Filmbewertungen von Ninjatune666

Einer meiner Lieblingsfilme! Fand den schon 1998 im Kino stark. Zigmal gesehen und immer noch gut.
„Event Horizon“ ist weit mehr als nur ein weiterer Science-Fiction-Film der 90er Jahre - er ist ein düsteres Meisterwerk, das Sci-Fi mit Horror der Güteklasse "Hellraiser" kreuzt. Obwohl der Film von Paul W.S. Anderson („Resident Evil“) bei seinem Erscheinen 1997 floppte, gilt er heute zu Recht als absoluter Kultklassiker, der auch fast drei Jahrzehnte später nichts von seiner bedrohlichen Intensität verloren hat.

Anders als viele Filme seiner Ära setzt Event Horizon auf beeindruckende, physische Kulissen (inspiriert von gotischer Architektur) und handgemachte Gore-Effekte. Das Design des Schiffes wirkt "dreckig", industriell und bedrohlich, was den Film modern hält.

Der Film erzeugt eine dichte, paranoide Stimmung, die stark an „Alien“ erinnert. Er setzt auf psychologischen Horror – die Crew wird mit eigenen Schuldgefühlen und Ängsten konfrontiert. Der Film wandelt den klassischen "Haunted House"-Plot in eine "Haunted Spaceship"-Geschichte um, wobei das Schiff selbst ein Tor zur Hölle ist.

Mit einer Laufzeit von nur ca. 96 Minuten kommt „Event Horizon“ extrem schnell zur Sache. Es gibt kaum Leerlauf. Die Handlung schreitet zügig voran, getrieben von Sam Neills brillanter Darstellung des langsam wahnsinnig werdenden Konstrukteurs und Fishburnes souveräner Rolle als Captain. Der Film ist ein intensiver, schockierender Ritt.

„Event Horizon“ ist ein Fest für Fans von Weltraum-Horror. Er ist kurzweilig, brutal, atmosphärisch dicht und bietet mit seiner Mischung aus gruseligem Sci-Fi und übernatürlichem Horror ein einzigartiges Erlebnis, das auch heute noch als Maßstab im Genre gilt.



Das 4K Dolby Vision Bild ist eine große Steigerung gegenüber der künstlich hochgeschärften Blu Ray. Auf den ersten Blick kommt die 4K nicht unbedingt schärfere daher, dafür aber viel sauberer, bietet natürliche Hautfarben, einen guten Schwarzwert und satte Kontraste, vor allem bei den hellen Spitzlichtern. Auf den zweiten Blick allerdings, wirken viele Szenen dank 4K Abtastung dann doch wesentlich schärfer, als noch bei der Blu Ray. Das damalige entfernte Filmkorn der BR ist nun wieder dezent und fein aufgelöst da und kann so wieder Details zeigen, die auf der BR weggefiltert wurden. Insgesamt lohnt sich das Upgrade definitiv, zumal nun auch endlich wieder die Verzerrung des Bildformates (Eierköpfe) Schnee von gestern sind.

Der deutsche DD 5.1 Ton mag im Jahr 2026 zwar am Papier schwach klingen, dennoch beweist „Event Horizon“, dass auch solche alten Tonspuren noch mächtig Dampf machen können. Bei Minute 3, als das Raumschiff im All fliegt, geht der Subwoofer so weit runter, dass es eine Freude ist. Dialoge sind jederzeit gut verständlich. Lediglich etwas mehr Einsatz der hinteren Lautsprechern hätte ich mir noch gewünscht. 

Mit „Hunted – Waldsterben“ aus dem Jahr 2020 liefert Vincent Paronnaud, bekannt als Autor für den starken „Persepolis“, einen modernen Rape-and-Revenge-Thriller ab, der das Rotkäppchen-Motiv in die düsteren Wälder Belgiens verlegt. Der Film beginnt stark, atmosphärisch dicht und brutal, schwächelt jedoch im letzten Drittel.

Man folgt Ève (Lucie Debay), die nach einem verhängnisvollen Barbesuch von zwei psychopathischen Männern entführt wird. Nach der Flucht in einen abgelegenen Wald beginnt ein gnadenloses Katz-und-Maus-Spiel. Paronnaud inszeniert dies zunächst als klaustrophobischen Überlebenskampf, der durch bittere Kommentare zu toxischer Männlichkeit punktet. Besonders stark ist teilweise die visuelle Umsetzung, die oft märchenhaft-surreale Elemente nutzt, während sich die Protagonistin zur „Jägerin“ entwickelt.

Allerdings schwächt der Film im letzten Drittel leider ab. Die Handlung, die anfangs noch geerdet wirkt, driftet in zu gekünstelte und absurde Szenen ab – exemplarisch hierfür steht eine Paintball-Szene, die den Spannungsbogen eher unterbricht als fördert. Zudem müssen Genrefans über einige Logikfehler hinwegsehen. Das Verhalten der Charaktere ist stellenweise nicht nachvollziehbar, und das große Finale wirkt weniger organisch als vielmehr konstruiert und leider auch etwas in die Länge gezogen.

Dennoch bleibt „Hunted – Waldsterben“ solide Kost. Für Liebhaber des Genres, die eine stylishe, blutige und etwas andere Rotkäppchen-Interpretation suchen, bietet der Film trotz der erzählerischen Brüche im Finale gute Unterhaltung. Die starke Performance von Debay hält den Film auch in schwächeren Momenten zusammen.

Fazit: Ein stylisher Survival-Trip, der gut beginnt, aber leider zu gekünstelt endet. Einmalsichtung reicht. 

Während viele Action-Franchises der 80er und 90er Jahre mit jedem Sequel flacher wurden, markiert der vierte Teil der (im deutschen Titel etwas verwirrenden) „Karate Tiger“-Reihe – im Original war das der erste der „Best of the Best“ Reihe, man brauchte aber für den boomenden deutschen Markt einen neuen „Karate-Film“ – einen qualitativen Höhepunkt. Er ist zweifellos der geerdetste Film der Serie und verzichtet auf Comic-Bösewichte, um stattdessen ein echtes menschliches Drama zu erzählen.

„Best of the Best – Karate Tiger 4“ vereint alle Zutaten eines klassischen, schwarzweiß denkenden Sportlerdramas. Wir haben die „Underdogs“, ein zusammengewürfeltes US-Nationalteam, das gegen die scheinbar unbesiegbaren Kampfmaschinen aus Korea antreten muss. Im Zentrum steht jedoch nicht nur der physische Schmerz, sondern die innere Zerrissenheit der Protagonisten. Eric Roberts liefert als Alex Grady eine erstaunlich empathische Performance ab. Ein Vater, der für seinen Sohn kämpft während Phillip Rhee als Tommy Lee mit den Dämonen seiner Vergangenheit ringt.

Was „Best of the Best“ von stumpfen Prügelfilmen abhebt, ist die Ernsthaftigkeit des Trainings und der Respekt vor der Kampfkunst. Die legendären Trainingsmontagen fangen den Schweiß, die Erschöpfung und den Teamgeist perfekt ein. Es geht nicht um Rache, sondern um Ehre, Selbstüberwindung und Versöhnung. Das Finale in der Arena ist kein bloßes Spektakel, sondern ein emotionaler Wendepunkt, der in einer der rührendsten Szenen der Martial-Arts-Geschichte gipfelt: der gegenseitige Respekt der Kontrahenten über Nationalgrenzen hinweg.

Natürlich gibt’s auch einiges an Kritik, denn neben den beiden Hauptfiguren wirken alle anderen Charaktere zu eindimensional. Auch die Story selbst ist viel zu vorhersehbar. In einigen Momenten trägt der Film etwas zu dick auf. Besonders die Musik und die Zeitlupen-Effekte in emotionalen Szenen grenzen manchmal an Kitsch, was den „geerdeten“ Ton des restlichen Films kurzzeitig stören kann. Und dann wäre da noch das Pacing, denn das finale Kampfturnier kommt erst sehr spät im Film vor und wird dann auch zu schnell beendet – hier nimmt sich der Film etwas zu viel Zeit für die Einleitung bzw. die ersten zwei Akte. Und zum Schluss könnte der Titel für deutsche Zuschauer irreführend sein. Er hat absolut nichts mit der ursprünglichen „Karate Tiger“ Reihe, die ja eigentlich auch „No Retreat, no Surrender“ heißt, um Jean-Claude Van Damme und Loren Avedon zu tun. Das sorgt oft für falsche Erwartungen bei Fans, die eher einen rasanten Actionfilm statt eines langsamen Sport-Dramas erwarten.

Der Film beweist, dass das Genre am stärksten ist, wenn man mit den Figuren mitfühlt, statt nur ihre Tritte zu zählen. Fans von „Rocky“ oder „Karate Kid“ können definitiv einen Blick auf dieses Stück Genrekino mit Herz riskieren. Mir persönlich gefiel er früher aber besser. 

Nach der Ermordung seines Partners und dessen Familie und der Entführung von DEA-Agenten startet McCoy eine private Rettungsmission im Dschungel von San Carlos.

Wenn man an das Actionkino der späten 80er und frühen 90er denkt, führt kein Weg an der Cannon Group und ihrem Aushängeschild Chuck Norris vorbei. In „Delta Force 2 – The Colombian Connection“ aus dem 1990 kehrt Norris als Colonel Scott McCoy zurück, und das Ergebnis ist ein 100-minütiges Brett für jeden Fan von handgemachter Zerstörung.

Der Film nimmt sich zu Beginn die nötige Zeit, um eine persönliche Fallhöhe aufzubauen, da doch einige Personen zuerst sterben müssen, ehe Chuck losgeschickt wird. Der wahre Star neben Chuck ist zweifellos Billy Drago. Als psychopathischer Drogenbaron Ramon Cota liefert Drago eine Performance ab, die man nur als „perfekten Antagonisten“ bezeichnen kann. Mit seiner flüsternden Stimme und der eiskalten Mimik verkörpert er das pure Böse so effektiv, dass man den Moment, in dem McCoy endlich zuschlägt, kaum erwarten kann.

Regisseur Aaron Norris lässt dafür seinen Bruder im letzten Drittel komplett von der Leine. Was hier an Action aufgefahren wird, ist ein Fest für Pyromanen. Sobald das Delta-Team in den Dschungel eindringt, verwandelt sich die Szenerie dank Kampfhubschrauber und Co. in ein orchestrales Chaos aus Explosionen und ohrenbetäubenden Schießereien. Hier wird nicht mit Munition gegeizt. Ganze Lagerkomplexe fliegen in die Luft, während Norris mit gelassener Miene und präzisen Kicks durch die Reihen der Schergen pflügt. Insgesamt verzeichnet „Delta Force 2“ 120 (Bildschirm)Tote.

Obwohl der Film die üblichen Klischees bedient, punktet er durch sein hohes Tempo und die erstklassige Stuntarbeit. Es ist kein philosophisches Meisterwerk, sondern ehrlicher, schweißtreibender Action-Spaß, der genau weiß, was sein Publikum will: Chuck Norris, der das Unrecht mit Blei und Granaten korrigiert.

Schade finde ich aber, dass man hier anstelle von Musik von Alan Silvestri (wie bei Teil 1) auf einen generischen Score setzte und dass man immer wieder Norris Stuntdouble entlarven kann – egal ob beim Fallschirmspringen, beim Klettern oder im Fluchtauto – man erkennt sofort, dass es nicht Chuck ist, der dort zu sehen ist. Das trübt etwas den Gesamteindruck.

Wer auf das goldene Zeitalter des B-Movie-Actionfilms steht, kommt an diesem Dschungel-Inferno nicht vorbei. „Delta Force 2“ ist ein in nostalgischer (Fan)Trip, der auch heute noch durch seine kompromisslose Inszenierung zündet.

Das Blu-Ray Bild ist nicht besonders scharf aber immer noch besser als das der DVD. Auch weist es leider immer noch Verschmutzungen auf – hier wäre mal eine Restauration wünschenswert.

Der 2.0 DTS-HD MA (Mono) Ton ist solide und bietet sogar Druckvolle Explosionen. Dialoge kommen schon manchmal dumpf daher, passen in den meisten Fällen aber.

Als Extra gibt’s neben einem Audiokommentar auf Englisch den Trailer und Filmographien der Darsteller auf der Disc zu finden. 

„Auch ich leiste meinen Beitrag!“
Paul Verhoevens „Starship Troopers“ aus dem Jahr 1997 ist ein absolutes Meisterwerk des Science-Fiction-Kinos, das seiner Zeit weit voraus war. Ich musste den Film damals auf VHS nach dem Abspann gleich nochmal von vorne sehen – was sehr selten vorkommt. Auch heute noch landet der Film, den ich schon fast auswendig kenne, regelmäßig in meinem Player. Was oberflächlich wie ein hirnloses Action-Spektakel wirkt, entpuppt sich bei genauerem Hinsehen als eine der brillantesten Faschismus-Satiren der Filmgeschichte. Basierend auf Robert Heinleins umstrittenem Roman, dreht Verhoeven die Vorlage ins Gegenteil und entlarvt militaristisches Heldentum als tödliche Propaganda.

Man folgt Johnny Rico (Caspar Van Dien) und seinen Freunden (Denise Richards, Neil Patrick Harris und Dina Meyer), die sich nach der Highschool in einer militarisierten Welt, der „Föderation“, zum Dienst an der Waffe verpflichten. Ihr Ziel: Krieg gegen riesige außerirdische Insekten („Bugs“) führen. Verhoeven („Robocop“, „Total Recall“, „Hollow Man“) inszeniert dies als „schwarz-weiße“ Welt: Die Menschen sind strahlend schön und heldenhaft, während der Feind entmenschlicht wird. Eingestreute Nachrichtenclips („Möchten Sie mehr wissen?“) im Stil von NS-Propaganda oder US-Werbespots zeigen den satirischen Geniestreich des Films.

Technisch ist der Film auch heute noch brillant. Die Special Effects, eine Mischung aus CGI und physischen Modellen, lassen die Bugs brutal und greifbar wirken. Die Kämpfe sind extrem blutig, was den Zynismus des Films unterstreicht. Krieg wird hier als "Spaß" verkauft, während die Soldaten zerfetzt werden. Diese explizite Gewalt und das glorifizierte Sterben führen zu einer absurden Wirkung, die den Zuschauer zwingt, über die Botschaft nachzudenken.

Klar, bei einigen der Effekten nagte der Zahn der Zeit etwas mehr, manche Sets sind etwas billiger und auch der Cast ist nicht immer oscarreif – im Gegenteil, die sind oft hölzern, das muss man bei aller Liebe zum Film schon auch zugestehen. Das stört mich, als Fanboy, aber nur minimal. Dafür gibt es aber zusätzlich viele bekannte Gesichter aus der 2. Reihe zu sehen. PS: bin ich der Einzige, der, wenn ich Johnny Rico wäre, jederzeit Dizzy Flores Carmen Ibanez bevorzugen würde? :)

"Starship Troopers" ist extrem unterhaltsam, schnell erzählt und zutiefst ironisch. Es ist eine perfekte Mischung aus Action-Schlachtplatte und intellektueller Auseinandersetzung mit Faschismus, Propaganda und Medienmanipulation. Ein Kultfilm, der beim ersten Mal Spaß macht und beim zweiten Mal zum Nachdenken anregt – ein Muss für Sci-Fi-Fans. 

Man sitzt im heimischen Wohnzimmer und die Erwartungshaltung ist bei einem „Anaconda“-Reboot eigentlich klar definiert: Trash-Spaß, ein bisschen Nervenkitzel und eine Schlange, die ordentlich aufräumt. Doch was man hier serviert bekommt, ist ein erzählerisches Wrack. Es gibt keinen roten Faden. Der Film stolpert von einer Szene in die nächste, ohne jemals einen Rhythmus zu finden. Es ist einfach nur wirr.

Das größte Problem? Es passiert schlichtweg zu wenig. Wer auf furiose Action-Setpieces hofft, wird bitter enttäuscht. Stattdessen verfällt das Drehbuch in einen zähen Verfall aus Dialogen, die niemand hören will. Da hilft auch die eigentlich tolle Location in Brasilien nichts. Was nützt der schönste Dschungel, wenn die Handlung zu 80 % daraus besteht, dass die Charaktere auf einem Schiff festsitzen und diskutieren? Es wird debattiert, gestritten und philosophiert, während die titelgebende Schlange gefühlt im Homeoffice weilt.

Besonders schade ist das um den eigentlich ordentlichen Cast. Jack Black (School of Rock“), Paul Rudd („Ant-Man“), Thandiwe Newton (M:I 2“) und Steve Zahn („Unterwegs mit Jungs“). Hier sind fähige Schauspieler am Werk, die sichtlich versuchen, gegen das hölzerne Skript anzukämpfen, aber letztlich in der Belanglosigkeit versinken. Alles wirkt künstlich und aufgesetzt – von den hölzernen CGI-Effekten bis hin zum erzwungenen Drama. Auch der Humor, der das Original zumindest sympathisch machte, fehlt hier komplett oder zündet schlichtweg nicht.

Ich hatte mir das Ganze wirklich anders vorgestellt. So wie die neuen „Jumanji“-Teile eben. Man wartet auf den großen Knall, auf die perfekten Gags, auf den Horror – doch am Ende bleibt nur das Gefühl, knapp 100 Minuten Lebenszeit auf einem sehr langweiligen Bootstrip verschwendet zu haben. Ein Reboot, das niemand braucht und das daran scheitert, auch nur ansatzweise zu unterhalten. Schade um das Potenzial.

Vom UHD Bild, welches auf einem 4K DI basiert, war ich anfangs etwas enttäuscht. Der Film spielt am Anfang in Buffalo und wirkt sehr körnig und hebt sich nicht wirklich von einem 1080p Bild ab. Auch die gebräunten Gesichtsfarben mögen hier noch nicht so richtig passen. Gottseidank ändert sich dies nach der Ankunft in Brasilien.
Dank Dolby Vision wirken die Primärfarben des brasilianischen Dschungels lebendig und die Schwarzwerte sind im Vergleich zur Standard-Blu-ray deutlich tiefer, können aber dafür so manches Detail verschlucken.
Filmkorn wird nun feiner aufgelöst wiedergegeben als am Anfang des Films. Die feinen Texturen der Schlangenhaut und die Vegetation in den Außenaufnahmen sind knackscharf. Allerdings entlarvt die hohe Auflösung auch die teils schwankende Qualität der CGI-Effekte.
Spitzlichter, wie Sonnenreflexionen auf dem Wasser, sind brillant, ohne zu überstrahlen. Ansonsten bleibt das Bild eher durchschnittlich und, für eine UHD, fast unauffällig – also erwartet keinen 4K-Wow Effekt.

Dafür punktet der deutsche Ton umso mehr. Hier kommt, im Gegensatz zum engl. Dolby Atmos Ton, DTS-HD Master Audio 5.1 zum Einsatz. Die dt. Spur ist präzise und bietet eine gute Räumlichkeit, besonders bei den Umgebungsgeräuschen im Dschungel. Dank der Dynamik auf allen Kanälen gibt es ein immersives Mittendringefühl. Auch der Subwoofer darf beim rockigen Soundtrack immer wieder ganz tief hinuntergehen. Lediglich der ein oder andere Satz kam mir etwas „muffig“ vor, keine Ahnung warum.

Beim Bonusmaterial sind „Hiss-terical“ Outtakes, gelöschte Szenen sowie Featurettes wie „Reinventing the Legend“ enthalten. 

„The Purge: Election Year“ aus dem Jahr 2016 und gleichzeitig dritter Teil der Reihe, markiert den Moment, in dem das Franchise endgültig seine Subtilität abwirft und zur lautstarken Polit-Karikatur mutiert. Während der erste Teil als klaustrophobischer Home-Invasion-Thriller funktionierte und der zweite („The Purge: Anarchy“) drei Geschichten zusammenfügte weitet Regisseur James DeMonaco das Szenario hier zum großflächigen Straßenkrieg aus – verliert dabei aber jegliches Feingefühl.

Der Film ist schlichtweg zu plakativ. Die politischen Ähnlichkeiten werden dem Zuschauer nicht nur präsentiert, sondern mit dem Vorschlaghammer eingebläut. Die „New Founding Fathers“ sind mittlerweile so comichaft böse gezeichnet, dass jede Form von moralischer Ernsthaftigkeit verloren geht. Wo der Ursprung der Reihe noch unbequeme Fragen zur menschlichen Natur stellte und ein interessantes Sozialexperiment zeigte, bietet der dritte Teil nur noch ein klares Schwarz-Weiß-Schema.

Inhal tlich erzählt „Election Year“ leider nichts Neues. Das Konzept der Purge-Nacht ist nach zwei Vorgängern erschöpft, wenn man es nur für wiederholende Action-Sequenzen nutzt. Man hetzt von einer bizarren Begegnung zur nächsten, ohne dass die Welt oder die Regeln der Säuberung sinnvoll erweitert werden. Es fühlt sich eher wie eine Best-of-Sammlung bekannter Genre-Motive an, statt wie eine eigenständige Weiterentwicklung.

Hauptpro blem bleibt die Bindung zum Publikum: Es ist schwer, eine Identifikationsfigur zu finden. Frank Grillo kehrt zwar als Leo Barnes zurück, bleibt aber der klassische, wortkarge Action-Abziehbild-Held. Die Senatorin Charlie Roan wiederum fungiert lediglich als wandelndes moralisches Gewissen ohne Ecken und Kanten. Da die Gefahr für die Protagonisten oft durch überzeichnete, fast schon lächerliche Gegner (wie die „Murder Girls“) erzeugt wird, entsteht nie echte emotionale Tiefe oder echte Sorge um ihr Überleben.

„The Purge: Election Year“ ist ein handwerklich solider, aber inhaltlich platter Action-Horror, der seine politische Botschaft zu Lasten der Spannung opfert. 

Der Film spielt in der fiktiven Kleinstadt Middleton und konzentriert sich auf eine einzige Nacht. Das Herzstück sind fünf Handlungsstränge, die scheinbar nichts miteinander zu tun haben, aber durch eine Kette bizarrer Zufälle auf den titelgebenden Zeitpunkt zusteuern. Ob es der betrunkene Autofahrer ist, der plötzlich eine Leiche auf der Windschutzscheibe hat, oder drei Jugendliche, die aus purer Langeweile Dinge aus dem fahrenden Auto werfen – jede Tat hat hier eine fatale Konsequenz für jemand anderen.

Wenn das Schicksal zuschlägt, dann meistens unerwartet, brutal und im Fall von „11:14“ mit einer ordentlichen Portion Ironie. Regisseur Greg Marcks liefert mit seinem Debüt ein kleines Meisterwerk des verschachtelten Thrillers ab, das trotz seiner über 20 Jahre auf dem Buckel nichts an Biss verloren hat.

Was „11:14“ so besonders macht, ist der konsequente Einsatz von schwarzem Humor. Der Film lacht über das Ungeschick seiner Figuren, ohne sie komplett der Lächerlichkeit preiszugeben. Man ertappt sich dabei, wie man bei einem blutigen Unfall schmunzelt, nur weil das Timing der Ereignisse so absurd perfekt ist. Die handfeste, fast schon slapstickartige Gewalt erinnert an frühe Werke der Coen-Brüder.

Unterstützt wird diese wilde Nacht von einem eigenwilligen, aber extrem coolen Soundtrack. Die Musik treibt das Geschehen voran und verstärkt das Gefühl von unaufhaltsamem Chaos. Visuell bleibt der gänzlich bei Nacht spielende Film dreckig und nah am Geschehen, was die Ereignisse unterstreicht.

Mit einer Laufzeit von knackigen 85 Minuten (inkl. Abspann) verschwendet „11:14“ keine Sekunde. Es ist ein hochkarätig besetztes (u. a. Patrick Swayze und Hilary Swank) Puzzle für Zuschauer, die Lust auf ein makabres Gedankenspiel haben. Ein kurzweiliger Geheimtipp, der beweist, dass eine einzige Minute ein ganzes Leben, oder auch fünf, komplett ruinieren kann. 

3,5 VON 5 PUNKTE

„2010: Das Jahr, in dem wir Kontakt aufnehmen“ aus dem Jahr 1984 tritt ein fast unmögliches Erbe an. Peter Hyams („Outland“, „Timecop“) übernimmt das Ruder von Stanley Kubrick und liefert eine Fortsetzung, die zwar nie die visionäre Wucht von „2001: Odyssee im Weltraum“ erreicht, aber als eigenständiger Science-Fiction-Film überzeugt.

Während Kubrick auf abstrakte Bildgewalt und philosophische Rätsel setzte, wählt Hyams einen sachlichen Ansatz. Der Film ist ein klassischer Weltraum-Thriller, der Antworten liefert, wo sein Vorgänger Fragen offen ließ. Man erfährt endlich, was mit Dave Bowman geschah und warum der Computer HAL 9000 damals den Verstand verlor.

Roy Scheider führt das Team als Dr. Heywood Floyd souverän an. Die Dynamik zwischen der amerikanischen Crew und den sowjetischen Kosmonauten spiegelt die damaligen Spannungen des Kalten Krieges wider, was dem Film eine zeitlose politische Relevanz verleiht. Visuell ist das Werk für 1984 beeindruckend gealtert:
Die Sets wirken „benutzt“ und funktional, ähnlich wie in „Alien“. Die Musik verzichtet auf Walzer und setzt auf atmosphärische Synthesizer (fand ich sehr cool). Die Spezialeffekte sind handwerklich solide und verzichten auf unnötigen Bombast.

Man darf „2010“ nicht den Fehler vorwerfen, kein zweites Meisterwerk wie „2001“ zu sein – das wollte er nie sein. Er ist ein ordentlich erzählter, spannender Genrefilm, der die Geschichte sinnvoll abrundet. Wer bereit ist, von der einsaugenden, reinen Kunstform zum packenden Abenteuerkino zu wechseln, wird hier bestens bedient.
„2010: Das Jahr, in dem wir Kontakt aufnehmen“ ist kein Denkmal für die Ewigkeit, aber ein Zeichen für Kooperation anstelle von Konfrontation und ein unterhaltsamer Flug durch unser Sonnensystem. 

Wolfgang Petersens „Troja“ aus dem Jahr 2004 ist kein subtiles Historiendrama, sondern ein brachiales Sandalen-Epos, das das Genre mit voller Wucht wiederbelebt hat. (Minimal) basierend auf Homers „Ilias“ vor 3200 Jahren, strich Petersen das Übernatürliche und setzte den Fokus komplett auf das menschliche, den Schmerz und die physische Gewalt. Das Ergebnis ist ein fast dreistündiger Rausch aus Blut, Schweiß und Sand, der bis heute (zumindest für mich) zu den bildgewaltigsten Werken der Filmgeschichte zählt.

„Troja“ lebt von seiner Besetzung. Brad Pitt lieferte als Achilles die bis dato physisch beeindruckendste Performance seiner Karriere. Sein Kampfstil, eine Mischung aus tänzerischer Eleganz und mörderischer Präzision, definiert den Begriff „Kriegsmaschine“ neu. Ihm gegenüber steht Eric Bana als Hektor, der dem Film seinen moralischen Anker verleiht. Das legendäre Duell vor den Toren Trojas ist nicht nur tricktechnisch perfekt, sondern durch das emotionale Gewicht der beiden Kontrahenten eines der besten der Kinogeschichte.
Orlando Bloom spielt den naiven, ja eigentlich feigen Paris, die ihn zum perfekten Antagonisten für die heroischen Ideale macht, während Diane Kruger als Helena die Schönheit verkörpert, für die man tatsächlich tausend Schiffe in den Krieg schicken würde. Dazu kommt noch ein gern gesehener Sean Bean, der als Odysseus bereits jene List und Melancholie andeutet, die seine spätere „Odyssee“ prägen wird.

Petersen nutzt das gigantische Budget für phantastische Settings, die sich echt anfühlen. Die Dreharbeiten in Malta und Mexiko lieferten Locations, die die sengende Hitze der Ägäis förmlich spürbar machen. Die Architektur der Stadt, die monumentalen Mauern und das gewaltige griechische Lager wirken nie wie billige CGI-Kulissen. Wenn die Flotte der tausend Schiffe am Horizont erscheint, packt einen das Epos mit einer Wucht, die heute im Zeitalter der vielen Green-Screen-Effekte selten geworden ist.

„Troja“ ist blutig und kompromisslos. Die Schlachten sind keine sauberen Choreografien, sondern schmutzige, chaotische Massenschlägereien, in denen Schilde splittern und Bronze auf Knochen trifft. Ich wusste gar nicht mehr, wie brutal der Film ist. Besonders im Finale dreht der Film voll auf. Sobald das hölzerne Pferd die Tore passiert hat, folgt ein Schlag-auf-Schlag-Showdown, der mir persönlich dann zu schnell abgehakt wird – ebenso das Ende. Der Untergang der Stadt ist ein apokalyptisches Inferno, in dem Spezialeffekte und Stuntarbeit nahtlos ineinandergreifen. Das Tempo bleibt trotz der dreistündigen Laufzeit recht hoch.

Wolfgang Petersens „Troja“ ist nach wie vor ein starkes Epos. Er schafft es, die antike Vorlage so zu gestalten, dass ein moderner, brutaler Kriegsfilm entsteht, ohne den mythologischen Kern der Tragödie zu verlieren. Es ist ein Film über das Streben nach Unsterblichkeit – und wie dieses Epos selbst bewiesen hat, ist „Troja“ auch über zwanzig Jahre später (auch im gesehenen Directors Cut) noch absolut unsterblich.

Das Bild ist für das Alter sehr scharf und farbenfroh. Aber auch der Kontrast und Schwarzwert geht in Orndung.
Der Ton klingt schön wuchtig, könnte aber etwas dynamischer aus den Rears feuern.
Extras gibt´s einige sehenswerte. 

Die lang erwartete Fortsetzung des Oscar-prämierten Animationshits von 2016 bringt das beliebte Duo Judy Hopps und Nick Wilde für ein neues, spannendes Abenteuer zurück in die namensgebende Säugetier-Metropole. Die Handlung reiht sich nahtlos an das Ende des Vorgängers ein aber auch Neulinge, die Teil 1 nicht gesehen haben sollten, werden sofort abgeholt. Der Film bewahrt den Witz, den Charme und die visuelle Brillanz, die den ersten Teil auszeichneten und liefert (erneut) eine unterhaltsame Geschichte für die ganze Familie. Teilweise wird man sogar an (kindgerechte) "James Bond"- oder "Mission Impossible"-Filme erinnert.
Es gibt sogar neue Stadtteile und Landstriche zu sehen, die das "Zoomania-Universum" sinnvoll erweitern und Lust auf mehr machen.

Der Film betont erneut wichtige Themen wie Gleichberechtigung, Kooperation, Empathie und den Abbau von Stereotypen. Diese Botschaften sind geschickt in die Handlung eingewoben und regen zum Nachdenken an, ohne sie aufdringlich mit dem Holzhammer serviert zu bekommen .
Erwähnenswert ist auch der clevere Humor und die zahlreichen Anspielungen auf die Popkultur, darunter Referenzen zu Streaming-Plattformen ("EweTube") und anderen Filmen wie "The Shining". Ja sogar das hausinterne "Ratatouille" bekommt eine flüchtige Erwähnung. Jüngere Zuschauer werden die vielen Referenzen zwar nicht erkennen, hindern sie aber auch nicht der Handlung zu folgen, die erneut unter anderem mit Korruption und Politik behaftet ist. Obwohl "Zoomania 2" mitunter düster werden kann, gilt das Hauptaugenmerk natürlich den vielen Gags und der Guten Laune.

Die Animation sind wieder einmal atemberaubend und auf technischem Höchstmaß - schließlich will man ja mit der starken chinesischen Konkurrenz ("Ne Zha 2") gleichziehen bzw. mithalten. Die pulsierende Welt von Zoomania ist detaillierter und farbenfroher denn je gestaltet, was zu einem immersiven Erlebnis beiträgt. Aber auch zu einer erneuten Sichtung regt dies an, um wirklich alles von dieser schönen Welt gesehen zu haben.

Die Chemie zwischen Judy und Nick bleibt das Herzstück des Films. Ihre Dialoge sind schlagfertig und die emotionale Entwicklung ihrer Partnerschaft ist herzerwärmend. Die volle Bandbreite der Emotionen wird ausgeschöpft und man fiebert bis zuletzt mit dem sympathischen Duo mit. Klar gibt´s auch altbekannte Charaktere zu sehen aber am meisten sind mir die Neulinge, Biberdame Nibbs und der neue selbstverliebte Bürgermeister Brian Winddancer, im Gedächtnis geblieben. Sie haben auch immer einen guten Spruch parat.

Natürlich ist diese Fortsetzung nicht mehr so bahnbrechend wie der Erstling, einige wenige Nebenfiguren sind nicht so tiefgründig und die Shakira Songs grooven auch nicht mehr so, unterhaltsam und fesselnd ist Teil 2 aber dennoch. Für mich sogar eine Nuance mehr, da man noch tiefer in diese großartige Welt eintauchen kann. Hoffentlich braucht Disney nicht wieder fast ein Jahrzehnt um einen dritten Teil zu inszenieren. Ich hätte gerne noch einen Teil.

"Zoomania 2" ist eine hochwertige und sehr unterhaltsame Fortsetzung, die das Original würdig ergänzt. Mit einer Mischung aus Action, Humor und Herz bietet er ein großartiges Kinoerlebnis, das Fans des ersten Teils lieben werden. Prädikat "Sehenswert".

Bild und Ton sind klasse. Die Animationen sind flüssig und hochwertig, meist sogar richtig plastisch. Die Farben sind, so wie es sich gehört, schön knallig und satt und auch die Schärfe lässt viele Details erkennen.

Der DD+ 7.1 Ton bietet glasklare Dialoge, nette Surroundeffekte und bei den Action Szenen sogar einen tollen Bass. Die Lautstärke sollte ma aber etwas anheben.

Extras sind die typischen. 

„Kung Fu Hustle“ aus dem Jahr 2004 ist kein gewöhnlicher Martial-Arts-Film. Er ist eher ein bunter Fiebertraum aus Looney-Tunes-Logik, explodierenden Ochsenfröschen und fliegenden Pantoffeln. Stephen Chow hat hier ein Werk geschaffen, das gleichzeitig eine tiefe Verbeugung vor dem Kung-Fu-Kino der 70er und eine schamlose Parodie auf alles Bestehende ist.

Der Film sprüht vor kreativen Ideen. Wo sonst wird eine Verfolgungsjagd wie beim Road Runner inszeniert, während eine toughe Vermieterin mit Lockenwicklern und Dauer-Zigarette im Mundwinkel die Schallmauer durchbricht? Die witzigen Dialoge leben von trockenem Humor und absurden Beleidigungen, die oft genau dann einschlagen, wenn man am wenigsten damit rechnet.

Trotz des Humors nimmt Chow die Kämpfe ernst. Die Choreografie (verantwortlich: Yuen Woo-ping) ist schlichtweg brillant. Jede Auseinandersetzung fühlt sich frisch an. Zum Beispiel die Musiker-Attentäter, die mit ihren Harfen tödliche Geister-Krieger beschwören. Dann die drei versteckten Meister in der „Schweinebuch-Gasse“, die Alltagsgegenstände in Waffen verwandeln. Oder das Finale, das so over-the-top ist, dass es fast schon wieder poetisch wirkt. Die Kämpfe sind flüssig, ideenreich und nutzen die Umgebung auf eine Weise, die man in Hollywood-Produktionen oft vermisst.

Ein kleiner Wermutstropfen bleibt: die fehlende Identifikationsfigur. Stephen Chow spielt Sing, einen Taugenichts, der erst nach 27 Minuten auftaucht und der eigentlich nur böse sein will, darin aber kläglich scheitert. Er verbringt einen großen Teil des Films damit, entweder verprügelt zu werden oder am Rand zu stehen. Da der Fokus ständig zwischen den skurrilen Bewohnern der Gasse und der Axt-Gang hin- und herspringt, bleibt Sing als Charakter lange Zeit blass. Man lacht über ihn, aber man fiebert nicht unbedingt mit ihm mit – zumindest nicht bis zum großen Showdown.

„Kung Fu Hustle“ hat mir damals bei Erscheinen zwar etwas besser gefallen, dennoch ist er pure Unterhaltung. Es ist ein visuelles Feuerwerk, das den Zuschauer mit seiner Energie förmlich überrollt. Wer über fliegende Kämpfer lachen kann und gleichzeitig Wert auf erstklassig inszenierte Kämpfe legt, kommt an diesem Klassiker nicht vorbei. Es ist das perfekte Beispiel dafür, dass Actionfilme nicht immer bierernst sein müssen, um Eindruck zu hinterlassen. 

Es geht um Bruce Nolan, einem TV-Reporter in Buffalo, der mit seinem Leben hadert. Er will den Posten des Chefmoderators, scheitert jedoch kläglich. In einem Wutanfall macht er Gott persönlich für sein Elend verantwortlich… und Gott antwortet.

Hier beginnt die Show von Jim Carrey. Ich mag den talentierten Kerl einfach… in so gut wie allen seinen Rollen. Es ist eine Freude zu sehen, wie er die neu gewonnenen göttlichen Kräfte nutzt. Carrey schafft die Balance zwischen seinem typischen „Gummigesicht-Slapstick“ und einer ernsthaften Charakterentwicklung. Ob er das Rote Meer in seiner Tomatensuppe teilt oder seinen Rivalen Evan Baxter (Steve Carell) live im Fernsehen in Kauderwelsch verfallen lässt, die Gags zünden und sorgen für Dauergrinsen.

Ein Film über Gott steht und fällt mit dessen Besetzung. Morgan Freeman ist schlichtweg die Idealbesetzung. Mit seiner Ruhe und seinem weißen Anzug verleiht er der Rolle eine Würde, die den Film davor bewahrt, in reine Albernheit abzugleiten. Er ist kein strafender Gott, sondern ein weiser Mentor mit trockenem Humor.

Jennifer Aniston wiederum liefert das emotionale Fundament. Als Bruce’ Freundin Grace ist sie der Anker der Geschichte. Während Bruce sich in seiner Macht verliert, erinnert sie uns (und ihn) daran, was im Leben wirklich zählt: Liebe, Geduld und die Fähigkeit, für andere da zu sein. Die Chemie zwischen Carrey und Aniston passt.

Was „Bruce Allmächtig“ von einer gewöhnlichen Blödel-Komödie abhebt, ist seine (ja, man mag es kaum glauben) Tiefgründigkeit. Der Film stellt eine universelle Frage: Was würden wir tun, wenn wir alles kontrollieren könnten? Die Antwort ist so simpel wie wahr: Macht löst keine inneren Probleme. Die wahre Magie liegt nicht darin, den Verkehr zu teilen oder die Lottogewinne zu manipulieren. Die „Botschaft“ des Films ist, dass jeder Mensch das Potenzial hat, ein Wunder zu sein, indem er freundlich ist, hart arbeitet oder jemandem ein Lächeln schenkt. Bruce lernt auf die harte Tour, dass freier Wille ein kostbares Gut ist und dass man Glück nicht erzwingen kann.

„Bruce Allmächtig“ ist perfekt für einen verregneten Sonntag. Der Soundtrack ist locker, die Pointen sind zeitlos und das Ende hinterlässt ein tiefes Gefühl von Zufriedenheit.

Wer Lust auf ein pointiertes Drehbuch, großartige Darsteller und eine Prise Lebensweisheit hat, kommt an diesem Klassiker nicht vorbei. Es ist eine humorvolle Erinnerung daran, dass wir nicht Gott sein müssen, um die Welt ein kleines Stück besser zu machen. Ein absolutes Muss für jeden Comedy- (und/ oder Carrey) Fan!

PS: ich wusste gar nicht, dass die Blu Ray OoP und nur mehr teuer zu haben ist. O.0 

Special Agent Leon S. Kennedy geht gegen die Befehle seines Vorgesetzten vor und arbeitet daran, eine Reihe von biologischen Waffen zu zerstören, die in einem Kriegsgebiet in Europa eingesetzt werden.

Der 2012 entstandene zweite Animationsfilm von Sony/Capcom bietet für Resident Evil- Videospiel Fans nicht wirklich viel Neues. Dialoge und Kämpfe kennt man eigentlich alle so oder so ähnlich bereits aus den Games. Auch die Location der zerbombten slawischen Stadt finde ich jetzt nicht so dolle.
Immerhin gibts gegen Ende hin wieder ein geheimes High-Tech Labor, einen krassen Endboss, blutige Fights und viele bekannte Gesichter.

Auch wenns anfangs etwas negativ klang, hat der Film als No-Brainer dann doch Spaß gemacht, neues oder gar weltbewegendes darf man sich jetzt nicht erwarten. Immerhin sind die Animationen sehr gut und auch die Farbgebung passt sehr gut ins RE-Franchise. Gerne mehr von den Animationsfilmen aus dem RE-Universum. 

„Die Entführung der U-Bahn Pelham 123“ aus dem Jahr 2009 ist kein stilles Drama, sondern ein hochgepumptes Adrenalin-Stück. Regisseur Tony Scott nimmt das Original von 1974 und verpasst ihm eine moderne, aggressive Frischzellenkur.

Der Film lebt fast ausschließlich von den psychologischen Funk-Dialogen zwischen diesen beiden Kontrahenten, wodurch eine gelungene Dynamik entsteht. Denzel Washington spielt den Fahrdienstleiter Walter Garber mit einer herrlich gewöhnlichen Bodenständigkeit. Als Bösewicht Ryder liefert John Travolta eine herrlich überdrehte Performance ab, die perfekt zum rasanten Ton des Films passt. Manchmal aber an der Grenze zum Übertriebenen. Der Bürgermeister, gespielt von James Gandolfini, wirkt leider oft unterfordert und klischeehaft geschrieben.

Regisseur Tony Scott nutzt seine typische, rasante Kameraführung mit schnellen Zooms und harten Schnitten, die mir immer noch gut gefällt, man aber auch mögen sollte. Die körnige Optik und die ständige Bewegung sorgen dafür, dass selbst Szenen in der Leitzentrale spannender wirken, als sie eigentlich sind – ähnlich wie in Scotts „Unstoppable“, der mir noch etwas besser gefällt. Der Film gönnt dem Zuschauer kaum eine Atempause und treibt die Handlung unerbittlich voran.

Leider wirken einige Szenen, wie der physikalisch unrealistische Geldtransport der Polizei durch New York, etwas deplatziert und unnötig aufgebläht. Auch sonst kann man dem Film „Style over substance“ attestieren. Ebenso werden Fans des bodenständigen unterkühlten Originals aus dem Jahr 1974 sich erst an die neue, hektischere Herangehensweise gewöhnen müssen – ich finde beide Filme gut.

Das Remake ist weniger ein subtiler Thriller als vielmehr ein visuelles Feuerwerk. Wer Tony Scotts markanten Inszenierungsstil und das Charisma von Washington und Travolta schätzt, bekommt hier erstklassiges Popcorn-Kino geliefert, auch wenn die Story selbst keine Bäume ausreist.

Bild und Ton sind Top. Das Bild hat natürlich überzogene Kontraste und tiefe Schwarzwerte, wie man es eben aus einem Scott Film kennt.

Der Ton bietet klare Dialoge und nette Surroundeffekte- vor allem in den U-Bahn Stollen. 

Aus Sorge, dass sich die Familie entfremdet, packt Gomez Addams seine Sippe (und das eiskalte Händchen) in einen unheimlichen Wohnwagen, um quer durch Amerika zu reisen.

Nach dem animierten Neustart 2019 kehrt die wohl schrägste Familie der Welt zurück. Dieses Mal geht es raus aus der Villa und auf einen chaotischen Road-Trip durch die USA. Das Problem: Die Geschichte plätschert über weite Strecken nur so vor sich hin. Die Reise gleicht einer episodischen Aneinanderreihung von Sketchen, von den Niagarafällen bis zum Grand Canyon. Ein echter, spannender roter Faden fehlt, wodurch der Film (ganz besonders in der zweiten Hälfte) spürbar träge wird du die Aufmerksamkeit immer mehr schwindet.

Positiv hervorzuheben ist, dass der Nachfolger aus dem Jahr 2021 in Sachen Optik aufgestockt hat. Die Animationen wirken flüssiger und detaillierter als noch im ersten Teil, der teilweise sehr „clean“ und leer wirkte. Besonders die neuen Schauplätze, aufwendig gestaltete, düsterschöne Versionen amerikanischer Touristenattraktionen, bieten einen netten visuellen Kontrast zur gewohnten Addams-Villa. Auch die optische Verwandlung von Onkel Fester wird humorvoll aufbereitet und sorgt immer wieder für Schmunzeln. Es ist eine "hübsche" Fortsetzung, die handwerklich solide abliefert.

Ist "Die Addams Family 2" besser als Teil 1? Minimal. Während der erste Film noch viel Zeit damit verbrachte, die Charaktere (neu) einzuführen, geht es hier direkt ans Eingemachte. Doch trotz der besseren Optik fehlt dem Film oft der charmante, makabre Witz, der die „echten“ Addams eigentlich ausmacht. Er ist kurzweilig, aber auch sehr formelhaft und seelenlos. Für eine einmalige Sichtung an einem verregneten Nachmittag reicht es aber gerade noch. Jüngere Semester haben vermutlich mehr Spaß daran.

Das Blu Ray Bild ist gestochen scharf und bietet Gottseidank mehr Details als noch im ersten Film. Die Farben werden sehr gut saturiert wiedergegeben und unterstreichen gut die Animationen, die im Vollbildformat 1,85:1 präsentiert werden.

Auch der DTS HD MA HR Ton ist klasse. Zwar ab und zu zu leise in der Dynamik, aber dennoch kommen viele Effekte aus den rears daher. 

Regisseur Mike Flanagan („Before I Wake“, „Hush“, „Der Untergang des Hauses Usher“) hat mit seiner Adaption von Stephen Kings Novelle The Life of Chuck (aus der Sammlung Blutige Nachrichten) etwas Seltenes geschaffen: Einen Film, der sich wie eine warme Umarmung anfühlt, während um ihn herum die Welt buchstäblich aus den Fugen gerät.

Der Film bricht mit klassischen Erzählstrukturen und entfaltet Chucks Biografie in drei Akten – allerdings in umgekehrter chronologischer Reihenfolge. Er beginnt mit dem Ende der Welt und dem Tod von Charles „Chuck“ Krantz im Alter von 39 Jahren, nur um uns dann Schritt für Schritt zurück zu führen zu den Momenten, die ihn ausmachten.

Die Besetzung ist bis in die kleinsten Nebenrollen perfekt, doch zwei Darsteller strahlen besonders hell:
In der Rolle von Chucks Großvater liefert Mark „Skywalker“ Hamill eine seiner bisher stärksten und zärtlichsten schauspielerischen Leistungen. Er verleiht dem Film eine emotionale Schwere und Wärme, die den Kern der Geschichte bildet.
Und auch Benjamin Pajak als junger Chuck. Der Broadway-Newcomer ist die Entdeckung des Films. Mit einer entwaffnenden Offenheit und unglaublichem Talent (besonders in den Tanzszenen) verkörpert er die reine Freude am Augenblick.

Trotz einer allgegenwärtigen Untergangsstimmung in der Rahmenhandlung ist „The Life of Chuck“ sehr lebensbejahend. Der Film erinnert uns daran, dass jedes einzelne Leben ein ganzes Universum enthält. Es geht darum, die kleinen Freuden zu genießen: einen spontanen Tanz auf der Straße, die Liebe zur Musik oder die einfache Verbindung zu anderen Menschen.

Wer sich auf dieses Experiment einlässt, wird mit einem tiefen Gefühl von Trost belohnt. Es ist ein Werk, das den Zuschauer eventuell mit Tränen in den Augen zurücklässt – nicht nur aus Traurigkeit über das Unausweichliche, sondern aus purer Rührung über die Schönheit der Existenz. „The Life of Chuck“ ist ein Film für die Seele. 

Der neueste Film von Edgar Wright ("Baby Driver") ist ein actiongeladener, Dystopie-Thriller, der das Buch von Stephen King genauer adaptiert als das Original von 1987 mit Arnold Schwarzenegger.
Der Film bietet nach einer gekonnten Einführung der Charaktere eine Menge unterhaltsamer Action und Spannung. Die Menschen-Jagd durch diese Zukunftswelt ist rasant inszeniert und hat mich sofort abgeholt.

Auch audiovisuell weiß Regisseur Wright genau, worauf es ankommt und erklärt Dinge wie bereits bei seinen anderen Filmen nonverbal bzw. im Vorbeiziehen. Hier muss nicht mit dem Holzhammer ewig erklärt werden, was für Richard auf dem Spiel steht - der Zuschauer begreift sofort und ist auf Richards Seite.

Wie bereits erwähnt hält sich die Neuverfilmung enger an die düstere und politisch aufgeladene Vorlage von Stephen King (die er unter dem Pseudonym Richard Bachman geschrieben hat).Der ganze Film verlagert sich nun raus aus einem TV-Studio und spielt in der ganzen Stadt, was mir recht gut gefällt.

Die Leistung von Glen Powell ("Twisters") ist durchgehend charismatisch sowie überzeugend und er ist als wütender Actionheld die richtige Wahl gewesen. Ich finde, er ist einfach eine coole Socke. Aber auch die Rolle von Josh Brolin als Dan Killian passt. Lediglich der Moderator der "Running Man" Show kann es in keinster Weise mit dem charismatischen aber diabolischen Richard Dawson aus dem ersten Film aufnehmen.
Mir gefiel auch dieser Genremix aus Dystopie, Satire, Action und Comedy, welcher vielleicht von manchen als Kritikpunkt gesehen werden kann, da er so keine klare (klassische) Linie verfolgt.

Wie zu erwarten, gibt es bei einer Laufzeit von 137 Minuten einen Haken. So spannend der Film in den ersten zwei Dritteln auch ist, so sehr zieht sich das letzte Drittel etwas. Man hat als Zuschauer dann eigentlich genug, ist "satt" und möchte zu einem Abschluss kommen. Und wenn dann das Ende da ist, kommt es dann dennoch abrupt und etwas unbefriedigend daher. Diese Mankos zerstörten mir den eigentlich gelungenen Gesamteindruck des Filmes etwas.

Insgesamt ist "The Running Man" aus dem Jahr 2025 ein unterhaltsamer Popcorn-Blockbuster, der genug Action, Energie und Stil bietet, aber leider nicht sein volles Potenzial ausschöpft. Die Arnie Version ist klar anders, aber meiner Meinung nach auch etwas besser und weniger sperrig. 

Ich kenne das Original aus den 70er Jahren nicht, fand aber dieses Remake aus dem Jahr 2004 immer schon sehr cool.

Wer auf der Suche nach tiefgründigen Dialogen ist, ist hier falsch – wer aber Bock auf eine knallharte One-Man-Show hat, wird bestens bedient. Dwayne „The Rock“ Johnson räumt als Ex-Soldat Chris Vaughn in seiner Heimatstadt auf und beweist, dass man für Gerechtigkeit manchmal nur ein großes Stück Holz braucht.

Bevor The Rock zum Blockbuster- oder besser gesagt Mainstream-Giganten wurde, war er hier der ultimative Action-Held zum Anfassen. Charismatisch, physisch präsent und absolut überzeugend als Rächer.

Die Story ist nichts besonderes: das klassische Gut gegen Böse. Keine unnötigen Twists, kein Ballast – einfach ein ehrlicher Kampf für das, was richtig ist.
Mit gerade einmal 86 Minuten (inklusive Abspann!) bzw. 74 Minuten ohne Abspann hat der Film keine Längen. Perfekt für einen Feierabend Actioner mit Kumpels.

Mir gefällt aber auch nach wie vor der klasse Soundtrack mit bekannten Tracks. Die Musik treibt die Action ordentlich voran und passt perfekt zum rauen Kleinstadt-Vibe.

„Walking Tall“ (2004) ist die Definition von kurzweiliger Unterhaltung. Ein moderner Western mit ordentlich Wumms, einem sympathischen Johnny Knoxville als Sidekick und einem Hauptdarsteller, der den Film im Alleingang trägt.

Bild und Ton sind in Ordnung.

Als Extras gibt’s lediglich einige Film Trailer. 

„Resident Evil: Degeneration“ aus dem Jahr 2008 war der erste abendfüllende CGI-Spielfilm der Reihe und ist ein Fest für Fans, die sich nach einer authentischen Erweiterung der Videospiel-Lore sehnen. Im Gegensatz zu den trashigen Realverfilmungen ist dieser Film fester Bestandteil des offiziellen Kanons und spielt sieben Jahre nach der Tragödie von Raccoon City bzw. ein Jahr nach den Ereignissen in Resident Evil 4.

Die Rückkehr von Serienlieblinge Leon S. Kennedy und Claire Redfield sorgt für echte Resident-Evil-Stimmung und führt ihre Geschichte nach den Ereignissen von Resident Evil 2 und 4 sinnvoll fort. Die Action beginnt auf dem Flughafen Harvardville, der durch einen Flugzeugabsturz und eine anschließende T-Virus-Invasion im Chaos versinkt.

Die zweite Hälfte verlagert das Geschehen in einen hochmodernen WilPharma-Komplex, wo die Helden mit politischen Intrigen und Bioterrorismus konfrontiert werden.
Der Film setzt auf klassische Zombies und die bedrückende Atmosphäre, die Fans aus den Spielen kennen, anstatt auf übertriebene Superkräfte. Mit der Freisetzung des G-Virus und der daraus resultierenden Mutation eines "abtrünnigen Kriegers" bietet der Film ein brachiales Finale gegen ein monströses Wesen.

Obwohl einige Animationen aus dem Jahr 2008 nicht mehr up to date sind, finde ich die Optik dennoch stimmig und rund. Sogar die deutschen Sprecher können sich hören lassen. In der englischen Fassung werden die Protagonisten sogar von Paul Mercier (Leon) und Alyson Court (Claire) gesprochen, welche den Protagonisten in den Spielen ihre Stimme leihen, was die Immersion für Spieler verstärkt.

Trotz teils hölzerner Animationen aus heutiger Sicht überzeugt „Resident Evil Degeneration“ durch seine Videospielnähe und die packende Survival-Horror-Atmosphäre. Ein Muss für jeden Fan, der die echten Abenteuer von Leon und Claire abseits der Spielkonsole erleben möchte. 

In einer Ära, in der Blockbuster immer länger und komplexer werden, ist „Men in Black II“ aus dem Jahr 2002 eine herrlich erfrischende Erinnerung daran, wie effizient und unterhaltsam Science-Fiction-Comedy sein kann. Regisseur Barry Sonnenfeld ist es gelungen, die Magie des Originals von 1997 einzufangen und sie in ein Sequel zu packen, das vor allem durch eines besticht - unkomplizierten Spaß.

Das Herzstück des Films ist zweifellos die Chemie zwischen Will Smith und Tommy Lee Jones. Während Smith als Agent J mit gewohnt lässigen Sprüchen überzeugt, liefert Jones als der „re-neuralisierte“ Agent K den perfekten, staubtrockenen Gegenpart. Es ist eine Freude zu sehen, wie die Dynamik zwischen dem impulsiven Mentor und seinem nun erfahrenen Schüler neu gemischt wird. Ihre Interaktionen wirken natürlich und bilden den emotionalen Anker inmitten des intergalaktischen Chaos.

Für das Jahr 2002 waren die visuellen Effekte wegweisend. Heute versprüht das CGI von „Men in Black II“ einen veralteten aber nostalgischen Charme. Die Mischung aus computergenerierten Kreaturen und den praktischen Effekten von Special-Effects-Legende Rick Baker sorgt für eine Welt, die sich „echt“ anfühlt. Ob die tentakelartige Schurkin Serleena oder die legendären Wurm-Aliens in ihrer Junggesellenbude – das Design ist kreativ, bunt und strotzt vor Liebe zum Detail.

Ein angenehmes Merkmal dieses Sequels ist seine knackige Laufzeit. Mit rund 88 Minuten (ohne Abspann) verschwendet der Film keine Sekunde. In einer Zeit von Drei-Stunden-Epen ist dieses Tempo eine wahre Wohltat. Die Handlung ist simpel und geradlinig: Ein böses Alien sucht ein mächtiges Licht, die MIB müssen es aufhalten. Diese Einfachheit erlaubt es dem Film, von einem Set-Piece zum nächsten zu jagen, ohne den Zuschauer mit unnötigen Nebenplots zu ermüden. Es gibt keinen Leerlauf, nur Pointen und Action.

Der Humor von „Men in Black II“ ist, wie schon bei Teil 1, herrlich schräg. Szenen wie die im Schließfach am Bahnhof, in dem ein ganzes Volk Agent K als Gott verehrt, oder die Gesangseinlagen von Frank dem Mops sind längst Kult. Sonnenfeld nutzt das Science-Fiction-Genre als Spielwiese für kreative Einfälle, die oft erst beim zweiten Hinsehen ihre volle Wirkung entfalten. Der Film nimmt sich selbst zu keinem Zeitpunkt zu ernst, was ihn zur perfekten Wahl für einen entspannten Filmabend macht.

„Men in Black II“ ist ein Paradebeispiel für ein gelungenes Sequel. Es ist unterhaltsam, visuell einfallsreich und verlässt sich auf die Stärken seiner Hauptdarsteller. Wer Lust auf ein schnelles, witziges und technisch charmantes Abenteuer hat, kommt an diesem Klassiker nicht vorbei. Es ist Sci-Fi-Entertainment in seiner reinsten Form: direkt, sympathisch und verdammt kurzweilig.

Das bildschirmfüllende 4K UHD-Bild basiert auf einem Scan des 35mm-Negativs und bietet eine hervorragende Detailtiefe. Poren, Hauttexturen und die feinen Stoffe der schwarzen Anzüge sind so klar wie nie zuvor sichtbar. Der Film bewahrt die ursprüngliche Filmkörnung, was dem Film eine organische, cineastische Textur verleiht, ohne dass Details durch digitale Rauschfilter verloren gehen. HDR sorgt für eine gesteigerte Dynamik. Besonders die weißen Hemden strahlen brillant gegen die tiefschwarzen Anzüge, während die bunten Alien-Effekte, Lichter der Großstadt und Laserstrahlen großartige Spitzenhelligkeiten erreichen. Durch die hohe Auflösung wirken die CGI-Effekte aus dem Jahr 2002 noch weicher und lassen sich leider als solche erkennen. Insgesamt eine starke UHD aus dem Hause Sony.

Der Ton kommt in DTS-HD 5.1 daher. Dialoge bleiben selbst in hektischen Action-Szenen kristallklar, während sich der orchestrale Score von Danny Elfman auf alle Lautsprecher legen kann. Der Subwoofer wird kraftvoll gefordert, besonders bei Explosionen oder dem Einsatz der "De-Atomisator"-Waffen. 

„Scream 2“ aus dem Jahr 1997 ist das seltene Beispiel einer Fortsetzung, die nicht nur mit dem Original mithält, sondern ihre eigene Existenzgrundlage zum intellektuellen Spielplatz macht. Wes Craven und Autor Kevin Williamson perfektionieren hier das Spiel mit der Erwartungshaltung.

Der Film, von Genrefans für Genrefans, thematisiert im Hörsaal direkt die Regeln von Fortsetzungen – während er sie gleichzeitig erfüllt und bricht – eine starke Metaebene. Von hitzigen Debatten über Aliens vs. Terminator 2 bis hin zur Geburtsstunde des fiktiven „Stab“-Franchise ist alles pures Gold für Filmfans. Das Motiv der „Kopie des Originals“ zieht sich durch das gesamte Skript und sorgt für konstantes Misstrauen gegenüber jeder Figur. Hier gibt’s Doppeldeutigkeit als Prinzip.

Während es im Mittelteil sehr viele lauwarme „Who dunnit“ Momente gibt und sich der Film im Kreis zu drehen scheint, gibt’s als Entschädigung ein richtig spannendes Finale. Wes Craven beweist ein unfassbares Gespür für Spannung, besonders in der bekannten klaustrophobischen Szene im verunfallten Polizeiwagen.

Zum Cast gesellen sich erneut Neve Campbell, Courteney Cox und David Arquette wobei letzterer wieder einmal die Grenze zum Overacting übertritt und auch die Chemie zwischen ihm und Gale Weathers einfach nur gekünstelt wirkt. Das war 1999 schon so und ist es leider immer noch.

Nichtdestotrotz ist „Scream 2“ cleverer, blutiger und natürlich selbstbewusster als sein Vorgänger. Er ist ein Liebesbrief an das Slasher-Genre, der seine Klischees liebt, während er sie genüsslich feiert. Ein absolutes Muss für jeden, der Horror mit Köpfchen schätzt… auch wenn ich ihn damals mehr gefeiert habe.

Das 4K UHD-Bild basiert auf einem neuen Scan der originalen 35mm-Negative und bietet einen filmischen Look mit fein aufgelöstem Filmkorn und die künstliche Nachschärfung der alten Blu-ray eliminiert. Dennoch gibt es Unmengen an Details an Kleidung und Gesichtern auszumachen. Die größte Verbesserung liegt aber in der Farbpalette. Dolby Vision sorgt nämlich hier für natürlichere, gesündere Hauttöne, sattere Rottöne (besonders beim Blut) und tiefe Schwarzwerte ohne Detailverlust.

Beim Ton gibt es den von der Blu-Ray bekannten 5.1 Dolby Digital Ton, welcher unverändert blieb. Der Sound ist dennoch effektiv, mit klarer Kanaltrennung bei Schockmomenten und einer stimmigen räumlichen Abbildung der Filmmusik. Ab und an gibt es auch nette Effekte aus den hinteren Lautsprechern, aber insgesamt bleibt der Ton schon eher konservativ. 

Der Börsenmakler Nick Halloway (Chevy Chase) wird durch einen bizarren Laborunfall unsichtbar. Während er versucht, sein neues Leben zu meistern und die Zuneigung der Dokumentarfilmerin Alice Monroe (Daryl Hannah) zu gewinnen, wird er vom skrupellosen CIA-Agenten David Jenkins (Sam Neill) gejagt, der ihn als ultimative Spionagewaffe missbrauchen will.

Jagd auf einen Unsichtbaren aus dem Jahr 1992 habe ich schon eine Ewigkeit nicht mehr gesehen. Es ist eine ungewöhnliche Arbeit in der Filmografie von Regie-Legende John Carpenter („Halloween“), der hier Sci-Fi, Thriller und Komödie mischt.

Für das Jahr 1992 waren die Effekte von ILM wegweisend und halten sich auch heute noch erstaunlich gut. Besonders die Darstellung von Nick, wenn er raucht oder trinkt, ist tricktechnisch kreativ gelöst.

Mit einer knackigen Laufzeit von rund 90 Minuten ist der Film straff inszeniert und weist so gut wie keine Längen auf. Er funktioniert eher als rasanter Abenteuer-Thriller, denn als reine Liebes-Komödie, wie es anfangs den Anschein macht.

Chevy Chase („Caddyshack“) spielt hier zurückhaltender als in seinen typischen Rollen (wie zum Beispiel in „Schöne Bescherung“), da er vermutlich die Einsamkeit während der Unsichtbarkeit ernsthafter erkunden wollte.

Sam Neill („Jurassic Park“) stiehlt als eiskalter Antagonist oft die Show und verleiht dem Film die nötige Bedrohlichkeit. Überhaupt sehe ich ihn recht gerne.

Daryl Hannah („Blade Runner“) liefert eine solide Performance als "Love Interest", auch wenn ihr Charakter aufgrund des Drehbuchs etwas blass bleibt. Immerhin stimmt die Chemie mit Chase.

„Jagd auf einen Unsichtbaren“ ist kein typischer Carpenter-Horror, aber eine charmante und kurzweilige Genre-Mischung. Wer Chevy Chase einmal in einer (etwas) ernsteren Rolle sehen möchte und auf erstklassige 90er-Jahre-Effekte steht, kommt voll auf seine Kosten. 

Der lebensmüde, suizidale Ex-Spezialeinheiten-Soldat Martin Riggs wird dem besonnenen Familienvater Roger Murtaugh als Partner beim LAPD zugeteilt.
Gemeinsam müssen sie einen riesigen Drogenschmugglerring aufdecken, der von ehemaligen Söldnern betrieben wird.

„Lethal Weapon – Zwei stahlharte Profis“ (wieder mal ein toller deutscher Zusatztext) aus dem Jahr 1987 ist nicht bloß ein Actionfilm, sondern die Geburtsstunde und der Goldstandard des Buddy-Cop-Genres. Unter der versierten Regie von Richard Donner („Maverick“, „16 Blocks“) verschmelzen knallharte 80er-Jahre-Action und eine tiefgehende Charakterstudie zu einem zeitlosen Klassiker.

Das Herzstück des Films ist die legendäre Paarung von Mel Gibson und Danny Glover – hier stimmt einfach die Chemie.
Gibson verkörpert den suizidalen, unberechenbaren Martin Riggs mit einer manischen Energie, während Glover als besonnener Familienvater Roger Murtaugh den nötigen moralischen Anker für den Zuschauer liefert. Die Chemie zwischen den beiden wirkt absolut authentisch und entwickelt sich glaubhaft von erzwungener Zusammenarbeit zu einer tiefen Freundschaft.
Das Skript von Shane Black („Predator: Upgrade“), welches er im Alter von nur 23 Jahren geschrieben hat, setzte neue Maßstäbe für Dialogwitz und Pacing.
Der Film meistert den Spagat zwischen düsteren Momenten (Riggs’ Trauerbewältigung) und humorvollen Blödeleien, ohne an Intensität zu verlieren. Nicht zu vergessen, den coolen Antagonisten. Als eiskalter, fast unmenschlicher Gegenspieler bietet Gary Busey den Helden eine physisch wie psychisch bedrohliche Herausforderung.
Richard Donner inszeniert die Schießereien mit einer rohen, handgemachten Direktheit, die heutigen CGI-Gewittern oft fehlt, denn die Actionszenen sind nicht nur Kulisse, sondern treiben die Handlung voran und unterstreichen Riggs’ Todesverachtung.
Aber auch der Showdown gipfelt in einem ikonischen, dreckigen Zweikampf im Schlamm auf Murtaughs Vorgarten – ein persönliches und physisches Finale, das den Film perfekt abrundet.
„Lethal Weapon“ ist ein kompromissloses Buddy-Cop-Meisterwerk, das durch seine Menschlichkeit und das unschlagbare Hauptdarsteller-Duo auch Jahrzehnte später nichts von seiner Faszination verloren hat.

Der Director's Cut von Lethal Weapon ist etwa 7 Minuten länger als die Kinofassung. Er bietet vor allem zusätzliche Einblicke in das Privatleben und die psychische Verfassung der Hauptfiguren, während die Actionszenen in beiden Versionen identisch sind.
Die wichtigsten zusätzlichen Szenen:
Riggs schaltet im Alleingang einen Scharfschützen auf einem Schulhof aus, indem er völlig furchtlos in dessen Schusslinie läuft – eine Szene, die seine Todessehnsucht und Professionalität unterstreicht.
Man sieht Roger Murtaugh, wie er an seinem 50. Geburtstag am Schießstand zweifelt und Bestätigung für seine Fähigkeiten sucht.
Riggs engagiert eine Prostituierte, aber nicht für Sex, sondern nur um mit ihr gemeinsam fernzusehen, was seine Einsamkeit verdeutlicht.
In einer kurzen Szene zertrümmert er zu Hause wütend seinen Fernseher.
Hier muss jeder selbst entscheiden, welche Fassung ihm lieber ist.

Die 4K UHD ist ein massives Upgrade gegenüber allen bisherigen Veröffentlichungen. Warner Bros. liefert hier einen neuen nativen 4K-Scan, der den 80er-Jahre-Look in moderner Brillanz erstrahlen lässt. Nahaufnahmen zeigen jede Pore und feine Texturen auf Kleidungsstücken (Murtaughs Karomuster auf seinem Sakko!), die auf der alten Blu-ray im Rauschen untergingen. HDR10 sorgt für tolle Spitzlichter (z. B. Sonnenreflexionen auf Chrom, künstliche Lichtquellen oder Mündungsfeuer) und verleiht dem Bild eine beeindruckende Tiefe. Das feine Filmkorn des 35mm-Materials bleibt erhalten und sorgt für eine organische, kinohafte Textur ohne digitalen Weichzeichner. Der gelbliche Stich früherer Versionen wurde durch neutralere, kräftigere Brauntöne und lebendige Farben ersetzt. Vor allem Rot kommt hier sehr kräftig rüber. Insgesamt wirkt das Bild „frischer“ und klarer. Der Schwarzwert ist ebenso top und verschluckt nicht das Geringste in dunklen Szenen. Insgesamt eine phantastische Bildqualität, wenn man das Alter des Films berücksichtigt.

Der deutsche Dolby Digital 5.1 Ton ist der gleiche wie auch schon auf der DVD und der Blu Ray. Dialoge sind ok, Waffengeräusche können schon mal etwas dumpf und muffig wirken und auch Effekte aus den Rears sind eher spärlich. Dafür passt der Saxophon-Score jederzeit.

Enthalten sind zwei neue Featurettes: A Legacy of Inspiration: Remembering Dick Donner und I’m Too Old For This…. 

Vier Freunde fahren für einen Junggesellenabschied nach Las Vegas. Nach einer exzessiven Nacht im Caesars Palace wachen drei von ihnen mit einem totalen Blackout auf. Das Hotelzimmer ist zerstört, ein Tiger steht im Bad, ein Baby im Schrank – und der Bräutigam Doug ist spurlos verschwunden. Der Film funktioniert wie ein humoristischer Detektivfilm: Das Trio muss die Fragmente der Nacht zusammensetzen, um ihren Freund rechtzeitig zur Hochzeit zu finden.

Die Chemie zwischen dem arroganten Phil (Cooper), dem unterdrückten Stu (Helms) und dem exzentrischen Alan (Galifianakis) ist das Herzstück und hält den Film zusammen.
Anstatt die Party zu zeigen, konzentriert man sich auf die bizarren Konsequenzen danach, was die Neugier des Zuschauers, zumindest bei der ersten Sichtung, hochhält.
Cameos wie Mike Tyson und der furchtlose Auftritt von Ken Jeong als Mr. Chow sorgen für unvergessliche, wenn auch derbe Momente.

Obwohl „The Hangover“ bei vielen als Klassiker gilt, zeigen sich heute deutliche Ermüdungserscheinungen:
Viele Gags basieren auf reinem Überraschungseffekt oder politisch unkorrektem Humor der späten 2000er, der bei mehrfachem Sehen an Witz verliert. Das „masturbierende Baby“ fand ich damals schon uncool. Der überragende Erfolg des ersten Teils führte zu zwei Fortsetzungen, die das Original-Rezept fast identisch kopierten und damit die Einzigartigkeit des Konzepts verwässerten. Einige Rollenbilder wirken heute etwas eindimensional oder gar "anstrengend", besonders wenn der Überraschungseffekt der bizarren Situationen wegfällt.

„The Hangover“ bleibt dennoch eine der prägenden Komödien seiner Ära. Die handwerklich straffe Regie und das exzellente Casting retten den Film auch heute noch über manche flache Stelle hinweg. Er ist jedoch kein Film für die Ewigkeit, da seine Mechanik stark von der Erstbesichtigung lebt.