Filmbewertungen von Ninjatune666

Ace Ventura

Kinofassung: 85:48 Min.
Integralfassung: 96:56 Min.

Ich wollte unbedingt einmal die Intergralfassung sehen, in der es einige erweiterte Szenen zu sehen gibt. Dabei betrifft es unter anderem Szenen, bei der Ace mit einem Polizisten telefoniert, er länger mit den Reportern am Delphinbecken diskutiert, seine Kontaklinsen zerbricht oder sogar selbst auf der Bühne beim „Cannibal Corpse“ Auftritt performt. Tja, kann man sehen, verpasst aber wirklich nichts extrem witziges. Sehr cool, dass man für die erweiterten Szenen Jim Carreys Stammsynchronsprecher verpflichten konnte.

Wer Interesse hat, kann auch noch die deutsche Fassung der US TV-Fassung schauen, bei der einige Schimpfwörter entfernt und neue Szenen hinzugefügt wurden. Die TV Fassung geht ungefähr 2 Minuten länger als die Kinofassung. Die Farben wirken dort nicht mehr so filmisch warm sondern etwas zurückhaltender.

Zurück zum Film…
Privatdetektiv Ace Ventura erhält eines Tages den Auftrag, das Maskottchen der Miami Dolphins names Snowflake aufzuspüren. Während Ace der Spur von Delfin Snowflake folgt, wird ihm eines schnell klar: Hinter dem Verschwinden steckt ein großer Komplott. Sogar die Polizei scheint darin verwickelt zu sein.

Teil 1 aus dem Jahr 1994 (ja, das selbe Jahr in dem auch „Die Maske“ UND „Dumm und Dümmer“ erschienen!) ist auch heute noch eine witzige Jim Carrey Show… sofern man ihn mag. Kaum zu glauben dass der Film bereits über 30 Jahre alt ist!

Die Komödie ist bodenständig, albern hat einen obercoolen Hauptcharakter, der locker noch einen Drittel Teil hätte stemmen können, bietet sogar Twists und obendrein so viele genial lustige Szenen. Neben den irrwitzigen Szenen im Ballett-Tutu im Irrenhaus oder das Autofahren mit dem herausgestreckten Kopf ist natürlich auch der Auftritt der Death-Metalband Cannibal Corpse unvergesslich.

Carrey liefert hier richtig ab… auch physisch. Aber auch weitere bekannte Gesichter wie Courtney Cox, Sean Young oder Udo Kier fügen sich gut in die Story ein. Die 96 Minuten Laufzeit verfliegen sprichwörtlich und wenn man eine simple Story und eine gute Zeit haben will, geht „Ace Ventura“ eigentlich immer.



Ace Ventura - Jetzt wird‘s wild

Ace Ventura kehrt von einer spirituellen Suche zurück, um das Verschwinden einer seltenen weißen Fledermaus zu untersuchen, dem heiligen Tier eines Stammes in Afrika.

Ja ich muss es leider zugeben: Ace Ventura 2 ist schlecht gealtert. Im Gegensatz zu Teil 1, wo man Ace sofort in sein Herz schließt, ist er hier anfangs sogar recht unsympathisch. Obwohl ich Jim Carrey schätze und extrem gerne mag, ist er mir hier „too much“. Seine Grimassen sind hier oft fehl am Platz… obwohl ich sie früher gefeiert habe.

Klar gibts einige geniale Szenen, angefangen von der „Cliffhanger-Verarsche“ im Intro bis hin zum Kampf gegen den weißen Teufel aber zwischendrin ist er einfach nur naja bis solide. Auch zündet längst nicht mehr jeder Gag.
Teil 1 wirkt auch insgesamt „runder“. War der Film früher für mich ne klare 4 von 5 gibts jetzt nur mehr noch 3 von 5 Punkten.

Bild und Ton sind bei beiden Filmen in Ordnung.
Warme Farben, ordentliche Schärfe und ein solider Schwarzwert. Der Ton ist aber recht frontlastig und wenig dynamisch - für eine Komödie aber in Ordnung.

Teil 3, Ace Ventura Jr., sehe ich als nette Dreingabe. Ohne Carrey und mit 2000er TV Charme kommt er nicht an die beiden ersten Teile heran. 

„Zwei außer Rand und Band“ aus dem Jahr 1977 ist ein Klassiker des Prügelkinos. Er beweist eindrucksvoll, warum das Duo Bud Spencer und Terence Hill bis heute unerreichten Kultstatus genießt. Mit einer Laufzeit von rund 114 Minuten bietet das Werk kurzweilige, zeitlos lustige Unterhaltung, die Generationen von Fans begeistert.

Die Story ist bewusst simpel gehalten: Zwei sympathische Gauner wollen eigentlich nur einen Geldtransport überfallen. Durch ein absurdes Missgeschick landen sie jedoch mitten in der Rekrutierungsstelle der Polizei von Miami. Plötzlich tragen die beiden chronischen Sprücheklopfer eine Uniform. Diese Geschichte dient als perfekter Start für eine endlose Reihe von Verwechslungen, absurden Situationen und natürlich die legendären, perfekt choreografierten Schlägereien. Wenn Bud Spencer mit der Faust von oben zuschlägt, bleibt kein Auge trocken.

Das absolute Highlight des Films ist, wie immer, die geniale deutsche Synchronisation. Die legendäre „Schnodderdeutsch“-Bearbei tung von Rainer Brandt hebt den Film auf ein völlig neues Humorniveau. Die Sprüche sind längst fester Bestandteil der Popkultur. Die pointierten Dialoge verleihen jeder Szene einen unnachahmlichen Humor, der im italienischen oder auch im englischen Original so gar nicht existiert.

Abgerundet wird dieses filmische Vergnügen durch den kultigen Soundtrack der Brüder Guido und Maurizio De Angelis (Oliver Onions). Der eingängige Titelsong „Angels and Beans“ geht sofort ins Ohr, bleibt dort stundenlang als Ohrwurm und transportiert perfekt das unbeschwerte Lebensgefühl der späten 1970er Jahre.

„Zwei außer Rand und Band“ ist zwar nicht mein Lieblingsfilm mit den beiden, dennoch ist er pures, ehrliches Wohlfühlkino. Die Kombination aus genialem Slapstick, der unübertroffenen Synchronisation, den schönen Aufnahmen Miamis und zwei Hauptdarstellern in absoluter Bestform macht diesen Film zu einem zeitlosen Klassiker der Comedy, den man immer wieder ansehen kann. 

„Sicario 2“ ist ein bleihaltiger, moralisch pechschwarzer Thriller. Wo der geniale Vorgänger von Denis Villeneuve („Arrival“, „Blade Runner 2049“) noch investigative Fragen stellte, wirft uns Regisseur Stefano Sollima („Tom Clancy´s Gnadenlos“) direkt in die brutale, staubige Realität des US-mexikanischen Grenzkriegs. Das Ergebnis ist ein packendes, kompromissloses Stück Starkino.

Der Film verzichtet konsequent auf jedes Schwarz-Weiß-Denken. Es gibt kein Gut oder Böse. Alle moralischen Grenzen verschwimmen im Wüstensand. Die US-Regierung agiert mit denselben skrupellosen Methoden wie die Kartelle, um einen internen Krieg zwischen den Gangstern zu entfachen. Mittendrin brillieren Josh Brolin als eiskalter CIA-Agent Matt Graver und Benicio del Toro als stoischer, von Rache getriebener Auftragskiller Alejandro. Ihre gnadenlose Präsenz trägt die düstere Atmosphäre mühelos.

Handwerklich ist die Fortsetzung ebenso perfekt wie das Original. Die Kamera von Dariusz Wolski („Prometheus“, „Fluch der Karibik“) fängt die lebensfeindliche Ödnis der Grenze in bedrohlichen Bildern ein. Der wummernde, nervenzerreißende Soundtrack von Hildur Guonadottir erzeugt eine permanente, physisch spürbare Anspannung. Die Action ist trocken, extrem schonungslos und ohne Hollywood-Pathos inszeniert. Jeder Schusswechsel fühlt sich absolut lebensgefährlich an.

Dennoch ist der Film nicht ganz so genial wie sein Vorgänger. Der Cast ähnelt sich zu sehr – hier war Emily Blunt in Teil 1 einfach eine starke Identifikationsfigur für den Zuschauer. Die zweite Hälfte schwächelt dazu etwas. Nach einem hochpolitischen, rasanten Start verengt sich das Drehbuch im Mittelteil zu einer etwas konventionelleren Rettungsmission. Einige Plot-Entscheidungen im letzten Drittel wirken erzählerisch erzwungen, um ein Hintertürchen für einen dritten Teil offenzuhalten. Das raubt dem Finale ein Stück seiner zuvor aufgebauten, kompromisslosen Konsequenz.

„Sicario 2“ erreicht zwar nicht ganz die intellektuelle Tiefe des Originals, bleibt aber ein handwerklich makelloser, packender Schlag in die Magengrube. Ein finsteres Action-Drama, das dem Zuschauer keine moralische Ausflucht erlaubt.

Das 4K UHD Bild ist, wie schon bei Teil 1, sehr stark. Trotz des 2K-Ausgangsmaterials ist die Schärfe enorm hoch. Texturen von Militärkleidung, staubigen Fahrzeugen und den Gesichtern der Darsteller wirken sehr greifbar. Dazu gesellt sich ein künstlich erstelltes sehr fein aufgelöstes Filmkorn.
Die Farbpalette ist erdig und von warmen Wüstentönen, staubigem Gelb und tiefem Grün geprägt. HDR verleiht diesen Tönen eine spürbar höhere Sättigung und Intensität, ohne unnatürlich zu wirken. Spitzlichter gibt’s in Form von der Sonne über der mexikanischen Wüste, Scheinwerfer von SUVs bei Nacht oder die Mündungsfeuer bei den Schusswechseln. Dazu wirkt das Bild schön plastisch. Der (tiefe) Schwarzwert ist nahezu perfekt eingestellt und verschluckt keine Details.

Auch der Dolby Atmos Ton fürs Deutsche kommt schön dynamisch und, wenn´s sein muss, tief daher. Die Schusswechsel besitzen eine enorme Wucht. Jeder Schuss aus den schweren Maschinengewehren der Humvees schlägt spürbar in die Magengrube ein. Projektile fliegen hörbar von hinten nach vorne durch den Raum.
Das Dolby Atmos-Highlight sind die zahlreichen Helikopter-Überflüge und Drohnenszenen. Wenn die Black-Hawk-Hubschrauber durch das Zimmer fliegen, ist die Deckenaktivität perfekt und fließend ortbar. Auch Regen, das Echo von Schüssen in engen Gassen oder das Dröhnen von Flugzeugturbinen im Inneren einer Transportmaschine werden präzise nach oben gemischt. Top. 

Zwischen Staffel 18 und Staffel 19 erschien 2007 der langerwartete „Die Simpsons - Der Film“. Er ist die ultimative Liebeserklärung an die legendäre gelbe Familie und ein absolutes Fest für jeden Fan.
Mit einer knackigen Laufzeit von rund 75 Minuten ist das erste Kinoabenteuer (Teil 2 kommt ja „schon“ 2027) extrem kurzweilig geraten. Regisseur David Silverman verzichtet komplett auf Längen. Stattdessen jagt ein Gag den nächsten – auch wenn die Simpsons zu der Zeit bereits ihren Zenit erreicht hatten und später nie mehr solche Qualitäten erreichten.

Im Zentrum des Chaos steht natürlich die Familie: Homer, Marge, Bart, Lisa und Maggie brillieren in ihren klassischen Rollen. Besonders Homers folgenschwere Dummheit, Schweinekot im verbotenen See zu versenken, bringt die Lawine ins Rollen.
Die Story besticht durch puren Fanservice. Nahezu jeder bekannte Charakter aus Springfield bekommt seinen Moment auf der Leinwand – von Ned Flanders bis zu Chief Wiggum. Schade, dass ausgerechnet mein Lieblings-Springfielder, Mr. Burns, etwas zu kurz kommt. Dafür gibt´s einen Arnie als Präsidenten zum Lenken… nicht zum Denken.

Die Bedrohung durch die US-Regierung, die Springfield wegen der extremen Umweltverschmutzung unter eine riesige Glaskuppel stellt, bringt den nötigen Blockbuster-Schwung mit. Die Behörden wollen die Stadt im wahrsten Sinne des Wortes von der Landkarte sprengen. Das sorgt für packende Spannung und gewohnt bissige Gesellschaftskritik.

Auch optisch machte der Film, im Gegensatz zur Serie, einen gewaltigen Sprung nach vorne. 16:9 anstelle 4:3, Unmengen an Figuren gleichzeitig im Bild und auch einige tolle CGI Effekte fanden den Weg zu den Simpsons.

Trotz des rasanten Tempos verliert der Film nie sein Herz. Die Dynamik innerhalb der Familie trägt die emotionale Last, während visuelle Witze und geniale Dialoge im Sekundentakt zünden.
„Die Simpsons – Der Film“ ist jetzt schon ein zeitloser Klassiker, der den Geist der besten Serien-Staffeln perfekt einfängt. Schnell, clever und unterhaltsam. 

In einer postapokalyptischen Welt hat sich eine fanatische Sekte das Sprechen selbst verboten. Mittendrin: Azrael (Samara Weaving), die flieht und als Menschenopfer enden soll. Ab diesem Moment verwandelt sich der Film in eine permanente, gnadenlose Hetzjagd durch düstere Wälder.

Samara Weaving („Ready or not“) kämpft sich durch eine Welt des Schweigens. „Azrael“ aus 2024 ist ein radikaler Survival-Thriller, der fast komplett ohne gesprochene Worte auskommt. Was als ambitioniertes Genrestück beginnt, entpuppt sich als handwerklich starker, inhaltlich aber dünner Überlebenskampf.

Dass dieses Konzept über 85 Minuten funktioniert, ist vor allem zwei Faktoren zu verdanken. Zum einen brilliert das grandiose Sounddesign. Da kein Wort fällt, wird jedes Ächzen, jeder Schritt auf trockenem Laub und das markerschütternde Atmen der Jäger zum atmosphärischen Treibstoff. Zum anderen rettet Samara Weaving den Film im Alleingang. Nur über ihre intensive Mimik und extreme Physis transportiert sie puren Terror und unbedingten Überlebenswillen.

Visuell ist der Film dank einer schönen Kameraarbeit ein Genuss. Die neblige, bedrohliche Natur wird in edlen Bildern eingefangen. Genrefans dürfen sich zudem auf handgemachte Effekte freuen: Wenn es blutig wird, setzt Regisseur E.L. Katz auf saftigen, praktischen Gore statt auf billiges CGI.

Am Ende scheitert „Azrael“ jedoch an seiner hauchdünnen Story. Die Mythologie bleibt frustrierend vage, die Motivationen flach. Es fehlt der Tiefgang, der das Gesehene nachhaltig im Gedächtnis verankert.
„Azrael“ ist ein handwerklich packender, herrlich blutiger Kino-Snack, für den eine einmalige Sichtung aber völlig ausreicht.

Das UHD Bild ist knackig scharf und bietet neutrale Farben. Allerdings könnte der Schwarzwert tiefer ausfallen, denn oft gibt es nur ein dunkelgrau während der obere und untere schwarze Balken tiefstes Schwarz zeigen.

Dafür ist der Ton wie oben erwähnt klasse. Das Sounddesign liefert präzise ab und sorgt dafür, dass fehlende Dialoge fast nicht mehr auffallen.

Extras könnten etwas mehr vorhanden sein. 

Zweitsichtung und dabei wird’s vermutlich auch bleiben.
Die Kino-Neuauflage der legendären 80er-Jahre-Serie versucht, den charmanten Kult in ein modernes, explosives Action-Gewand zu hüllen. Das gelingt leider nur stellenweise und mit spürbaren Abstrichen beim Cast.

Der Film startet mit einem ordentlichem Pacing. Die Einführung der Charaktere und die ersten Actionszenen machen Spaß und halten das Tempo hoch.
Nach dem starken Auftakt flacht die Story spürbar ab. Die Luft ist raus, die Logiklöcher häufen sich und das Finale zieht sich unnötig in die Länge.

Die Action ist laut und bildgewaltig, setzt aber viel zu sehr auf CGI. Berühmte Szenen, wie der fallende Panzer, der mit einer Bordkanone „fliegt“, sind zwar kreativ, wirken aber oft extrem unrealistisch. Dem Film fehlt der handgemachte Charme alter Action-Klassiker.

Nun zum Cast. Liam Neeson als Hannibal ist ein echter Lichtblick. Er bringt die nötige Reife, Coolness und Autorität mit, um den Anführer glaubhaft zu verkörpern. Ich mag ihn eben.
Bradley Cooper als Face hinterlässt allerdings einen faden Beigeschmack. Seine Darstellung wirkt oft zu arrogant und unnahbar, wodurch der sympathische Charme des Originals verloren geht.
Sharlto Copley als Murdock schießt völlig über das Ziel hinaus. Die Figur ist extrem überdreht und einfach viel zu doof dargestellt, was eher nervt als amüsiert.
Aber auch Jessica Biel oder Patrick Wilson sind eher fehlbesetzt und unterfordert.


„Das A-Team“ ist sicher kein Meisterwerk, aber auch kein totaler Reinfall. Wenn draußen ein verregnetes Wochenende ansteht und man die Erwartungen herunterschraubt, kann man sich den Streifen durchaus anschauen. Es gibt definitiv besseres Actionkino, aber für zwischendurch reicht es allemal.

Bild und Ton sind klasse.

Auch Extras gibt´s en masse. 

Brian De Palma‘s „Mission: Impossible“ aus dem Jahr 1996 ist der Grundstein einer legendären Action-Saga, der das Genre des Agententhrillers virtuos modernisierte.
Anstatt auf bloßes Dauerfeuer setzt De Palma auf psychologische Spannung, Paranoia und eine dichte Neo-Noir-Atmosphäre. Im Zentrum steht der junge IMF-Agent Ethan Hunt (Tom Cruise), der nach einer missglückten Operation als vermeintlicher Verräter gejagt wird und seine Unschuld beweisen muss.

Der Film besticht durch seine clever gewählten, atmosphärischen Schauplätze. Die Eröffnung im nächtlichen, nebelverhangenen Prag atmet klassische Spionage-Romantik und inszeniert den dramatischen Verrat am Team als düsteren Albtraum. Als moderner Kontrast dient das winterliche, kühle London, in dem Hunt aus dem Untergrund heraus die Fäden zieht, Allianzen schmiedet und den wahren Maulwurf jagt.

Das unbestrittene Highlight des Films ist jedoch der (fast zu kurze) Einbruch in das streng gesicherte CIA-Hauptquartier in Langley. Diese ikonische Sequenz ist ein Meisterwerk der Suspense-Regie. Absolut lautlos, auf den Millimeter genau choreografiert, fesselt das Bild von Tom Cruise, der an einem Drahtseil Zentimeter über dem laserüberwachten Boden schwebt, bis heute. Jede Schweißperle wird hier zum maximalen Spannungsfaktor.

Erst im furiosen Finale auf dem Dach des TGV-Hochgeschwindigkeitszugs in Richtung London bricht De Palma etwas mehr Action los. Die Mischung aus handgemachten Stunts und packender Musik treibt den Puls verlässlich in die Höhe. Und das bei einem knackigen Pacing.

„Mission: Impossible“ ist weit mehr als nur ein Actionfilm. Es ist ein hochgradig spannender, visuell brillanter Agentenkrimi, der durch Cruises Physis und De Palmas meisterhafte Kameraarbeit besticht. Teilweise habe ich mir diese Suspense auch in den Nachfolgern gewünscht. Einfach ein zeitloser Klassiker, der beweist, dass die leisesten Momente oft die größte Action bieten.


Der native 4K-Scan vom originalen 35mm-Negativ lässt Brian De Palmas Agententhriller in völlig neuem Glanz erstrahlen. Vorbei die Zeiten der vertauschten Blu Ray.
Poren und Schweißperlen auf Gesichtern sowie Texturen der Kleidung sind präzise herausgearbeitet.
Ein feines, organisches Filmkorn bleibt durchgehend erhalten und verleiht dem Bild einen hochwertigen Film-Look.
Dolby Vision optimiert die Helligkeitswerte Szene für Szene (zumindest bei mir) präziser als HDR10. Die neblige Flucht an der Moldau profitiert von tiefen, satten Schwarzwerten, ohne dass Details in den Schatten absaufen.
Knalliges Lippenstift-Rot, das Leuchten der Computermonitore und die kühlen Blautöne in London wirken extrem lebendig.
Natürlich darf man kein modernes glattgebügeltes Bild erwarten, wer aber den Klassiker noch von der alten Blu Ray kennt, erlebt hier ein echtes visuelles Upgrade.

Der bereits von der BR bekannte 5.1 Dolby Digital Ton reißt heutzutage keine Bäume mehr aus. Dialoge sind zwar meist klar, Dynamik kommt aber eher selten durch. Auch werden die hinteren Lautsprecher zu selten angespielt.

Extras gibt’s nur auf der beiliegenden Blu Ray. 

Regisseur Alejandro Amenabar (Autor von „Vanilla Sky“ und „The Others“) lieferte 2015 mit „Regression“ eine grundsolide Genrekost ab. Der düstere Thriller taucht tief in die Mystery-Satanismus-Welle der 1990er-Jahre ein. Die Handlung kreist um den Missbrauchsvorwurf einer jungen Frau (Emma Watson). Ein sichtlich gestresster Cop (Ethan Hawke) übernimmt die Ermittlungen mittendrin.

Der Film baut einen faszinierenden Dreieckskonflikt auf. Da wäre der gläubige Pfarrer. Er sieht überall das absolut Böse. Er lenkt den Verdacht schnell auf satanische Sekten. Dann der logisch denkende Psychologe. Er nutzt regressive Hypnose zur Wahrheitsfindung. Er hinterfragt die manipulierten Erinnerungen wissenschaftlich. Und dann wäre da noch Hawke als ermittelnder Cop. Er steht moralisch und psychisch genau zwischen diesen Fronten und pendelt hin und her.

Amenabar inszeniert das Drama bewusst ruhig erzählt und verzichtet auf billige Schockmomente. Stattdessen setzt er auf eine dichte, beklemmende Atmosphäre. Die Farbpalette ist passend trist. Graue und braune Töne dominieren das sterile Kleinstadt-Szenario. Das verstärkt das allgegenwärtige Gefühl von Paranoia.

Ethan Hawke spielt den Ermittler am Rande des Nervenzusammenbruchs gewohnt stark. Ich sehe ihn einfach immer gerne. Emma Watson transportiert die nötige Verletzlichkeit, bleibt in manchen Szenen aber etwas zu blass. Die eigentliche Stärke des Films liegt in seiner Botschaft. Er erforscht die Entstehung von Massenhysterie. Er zeigt, wie Angst die menschliche Logik komplett aushebeln kann.

„Regression“ erfindet das Rad des Psychothrillers definitiv nicht neu. Der Plot bedient bewährte Genremuster und das Finale entzaubert den Mystery-Aspekt zugunsten einer rationalen, fast schon ernüchternden Wahrheit. Das mag einige Thriller-Fans auf der Suche nach dem ultimativen Twist enttäuschen. Als atmosphärisch dichter, handwerklich sauberer Kriminalfilm funktioniert das Werk dennoch hervorragend.

Ich würde "Regression" 3,5 von 5 Punkten geben. 

Der Konkurrenzkampf zwischen der Trauzeugin und einer Brautjungfer, wer die beste Freundin der Braut ist, droht das Leben einer arbeitslosen Konditorin auf den Kopf zu stellen.

Zweitsichtung und und ja, er macht immer noch wirklich Spaß. Der Titel „eine weibliche Version von Hangover“ wird dem Film nicht gerecht, das war eher ein Werbeslogan für ihn. „Brautalarm“ bietet so viel eigenes, ist viel mehr als es der Trailer suggeriert und erzählt nebenbei noch eine nette kleine Lovestory.

Die Charaktere werden teilweise übertrieben und dann doch so normal und bodenständig gezeigt, dass man über die 2-3 billigen „Pipi-Kacka-Witze“ gerne hinwegsehen kann. Die Frauen machen ihren Job sehr gut, haben doch bereits alle jahrelange Erfahrung im Comedybereich. Egal ob Kristen Wiig, Maya Rudolph oder Rebel Wilson.

Und wer denkt, dass Brautalarm nur etwas für Frauen ist, der täuscht sich gewaltig, denn beide Geschlechter werden mit ihren Marotten gekonnt durch den Kakao gezogen und bekommen ihr Fett weg. 

Mit „The Visit“ aus dem Jahr 2015 bewies M. Night Shyamalan („The Sixth Sense“), dass er auch mit kleinem Budget für Gänsehaut sorgen kann. Der Film ist (fast) ein klassischer Found-Footage-Horror, der das Rad zwar nicht neu erfindet, aber durch eine bizarre Mischung aus echtem Grusel und trockenem Humor besticht.

Es geht um die Geschwister Becca und Tyler, die eine Woche bei ihren entfremdeten bzw. nie gesehenen Großeltern auf dem Land verbringen. Was als harmloser Familienbesuch beginnt, driftet schnell ins Groteske ab. Shyamalan nutzt die „Sonnenuntergans“-Thematik geschickt aus, denn in den Nachtstunden verwandelt sich die Idylle in einen Albtraum. Die Bilder sind teils tief verstörend. Zum Beispiel die nackte Großmutter, die nachts an Wänden kratzt, Türen auf und zuschmeißt oder das traumatische „Ofen-Reinigen“.

Konträr bekommt man im nächsten Moment Tylers unfreiwillig komische Rap-Einlagen oder Beccas pseudointellektuelle Film-Vorträge serviert, womit der Film die Spannung durchbricht und sich plötzlich wieder anders anfühlt. Das muss man natürlich mögen.

Der obligatorische Twist ist effektiv inszeniert. Genau hier liegt der Grund, warum eine zweite Sichtung so viel Sinn ergibt. Kennt man das Ende, ergeben die seltsamen Dialoge und das paranoide Verhalten der Alten plötzlich eine völlig neue, logische Dynamik. Man achtet auf Details, die beim ersten Mal als bloße Alterserscheinungen abgetan wurden.

Insgesamt war „The Visit“ eine solide Rückkehr zur alten Form von Shyamalan. Für Fans des Regisseurs und Liebhaber von schwarzem Humor ist er absolut sehenswert. „The Visit“ ist ein fieser kleiner Trip, der beim zweiten Mal fast noch mehr Spaß macht.

Das Bild im Vollbild Ansichtsformat bietet natürliche Farben und hat eine solide Schärfe.

Der Ton hätte mehr Direktionalität verdient gehabt, denn das meiste spielt sich leider nur auf den vorderen Lautsprechern ab. Auch die Dynamik könnte genrebedingt etwas mehr "Wumms" haben.

Extras sind einige interessante (zB das Making of) dabei. 

Ein Mann, nur bekannt als Smith, rettet das Leben eines Babys einer kürzlich Verstorbenen. Dadurch gerät er ins Visier eines wahnsinnigen Killers. Fortan ist er auf der Flucht und liefert sich ein packendes Katz- und Mausspiel bei dem plötzlich der Spieß umgedreht wird.
Die Handlung ist vernachlässigbar. Smith (Clive Owen) konsumiert Karotten und eliminiert mittels Schusswaffen eine große Anzahl an Statisten, während er einen Säugling schützt. Ende.

Regisseur Michael Davis verzichtet konsequent auf physikalische Gesetze oder Logik. Bei manchen Filmen (F&F-Reihe) stört mich so etwas – bei diesem hier nicht. Der Film ist ein 86-minütiger Actioner, der das Konzept „Realismus“ nicht nur ignoriert, sondern aktiv bekämpft. Owen spielt die Rolle mit einer derartigen Distanz, dass die Grenze zwischen Parodie und Arbeitsverweigerung verschwimmt. Er weiß, dass er in einem Live-Action-Cartoon mitspielt, und handelt entsprechend.
Klar, Smith verfügt über ein magisches Reservoir an Patronen. Nachladen wird lediglich als rhythmisches Element genutzt, nicht als logische Notwendigkeit. Das muss dem Zuschauer bewusst sein.
Die Dialoge sind aber von einer Trockenheit, die an Dehydration grenzt. Jeder Oneliner sitzt so gewollt tief, dass er fast schon wieder intellektuell wirkt. Fast.
Das Werk aus dem Jahr 2007 feiert seine eigene Absurdität in jeder Sekunde. Es ist ein Film, der sich selbst so wenig ernst nimmt, dass jegliche Kritik an der Unglaubwürdigkeit ins Leere läuft.

Nicht zu vergessen der rockige Soundtrack von Größen wie Nirvana, Motörhead, AC/DC, Wolfmother, Mötley Crue und vielen weiteren.
Leider wird Monica Bellucci erneut nur in der Rolle eines visuellen Requisits geführt. Ihre Präsenz dient einzig und allein der dekorativen Füllung des Bildvordergrunds zwischen den Schusswechseln.

„Shoot ’Em Up“ ist ein übertriebenes Ballett aus Blei und Karotten. Wer eine Handlung sucht, wird enttäuscht. Wer sehen will, wie Clive Owen im freien Fall eine ganze Armee dezimiert, erhält genau das. Absurd aber spaßig. 

30th Century Wolf präsentiert:

Das Schweigen der Hammel

Wer "Das Schweigen der Lämmer" und "Psycho" liebt, aber schon immer fand, dass Hannibal Lecter viel zu wenig Pizza isst, der ist bei „Das Schweigen der Hammel“ aus dem Jahr 1994 goldrichtig. Bei uns im Freundeskreis ist der Film immer wieder mal in geselliger Runde genossen worden. Regisseur und Hauptdarsteller Ezio Greggio zündet hier ein Gagfeuerwerk, das so dermaßen tief fliegt, dass es fast schon wieder Kunst ist.

Die Handlung? Egal. Billy Zane (als Jo Dee Fostar) schaut 81 Minuten lang intensiv und wahlweise verwirrt, während er versucht, den "Psycho-Killer" zu fassen. Sein Mentor? Dom DeLuise als "Dr. Animal Cannibal Pizza", der den wohl witzigsten, aber auch stumpfsinnigsten Kannibalen der Filmgeschichte gibt. Greggio selbst macht als Antonio Motel (natürlich im Cemetery Motel) einen auf Norman Bates – nur mit besserer Frisur und schlechteren Witzen.

Der Film ist eine Reizüberflutung. Neben den offensichtlichen Thriller-Parodien (inklusive Basic Instinct und Addams Family-Gastauftritten) gibt es Slapstick, Kalauer, Gesichter-Verziehen und Anspielungen im Sekundentakt. Ja, viele Witze zünden nicht (mehr), und ja, manchmal sind sie zum Fremdschämen. Aber genau dieser 90er-Jahre-Trash-Charme macht den Film aus.

„Das Schweigen der Hammel“ ist ein Fiebertraum des Klamauks, der sich selbst keine Sekunde ernst nimmt. Wer hirnlose Parodien im Stil von "Die nackte Kanone" mag, aber
auf eine italienische Note steht, wird hier gut unterhalten.

Das Bild sowie auch der Ton gehen in Ordnung.
Der Film ist auch im 4:3 Open matte Format in SD auf der Blu Ray drauf. 

Sam Raimis („Tanz der Teufel“, „Drag me to hell“) Rückkehr ins Horrorgenre ist mit dem ganz frischen „Send Help“ gleichermaßen überraschend wie atmosphärisch ausgefallen. Wer den gewohnten „Raimi-Splatter“ erwartet, muss hier jedoch umdenken. Der Film präsentiert sich fast schon als entschleunigter, psychologischer Survival-Thriller, der vor der traumhaften, aber tödlichen Kulisse einer tropischen Insel spielt.

Die schauspielerische Leistung des Duos ist zweifellos das Herzstück des Films. Rachel McAdams und Dylan O’Brien liefern eine phänomenale Chemie ab, wobei besonders O’Brien die physische Belastung des Überlebenskampfes spürbar macht. McAdams bringt eine emotionale Tiefe ein, die über das übliche Genre-Niveau hinausgeht. Auch wenn man Raimis Handschrift eher in den subtilen Kamerawinkeln und dem cleveren Sounddesign wiederfindet, bleibt es ein für ihn ungewöhnlich bodenständiger Film.

Vergleiche zum thematisch ähnlich gelagerten „Apex“ lassen sich nicht vermeiden. Während „Apex“ jedoch deutlich härter, fieser und kompromissloser in seiner Gewaltdarstellung zu Werke ging, setzt „Send Help“ eher auf die schleichende Paranoia und die Isolation. Wo „Apex“ zuschlägt, lässt Raimi die Kamera oft im entscheidenden Moment verweilen, was dem Film eine ganz eigene, wenn auch weniger „reißerische“ Note verleiht.

Für Fans wie mich hat Raimi, zumindest im ersten Drittel zahlreiche Easter Eggs versteckt, die auf sein bisheriges Schaffen anspielen. Die Suche danach macht, zumindest beim ersten Schauen, großen Spaß. Stichwort: Halskette, Gemälde und das gelbe 1973er Oldsmobile Delta 88.

Ein kleiner Wermutstropfen ist allerdings das Pacing: Mit knapp zwei Stunden ist der Trip auf die Insel etwas zu lange geraten. Im Mittelteil verliert sich die Handlung zeitweise in der üppigen Optik, was den Spannungsbogen unnötig dehnt.

Auch verstehe ich nicht, warum Computereffekte im Jahr 2026 immer noch so aussehen, wie vor zwanzig Jahren. Egal ob beim Flugzeugabsturz, beim Wildschwein oder beim bröckelnden Gestein – man erkennt immer, wenn der Computer mitgeholfen hat – schade.

„Send Help“ ist trotzdem ein solider, visuell beeindruckender Survival-Trip. Er erreicht zwar nicht ganz die bösartige Intensität von „Apex“, punktet dafür aber mit einem starken Cast und einer für Raimi ungewohnt reifen Inszenierung. Ein kleiner Tipp für Genre-Fans, die es lieber atmosphärisch als plump blutig mögen. 

Sieben (4K UHD, HDR) David Finchers „Sieben“ aus dem Jahr 1995 ist kein gewöhnlicher Thriller – es ist ein cineastischer Abstieg in den moralischen Abgrund. Auch fast drei Jahrzehnte nach seiner Veröffentlichung bleibt das Werk der Goldstandard des düsteren Kinos. Nur „Das Schweigen der Lämmer“ erreicht für mich eine noch beklemmendere Intensität, doch während Jonathan Demmes Klassiker aus dem Jahr 1991 im klinischen Weiß der Anstalt beginnt, lässt Fincher uns im Dreck versinken.

Die Atmosphäre ist der eigentliche Protagonist des Films. Es herrscht ein permanenter, peitschender Regen, der die namenlose Großstadt in ein schlammiges Grau taucht. Alles wirkt baufällig, ölig und verbraucht. In dieser urbanen Hölle jagen der besonnene, kurz vor der Pensionierung stehende Somerset (Morgan Freeman) und der hitzköpfige Neuling Mills (Brad Pitt) einen Serienmörder, der seine Taten als predigtartige Mahnmale inszeniert.

Das Grauen findet dabei oft im Kopf des Zuschauers statt. Fincher zeigt nicht die Tat, sondern das makabre Resultat der sieben Todsünden. Die Tatorte sind gezeichnet vom Schrecken: Völlerei, Habgier, Trägheit, Zorn, Hochmut, Wollust und Neid - jede Entdeckung ist ein psychologischer Tiefschlag. Brad Pitt verkörpert die jugendliche Arroganz, die glaubt, das Böse besiegen zu können, während Freemans Charakter längst weiß, dass man es höchstens verwalten kann.

Alles steuert unaufhaltsam auf das erschütternde Finale in der staubigen Einöde zu. Es ist ein Ende, das mutig ist. Ein Schockmoment, der den Zuschauer vollkommen geschockt zurücklässt. „Sieben“ bietet keine Erlösung und keinen billigen Trost.

Leider gibts aber auch etwas Kritik. Die einzige nennenswerte weibliche Rolle, gespielt von Gwyneth Paltrow, dient lediglich als „Plot Device“. Sie hat keine eigene Story, sondern existiert primär, um das emotionale sowie traumatische Finale zu ermöglichen.
Auch sind die einige Morde, vor allem „Trägheit“ logistisch und vom Aufwand so gut wie unmöglich.
Allerdings ist dies meckern auf sehr hohem Niveau.

„Sieben“ ist ein düsteres Meisterwerk, das beweist, dass das wahre Grauen nicht in Monstern liegt, sondern in der konsequenten Logik des Wahnsinns. Ein absoluter Klassiker, der bis zur letzten Sekunde unterhält.

Das 4K UHD Bild weiß zu überzeugen. Klar, „Sieben“ ist ein düsterer Film mit vielen Schatten und wiederholender Dunkelheit, dennoch sah er noch nie so gut aus. Filmkorn wird feinst aufgelöst wiedergegeben und farblich liegt man zwischen blau, grau und goldtönen. Ein cleaner und sauberer Film wird „Sieben“ nie sein, und das ist gut so. Dennoch gibts bei guter Beleuchtung massenweise Details zu erkennen. Egal ob kleinste Regentropfen auf den Autofenstern, Straßenbeschaffenheiten, Hautporen oder die Struktur von Krawatten und Sakkos. Hier gibts immer wieder Schärfe, die es früher nicht gab.
Auch der Schwarzwert ist schön satt, ohne Details absaufen zu lassen. Spitzenhelligkeiten gibts zwar selten bei Taschenlampen, dafür aber bei vielen metallischen Gegenständen, polizeilichem Blaulicht, dem Glanz in den Augen oder wenn sich helle Flächen in Wasser oder Pfützen spiegeln.
Anscheinend hat David Fincher am Bild gespielt und dabei Details ersetzt und Farbakzente erneuert - (negativ) aufgefallen ist mir davon aber nichts.
Insgesamt würd ich sagen, dass der Film nun eine perfekte Mischung aus schmuddelig düster und detailreich sauber gefunden hat.

Der Dolby Digital Ton ist quasi identisch mit dem Ton der Blu Ray. Lediglich ein paar (ca. 5) Dezibel sollte man den Grundpegel anheben, damit man alles hört. Dann bekommt man erneut saubere Dialoge, den Score von Howard Shore und nette Surroundeffekte (Regen!) auf die Ohren.

Extras wie Audiokommentare, nicht verwendete Szenen und ein alternatives Ende gibts auch schon auf der UHD.

An ein Wendecover ohne FSK16 Flatschen wurde gedacht. 

In Chris Goraks „The Darkest Hour“ aus dem Jahr 2011 verwandelt sich ein sommerlicher Businesstrip nach Moskau schlagartig in ein interstellares Schlachtfeld. Der Film wirft seine Protagonisten, angeführt von Emile Hirsch, in eine Alien-Invasion, die man so noch nicht gesehen hat. Die Angreifer sind nahezu unsichtbar, bestehen aus reiner Energie und „zerstäuben“ organisches Leben bei bloßer Berührung.

Der größte Star des Films sind zweifellos die Originalschauplätze. Moskau als Kulisse bietet eine erfrischende Abwechslung zum ewigen New-York-Szenario. Wenn die Kamera über den menschenleeren Roten Platz oder die gespenstisch stillen Metro-Stationen schwenkt, entfaltet der Film eine starke, beklemmende Atmosphäre. Das visuelle Konzept der Aliens, wahrnehmbar nur durch das Aufleuchten elektrischer Geräte in ihrer Nähe, sorgt vor allem in der ersten Hälfte für echtes Knistern und originelle Survival-Momente.

Das war´s dann auch leider schon mit den guten Eigenschaften. Während die Idee und das Setting glänzen, bleiben die Charaktere leider viel zu blass. Die Dialoge dienen oft nur dazu, die nächste Action-Sequenz einzuleiten, und das Drehbuch verpasst es, die mythologische Tiefe der Invasoren wirklich auszuloten. Gegen Ende flüchtet sich der Film in bewährte Genre-Klischees, die dem sonst coolen und innovativen Design der Gegner nicht ganz gerecht werden.

„The Darkest Hour“ ist dennoch ein kurzweiliger Sci-Fi-Actioner für eine einmalige Sichtung. Er bietet starke Bilder und ein unverbrauchtes Setting, krankt aber an einer zu flachen Story. Ein solider Survival-Trip für einen Popcorn-Abend unter Genrefreunden, der zeigt, dass in der Idee definitiv noch mehr Energie gesteckt hätte.

Bild und Ton sind mehr als ordentlich und können überzeugen. 

Regisseur James Mangolds („Le Mans 66“, „Cop Land“) „Identität“ aus dem Jahr 2003 ist ein Paradebeispiel für einen effizienten Psycho-Mystery-Thriller, der zeigt, wie man mit einem minimalistischen Setting maximale psychologische Wirkung erzielt. In einer Zeit von überlangen Blockbustern ist dieses Werk mit seiner knackigen Laufzeit von nicht einmal 90 Minuten eine Offenbarung an erzählerischer Dichte und Präzision.

„Identität?? ? beginnt wie ein klassischer Kammerspiel-Albtraum: Zehn Fremde stranden während eines heftigen Unwetters in einem abgelegenen Motel in Nevada. Die Straßen sind überflutet, die Telefonleitungen tot. Als einer nach dem anderen auf mysteriöse Weise ums Leben kommt, beginnt ein paranoider Wettlauf gegen die Zeit. Doch Mangold gibt sich nicht mit einem simplen Slasher-Motiv zufrieden - er webt ein komplexes Netz aus subtilen Hinweisen, das weit über das Offensichtliche hinausgeht.

Die Besetzung ist perfekt gecasted worden. John Cusack überzeugt als besonnener Chauffeur mit dunkler Vergangenheit, während Ray Liotta als nervöser Polizist eine gewohnt intensive und kantige Performance abliefert. Die Chemie zwischen den Charakteren ist von tiefem Misstrauen geprägt, was die klaustrophobische Atmosphäre des Motels perfekt unterstreicht. Man spürt förmlich die Nässe des Regens und die Enge der Räume.

Besonders hervorzuheben ist die meisterhafte Spannungskurve. Mangold verzichtet auf unnötigen Ballast und treibt die Handlung mit einem unerbittlichen Tempo voran. Jede Szene, jeder Dialogfetzen dient dem großen Rätsel. Dabei spielt der Film geschickt mit den Erwartungen des Publikums und führt es immer wieder auf falsche Fährten, ohne dabei jemals die Logik seiner eigenen Welt zu verraten.

„Identität“ ist ein intelligentes, atmosphärisch dichtes Meisterstück des Mystery-Genres, welches schon öfters in meinem Player rotierte. Wer einen Film sucht, der ohne Leerlauf direkt zur Sache geht und dennoch tiefgreifende psychologische Spannung bietet, kommt an diesem Kammerspiel nicht vorbei. Ein absolutes Muss für jeden (Psycho)Thriller-Fan.

Bild und Ton sind immer noch klasse. Vor allem beim Ton fühlt man sich während des Dauerregens immer mittendrin. 

Nach dem, für mich, schlechtesten Film 2025 und dem dritten Eintrag in das Franchise namens „28 Years Later“, war meine Erwartung an „Bone Temple“ gleich Null, allerdings siegte dann doch die Neugier. Regisseurin Nia DaCosta („Candyman“ aus 2021) liefert mit „28 Years Later: The Bone Temple“ im Grunde genommen nichts weiter als eine aufgeblähte, uninspirierte Episode, die sich anfühlt wie der Bodensatz einer schwachen „The Walking Dead“-Staffel. Teilweise dachte ich mir wirklich, dass die Handlung in einer Miniserie (vielleicht auch unter anderem Namen) besser aufgehoben wäre.

Wo Danny Boyle 2002 klaustrophobischen Terror und gesellschaftliche Zerbrechlichkeit einfing, präsentiert DaCosta ein „Microuniversum“, das so klein, belanglos und engstirnig ist, dass man sich fragt, warum dieser Film überhaupt existiert.

Klar, der Film schließt direkt an den ebenso schwachen Vorgänger an. Die Handlung ist nicht nur unwichtig, sie ist praktisch nicht vorhanden. Man folgt Charakteren durch ein repetitives Szenario, dessen Ausgang einem bereits nach zehn Minuten völlig gleichgültig ist. DaCosta beweist einmal mehr, dass sie es einfach nicht draufhat, Spannung dynamisch aufzubauen. Stattdessen setzt sie auf billige Jumpscares und eine gähnend lahme Story-Struktur, die jeden Rhythmus vermissen lässt.

Besonders schmerzhaft ist der Anblick vom dreifach Oscar nominierten Ralph Fiennes („Schindlers Liste“, „Der englische Patient“). Ein Schauspieler seines Formats wirkt hier wie ein Fremdkörper, der verzweifelt versucht, den hölzernen Dialogen so etwas wie Würde zu verleihen… leider ein aussichtsloses Unterfangen. Sein Charakter ist so dünn geschrieben, dass man seine Motivationen nicht einmal mit der Lupe findet. Aber auch unter den weiteren Charakteren sucht man vergeblich einen zentralen, geerdeten Anker.

Was bleibt, ist, neben einer zugegeben ordentlichen musikalischen Auswahl von „Duran Duran“, die Gewalt. Doch wer hier auf die rohe Intensität des Originals hofft, wird enttäuscht. Die Brutalität in „The Bone Temple“ ist purer Selbstzweck, ein zynisches Zugeständnis an die Gorehounds, um die gähnende Leere des Skripts zu kaschieren. Blut spritzt, Knochen knacken, aber es lässt einen vollkommen kalt, weil kein emotionales Fundament existiert.

„28 Years Later: The Bone Temple“ ist ein steriles Experiment in Sachen Belanglosigkeit. Ein weiterer Film, der den Namen des Franchise beschmutzt und beweist, dass manche Geschichten besser in der Vergangenheit geblieben wären. Ein lebloses Stück Zelluloid, das, zumindest bei mir, schneller in Vergessenheit geraten wird als das Leben der Infizierten, die es porträtiert.

Audiovisuell wurde alles 1:1 vom Vorgänger übernommen. Das Bild, welches (ua) mit einem Iphone 16 Pro gefilmt wurde bietet knallige Farben, satte Schwarzwerte und tolle Spitzenkontraste, könnte aber gerade in Bewegung etwas fokussierter und schärfer sein.

Der deutsche DTS HD MA 5.1 Ton macht vieles richtig, könnte aber insgesamt etwas dynamischer daherkommen. Auch von den Rear-Lautsprechern hatte ich mir mehr Umgebungsgeräusche gewünscht. Dialoge kommen glasklar daher und auch der Subwoofer darf bei teil Schocker-Szenen mitmischen. Insgesamt ein solider bis guter Ton. 

Natürlich habe ich bei einem Film namens „Cocaine Bear“ kein tiefgründiges Drama erwartet. Elizabeth Banks’ Regiearbeit ist genau das, was der Titel verspricht: Eine völlig absurde Survival-Komödie, die auf einer (sehr weit entfernten) wahren Begebenheit basiert und den Wahnsinn zelebriert.

Der wichtigste Rat vorab: Schraubt eure Erwartungen herunter. Dies ist kein Meisterwerk des Storytellings, sondern ein lupenreiner B-Movie mit A-Listen-Budget. Die 90minütige Handlung rund um den (dank CGI wirklich toll inszenierten) Schwarzbären, der kiloweise Koks verschlingt und daraufhin im Nationalpark Amok läuft, dient lediglich als Aufhänger für herrlich übertriebene Sequenzen. Fans von gepflegtem, übertriebenem Gore kommen hier voll auf ihre Kosten, denn die Effekte sind handfest, blutig und oft so drüber, dass man eher lacht oder schmerzverzerrt dreinschaut, als sich gruselt.

Schauspielerisch wird solide Kost geboten. Die immer noch hübsche Keri Russell gibt dem Chaos als besorgte Mutter eine nötige Erdung, während Alden Ehrenreich (an der Seite des leider verstorbenen Ray Liotta) mit gutem komödiantischem Timing überzeugt. Dennoch bleiben die menschlichen Figuren meist nur Futter für den eigentlichen Star des Films – den CGI-Bären auf dem Trip seines Lebens.

Am Ende ist „Cocaine Bear“ kein Film, den man zweimal sehen muss. Eine einmalige Sichtung in geselliger Runde mit ein paar Kaltgetränken reicht völlig aus. In der richtigen Gruppe zündet der schwarze Humor und die kurzweilige Laufzeit sorgt dafür, dass der Witz nicht verraucht. Ein blutiger Party-Snack für Zwischendurch, der am nächsten Tag bereits wieder vergessen ist. 

Der Film wurde im Trailer als spannender Thriller bzw. ein Katz-und-Maus-Spiel präsentiert und erweist sich leider als völlig inhaltsloser Versuch, diese Erwartungen des Publikums zu erfüllen. Es gibt keine Twists, keine Spannung - alles ist vorhersehbar. Man wartet darauf überrascht zu werden aber es passiert nichts. Richtige ​​​​​​ Wow-Momente sucht man vergebens. Das obwohl die Story ja gar nicht mal so schlecht klingt… zumindest am Papier.

Man kann einfach nicht glauben, wie langweilig die Geschichte ist, die ausschließlich auf Josh Hartnetts Charisma beruht. Er spielt in diesem Film eine sehr gute Rolle, einige seiner schauspielerischen Mimiken sind echt klasse. Aber manchmal gibt´s auch von ihm etwas overacting. So oder so, ohne ihn wäre es unmöglich, diesen Unsinn anzusehen.
Die knapp 100 Minuten fühlten sich doppelt so lange an. Alleine die Konzertszene dauert knapp eine Stunde und läutet eigentlich schon das Finale ein, wo dann der Film immer noch eine Dreiviertelstunde läuft… und diese zieht sich aufgrund fehlender Spannung noch viel mehr.

Achja, Spezialeinheiten und Polizisten werden dargestellt, als wären sie inkompetente Kinder ohne Logik. Ja, manchmal machen sie auch im echten Leben Fehler, aber in der ersten Hälfte des Films sind sie einfach nur strohdumm, dass das ganze fast wie eine Komödie wirkt. Von den vielen Logiklöchern fang ich erst gar nicht an.
Am Ende führt die ganze Handlung ins Leere – das Finale ist frei von Schlussfolgerungen, Wendungen oder Drama. Es gibt buchstäblich kein Ende! Es ist, als wären die ganzen anderthalb Stunden nirgendwo hingegangen.

Eine der größten Enttäuschungen des Jahres.
Nein, M. Night Shyamalan macht mal gute und mal schlechte Filme… dieser zählt wieder mal zu letzteren.
Und dass er seine eigene Tochter fast ein Drittel des Films als Mega Sängerin/Schauspielerin pusht (obwohl beides wenig Talent aufscheinen lässt) erinnert schon fast an Til Schweiger.

Leute, spart euch den Film! 

Über die Qualität der Ace Ventura Serie kann man sich streiten - auch ich fand sie früher unterhaltsamer. Dennoch Top, nun alle 41 Folgen (sogar zwei verschollene) nun auf zwei Blu-Ray Discs aufgeteilt zu bekommen.

Leider führt dies zu Komprimierung der Bildqualität, was sich sofort bemerkbar macht. Egal ob nun restauriert wurde oder nicht - das Bild wirkt wachsig und unscharf. Aber auch Konturen überstrahlen und zeigen immer wieder Doppelkonturen. Einzig Farben kommen gut saturiert daher.

Ganz schlimm finde ich aber den Bildausschnitt. Im Original damals noch im 4:3 TV Format ausgestrahlt, wurde hier einfach nur hineingezoomt. So kommt es natürlich, dass nicht nur links und rechts Bildinformation verloren geht sondern auch häufig Füße oder Frisuren abgeschnitten werden. Immer wieder wird dadurch das Bild nicht nur hässlich sondern auch etwas unübersichtlich. Schade.

Hätte ich das vorher gewusst, hätte ich lieber auf eine "richtige" restaurierte Version gewartet. Als Fan der Filme und des gesamten Franchises bleibt die Disc aber dennoch in der Sammlung...
Immerhin bekommen wir deutsche Hörer Jim Carreys Original Synchronsprecher Stefan Fredrich auf die Ohren, während im Original nicht ein einziger Originalsprecher der Filme mit an Bord war. 

„Die Vorahnung“ (Originaltitel: Premonition) ist ein faszinierender Mystery-Thriller, der den Zuschauer von der ersten Minute an in ein psychologisches Labyrinth schickt. Mit einer kompakten Laufzeit von knapp 90 Minuten gelingt es Regisseur Mennan Yapo, eine beklemmende Atmosphäre zu schaffen, die einen konsequent im Unklaren lässt.

Im Zentrum steht Sandra Bullock als Linda Hanson, deren geregeltes Vorstadtleben aus den Fugen gerät, als sie die Nachricht vom Tod ihres Ehemannes erhält – nur um am nächsten Morgen aufzuwachen und ihn lebendig am Frühstückstisch vorzufinden. Was folgt, ist ein emotionales Gefühlschaos, das Bullock mit einer beeindruckenden Mischung aus Verzweiflung und Entschlossenheit trägt. Der Film spielt geschickt mit einer nicht-linearen Erzählweise: Linda erlebt die Tage der Woche in völlig ungeordneter Reihenfolge.

Dieses erzählerische Instrument sorgt für eine enorme Spannung, da man gemeinsam mit der Protagonistin versucht, das Puzzle ihres Lebens zusammenzusetzen. Ist es eine psychische Störung, eine Warnung des Schicksals oder ein Blick in eine unveränderbare Zukunft? Der Film stellt die quälende Frage, ob man den Tod überlisten kann, wenn man ihn kommen sieht.

Besonders hervorzuheben ist das konsequente Pacing. Der Film verliert sich nicht in Erklärungsversuchen, sondern bleibt ganz bei der emotionalen Zerrissenheit seiner Heldin. Das führt schließlich zu einem unausweichlichen, mutigen Finale, das sich wohltuend von den gängigen Hollywood-Klischees abhebt.
„Die Vorahnung“ ist kein klassischer Grusel-Schocker, sondern ein intelligentes Mystery-Drama über Schicksal und Vergebung, das noch lange nach dem Abspann zum Nachdenken anregt. 

Wer Lust auf klassisches Fantasy-Kino hat, das nicht zu düster sein sollte, ist bei „Jack and the Giants“ (Originaltitel: Jack the Giant Slayer) genau richtig. Regisseur Bryan Singer nimmt das bekannte Märchen von der Bohnenranke und verwandelt es in ein rasant erzähltes Action-Spektakel mit tollem Pacing.

Vom ersten Moment an, in dem die legendären Bohnen sprießen und Jack (Nicholas Hoult) in den Himmel katapultieren, gönnt der Film dem Zuschauer kaum eine Atempause. Die Erzählstruktur ist straff, die Übergänge zwischen der Welt der Menschen und dem Reich der Riesen in den Wolken wirken organisch und treiben die Handlung konsequent voran. Dabei findet der Film die perfekte Balance zwischen epischer Bedrohung und einem erfrischenden Schuss Humor. Besonders die Interaktionen zwischen den ungeschickten Riesen und der königlichen Garde sorgen für amüsante Momente, die die Spannung auflockern, ohne die Ernsthaftigkeit der Gefahr zu untergraben.

Ein weiteres Highlight ist das Casting. Es macht schlichtweg Freude, so viele bekannte Gesichter in Spiellaune zu sehen. Nicholas Hoult überzeugt als sympathischer Underdog, während Ewan McGregor als heldenhafter Elmont mit viel Charme und einer Prise Selbstironie punktet. Stanley Tucci liefert als intriganter Bösewicht gewohnt brillant ab, und Bill Nighy verleiht dem zweiköpfigen Anführer der Riesen eine bedrohliche Präsenz.

Lediglich der Endfight hätte etwas kürzer ausfallen dürfen.

„Jack and the Giants“ erfindet das Rad nicht neu, aber es dreht sich verdammt gut. Ein tolles Fantasy-Abenteuer mit Herz, Witz und einer Besetzung, die sichtlich Spaß an der Sache hatte. 

Ein brillanter, aber exzentrischer Wissenschaftler beginnt sich in einen riesigen Mensch-Fliegen-Hybrid zu verwandeln, nachdem eines seiner Experimente schrecklich schief gelaufen ist.

David Cronenbergs Remake aus dem Jahr 1986 ist ein Horror-Klassiker. Er nimmt sich viel Zeit um die Charaktere vorzustellen, obwohl bereits schon gleich zu Beginn seine wissenschaftliche Arbeit im Vordergrund steht. Nach einigen missglückten und ekligen Versuchen ist es dann so weit und Jeff Goldblum als Seth Brundle aka „Brundlefly“ hat sich selbst teleportiert, allerdings wurde dabei seine DNA mit der einer gewöhnlichen Hausfliege vermischt.

Und hier beginnt der Ekel von „Die Fliege“, denn die stückweise Verwandlung, nicht nur optisch sondern auch psychisch, ist auch heutzutage noch faszinierend und eklig zugleich. Gegen Ende hin wird’s sogar richtig fies und eklig- genial hier die Hülle an Masken und Effekten! Hier kann einen Goldblum schon richtig leid tun. Auch das Pacing wird gegen Ende hin auch immer flotter.

Der Cast ist überschaubar gehalten und spielt solide. Einzig einige Fremdschäm-Dialoge und etwas Overacting (gerade in der ersten Hälfte) stören den phantastischen Gesamteindruck.

Für mich ist „Die Fliege“ (1986) auch nach mehrmaliger Sichtung ein Horrorfilm, der in jede gut sortierte Filmsammlung gehört. Das Original habe ich leider noch nicht gesehen, wird aber bestimmt mal nachgeholt. 

Ja, der Film ist bekannt für seine massiven Logik- und Kontinuitätsfehler. Der größte Fehler ist das Alter der Protagonistin Heather Miller. Die Eröffnungsszenen spielen direkt im Anschluss an das Original von 1974. Ein Baby, das 1974 geboren wurde, müsste im Jahr 2013, in dem der Film spielt, etwa 39 oder 40 Jahre alt sein. Heather wird jedoch als Anfang 20 dargestellt. Das macht natürlich keinen Sinn.
Aber auch zu Beginn des Films, nach den hilfreichen Flashbacks, wird die Anzahl der Sawyer-Familienmitglieder stark erhöht, die im Haus waren, was nicht mit den Ereignissen des 1974er Originals übereinstimmt.

Texas Chainsaw 2D bzw. 3D aus dem Jahr 2013 ist das wohl unterschätzteste Kapitel der Franchise-Historie. Während sich die Fortsetzungen der Original-Timeline oft in bizarrem Slapstick (Teil 2) oder ideenlosen Wiederholungen (Teil 3) verloren, besinnt sich dieser Film (der Reboot-Timeline) direkt nach den Ereignissen des 1974er-Klassikers auf die rohe Gewalt der Familie Sawyer – und macht dabei verdammt viel Boden gut.

Mit einer Laufzeit von knackigen 90 Minuten beweist der Film ein straffes Pacing, das keine Zeit für unnötigen Ballast lässt. Sobald die hübsche Alexandra Daddario als Heather Miller ihr Erbe im ländlichen Texas antritt, zieht die Spannungsschraube gnadenlos an. Der Film setzt auf einen herrlich dreckigen Look, der die staubige, hitzeflimmernde Atmosphäre des Südens perfekt einfängt und den Zuschauer direkt in die Schusslinie von Leatherface katapultiert.

Die Highlights sind zweifellos die spannenden Verfolgungsjagden und die fiesen Kills. Die Effekte sind wuchtig, blutig und handgemacht – ein Fest für Gorehounds, das die Gore-Elemente der direkten Vorgänger locker in den Schatten stellt. Leatherface wirkt hier wieder wie eine unaufhaltsame Naturgewalt.

Ja, die oben genannten berüchtigten Kontinuitätsfehler sind vorhanden und fordern ein gewisses Maß an Akzeptanz. Doch wer darüber hinwegsehen kann, bekommt ein ordentliches Sequel, das die Mythologie der Sawyers sinnvoll (und emotional überraschend) erweitert. Für Fans der Kettensäge ist dieser Timeline-Reboot ein absolutes Muss. Kompakt, brutal und visuell beeindruckend. 

Zehn Jahre nach dem Welterfolg von „Das Schweigen der Lämmer“ wagte Ridley Scott mit Hannibal (2001) das Unmögliche: eine Fortsetzung, die den psychologischen Horror in barocke Pracht und explizite Gewalt übersetzt. Das Ergebnis ist ein visuell berauschender Thriller, das seinen ganz eigenen, düsteren Rhythmus findet.

Die größte Herausforderung war die Neubesetzung der Clarice Starling. Julianne Moore erweist sich hierbei als perfekter Ersatz für Jodie Foster. Sie verleiht der älteren, desillusionierten Clarice eine unantastbare Härte und zugleich eine zerbrechliche Melancholie, die hervorragend zur unterkühlten Atmosphäre des Films passt. Ihr gegenüber brilliert Anthony Hopkins, der die Rolle des Dr. Lecter nun mit einer fast aristokratischen Gelassenheit ausfüllt.

Regisseur Ridley Scott verwebt meisterhaft drei spannende Handlungsstränge. Hannibals luxuriöses Exil in Florenz inkl. Kopfgeldjäger, Clarices Kampf gegen die Korruption innerhalb des FBI und den grausamen Rachefeldzug des Mason Verger. Letzterer wird von einem phänomenalen Gary Oldman gespielt, der unter Masken aus Narbengewebe absolut nicht zu erkennen ist. Seine Darstellung des entstellten Pädophilen ist körperlich abstoßend und bildet den moralischen Tiefpunkt der Geschichte.

Den unvergesslichen Höhepunkt bildet das berühmte Finale, in dem Ray Liotta als korrupter Paul Krendler eine tragende, und im wahrsten Sinne des Wortes geschmacklose, Rolle spielt. Diese Szene ist bis heute Kult und markiert die Grenze zwischen psychologischem Thriller und exzessivem Horror.

„Hannibal“ ist kein subtiles Kammerspiel mehr, sondern ein blutiges, opernhaftes Epos über Besessenheit, kommt aber leider nicht ganz an den grandiosen ersten Teil heran. Dennoch, ein Muss für Fans gepflegten Psychothrillers.