. Der Film ist durchgehend gewalttätig inszeniert und kennt kaum Verschnaufpausen. Praktisch durch das gesamte Haus wird geprügelt, gestochen, zersägt und geschnetzelt. Die Gore-Effekte gehören dabei zu den größten Stärken des Films. Zahlreiche Szenen sind herrlich saftig, eklig und erschreckend kreativ umgesetzt. Wer explizite Splattereinlagen liebt, bekommt hier genau das geliefert, was er erwartet.
Das Finale setzt dem Ganzen schließlich die Krone auf. Die letzte halbe Stunde steigert sich kontinuierlich und mündet in einen spektakulären Showdown, der visuell beeindruckt und mit einigen starken Horrorbildern im Gedächtnis bleibt.

Trotz aller Qualitäten ist "Evil Dead Burn" jedoch nicht frei von Schwächen. Mehrere Logikfehler (wieso sieht das Anwesen so schnell so heruntergekommen aus? Wieso ruft nicht jemand die Polizei? Wieso agieren manche Personen so dumm und fehlerhaft?) reißen immer wieder aus der Handlung heraus, und manche Castingentscheidungen (wer bitte hat beim Casting die Mutter ausgesucht?) wirken schlicht unglücklich. Dadurch wird der Gesamteindruck etwas geschmälert.

Unterm Strich ist "Evil Dead Burn" ein extrem brutaler, unterhaltsamer und kompromissloser Horrortrip, dessen starke zweite Hälfte die anfänglichen Probleme weitgehend wettmacht. Dennoch ist er für mich der schwächste Teil des grandiosen Franchise, der über Mittelmaß nicht hinauskommt.

Bild und Ton sind dafür sehr gut.
Man erkennt auch in den vielen dunklen Passagen noch viele Details und auch die Schärfe passt.
Der Ton ist schön brachial und effektgeladen. So muss das sein.

Beim Bonusmaterial hat man aber etwas gespart. 

„Masters of the Universe“ (2026) ist ein Film, der stark von seinem Nostalgiebonus lebt. Für Fans der 80er-Jahre-Reihe gibt es durchaus charmante Momente, die an die alten Spielzeuge und Cartoons erinnern. Am allerliebsten hatte ich aber die Hörspiele, die heutzutage immer noch sehr hochwertig sind. Dennoch bleibt das Werk insgesamt hinter den Erwartungen zurück und wirkt mit einer Laufzeit von über 140 Minuten etwas zu lang geraten.

Besonders bei den Spezialeffekten hapert es. Neben passablen, handgemachten Designs gibt es leider auch viele schlechte Effekte, die einfach schlecht (beleuchtet) sind oder billig wirken. Der Mix aus Fantasy und Komödie ist durchaus solide, verfehlt aber zu oft den richtigen Ton. Hier funktionierte „Dungeons and Dragons - Ehre unter Dieben“ viel besser.
Fans dürften sich besonders an den Darstellungen von Evil-Lynn und Skeletor stören, die in dieser Version oft unpassend wirken. Also ich fand beide schlecht.

Insgesamt ist der Film eine durchwachsene Erfahrung - eventuell hätte etwas Feinschliff mehr herausgeholt. Für eingefleischte Nostalgiker ist er zwar ganz nett, aber für eine unterhaltsame Fantasy-Sichtung reichts als Gesamtpaket nicht aus. Eine einmalige Sichtung genügt völlig, um den Hauch der Vergangenheit zu spüren und in ein neues Eternia eintauchen. 

Shaun Brumder lebt in Orange County und hat wie die meisten seiner Altersgenossen zunächst nur das Surfen im Sinn. Doch dann ändert sich sein Ziel. Am Strand findet er ein Buch des Stanford-Professors Marcus Skinner (Kevin Kline) und beschließt - ausgehend von seiner Leseerfahrung -, Schriftsteller zu werden. Das Surfbrett kommt in den Schrank, ab sofort wird sich auf die Zugangsprüfung vorbereitet.
Da Shaun literarisches Talent hat, schafft er sie tatsächlich. Aber sein Antrag wird verwechselt, er bekommt eine Absage. Zusammen mit seinem Bruder (Jack Black) macht er sich in einem wahnwitzigen Road-Trip nach Nordkalifornien auf, um die Angelegenheit zu klären und endlich das Schreiben anzufangen...

Ich bin erst spät auf diese starke Komödie aus dem Jahr 2002 drauf gekommen. Tom Hanks Sohn Colin spielt den Schüler, der dieses Missverständnis bei der Neuen Uni aufklären möchte, und dazu auch noch seinen dauerbekifften, tollpatschigen großen Bruder (Jack Black) mitnehmen muss. Jack Black spielt hier wirklich großartig und total witzig dieses Ekelpaket.
Der Film sprüht geradezu über vor guter Laune obwohl er auch dezent ins Drama rutscht- dennoch bekommen wir hier eine waschechte Komödie mit vielen lustigen Szenen, Gastauftritten von Chevy Chase, Harold Ramis und Kevin Kline zu sehen und auch sonst wimmelt es von bekannten Gesichtern.

Toll auch der Soundtrack, der ähnlich wie die American Pie Reihe, viele bekannte Punk-Rock Songs von Offspring, Cake oder Crazy Town aufwartet.

Schade dass diese wirklich empfehlenswerte Komödie so unter dem Radar lief und vielleicht nicht diese Aufmerksamkeit bekam, die sie definitiv verdient hat.
Eine leichte Feelgood Komödie zum Immerwiederschauen. 

Manche Filme nehmen eine bekannte Idee und verleihen ihr einen frischen, überraschenden Anstrich. Genau das gelingt "Happy Death Day" aus dem Jahr 2017 mit dem beliebten „Täglich grüßt das Murmeltier“-Prinzip. Der Film verbindet Zeitschleifen, Mystery und Slasher-Elemente zu einem kurzweiligen Filmvergnügen, das von Anfang bis Ende bestens unterhält.

Im Mittelpunkt steht Tree Gelbman, die immer wieder denselben Tag erlebt und dabei jedes Mal auf unterschiedliche Weise ermordet wird. Erst wenn sie das Rätsel um ihren Killer löst, kann sie dem endlosen Kreislauf entkommen. Was zunächst nach einer simplen Horror-Prämisse klingt, entwickelt sich schnell zu einer cleveren Mischung aus Spannung, Humor und Charakterentwicklung.

Der größte Trumpf des Films ist ohne Zweifel Jessica Rothe. Als coole Tree trägt sie den gesamten Film nahezu im Alleingang und verleiht ihrer Figur weit mehr Tiefe, als man zunächst erwarten würde. Anfangs selbstverliebt und arrogant, wird sie mit jeder neuen Schleife sympathischer. Rothe spielt diese Entwicklung mit einer solchen Natürlichkeit und Ausstrahlung, dass man Tree einfach mögen muss und mit ihr mitfiebert.

Auch handwerklich macht "Happy Death Day" vieles richtig. Regisseur Christopher Landon ("Drop - Tödliches Date") inszeniert die zahlreichen Wiederholungen abwechslungsreich und ideenreich, sodass niemals Langeweile aufkommt. Immer wieder sorgen neue Hinweise, überraschende Wendungen und geschickt platzierte Twists dafür, dass die Spannung erhalten bleibt. Besonders gelungen ist dabei, wie der Film immer wieder aufs Neue mit den Erwartungen der Zuschauer spielt.

Trotz seiner Horror-Wurzeln bleibt der Film angenehm unblutig und setzt stärker auf Atmosphäre, Humor und Mystery als auf Schockeffekte. Dadurch spricht er auch Zuschauer an, die klassischen Slasherfilmen eher skeptisch gegenüberstehen.

Hinzu kommt eine knackige Laufzeit von rund 90 Minuten. Der Film verschwendet keine Zeit mit unnötigen Nebenhandlungen und kennt praktisch keinen Leerlauf.
"Happy Death Day" ist damit ein enorm unterhaltsamer, clever geschriebener und sympathisch gespielter Mystery-Spaß, der bekannte Zutaten gekonnt neu kombiniert und bis zur letzten Minute bestens unterhält.

Das Bild zeigt natürliche Farben ohne hässliche Filter, hat eine recht gute Schärfe, viele Details und einen ordentlichen Schwarzwert, welcher nichts in dunklen Szenen verschluckt.

Auch der Ton macht Spaß. Die wenigen Actionszenen bieten eine gute Dynamik, nette Surroundeffekte ziehen den Zuschauer mitten ins Geschehen und auch die Dialoge kommen immer glasklar aus dem Center-Lautsprecher.

Als Bonusmaterial gibt´s einige ganz kurze Extras. 

Mit "Stark - The Dark Half" verfilmte Regielegende George Romero 1993 einen Roman von Stephen King und liefert dabei einen stimmungsvollen Mystery-Horrorfilm ab, der vor allem von seiner düsteren Atmosphäre lebt. Im Mittelpunkt steht der Schriftsteller Thad Beaumont, dessen einst erfundenes Pseudonym George Stark plötzlich ein unheimliches Eigenleben entwickelt. Aus der literarischen Figur wird ein mörderisches Alter Ego, das seinen Schöpfer terrorisiert und eine blutige Spur hinterlässt.

Wer Stephen Kings spätere Geschichte "Das geheime Fenster" kennt, wird recht schnell erkennen, worauf die Handlung hinausläuft. Das Thema des bösen Doppelgängers und der gespaltenen Persönlichkeit weist einige Parallelen auf. Dennoch besitzt "Stark - The Dark Half" genügend Eigenständigkeit, um als eigenständiger Horror-Thriller zu funktionieren.

Besonders gelungen ist die Inszenierung von George Romero. Zwar erreicht der Film nie die Intensität seiner berühmtesten Werke, doch die Atmosphäre stimmt von Anfang an. Neblige Landschaften, nächtliche Schauplätze und ein stetig wachsendes Gefühl des Unbehagens verleihen dem Film einen typisch düsteren 90er-Jahre-Charme. Gleichzeitig erinnert die Produktion optisch oft eher an einen hochwertigen Mystery-Fernsehfilm als an großes Kino. Das muss nicht negativ sein, sorgt aber dafür, dass manche Szenen etwas "einfacher" wirken.

Timothy Hutton überzeugt in der Doppelrolle als Thad Beaumont und George Stark. Vor allem als skrupelloser Stark entwickelt er eine bedrohliche Präsenz und trägt den Film über weite Strecken.

Problematisch ist allerdings das Erzähltempo. Das Katz-und-Maus-Spiel zwischen Held und Bösewicht zieht sich immer wieder in die Länge. Manche Szenen wiederholen bekannte Informationen oder bremsen die Spannung unnötig aus. Dadurch machen sich die rund zwei Stunden Laufzeit deutlich bemerkbar. Straffer erzählt hätte der Film vermutlich noch besser funktioniert.

Das Finale entschädigt zwar mit einigen starken Bildern und einer passenden Auflösung, insgesamt bleibt jedoch der Eindruck, dass der Weg dorthin etwas zu lang geraten ist. Trotzdem ist "Stark - The Dark Half" ein atmosphärischer Stephen-King-Horrorfilm mit interessanter Story und gelungenem 90er-Jahre-Flair.

Das Bild ist ordentlich und bietet natürliche Farben. Der Schwarzwert könnte etwas satter ausfallen, bleibt aber noch im Rahmen.

Der Ton ist leider nur als 2.0 Stereospur vorhanden und dementsprechend unspektakulär. 

Mit "Pompeii" lieferte Regisseur Paul W. S. Anderson 2014 einen soliden Katastrophenfilm ab, der klassische Sandalenfilm-Elemente mit einer großen Naturkatastrophe verbindet. Das Ergebnis ist durchaus unterhaltsam, auch wenn der Film sein Potenzial nicht vollständig ausschöpft.

Im Mittelpunkt steht Milo, gespielt von Kit Harington. Der spätere "Game of Thrones"-Star überzeugt vor allem durch seine körperliche Präsenz. Als schweigsamer Gladiator nimmt man ihm die kämpferische Rolle jederzeit ab. Schauspielerisch bleibt die Figur zwar recht eindimensional, doch Harington macht seine Sache insgesamt ordentlich und trägt den Film über weite Strecken.

Weniger gelungen wirkt dagegen Kiefer Sutherland als römischer Senator Corvus. Seine Darstellung fühlt sich oft wie ein Fremdkörper an und passt nicht immer zum restlichen Ton des Films. Während die übrigen Darsteller versuchen, die Geschichte halbwegs ernsthaft zu transportieren, wirkt Sutherland, so gern ich ihn mag, stellenweise, als wäre er in einem anderen Film unterwegs.

Interessant ist die Struktur des Films, der im Grunde aus drei miteinander verbundenen Handlungssträngen besteht. Da ist zum einen die Gladiatorengeschichte rund um Milo, zum anderen die Romanze zwischen ihm und Cassia. Beide Elemente nehmen einen Großteil der Laufzeit ein und funktionieren zwar vorhersehbar, aber ausreichend gut. Erst im letzten Drittel rückt dann das eigentliche Highlight in den Vordergrund: der Ausbruch des Vesuvs.

Gerade hier kann "Pompeii" seine größten Stärken ausspielen. Die Effekte sind überraschend gut gealtert und sehen auch heute noch beeindruckend aus. Die Zerstörung der Stadt wird spektakulär inszeniert und sorgt für die spannendsten Momente des Films. Man merkt, dass hier ein großer Teil des Budgets investiert wurde.

Letztlich ist "Pompeii" kein besonderer Genre-Meilenstein, aber ein durchaus ordentlicher Unterhaltungsfilm für Genrefans. Gute Action, solide Effekte und ein überzeugender Kit Harington sorgen für kurzweilige Unterhaltung. Mit stärkeren Figuren und einer besseren Balance der Handlung wäre deutlich mehr möglich gewesen. So bleibt ein ordentlicher Film mit Luft nach oben.

Das Bild ist ordentlich bis gut. Farben kommen gut saturiert daher, in den CGI Szenen etwas heller und blasser und auch der Schwarzwert geht in Ordnung - auch wenn manche Szene etwas zu dunkel wurde und Details absaufen.

Der deutsche DTS-HD HR 5.1 bietet nette Surroundeffekte, klang mir aber etwas zu blechern aus dem Center. Vor allem Kiefer Sutherlands Synchronstimme wirkte kraftlos und nicht präzise.
Immerhin geht im letzten Drittel die Post ab und auch der Subwoofer darf immer wieder mitmischen.

Leider hängte sich bei mir die Disc aus dem Hause Constantin zwei mal bei Kapitel 14 auf, obwohl die Scheibe keinerlei Kratzer oder Flecken aufwies. Mit Müh und Not konnte ich den Film dann beenden... 

Ich bin großer Fan beider Animationsfilme, kenne aber die Schwächen der letzten Disney Live Action-Filme, daher ging ich mit ganz wenig Erwartung an den Film heran.
Mit dem 1:1-Live-Action-Remake von „Vaiana“ liefert Disney einen Film ab, der handwerklich durchaus solide funktioniert, dessen Existenzberechtigung aber fragwürdig bleibt. das meiste sieht teuer aus, die bekannten Songs sitzen an den richtigen Stellen und die Geschichte bleibt weitgehend unangetastet. Doch gerade darin liegt das Problem: Das Original hatte bereits alles, was diesen Stoff besonders machte.

Wo der Animationsfilm mit Witz, Esprit und jeder Menge Charme glänzte, wirkt die Neuauflage erstaunlich glatt und vorhersehbar. Viele Szenen werden nahezu identisch nachgestellt, ohne dass neue Ideen oder spannende kreative Ansätze hinzukommen. Statt einer frischen Interpretation bekommt man vor allem eine Kopie in Realfilmoptik... und das kann schnell ermüdend werden.

Besonders enttäuschend fällt die Besetzung von Maui aus. Auf dem Papier scheint Dwayne „The Rock“ Johnson die perfekte Wahl zu sein, schließlich lieh er der Figur bereits im Original seine Stimme. Vor der Kamera zeigt sich jedoch, dass die Rolle körperlich und optisch nicht mehr ganz zu ihm passt. Die Perücke wirkt stellenweise billig und künstlich und auch sonst ist er nun sichtlich zu alt für gewisse Rollen, wodurch die Illusion des Halbgottes immer wieder bricht. Statt Maui zu verkörpern, sieht man oft einfach The Rock in einem Kostüm.

Auch in einem anderen Punkt hinterlässt Disney einen zwiespältigen Eindruck. Ein Konzern, der sich gerne mit Vielfalt und Repräsentation schmückt, wirkt hier überraschend zurückhaltend. Wer von Disney konsequent gelebte Diversität erwartet, könnte sich fragen, warum diese bei manchen Projekten besonders betont wird, während sie bei anderen deutlich weniger sichtbar erscheint.

Am Ende ist „Vaiana“ (2026) kein schlechter Film. Er unterhält, sieht ordentlich aus und wird junge Zuschauer kaum verärgern... obwohl meine Kids gar kein Interesse am Live-Action Film zeigten. Gleichzeitig fehlt ihm jedoch der Zauber, die Leichtigkeit und der unverwechselbare Charme des Animationsklassikers. Ein solides Remake also, aber eines, das niemand wirklich gebraucht hätte.

Bild und Ton sind wieder Top. Den Lautstärkepegel sollte man wie üblich etwas anheben, um auch wirklich alles zu verstehen und etwas Dynamik ins Spiel zu bringen. 

„Hachiko – Eine wunderbare Freundschaft“ mit Richard Gere ist ein zutiefst bewegendes Meisterwerk, das auf einer wahren Geschichte basiert und die universelle Kraft bedingungsloser Loyalität feiert.

Der Film erzählt die berührende Geschichte des Akita Inus Hachiko, der jeden Tag am Bahnhof auf sein Herrchen, den Universitätsprofessor Parker Wilson (gespielt von einem wunderbar empathischen Richard Gere), wartet – und (Vorsicht: SPOILER!) das selbst dann noch jahrelang fortsetzt, als dieser völlig unerwartet verstirbt.

Der Film entfaltet eine bittersüße Atmosphäre, die den Zuschauer von der ersten Minute an in ihren Bann zieht. Regisseur Lasse Hallström verzichtet auf laute Spezialeffekte und setzt stattdessen auf eine leise, warmherzige Erzählweise. Die tiefe Verbindung zwischen Mensch und Tier wird so authentisch und feinfühlig dargestellt, dass man die tiefe Seelenverwandtschaft zwischen Parker und Hachiko förmlich spüren kann.

Ein absolutes Highlight des Films ist der wunderschöne, melancholische Piano-Score von Jan A.P. Kaczmarek. Die sanften Klavierklänge untermalen die Bilder perfekt, fangen die Sehnsucht und die Einsamkeit des treuen Hundes ein und verstärken so die emotionale Tiefe der Geschichte, natürlich mit eine kleinen Prise Kitsch, aber die verzeiht man hier gerne. Der Score trägt dazu bei, dass der Film zu einem unvergesslichen Erlebnis wird.

Am Ende ist „Hachiko“ vor allem eines: unfassbar traurig, aber gleichzeitig wunderschön. Der Film führt uns vor Augen, was echte Treue bedeutet, und bricht dem Zuschauer auf die sanfteste Weise das Herz. Taschentücher bereithalten!!

„Hachiko?? ? hinterlässt einen bleibenden Eindruck und erinnert uns daran, wie wertvoll die Bindung zu unseren Haustieren ist. Ein zeitloser Klassiker, der zu Tränen rührt und den man so schnell nicht vergisst. 

Der blinde Kriegsveteran Norman Nordstrom ist zurück. Fünf Jahre nach den tödlichen Ereignissen des ersten Teils lebt er isoliert in einer abgelegenen Hütte und zieht ein junges Mädchen groß, das er als seine Tochter adoptiert hat. Doch die vermeintliche Idylle zerbricht, als eine Gruppe brutaler Krimineller das Mädchen entführt. Sie haben die Rechnung jedoch ohne den blinden Rächer gemacht.

Stephen Lang spielt seine Paraderolle erneut hervorragend. Seine physische Präsenz ist enorm, und er verleiht dem mörderischen Veteranen eine faszinierende, düstere Tiefe. Das Setting ist gewohnt atmosphärisch: Die heruntergekommenen Häuser und die ständige Dunkelheit erzeugen von der ersten Minute an eine bedrohliche, packende Stimmung.

In Sachen Brutalität legt die Fortsetzung noch eine Schippe drauf. Die Gewaltspitzen sind deutlich deftiger und fieser als im Vorgänger. Norman geht bei der Jagd auf die Eindringlinge mit kompromissloser Härte vor, was zu einigen starken Schockmomenten führt. Auch dramaturgisch bleibt sich die Reihe treu: Die Story verläuft ähnlich wie im ersten Teil und wartet im letzten Drittel mit einem fiesen Twist auf, der die moralischen Grenzen der Charaktere komplett verschiebt.

Trotz dieser Stärken zieht die Fortsetzung im direkten Vergleich den Kürzeren gegen Teil 1. Der geniale Vorgänger lebte von dem ultimativen Nervenkitzel, dass harmlose Einbrecher unfreiwillig zum Opfer wurden. Dieses Mal wechselt Norman eher in die Rolle des Antihelden, was dem Film die pure Urangst des Erstlings raubt.

„Don’t Breathe 2“ erreicht zwar leider nicht mehr das Niveau des genialen Vorgängers, bietet aber dennoch klasse Unterhaltung. Wer auf der Suche nach einem spannenden, kompromisslosen Thriller mit brutaler Action ist, wird hier bestens bedient.

Das 4K UHD-Bild ist jetzt auch nicht gerade herausragend, da der Film auch wieder zu 3/4 im Dunkeln spielt und die Durchzeichnung nicht die beste ist. Von HDR und Spitzlichter-Effekten kann auch keine Rede sein. Klar gibt es tolle schauwerte und bei guter Helligkeit auch viele Details, meist spielt der Film aber mit tiefenunschärfe-Effekten und bietet im Grunde eine wechselhafte Qualität - oder einfach gesagt: das Bild wirkt wie von einer ordentlichen Blu Ray Disc.

Der deutsche DTS-HD MA 5.1 Ton ist da schon wieder etwas besser. Kraftvoll, dynamisch und mit netten Effekten gespickt, dazu noch glasklare Dialoge und einen satten Einsatz des Subwoofers. Aber auch hier klang der Ton des Erstlings etwas präziser. 

Eine Gruppe von Filmemachern macht sich auf den Weg, um in Texas einen Pornofilm zu drehen. Als ihre älteren Gastgeber sie auf frischer Tat ertappen, müssen die Darsteller um ihr Leben kämpfen.

Regisseur Ti West (VHS, Cabin Fever 2) verneigt sich sichtlich vor den 70er Jahre slashern (TCM) und Schmuddelfilmen dieser Zeit. Das sieht man „X“ auch mit jeder Pore an. Das heisse Sommer-Setting in Texas, die passende Ausstattung, die schmuddeligen weichen sowie sepiafarbene Bilder, lange Kameraeinstellungen mit tollen Kamerawinkeln und dazu ein bedrohliches Score.
In der ersten Hälfte lernt man das Filmteam kennen, die sogar recht sympathisch daherkommen und Spaß an ihrer Arbeit haben. Ab der Hälfte bricht aber der Terror los, wenn die zwei Alten aktiv werden. Der Film bietet tolle Bilder, leider aber auch einige überraschend eklige, auf die ich gerne verzichtet hätte… und da meine ich jetzt nicht die splatterszenen. ;) Die sind für einen FSK 16 Film schon sehr hart ausgefallen. Zwar kurz und knackig- aber eben schonungslos.
Der Cast ist sympathisch und motiviert, auch einige bekannte Gesichter aus der 2. Reihe sind dabei.
Trotz „nur“ 105 Minuten Laufzeit hätte ich mir eine etwas straffere Erzählweise gewünscht (der originale TCM läuft zB 83 Minuten).
“X“ erfindet das Rad nicht neu, verneigt sich vor Klassikern und ist handwerklich gut gemacht. Mehr als guter Durchschnitt wars für mich aber nicht.
Mal schauen wie das Prequel „Pearl“ wird…

Das Bild der 4K Ultra HD ist nur bedingt besser als das der Blu Ray. Ja, es gibt mehr Details als auf der Blu Ray zu Erkennen, allerdings ist nun der Schwarzwert seltsamerweise nicht mehr so satt… eher türkis blau. Auch HDR10 holt nicht viel mehr heraus. Keine Spitzlichter, keine Kontrastflanken, nichts. Hier bin ich etwas enttäuscht, dass die Blu Ray nur MINIMAL übertroffen wurde und beim Schwarzwert sogar schlechter abschneidet.

Immerhin ist der DTS-HD MA 5.1 Ton klasse und modern. Dynamisch, effektreich und sehr präzise bekommt der geneigte Horrorfan den Ton um die Ohren geworfen. Perfekt ortbar und mit reichlich Druck kommt so eine tolle Atmosphäre rüber, die so natürlich noch besser unterstrichen wird. Top.

Das Bonusmaterial ist knapp 20 Minuten lang und recht unterhaltsam. An ein Wendecover ohne FSK 16 Flatschen wurde gedacht. 

Als absoluter Fan der ersten Stunde bricht es mir fast das Herz, das zu schreiben: Toy Story 5 ist leider der schwächste Teil der gesamten Reihe.
Es ist zwar kein Totalausfall – dafür steckt handwerklich einfach zu viel Qualität in der Traditionsschmiede –, aber der magische Funke der Vorgänger will dieses Mal einfach nicht überspringen. Sogar meine kleine Tochter hat mir mehrmals während des Filmes zugeflüstert, dass er schwach sei und ihr nicht gefällt.

Das größte Problem des Films ist seine bleierne Tonalität. Anstatt uns ein lockeres, lustiges und unbeschwertes Animationsabenteuer zu schenken, fühlt sich dieser Teil seltsam wehmütig, schwer und fast schon depressiv an. Genau das möchte ich bei einem Toy Story-Film eigentlich nicht sehen. Wir lieben diese Reihe für ihren cleveren Humor und das unbeschwerte Abenteuergefühl. Stattdessen wird hier viel zu sehr mit dem erhobenen Zeigefinger hantiert. Die Botschaft „Technik und Bildschirme sind böse“ wird dem Zuschauer derart plump aufgedrückt, dass die Leichtigkeit komplett auf der Strecke bleibt.

Auch die Story selbst reißt keine Bäume aus. Ja sogar eine Nebenhandlung (die gestrandeten Buzz Lightyears) spielt überhaupt keine Rolle für den Hauptplot! Die gesamte Handlung passt sprichwörtlich auf einen Bierdeckel und bietet kaum Überraschungen oder echtes Abenteuerfeeling. Alles plätschert ohne große Höhepunkte vor sich hin. Das liegt auch daran, dass die geliebte Truppe völlig zerrissen wirkt. Cowgirl Jessie hat nun das Kommando übernommen. Das ist zwar Geschmackssache, führt hier aber leider dazu, dass unsere eigentlichen Helden – Woody und Buzz Lightyear – zu besseren Nebenrollen degradiert werden. Ihre legendäre Dynamik fehlt dem Film an allen Ecken und Enden.

Trotz aller Enttäuschung gibt es Lichtblicke. Ein Totalabsturz ist der Film keineswegs. Es sind durchaus einige gute Szenen zum Schmunzeln und emotionale mit Herz dabei, die den alten Pixar-Charme kurz aufblitzen lassen. Das älter werden von Woody inklusive Wampe und lichtem Haar fand ich zum Beispiel köstlich. Und rein optisch zieht das Studio natürlich alle Register: Die Animationen sind absolut top, jede Textur und jedes Lichtspiel sieht fantastisch, teilweise sogar fotorealistisch, aus.

Am Ende bleibt jedoch das Gefühl, dass diese Fortsetzung schlicht unnötig war. Ein visuell beeindruckender, aber emotional seltsam schwerfälliger und erzählerisch dünner Film, der hinter seinen Vorgängern weit zurückbleibt. Schade... lieber wieder die älteren Teile anschauen.

Bild und Ton sind natürlich wieder klasse. 

Der harte und einsame Trucker Lincoln Hawk ist entschlossen, seinen Sohn, den er schon Jahre nicht mehr gesehen hat, zurückzugewinnen und bei den Weltmeisterschaften im Armwrestling in Las Vegas zu triumphieren.

In meiner Kindheit war das einer meiner absoluten Lieblingsfilme. Und auch heute macht der 1987 entstandene Streifen noch ne Menge Spaß. Das Vater-Sohn Drama funktioniert dank der geerdeten zeitlosen Geschichte hervorragend, die Beziehung zu seinem Sohn wird Stück für Stück intensiviert, dazu noch das Armwrestling-Turnier, welches es zu gewinnen gilt und natürlich der verdammt gute Soundtrack machen aus „Over the Top“ einen Cannon-Klassiker.

Auch wenn der Knirps hin und wieder richtig nervt, stimmt die Chemie zwischen Sly und ihm. Der Film bietet Hochs und Tiefs am laufenden Band und als Zuschauer steht man natürlich voll hinter Hawk, der nicht nur das Turnier, sondern die Zuneigung seines Sohnes gewinnen will.

Das Bild der UHD ist besser als das der Blu-Ray und bietet für das Alter des Films und für das Budget (wobei das meiste für Stallone draufging) solide Werte. Die Farben sind natürlich und gut saturiert und gerade bei hellen Tageslicht-Szenen kann man an den Details nicht satt sehen. Egal ob Stallones Bartstoppel oder Schweißperlen, alles gut zu erkennen. Auch wenn das Bild eine gefühlte Nuance dunkler als das der Blu Ray ist, strahlt es dennoch sehr und zeigt einen top Schwarzwert bei guter Durchzeichnung. Feines Filmkorn erzeugt ein schönes analoges Bild.

Der Soundtrack ist der Hammer und auch der Score von Giorgio Moroder unterstreicht die Atmosphäre dieses 80er Jahre Klassikers. Beil Ton gefiel mir der 5.1 Ton besser als der puristische 2.0 Ton, da alleine die Dialoge aus dem Center viel klarer und dynamischer daherkommen, auch wenn noch einiges Luft nach oben herrscht.

Beim Bonusmaterial gibts lediglich einige Trailer, manche sogar chronologisch falsch geschnitten. 

"The Box – Du bist das Experiment" aus dem Jahr 2009 ist einer dieser seltenen Sci-Fi-Mystery-Thriller, die den Zuschauer von der ersten Minute an in den Bann ziehen. Regisseur und Autor Richard Kelly ("Donnie Darko") erschafft eine unheimliche Atmosphäre, die sich langsam, aber konsequent verdichtet. Dabei lebt der Film nicht von actionreichen Schockmomenten, sondern von einem ständig präsenten Gefühl, dass etwas nicht stimmt und jederzeit etwas Unerwartetes passieren könnte.

Im Mittelpunkt stehen die von Cameron Diaz und James Marsden überzeugend gespielten Eheleute Norma und Arthur Lewis. Als ihnen vom mysteriösen Frank Langella eine rätselhafte Box angeboten wird, geraten sie in ein moralisches Dilemma mit weitreichenden Konsequenzen. Die gestellte philosophische Frage ist ebenso einfach wie verstörend: Wie weit würde man gehen, wenn persönlicher Gewinn auf Kosten eines unbekannten Menschen möglich wäre?

Besonders gelungen ist die hochwertige 70er-Jahre-Ästhetik. Die Ausstattung (die mich sehr oft an die "Hinter den Kulissen"-Areale vom Videospiel "Portal 2" erinnerten), die Farben und die musikalische Untermalung verleihen dem Film einen eigenständigen Charakter und erzeugen eine unterschwellige Spannung, die bis zum Ende anhält. Ständig hat man das Gefühl, dass noch etwas kommen muss oder dass hinter den Ereignissen eine größere Wahrheit verborgen liegt. Genau dieses permanente Unbehagen macht den Reiz des Films aus.

Dabei verzichtet "The Box" erfreulicherweise darauf, seine Geheimnisse sofort preiszugeben. Stattdessen entfaltet sich die Geschichte Stück für Stück und lädt dazu ein, über die gezeigten Ereignisse und ihre Bedeutung nachzudenken. Die Mischung aus Mystery, Thriller und philosophischen Fragestellungen hebt den Film deutlich von vielen Genrevertretern ab.

Wer intelligente Spannung, ungewöhnliche Ideen und eine geheimnisvolle Atmosphäre schätzt, sollte "The Box – Du bist das Experiment" unbedingt eine Chance geben. Für Mystery-Fans ist der Film ein echter Geheimtipp, der lange nach dem Abspann zum Nachdenken anregt und mit seiner besonderen Stimmung in Erinnerung bleibt, auch wenn gegen Ende hin doch etwas unnötige Verwirrung herrscht.

Bild und Ton sind sehr gut.
Beim Bild wurden bewusst helle und strahlende Flächen etwas weicher gezeigt, um einen ganz speziellen Look zu erzeugen, Farben wirken etwas entsättigt, passen aber genau in diese kalte Winter-Ästhetik der 70er Jahre, in der der Film spielt.

Der deutsche DTS-HD HR 5.1 Ton ist sehr front- bzw. dialoglastig, schickt aber immer wieder gezielte Surroundeffekte in den Raum. 

Mit einer Laufzeit von 113 Minuten liefert "Sag kein Wort" (im Original: Don't Say a Word) aus dem Jahr 2001 einen packenden Psychothriller, der von Anfang an auf hohes Tempo setzt. Regisseur Gary Fleder, der zuvor mit "...denn zum Küssen sind sie da" auf sich aufmerksam machte, versteht es, Spannung kontinuierlich aufzubauen und den Zuschauer kaum zur Ruhe kommen zu lassen.

Im Mittelpunkt steht Michael Douglas als renommierter Psychiater Dr. Nathan Conrad, dessen Tochter entführt wird. Die Kidnapper verlangen von ihm, einer traumatisierten Patientin ein geheimnisvolles Zahlenrätsel zu entlocken. Was folgt, ist ein nervenaufreibender Wettlauf gegen die Zeit, bei dem die Handlung nur selten Leerlauf kennt. Das starke Pacing gehört zweifellos zu den größten Stärken des Films.

Besonders hervorzuheben ist Brittany Murphy, die als psychisch schwer belastete Elisabeth Burrows eine beeindruckende Leistung abliefert. Sie verleiht ihrer Figur eine glaubwürdige Mischung aus Verletzlichkeit, Angst und Geheimniskrämerei und sorgt damit für viele der intensivsten Momente des Films. Michael Douglas überzeugt wie gewohnt als entschlossener Familienvater, auch wenn seine Rolle wenig Überraschungen bietet.

Sean Bean gibt einen wirkungsvollen Bösewicht ab. Seine kalte und bedrohliche Präsenz sorgt für zusätzliche Spannung und macht ihn zu einem glaubwürdigen Gegenspieler. Etwas enttäuschend fällt dagegen der Einsatz von Famke Janssen aus. Obwohl sie als Ehefrau des Protagonisten zwar unglaubwürdig aber durchaus sympathisch wirkt, bleibt ihre Figur insgesamt zu blass und hätte deutlich mehr Potenzial geboten.

Trotz aller Qualitäten fehlt dem Film auch manchmal der letzte Feinschliff. Einige Wendungen wirken etwas konstruiert, und nicht jede Figur erhält die nötige Tiefe. Dadurch verpasst Sag kein Wort knapp den Sprung in die Spitzenklasse des Genres.

Abgerundet wird das Ganze durch den atmosphärischen Score von Mark Isham, der die düstere Stimmung wirkungsvoll unterstützt und viele Szenen emotional verstärkt.

"Sag kein Wort" ist ein spannender, schnell erzählter Psychothriller mit starken Darstellern, insbesondere Brittany Murphy, einem überzeugenden Sean Bean und einer konstant hohen Spannungskurve. Kleinere Schwächen im Drehbuch verhindern zwar die ganz große Klasse, doch als Thriller-Unterhaltung funktioniert er auch heute noch ausgesprochen gut. 

„Ratatouille“ aus dem Jahr 2007 von Disney Pixar ist ein zeitloser Klassiker, der völlig zu Recht einen festen Platz unter den 200 besten Filmen aller Zeiten auf IMDb hält. Das Meisterwerk beweist auf charmante Weise, dass wahres Talent keine Grenzen kennt – nicht einmal die einer Spezies.

Im Mittelpunkt steht Remy, eine ungewöhnliche Ratte mit einem hochentwickelten Geruchs- und Geschmackssinn. Sein größter Traum ist es, ein französischer Starkoch zu werden. Als es ihn in die kulinarische Metropole Paris verschlägt, verbündet er sich mit dem tollpatschigen Küchenjungen Linguini. Gemeinsam wirbeln sie die Spitzengastronomie auf, indem Remy Linguini heimlich unter dessen Kochmütze steuert.

Der Film besticht durch seinen tollen Humor für Jung und Alt. Während Kinder über die rasanten, physischen Slapstick-Einlagen lachen, erfreuen sich Erwachsene an den pointierten Dialogen, der treffsicheren Satire auf die gehobene Gesellschaft und der tiefgründigen Botschaft. Die detailverliebte Animation fängt die Magie der französischen Küche perfekt ein: Die dampfenden Gerichte sehen so köstlich aus, dass einem beim Zuschauen das Wasser im Mund zusammenläuft.

Getragen von einem beschwingten Soundtrack ist „Ratatouille“ weit mehr als nur ein Animationsfilm. Es ist eine Hommage an die Leidenschaft des Kochens und eine Erinnerung daran, dass jeder über sich hinauswachsen kann. Ein kulinarisches und filmisches Festmahl für die ganze Familie.

Bild und Ton sind Disney typisch wieder über jeden Zweifel erhaben. 

„Street Fighter – Die entscheidende Schlacht“ Aus dem Jahr 1994 ist ein klares Relikt der 90er-Jahre, das den schmalen Grat zwischen nostalgischem Kult und purem Trash wandert. Regisseur Steven E. de Souza versucht hier, fast alle Charaktere des legendären Capcom-Videospiels in eine einzige Handlung zu quetschen. Das Ergebnis ist ein völlig überladener Actionfilm, der damals wie heute nur bedingt überzeugt.

Colonel Guile (Jean-Claude Van Damme) versucht, den größenwahnsinnigen Diktator M. Bison (Raul Julia) zu stürzen. Die Story rund um Geiselnahmen und Weltherrschaft ist jedoch absolut belanglos und ermüdend.

Positiv hervorzuheben sind die netten Kostüme. Die Macher haben sich sichtlich Mühe gegeben, die ikonischen Looks der Pixel-Vorlagen – von Ryu und Ken bis hin zu Chun-Li – detailgetreu auf die Leinwand zu bringen. Das sorgt zumindest für einen hohen Wiedererkennungswert.

Der Film bietet ein paar ordentliche Fights. Van Damme darf seine berühmten Tritte zeigen, und einige Choreografien machen durchaus Spaß. Dennoch bleibt das Ganze nichts Besonderes und kann mit echten Martial-Arts-Klassikern nicht mithalten.

Raul Julia liefert in seiner leider letzten Kinorolle eine wunderbar theatralische Leistung ab. Er trägt den Film quasi im Alleingang. Van Damme hingegen wirkt oft hölzern oder auch mal übertrieben (immerhin war er angeblich am Set ständig auf etwas drauf) und verlässt sich rein auf seine physische Präsenz.

„Street Fighter“ leidet extrem unter seiner übertriebenen 90er-Jahre-Mentalität. Er ist zweifellos trashig, aber leider nicht im positiven, charmanten Sinn. Vieles wirkt einfach nur unfreiwillig komisch und schlecht gealtert. Wer eine tiefgründige Story oder Martial-Arts-Perfektion sucht, wird enttäuscht. Der Film war damals schon schlecht und ist es heute auch noch. Einfach ein buntes, lautes Stück Popkultur, das man am besten mit viel Augenzwinkern konsumiert. Oder stattdessen lieber den SNES Klassiker zockt.

Technisch passt alles. Bild und Ton sind sehr gut. 

"Cable Guy" aus dem Jahr 1996 ist eine ungewöhnliche Komödie, die vor allem von Jim Carrey getragen wird. In der deutschen Version trägt der Film passend den Untertitel "Die Nervensäge". An der Seite von Carrey spielt Matthew Broderick einen frisch getrennten Mann, der nach dem Ende seiner Beziehung in eine neue Wohnung zieht und dort auf den scheinbar freundlichen Kabeltechniker Chip Douglas trifft. Was zunächst wie eine harmlose Bekanntschaft wirkt, entwickelt sich schnell zu einer immer unangenehmeren und skurrileren Freundschaft.

Regie führte Ben Stiller, der dem Film einen etwas dunkleren und satirischeren Ton verleiht als viele andere Komödien der 90er-Jahre. Neben den Hauptdarstellern gibt es zahlreiche bekannte Gesichter zu entdecken, was zusätzlichen Spaß macht und dem Film einen typischen 90er-Jahre-Charme verleiht.

Auf den ersten Blick wirkt "Cable Guy" wie eine verrückte Komödie voller überdrehter Szenen und exzentrischer Auftritte von Jim Carrey. Wer jedoch genauer hinsieht, erkennt, dass hinter der Figur des Cable Guy eine tragische persönliche Geschichte steckt. Einsamkeit, das Bedürfnis nach Freundschaft und die Auswirkungen eines schwierigen sozialen Umfelds werden immer wieder angedeutet. Dadurch erhält der Film eine gewisse Tiefe, die man in vielen Komödien dieser Zeit nicht unbedingt erwartet.

Trotz dieser interessanten Ansätze zählt "Cable Guy" für mich nicht zu den stärksten Filmen von Jim Carrey. Seine bekanntesten Rollen in Filmen wie "Ace Ventura", "Die Truman Show" oder "Die Maske" bleiben deutlich ikonischer. Dennoch zeigt er hier eine andere Seite seines Könnens und bewegt sich erfolgreich zwischen Komik und unterschwelliger Bedrohlichkeit.

Insgesamt ist "Cable Guy" eine unterhaltsame 90er-Jahre-Komödie mit leichtem Anspruch. Wer sich auf den eigenwilligen Humor und die ungewöhnliche Mischung aus Satire, schwarzer Komödie und Charakterstudie einlässt, wird gut unterhalten. Kein Meisterwerk und sicher nicht Carreys bester Film, aber eine feine, oft unterschätzte Komödie, die auch heute noch ihren Reiz besitzt.

Das 4K UHD Bild gefiel mir wirklich gut. Mit neueren Produktionen sollte man den bereits 30 Jahre alten Film nicht vergleichen, dennoch zeigt die UHD wunderschöne, neutrale Farben, die ab und an sehr satt ausfallen, Details wie Hautporen bei den Nahaufnahmen sind zum greifen nah, der Schwarzwert ist sehr tief mit toller Durchzeichnung und dank HDR/Dolby Vision gibts auch einige Spitzenhelligkeiten. Besonders gut zu sehen gegen Ende des Films, als Carrey und Broderick im Regen stehen und jeder Regentropfen in ihren Gesichtern plastisch wirkt und herausblitzt. Aber auch sonst sind helle neutrale Flächen wirklich hell gehalten. Sehr fein aufgelöstes Filmkorn gibt dem Film eine analoge natürliche Note. Insgesamt und für das Ausgangmaterial alles gut.

Auch der deutsche DTS-HD MA Ton klingt sauber, dynamisch (wenn nötig) und auch die Rears werden immer wieder mit einbezogen. Saubere Dialoge gibt´s sowieso. Der rockige Soundtrack verteilt sich schön im Raum.

Bereits auf der UHD gibt es etwas Bonusmaterial wie Trailer, Audiokommentare und das Musikvideo von Jerry Cantrell ("Alice in Chains"). 

Mit "Minions & Monster" liefert Illumination 2026 einen weiteren Ableger seines erfolgreichsten Franchise ab. Der Film beginnt dabei durchaus vielversprechend, denn gleich zu Beginn wird man mit einem rasanten Erzähltempo und einem überraschend unterhaltsamen geschichtlichen Rückblick auf die Suche der Minions nach einem geeigneten Boss abgeholt. Die Reise führt bis in die 1920er Jahre nach Hollywood (in der der Film dann spielt) und bietet zahlreiche kleine Filmanspielungen, die insbesondere ältere Filmfans erfreuen dürften. Diese Referenzen sorgen für einige der gelungensten Momente des Films und zeigen, dass die Macher mehr im Sinn hatten als bloßen Klamauk.

Leider kann der starke Auftakt das Niveau nicht halten. Die eigentliche Handlung erweist sich als äußerst belanglos und dient letztlich nur als dünner Rahmen für eine Aneinanderreihung von Slapstick-Einlagen. Was anfangs noch charmant wirkt, nutzt sich mit zunehmender Laufzeit schnell ab. Vor allem die Gags leiden unter ständiger Wiederholung. Wenn die Minions zum fünfzehnten Mal denselben lauten Schrei ausstoßen, ist das schlicht nicht mehr witzig, sondern vorhersehbar und ermüdend.

Besonders deutlich wurde dies bei unserer 13-jährigen Tochter, die eigentlich genau zur Zielgruppe des Films gehört. Nach knapp einer Stunde verließ sie das heimische Wohnzimmer mit dem vernichtenden Kommentar: „Langweilig.“ Ein Urteil, das den zentralen Schwachpunkt des Films treffend zusammenfasst. Trotz seines hohen Tempos gelingt es "Minions & Monster" kaum, nachhaltig zu unterhalten oder emotionale Bindung zu seinen Figuren aufzubauen.

Positiv hervorzuheben ist immerhin das hervorragende Animationsdesign, welches ja von vornherein klar war. Die Figuren, Hintergründe und die farbenfrohe Gestaltung bewegen sich auf gewohnt hohem Illumination-Niveau und machen den Film visuell zu einem echten Hingucker.

Ein vielversprechender Beginn, einige nette Hollywood-Anspielungen und technisch beeindruckende Animationen können nicht darüber hinwegtäuschen, dass die Geschichte belanglos bleibt und die Gags schnell ihren Reiz verlieren. Empfehlenswert höchstens für eingefleischte Minions-Fans und auch für diese eher nur zur einmaligen Sichtung.

Das Bild der 4K UHD ist einfach klasse. Das Gelb der Minions knallt, wie viele andere Farben der Monster, förmlich aus dem OLED-Bildschirm heraus. Dabei gibt es einen satten Schwarzwert und eine durchgehende Helligkeit. Die Datenrate liegt so im Durchschnitt bei 80Mbit/s und bietet einen sauberen Transfer und insgesamt ein hochwertiges Bild.

Der deutsche Dolby Atmos Ton, auf BEIDEN Discs, macht ebenfalls alles richtig... zumindest auf der 2D Hörebene. Dialoge kommen glasklar aus den Speakern, de Soundtrack fetzt im gesamtem Raum und auch der Subwoofer darf richtig tief heruntergehen, dass sogar das Wohnzimmer wackeln darf. Allerdings habe ich mir von den 3D Überkopfeffekten mehr erwartet, denn wirklich wahrnehmbar waren lediglich die Sounds von gerade eingeschalteten Deckenlampen und der Score. Dabei gab es unzählige Szenen, bei der sich die Action klar oberhalb des Hörers abspielte. Naja, immerhin passt der restliche Ton, welcher bekannte Synchronsprecher zu Wort kommen lässt.

Deutsch untertiteltes Bonusmaterial gibt´s ebenfalls auf beiden Discs.