Filmbewertungen von Ninjatune666

Regisseur Darren Aronofsky wird wohl nie mein Lieblingsregisseur werden. Denn, obwohl er mit „The Wrestler“ einen starken Film inszenierte, waren die beiden gefeierten „Black Swan“ und auch „The Whale“ zähe Totalausfälle für mich.
Nun wagt er sich mit „Caught Stealing“ aus dem Jahr 2025 auf neues Terrain: Ein rasanter Gangster-Thriller, der 1998 in New York City spielt. Mit Austin Butler in der Hauptrolle und Zoe Kravitz an seiner Seite, verspricht der Film ein stylisches Noir-Erlebnis. Doch das Endergebnis hinterlässt einen zwiespältigen Eindruck. Es ist ein typischer Fall von "nicht Fisch, nicht Fleisch".

Was man Aronofsky lassen muss: Der Mann kann inszenieren. Kamera-Legende Matthew Libatique („Gothika“, „The Number 23“) fängt das schmutzige New York der 90er-Jahre, die Neonlichter und die verlassenen Hinterhöfe meisterhaft ein. Die Atmosphäre ist dicht, die Ästhetik stimmt.
„Caught Stealing“ stolpert jedoch über seine eigene Struktur. Während der Film handwerklich top ist und einige Actionsequenzen und Ballereien ordentlich knallen, zieht sich die Story streckenweise wie Kaugummi. Es ist eine Mischung aus schwarzer Komödie und düsterem Thriller, die sich nie so recht entscheiden kann, was sie sein will.

Austin Butler beweist, wie auch schon in „Elvis“ erneut, dass er eine Leinwandpräsenz besitzt, die ihn zu einem der Top-Stars seiner Generation macht. Als verkatert-verzweifelter Hank Thompson trägt er den Film fast im Alleingang. Zoe Kravitz ist solide, bekommt aber zu wenig Raum, um wirklich zu glänzen. Dazu gesellen sich dann noch weitere bekannte Gesichter, die man aber erst selbst entdecken muss.

Das Highlight ist der Soundtrack: Die Punk-Band IDLES liefert einen treibenden Score, der perfekt zum hektischen, chaotischen Treiben passt. Die Musik hält das Tempo hoch, auch wenn der Plot schwächelt.

„Caught Stealing“ ist kein Totalausfall, aber auch kein Meisterwerk. Er bietet solide Unterhaltung für einen Abend, aber es fehlt der emotionale Tiefgang oder die erzählerische Konsequenz, um im Gedächtnis zu bleiben.
Er ist ein stylischer Retro-Thriller mit starkem Soundtrack und noch stärkerer New Yorker Kulisse, der handwerklich überzeugt, in der Story aber enttäuscht. Eine einmalige Sichtung reicht völlig aus.

Das Bild (in der 1,85: Vollbildansicht) bietet dank Dolby Vision und einem echten 4K DI viele Details, allerdings wirkt das Bild teilweise dumpf, dunkel und vor allem voller künstlichem Filmkorn, welches eben zum Jahr 1998 passen soll. Ich fand es leider eher „unbequem“ anzusehen, obwohl es zum Look passt. Kontrastspitzen gibt’s wenn dann nur in den hellen Tageslichtszenen bei hellen Oberflächen und Lichtern – in den Innenaufnahmen merkt man davon nichts. Hautfarben kommen natürlich daher und in den wenigen Rückblicken gibt es auch mal mehr Punch bei Farben.
Schwarz könnte dunkler ausfallen.

Der Sound passt dafür und bietet rockige Punk-Riffs, klare Dialoge und nette Surroundeffekte. 

Eli Roths („Hostel“, „Thanksgiving“) Neuverfilmung des Klassikers „Ein Mann sieht rot“ verpflanzt die Geschichte von Paul Kersey vom New York der 70er ins moderne, krisengeschüttelte Chicago. Bruce Willis liefert hier eine seiner engagierteren Spätleistungen als Chirurg, der nach einem brutalen Überfall auf seine Familie das Skalpell gegen eine Handfeuerwaffe tauscht.

Der Film verzichtet auf langatmig philosophische Debatten und setzt stattdessen auf ein hohes Tempo. Die Transformation von Willis vom hilflosen Arzt zum „Grim Reaper“ wird zügig und unterhaltsam inszeniert. Ab seiner Seite gibts noch allesamt glaubwürdige Darsteller wie Vincent D‘Onofrio („Full Metal Jacket“), Elisabeth Shue („Zurück in die Zukunft“) und Dean Norris („Breaking Bad“) zu sehen.

Als Horror-Spezialist spart Roth nicht an expliziter Gewalt. Die Abrechnungen sind rabiater und grafischer als im Original – Gore-Fans kommen bei den „Behandlungen“ des Doktors auf ihre Kosten.

Während das Charles Bronson Original von 1974, welches ich nur einmal sah, eine düstere Sozialstudie war, tendiert das Remake eher zum Revenge-Action-Thriller. Es gibt sogar Momente von schwarzem Humor und eine fast schon feierliche Inszenierung der Selbstjustiz, die durch Social Media im Film noch befeuert wird. Diese Verschiebung der Stimmung funktioniert zwar, mir persönlich wäre aber das Behalten der düsteren (Grund)Stimmung lieber gewesen.

Wer einen tiefgründigen Diskurs über Waffenrecht erwartet, ist hier falsch. Als harter, kurzweiliger Rache-Thriller funktioniert der Film jedoch hervorragend und bot Bruce Willis eine passende Bühne für ein letztes großes Action-Gefecht.

Die 4K-Fassung (basierend auf einem 2K-Intermediate, aber mit hohen Bitraten von oft über 80 Mbps) zeigt eine spürbar höhere Detailtiefe in Texturen und Gesichtern. Durch das HDR10Grading wirken Farben lebendiger. Insbesondere Primärfarben wie Blau und rot sind stabiler und Hauttöne wirken natürlicher als auf der Blu-ray. Ein wesentlicher Vorteil liegt in den tiefen Schwarzwerten. Dunkle Szenen weisen eine bessere Schattendefinition auf und zeigen weniger Kompressionsartefakte.
Insges amt ein mehr als gutes 4K UHD Bild.

Der deutsche DTS-HD MA Ton ist präzise und dynamisch. Schüsse klingen wuchtig und Dialoge jederzeit sauber. Auch aus den hinteren Kanälen gibts immer wieder tolle Effekte zu hören.

Extras gibt’s nur auf der beiliegenden Blu Ray 

Gestern gesehen und schon wieder verdrängt…

Liam Neeson spielt den Los Angeles Detektiv Frank Drebin, Sohn von Frank Drebin Sr. . Während er einen offensichtlichen Selbstmord untersucht, trifft er bald auf Femme Fatale Beth Davenport (Pamela Anderson) sowie den Technologiemilliardär Richard Cane (Danny Huston). Erstere ist die Schwester des offensichtlichen Selbstmords, während letzterer eindeutig mit dem Todesfall in Verbindung steht.

Offensichtlich ist Humor subjektiv und das vielleicht größte Argument dafür ist der Nackte Kanone-Film von 2025, der auf Rotten Tomatoes eine weite höhere Punktzahl hat als jeder andere „Nackte Kanone“ Film. Nach allen Berichten haben wir es hier also mit einem Comedy-Juwel zu tun, einem zukünftigen Comedy-Klassiker in der Entwicklung und dem Beginn eines völlig neuen Franchise...

Der einfachste und schnellste Weg, um zu beurteilen, ob dieser Film etwas für einen ist oder nicht, ist die Sichtung des Trailers. Gleichzeitig wird man dabei aber auch die lustigsten Momente sehen. Aber man sollte daran schon erkennen, welcher Humor in dieser Neuauflage steckt. Die Vorgänger Filme aus den 80er/90er Jahren, und sogar die Serie „Police Squad“, aus der sie hervorgegangen sind, waren kaum hochkarätige Kunstwerke, aber Leslie Nielsen hat mit seiner sympathischen Art irgendwie alles zum Laufen gebracht und das Absurde mit einem ernsten Gesicht und staubtrockenen Spruch verbunden - und das war schon extrem witzig… zumindest für mich.

Liam Neeson ist vielleicht nicht die naheliegendste Wahl für einen Nachfolger aber immerhin gibt er sich Mühe, um in die übergroßen Clownsschuhe von Leslie Nielson zu passen. Da habe ich schon das erste Problem: es wirkt alles erzwungen und weit weg von „locker“. Auch Pamela Anderson, die sich inzwischen neu erfunden hat, wirkt bemüht und hölzern - passt aber somit zum gesamten Cast der mehr als nur austauschbar ist.
Das nächste Problem ist die Gagdichte. Bei den Vorgängern musste man jeden Film mindestens 3x sehen um ja alle Pointen, auch die im Hintergrund, mitzubekommen. Hier werden Gags spärlich und manchmal sogar befremdlich (Schneemann Gag) eingestreut. Die ganze Zeit dachte ich mir: „Wann wird denn nun die Gagrakete gezündet?!“ Es kamen aber nur ein paar Kalauer und Witze die sofort wieder verpufften oder gar nicht ankamen. Klar, das ein oder andere Grinsen konnte mir der Film schon entlocken, aber insgesamt passiert viel zu wenig komisches… und das in einer Komödie. Von einem Spoof Film, der auch noch „Die nackte Kanone“ heißt, erwarte ich mir WESENTLICH mehr Spaß.

Obwohl der Film inklusive Abspann gerade mal 85 Minuten läuft, zieht er sich teilweise wie Kaugummi und er kam mir fast wie ein zweistündiger Film vor, was eindeutig zu lange für eine Komödie ist. Der ganze Mordfall ist einfach langweilig und da auch die Gagdichte klein ausfiel, wirkt der Film länger und auch harmloser.
Ich erwartete ja keinen „Nackte Kanone“ Film wie von früher, aber etwas unterhaltsamer und lustiger hatte ich ihn mir dann doch erhofft. Da hat ja Liam Neeson mit seinen letzten Actionfilmen (hust… „Ice Road 2“… hust) mehr unfreiwillige Komik an den Tag gelegt als hier.

Von den schwachen Effekten, dem billigen Look (teilweise wirkt er wie ein Til Schweiger Film) und dem sich falsch anfühlenden Score fange ich erst gar nicht an.

Für mich nach „28 Weeks Later“ die größte Enttäuschung 2025. Die vorbestellte UHD wurde bereits storniert, denn ein zweites Mal gebe ich mir diesen gescheiterten Versuch, ein Comedy-Franchise wieder zu beleben, nicht. Schade, denn genau an guten, pfiffigen und charmanten Komödien mangelt es doch heutzutage ohne Ende. 

Doom ist neben Mario, Zelda und den Resident Evils meine Lieblings Videospielreihe, so verwundert es auch nicht, dass ich den Film im Kino war, auf dvd und BR besaß und schließlich auch die UHD brauchte.
Ja, ich hatte ihn ETWAS besser in Erinnerung, ein unterhaltsamer Sci-Fi Actioner ist Doom - Der Film aber immer noch. The Rock war noch nicht so ne Maschine, Karl Urban war nie cooler und Rosamund Pike ist auch was fürs Auge. Neben der tollen Mars-Forschungsstation und nem (elektronischen) Metal-Soundtrack gibts tolle Gefechte gegen Dämonen zu sehen- auch nach über 21 Jahren macht die „berühmte“ Ego Shooter Szene Laune.

Das 4K Bild ist ordentlich. KeinTag und Nacht Unterschied zur BR aber eine kleine Steigerung lässt sich immer ausmachen. Feines Filmkorn, satte Schwarzwerte, etwas mehr Details in den Gesichtern gibts eben nur auf der UHD Disk. Ein paar wenige Aufnahmen sind zwar immer noch etwas unscharf, aber im Großen und Ganzen ist das 4K Bild gut. Auch Spitzlichter wie die Lampen an den Gewehren oder Blinklichter an den Armaturen stechen schön heraus.

Vom DTS:X Ton habe ich auch ein bisschen mehr erwartet. Klar, wuchtig kommt der Ton nach wie vor daher aber von den Höhenlautsprechern hätte es etwas mehr Unterstützung geben können. Ein paar wenige Effekte wie das Universal Logo am Anfang oder patronen, die an die Decke geschossen wurden, klingen sehr direkt und lassen sich gut von oben orten. 

William Malones Remake des William-Castle-Klassikers von 1959 ist ein Paradebeispiel für den von mir hoch geschätzten stylischen Horrorfilm der späten 90er Jahre. Produziert von Dark Castle Entertainment (u.a. Robert Zemeckis), liefert der Film eine visuell beeindruckende, wenn auch inhaltlich seichte Geisterbahnfahrt, die vor allem durch Atmosphäre und handwerkliche Qualität besticht.

Das Herzstück des Films ist das „Haus“ selbst: eine ehemalige Nervenheilanstalt, die mit einer Mischung aus viktorianischem Gothic-Stil und industriellen Schrecken gestaltet wurde. Die Kulissen sind düster, klaustrophobisch und extrem detailliert, was den Film handwerklich in die Oberklasse des 90er-Jahre-Horrors hebt. Die Kameraarbeit nutzt oft verzerrte Perspektiven, um die psychische Instabilität der Charaktere und die Bösartigkeit des Ortes zu unterstreichen. Oft erinnert das Gezeigte an Musikvideos der Band „Tool“.

„House on Haunted Hill“ (1999) setzt auf eine gelungene Mischung aus praktischen Effekten und der damals aufkommenden CGI-Technik. Während einige Computeranimationen aus heutiger Sicht etwas veraltet wirken, sind die physischen Schockeffekte, besonders die Szenen mit den „Schatten“ und den entstellten Geistern, auch heute noch fies und effektiv. Das Sounddesign ist fantastisch. Es untermalt die unheimliche Atmosphäre mit industriellem Dröhnen und Schockgeräuschen.

Geoffrey Rush („Fluch der Karibik“) liefert als exzentrischer Vergnügungspark-Mogul Stephen H. Price eine starke Leistung ab. Er spielt die Rolle mit einer gesunden Portion Ironie und einer theatralischen Boshaftigkeit, die eine deutliche, gelungene Hommage an das Original von Vincent Price darstellt. Er trägt den Film, besonders in den Szenen, in denen er mit seiner Film Frau Famke Janssen („James Bond Goldeneye“) aneinandergerät.

Die simple Handlung (eine Gruppe Fremder soll eine Nacht in der Anstalt verbringen, um je eine Million Dollar zu gewinnen) baut effektiv Spannung auf. Die Charaktere sind zwar genre-typisch eher skizzenhaft, aber die Bedrohung durch das Haus selbst ist konstant spürbar. Es ist ein "Freizeitpark-Funhouse"-Horror , der Spaß macht und zwischendurch wirklich gruselige Momente bietet.

Der größte Kritikpunkt ist das Finale. Während der Film über 70 Minuten hinweg eine unheimliche Spannung aufbaut, wirkt das Ende, bei dem ein großes, CGI-lastiges „Wesen“ (die Essenz des Hauses) in Erscheinung tritt, etwas aufgesetzt und unausgegoren. Die Auflösung fühlt sich im Vergleich zur dichten Atmosphäre des ersten Teils etwas unpassend und enttäuschend an, was den ansonsten positiven Gesamteindruck leicht schmälert.

„House on Haunted Hill“ (1999) ist ein unterhaltsames, handwerklich starkes Remake, das vor allem durch seine visuelle Gestaltung und Geoffrey Rush glänzt. Es ist ein Muss für Fans von 90er-Jahre-Horrorfilmen, das trotz inhaltlicher Schwächen am Ende eine schaurig-schöne Achterbahnfahrt bietet.

Lediglich das Bild, welches teilweise weich, mit wenig Kontrast und verbesserungswürdigem Schwarzwert daherkommt, könnte mal restauriert werden.

Der deutsche DTS-HD MA Ton ist dagegen dynamisch, bietet kristallklare Stimmen und immens viele präzise Effekte aus allen vorhandenen Lautsprechern. 

Dritte Sichtung des 2020 inszenierten Spielfilms rund um das Sega Maskottchen Sonic.
Ja, „Sonic The Hedgehog“ ist immer noch ein netter kleiner und vor allem lustiger Film für die ganze Familie. Jim Carrey sticht, wie bereits mehrfach gelesen, wieder mal äußerst positiv und skurril heraus, auch wenn hier sein skurriler Bart noch nicht ganz so übertrieben wie im Nachfolger erscheint. Die Effekte und der Ton sind up to date und es sind viele kleine optische und akustische Anspielungen an die gute alte Sega Mega Drive Zeit enthalten.
Obwohl ich diesen Julian Bam, der Sonic in der deutsche Fassung spricht, überhaupt nicht kenne und ich auch zu faul zum nachgooglen bin, finde ich seine Leistung als Sonics Stimme mehr als passend - hat er gut gemacht, auch wenn ich oft anderes lesen musste. Auch James Marsden als Polizist Tom harmoniert gut mit dem digitalen Sonic und ist einfach so ein bodenständiger „Kumpel von nebenan“ Typ, der sich selbst nicht immer ernst nimmt.
Die 98 Minuten sind gut gewählt und haben so gut wie keine Längen.

Das 4K UHD Bild ist dank Dolby Vision strahlend hell und hat einen klasse Kontrast. Helle Szenen strahlen und dunkle Szenen können tiefschwarz erscheinen ohne Details zu verschlucken. Details kann man auch viele ausmachen, egal ob Straßenbelag, Hautporen oder die Flora und Fauna Montanas, hier gibt’s viel zu sehen. Da der Film eine 2K DI entstammt, gibts zwar kein „echtes“ 4K Bild, „frischer“, , plastischer, sauberer und etwas feiner detailliert wirkt die UHD im Gegensatz zur 1080p Blu Ray aber dennoch. Die Farben sind warm und natürlich gehalten. Spitzlichter wie Scheinwerfer oder glänzendes Metall strahlen und blitzen schön heraus.

Auch wenn der deutsche Ton nur eine Dolby Digital 5.1 Spur aufwarten kann, ist er dennoch mehr als gut genug anzuhören. Neben glasklaren Dialogen gibts auch einige nette Surround Effekte (zB wenn Dr. Robotnik in Toms Haus seine schießende Drohne losschickt) aber auch einen satten Bass (als Sonic seinen blauen Elektroblitz über die ganze Stadt loslässt). Und im Finale gibt’s sowieso fürs Heimkino einiges zu tun - doch das passt… auch wenn natürlich eine HD Tonspur etwas präziser wäre. 

Wer Kevin James und seinen Slapstick-Humor aus King of Queens mag, bekommt genau das geliefert. Der Film ist eine klassische Rom-Com im Tierpark-Gewand, die das Rad nicht neu erfindet, aber für ein paar Schmunzler sorgt.

Die Story ist natürlich vorhersehbar. Der liebenswürdige, aber tollpatschige Tierpfleger Griffin will seine Ex zurückgewinnen und bekommt dabei Flirt-Tipps von seinen Zootieren. Dass am Ende die „beste Freundin“ (Rosario Dawson) die eigentlich Richtige ist, riecht man schon nach zehn Minuten gegen den Wind.

Es gibt einige nette Gags, besonders wenn die Tiere (im Original u.a. von Adam Sandler und Sylvester Stallone und hier von Mario Barth gesprochen) menschliche Neurosen an den Tag legen. Das Highlight ist sicher der Ausflug mit dem Gorilla ins Restaurant- herrlich absurd, wenn auch pures Product Placement.

Die Effekte sind okay, wirken aber manchmal etwas "drüber". Es ist eben der typische Happy-Madison-Stil: laut, ein bisschen albern, aber mit Herz. Achja, Madisons Ehefrau mit dem langen Pferdegesicht spielt natürlich auch wieder eine Mini-Rolle.

„Der Zoowärter“ man sich gut anschauen, wenn man keine tiefgründige Handlung erwartet. Ein zweites Mal muss es dann aber auch nicht sein.

Bild und Ton sind Sony typisch top. 

Louis und Rachel Creed beziehen mit ihren Kindern Gage und Ellie ein neues Haus auf dem Land. Schnell schließt die Familie Freundschaft mit ihrem Nachbarn Jud Crandall , der viel über ihren neuen Heimatort und dessen Tierfriedhof zu erzählen weiß.

Vorab: ich bin ein riesen Fan des Erstlings von 1989 und hab ihn auch auf 4K UHD und ebenso das Buch von King mag ich sehr gerne. Auch bei der erneuten Sichtung des Remakes war ich noch skeptisch.
Irgendwie hat man dauernd das Gefühl, dass während des Films, vor allem am Anfang, gängige Horrorklischees viel zu hektisch abgehandelt werden müssen. Blutige Schränke, von Kindern gemalte abstrakte Bildchen,...
Die Bedrohung der ständig vorbeibrausenden LKWs wird leider etwas stiefmütterlich behandelt.

Natürlich kommt man als Fan nicht umhin, die Neuauflage ständig mit dem alten Film zu vergleichen. Und DA hatte ich auch schon meine Problem: Ich fand, dass der "alte" Jud mit dem "alten" Luis Creed eine viel innigere und freundschaftlichere Beziehung hatte. Bei der Neuauflage wird die Freundschaft gar nicht sooo intensiviert. Immerhin wurden mit Jason Clarke und John Lithgow zwei starke Darsteller gewählt.
Auch fehlen einige (für mich) wichtige Dialoge (die Timmy Bakerman-Story) und Charaktere (Haushälterin)...
Auch ist der Indianerfriedhof bei weitem nicht so episch wie beim Film von 1989.

Enttäuscht war ich leider auch vom Soundtrack, der viel zu spärlich auftaucht, den zu leisen Dialogen und vom Schwarzwert, der einiges absaufen lässt.

Nun zum Positiven (nach so viel Negativem):
Genau so wie King selbst, finde ich das Ende des 2019er Remakes insgesamt "runder" und zufriedenstellender. Die Darsteller spielen auch durch die Bank durch sehr glaubwürdig und stehen denen des Originals in nichts nach, im Gegenteil.

So genial wie die Neuauflage von "ES" ist "Pet Sematary" leider nicht geworden, da war das Original stimmiger, trauriger und spannender - in der Sammlung bleibt der Film aber dennoch, da auch einige Änderungen in der Story überraschend und passend daherkommen.

Brauchte es das Remake? Nein. Gefällt der Film dennoch? Ja.

Das 4K UHD Bild ist dank Dolby Vision voller strahlkraft… zumindest in den hellen Szenen. Der Detailgrad ist nur minimal besser als bei der ohnehin schon guten Blu Ray. Der Schwarzwert ist gut, könnte aber etwas mehr Durchzeichnung haben. Filmkorn lässt sich keines ausmachen, was auf eine digitale Herkunft schließen lässt.

Der Dolby Digital 5.1 Ton ist nur am Papier schlecht. In „echt“ gibt es saubere Dialoge, schöne Effekte von den hinteren Lautsprechern und dem Score. Der Subwoofer hätte etwas tiefer zupacken können. Und auch der fehlende Dolby Atmos Ton ist schade, da einige Szenen (Lastenaufzug!) geradezu prädestiniert dafür gewesen wären. 

Die „Ich – Einfach unverbesserlich“-Reihe (im Original „Despicable Me“) ist bekannt für ihr Herz, die chaotischen Minions und spektakuläre Animationen. Mit dem dritten Teil aus dem Jahr 2017 hat Illumination Entertainment zwar eine etwas komplexere Story geliefert als in den ersten beiden Teilen, aber visuell und musikalisch ist der Film ein absolutes Highlight der gesamten Reihe.

Der heimliche Star dieses Films ist zweifellos Balthazar Bratt, gesprochen im Original von Trey Parker (South Park) und bei uns von Joko Winterscheidt. Bratt ist ein ehemaliger Kinderstar aus den 80er-Jahren, dessen Show abgesetzt wurde, nachdem er in die Pubertät kam und gleichzeitig der beste Antagonist der gesamten Reihe. Er ist im Vokuhila-Look und Schulterpolster-Outfit hängengeblieben, größenwahnsinnig und absolut brillant inszeniert.
Warum er der Beste ist? Im Gegensatz zu El Macho (Teil 2) oder Scarlet Overkill (Minions) hat Bratt eine persönliche Motivation, die auf gekränktem Kinderstar-Ego basiert. Er ist "böse", weil die Welt ihn vergessen hat. Seine Taten sind kreativ: Er nutzt Kaugummiblasen-Waffen oder Rubik’s-Cube-Bomben. Jedes Auftauchen von Bratt ist ein Fest. Er tanzt zum "Moonwalk", Breakdance-Kämpfe gehören zu seinen Spezialitäten. Er ist ein wandelndes 80er-Nostalgie-Klischee, das perfekt in den Film passt.

Der Soundtrack ist ein essenzieller Bestandteil des Films. Produziert von Pharrell Williams, wird die Stimmung durch Songs wie Michael Jacksons "Bad", Phil Collins „Sussudio“ oder A-has "Take on Me" untermalt. Der gesamte Film atmet den Geist der 80er, von den neonfarbenen Outfits bis hin zu den retro-futuristischen Waffen von Bratt.

Visuell ist „Ich - Einfach unverbesserlich 3“ spektakulär. Besonders in der 4K-UHD-Version werden die Farben extrem lebendig wiedergegeben, dazu aber später mehr.
Die Texturen, besonders bei den Minions (Fasern ihrer Overalls) und den glänzenden Oberflächen von Bratts Gadgets, sind auf dem neuesten Stand der Technik.
Die Verfolgungsjagden und Kämpfe, besonders der finale Showdown über Hollywood, sind dynamisch und visuell beeindruckend.
Die Animationen schaffen es, den komödiantischen "Looney Tunes"-Stil mit moderner 3D-Animation zu verbinden.
„Ich – Einfach unverbesserlich 3“ überzeugt vielleicht nicht mit der stärksten Handlung, dennoch ist er für mich der beste Teil der Reihe. Andererseits gewinnt er definitiv in den Kategorien Stil, Antagonist und Musik.
Wer auf 80er-Jahre-Nostalgie steht, wird Balthazar Bratt lieben. Der Film ist ein farbenfroher, lauter Spaß, der die Minions auf ihre besten Momente reduziert und Gru eine persönliche neue Geschichte (inklusive Zwillingsbruder Dru) gibt.

Obwohl der Film auf einem 2K-Intermediate basiert und für die 4K-Disc hochskaliert wurde, bietet die UHD-Fassung einen deutlichen Mehrwert gegenüber der Standard-Blu-ray.
Die Texturen der Minions-Latzhosen (einzelne Stiche) oder Grus Schal wirken spürbar feiner und greifbarer. HDR10 sorgt für ein echtes Farbenfeuerwerk. Besonders das Minion-Gelb, die knalligen 80er-Jahre-Farben von Bösewicht Balthazar Bratt (Violett) und der riesige rosa Diamant profitieren von der erhöhten Leuchtkraft und Sättigung. Die Kontraste zwischen Dru’s weißem und Gru’s schwarzem Anzug sind messerscharf. Der Schwarzwert könnte nicht satter sein. Insgesamt ein sehr hochwertiges 4K UHD Bild, das Spaß macht.

Ein weiteres Highlight für Heimkino-Enthusiasten ist die DTS:X-Spur (sowohl Deutsch als auch Englisch).
Dialoge kommen glasklar aus dem Center und auch sonst gibt’s schöne differenzierte sowie direktionale Effekte aus den hinteren Lautsprechern zu hören.
Der objektbasierte DTS:X-Sound nutzt die Höhenkanäle effektiv für Überflüge von Bratts Robotern oder herabregnende Minions.
Die Mischung aus Pharrell Williams Score und 80er-Hits wie „Bad“ wird mit druckvollem Bass und breiter Bühne perfekt ins Wohnzimmer transportiert. Auch der Ton weiß zu überzeugen.

Bei den Extras gibt’s auf der UHD lediglich einen Kurzfilm – der Rest ist auf der beiliegenden Blu-Ray zu finden. 

John Carpenters zweiter Teil seiner sogenannten Apokalypse-Trilogie („Das Ding aus einer anderen Welt“ von 1982 und „Die Mächte des Wahnsinns“ aus 1994) ist ein interessanter Mix aus Quantenphysik und religiösem Horror, der jedoch nicht ganz an seine großen Klassiker heranreicht.

Carpenter bewies 1987 erneut sein Händchen für beklemmende Isolation. Die klaustrophobische Stimmung in der alten Kirche wird meisterhaft aufgebaut und sorgt für ein konstantes Gefühl von Unbehagen.

Der Score ist das absolute Highlight. Der von Carpenter und Alan Howarth komponierte Synthesizer-Score ist minimalistisch, treibend und trägt die bedrohliche Aura des Films fast im Alleingang.

Für die damalige Zeit bietet der Film solide Handarbeit. Besonders die "Traumbilder" aus der Zukunft und einige Body-Horror-Elemente sind nett umgesetzt, wirken heute aber teilweise etwas angestaubt.

Der Cast ist solide und bis auf einen erneut starken Donald Pleasence als Priester und Alice Cooper als „Straßen Schizo“ nicht der Rede wert.

Unterm Strich bleibt „Die Fürsten der Dunkelheit“ ein durchschnittlicher bis solider Horror-Thriller. Die Story ist originell, verliert sich aber manchmal in ihren eigenen theoretischen Erklärungen, wodurch der Spannungsbogen nicht immer gespannt bleibt. Der Film ist ein atmosphärisches Muss für Carpenter-Fans, auch wenn er erzählerisch kleine Schwächen hat. 

Man sollte meinen, dass man mit einer Stephen-King-Vorlage und moderner CGI-Technik heutzutage ein packendes Horror-Spektakel abliefern kann. Doch das „Firestarter“-Remake von Blumhouse Productions ist leider eine filmische Schlaftablette.

Der Film schleppt sich quälend langsam dahin, ohne jemals eine echte Atmosphäre aufzubauen. Während das Original von 1984 wenigstens noch einen gewissen 80er-Jahre-Charme besaß, wirkt diese Version steril und leblos. Die Inszenierung ist so träge, dass selbst die Fluchtmomente von Charlie und ihrem Vater Andy jegliche Dynamik vermissen lassen. Man wartet vergeblich auf einen Funken Leidenschaft oder eine Bedrohung, die über bloße Anspielung hinausgeht.

Trotz solider Besetzung bleibt die emotionale Bindung zu den Figuren auf der Strecke. Zac Efron, der zB in „Extremely Wicked, Shockingly Evil and vile“ richtig stark war, wirkt oft verloren in einem Drehbuch, das ihm kaum Raum für Tiefe gibt. Auch die Antagonisten bleiben so blass, dass man ihre Motive sofort wieder vergisst. Optisch sieht das Ganze zudem eher nach einer günstigen TV-Produktion als nach einem Kinofilm aus – enge Bildausschnitte und schlechte, flache Beleuchtung dominieren das Bild.

Der einzige Grund, nicht vorzeitig abzuschalten, ist der Soundtrack von John Carpenter. Sein gewohnt starker Synthie-Score ist jedoch viel zu gut für diesen Film und unterstreicht nur, wie sehr es dem Geschehen auf der Leinwand an Energie mangelt.

Wer Lust auf ein spannendes Psycho-Drama oder feurigen Horror hat, wird hier bitter enttäuscht. Das Remake ist lahm erzählt, visuell langweilig und insgesamt völlig überflüssig. Spart euch die 94 Minuten Lebenszeit und lest lieber das Buch oder hört den Song „Firestarter“ von The Prodigy an. 

Mit „A Quiet Place Part II“ kehrt Regisseur John Krasinski in die lautlose Apokalypse zurück und setzt genau dort an, wo der furiose Erstling endete. Während der erste Teil ein klaustrophobisches Kammerspiel auf einer Farm war, ist das Sequel deutlich größer angelegt. Das World Building wird konsequent erweitert: Wir verlassen die vertrauten Sandpfade und tauchen tiefer in eine Welt ein, in der nicht nur die geräuschempfindlichen Monster eine Bedrohung darstellen, sondern auch die moralischen Abgründe der verbliebenen Menschheit.

Emily Blunt liefert als Evelyn Abbott erneut eine gewohnt starke, physische Performance ab, doch die eigentliche Überraschung ist der Fokus auf die Kinder, insbesondere die gehörlose Tochter Regan (Millicent Simmonds). Ein echtes Highlight ist Neuzugang Cillian Murphy als Emmett. Er bringt eine düstere, resignierte Energie in den Film, die perfekt mit der verzweifelten Hoffnung der Familie Abbott kontrastiert.

Mit einer knackigen Laufzeit von rund 90 Minuten (97 Min. inkl. Abspann) ist der Film extrem fokussiert und verzichtet auf unnötigen Ballast. Dennoch lässt sich ein kleiner Wermutstropfen nicht leugnen: Die Frische und der Überraschungseffekt des Originals fehlen diesmal. Vieles fühlt sich vertraut an, und einige Plot-Entscheidungen wirken vorhersehbar.
Das macht den Film jedoch keinesfalls langweilig. Krasinski beweist erneut sein meisterhaftes Gespür für Nervenkitzel. Besonders die Parallelmontagen im letzten Drittel sorgen für Momente höchster Anspannung, bei denen man (erneut) auf der Couch buchstäblich die Luft anhält.

„A Quiet Place Part II“ ist ein packendes Sequel, das zwar den Innovationsbonus des Vorgängers eingebüßt hat, dafür aber durch exzellente Darsteller und ein erweitertes Universum punktet.

Der Film wurde hauptsächlich auf 35-mm-Film gedreht, was zu einer feinen, natürlichen Filmkörnung führt, die auf der 4K-Disc dank höherer Bitrate gut erhalten bleibt und dem Bild ein organisches, filmisches Gefühl verleiht.
Dank der hohen Detaildichte werden Texturen von Gesichtern, Kleidung, rostigem Metall in der Fabrik und Naturlandschaften (Blätter, Gras) sehr plastisch und lebensecht dargestellt.
HDR10 liefert tiefe, satte Schwarzwerte, die für die vielen dunklen Szenen des Films entscheidend sind, ohne Details in den Schatten zu verschlucken. Der Kontrastumfang ist beeindruckend, mit hellen Spitzlichtern (wie Feuer oder Lichtreflexionen auf Wasser), die im Kontrast zur gedämpften, erdigen Farbpalette des Films stehen. Wer Teil 1 auf UHD gesehen hat, weiß auch wie Teil 2 auf einer UHD aussieht.

Auch beim Ton ist alles wie schon bei Teil 1 zu hören. Der Ton wechselt abrupt von flüsterleisen Momenten, in denen subtile Umgebungsgeräusche wie Wind oder Insektenstiche präzise platziert sind, zu ohrenbetäubenden, explosiven Actionszenen. Diese Dynamik ist entscheidend für die Spannung des Films.
Die deutsche Dolby Digital 5.1 Spur nutzt alle Kanäle effektiv für eine vollständiges Mittendringefühl. Geräusche von angreifenden Kreaturen, die sich im Raum bewegen, sind jederzeit präzise ortbar. Wer möchte, kann auf den englischen Dolby Atmos Track umschalten. 

Die Ausgangslage ist so simpel wie genial: Blindwütige Aliens haben die Erde überrannt. Ihr einziger Sinn: ein extrem empfindliches Gehör. Wer ein Geräusch macht, stirbt. Diese erfrischende Prämisse zwingt die Charaktere zur absoluten Stille und macht den Film fast zu einem Stummfilm der Moderne.

Der Film aus dem Jahr 2018 ist spannend von Beginn an. Ohne lange Erklärungen wird der Zuschauer direkt in den Überlebenskampf der Familie Abbott geworfen. Mit einer knackigen Laufzeit von rund 90 Minuten erlaubt sich das Skript keine Längen; jede Szene treibt die Spannung und Intensität weiter an.

Dass die emotionale Ebene so glaubwürdig funktioniert, liegt am realen Ehepaar Emily Blunt („Sicario“) und Regisseur John Krasinski. Ihre wortkarge Performance – fast ausschließlich über Mimik und Gebärdensprache – verleiht dem Überlebenskampf eine tiefe Menschlichkeit, die man in Genre-Filmen selten findet.

Der eigentliche Star ist jedoch das phantastische Sounddesign. Das Spiel mit absoluter Stille und plötzlich hereinbrechenden, bedrohlichen Klängen ist meisterhaft. Als Zuschauer erwischt man sich dabei, wie man auf der Couch selbst die Luft anhält, um bloß kein Geräusch zu machen.

Lediglich der Cliffhanger am Ende könnte für manchen als störend empfunden werden. Aber hey, dafür gibt es ja den 2. Teil.

„A quiet Place“ ist ein atmosphärisch dichter Survival-Thriller, der das Genre durch Minimalismus revolutioniert. Es ist ein intensives Erlebnis, das nachhallt – ganz ohne viele Worte.
Es beweist, dass man für maximale Hochspannung keine lauten Explosionen braucht.

"A Quiet Place" wurde auf 35mm-Film gedreht, was dem Film eine organische, leicht körnige Textur verleiht. Die 4K-UHD-Fassung entstammt aber einem 2K-Intermediate.
Obwohl nicht "rasiermesserscharf" wie digital gedrehte Filme, bietet die 4K-Version eine feine Steigerung gegenüber der Blu-ray. Hautporen, die Struktur von Holz in der Farm und die feinen Risse im Getreidesilo sind deutlich detaillierter.
HDR10 sorgt für tiefschwarze Schatten, in denen trotzdem Details erkennbar bleiben. Die nächtlichen Szenen im Maisfeld profitieren enorm von der verbesserten Durchzeichnung. Hier gibts dann auch tolle Spitzlichter in Form von den warmweißen und roten Glühbirnen zu sehen.
Die Farbpalette ist oft entsättigt, um die düstere Stimmung zu unterstreichen. HDR bringt jedoch in Szenen mit Tageslicht (z.B. der Wasserfall-Szene) ein lebendiges, natürliches Grün und warme Hauttöne hervor.
Insgesamt eine sehr gute UHD.

Da der Film fast ohne Dialoge auskommt, ist das Sounddesign der Star. Die deutsche Dolby Digital 5.1 Spur ist absolut überragend und wird nur von der noch dynamischeren und detaillierteren englischen Dolby Atmos Spur geschlagen.
Der Wechsel zwischen extremer Stille und plötzlich lauten Schockmomenten (die "Monster-Geräusche") ist atemberaubend und dynamisch. Die Szenen, in denen die Welt aus der Perspektive der gehörlosen Tochter (Regan) gezeigt wird, nutzen den Raumklang, um totale Isolation zu simulieren.
Wind, Blätterrascheln, Schritte auf Sand – die atmosphärischen Effekte sind präzise im Raum platziert. Es ist ein sehr "direktionaler" Ton.
Der Bass ist wuchtig und präzise. Wenn die Monster auftauchen, bebt das Wohnzimmer, ohne dabei den Rest des Sounds zu übertönen. 

Mit „Der Marsianer“ hat Regie-Altmeister Ridley Scott 2015 nicht nur einen der besten Science-Fiction-Filme des letzten Jahrzehnts geschaffen, sondern ein cineastisches Denkmal für menschlichen Erfindungsgeist.

Matt Damon liefert als Botaniker Mark Watney eine phantastische Performance ab. Er trägt den Film fast im Alleingang und schafft es, die Isolation auf dem roten Planeten mit einer perfekten Mischung aus trockenem Humor, Verletzlichkeit und unerschütterlichem Überlebenswillen greifbar zu machen. Man fiebert jede Sekunde mit, wenn er versucht, Kartoffeln wachsen zu lassen.
Ich fand aber auch Jeff Daniels Rolle erfrischend anders - stark. Auch einen Sean Bean (der dieses Mal gar nicht sterben musste) sehe ich immer wieder gerne.

Optisch ist der Film ein absoluter Genuss. Ridley Scott und Kameramann Dariusz Wolski nutzen die weiten Landschaften Jordaniens (Wadi Rum), um den Mars in phantastischen Bildern zum Leben zu erwecken. Die staubigen, rot-orangen Panoramen sind so detailreich und imposant, dass man das Gefühl hat, tatsächlich durch die karge Marswüste zu wandern.

Obwohl der Film wissenschaftlich fundiert bleibt, verliert er nie an Tempo… und das bei einer Laufzeit von 140 Minuten. Die Handlung ist spannend bis zum Schluss, da Watney ständig vor neue, scheinbar unlösbare Probleme gestellt wird. Die dramatische Rettungsmission am Ende sorgt für echtes Herzklopfen und lässt einen bis zum Abspann nicht los.

Der Soundtrack von Harry Gregson-Williams (ich wusste es sofort als ich ihn gehört habe) untermalt die Einsamkeit und die epischen Momente des Weltalls perfekt. Den genialen Kontrast dazu bilden die eingestreuten Disco-Klassiker (wie „Starman“ oder „Waterloo“), die dem Film eine einzigartige, fast schon beschwingte Note verleihen und Watneys Galgenhumor unterstreichen.

„Der Marsianer“ ist ein Meisterwerk, das durch seine tollen Bilder, einen brillanten Hauptdarsteller und eine mitreißende Inszenierung besticht. Wer spannendes intelligentes Kino liebt, kommt an diesem Film nicht vorbei.

Der Marsianer galt bei Erscheinen der UHD im Bereich Home-Entertainment als einer der
Referenz-Titel für die 4K Ultra HD Blu-ray und ist es noch immer. Obwohl der in 5K gedrehte Film auf einem 2K Digital Intermediate basiert (hochskaliert), bietet die UHD-Fassung mit HDR10 ein starkes Bild.
Trotz des 2K-Upscales sind feine Texturen wie der Mars-Sand, Gesteinsformationen und die Oberflächen der Raumanzüge deutlich auszumachen. Poren und Bartstoppeln in Nahaufnahmen wirken fast greifbar.
HDR10 sorgt für eine beeindruckende Dynamik. Besonders die Reflexionen auf Helmvisieren, die gleißende Mars-Sonne, Leuchtreklamen und Tafeln, LED Bildschirme und die Kontraste zwischen den roten Wüstenlandschaften und dem tiefschwarzen Weltraum profitieren enorm.
Dank des erweiterten Farbraums (BT.2020) wirken die Orange- und Rottöne des Mars deutlich satter und natürlicher, ohne zu übersteuern. Auch Hauttöne wirken natürlich und gesund.

Der deutsche DTS macht Laune, hat eine klasse Dynamik, glasklare Dialoge und einen exzellenten Einsatz der hinteren Lautsprecher. Wenn der Sturm am Mars loslegt, fliegen kleinste Sandkörner förmlich spürbar im heimischen Kino herum.
Auch der geniale Score verlagert sich auf alle Lautsprecher. 

Da ich den Film das letzte Mal vor über 20 Jahren gesehen habe und ich mit diesem Teil nie wirklich warm wurde, wollte ich mir erneut ein Bild davon machen. Kurzum: mein Favorit wird er wohl nie werden, auch wenn ich inzwischen meinen Frieden mit ihm gemacht habe. Mich nerven die Gangsterbanden mit ihrem Voodoo-Gefasel im ersten Drittel aber nach wie vor.

Aber zurück zum Film. Wenn man aber an Sequels der 90er denkt, kommt man an diesem verschwitzten Großstadtdschungel kaum vorbei. „Predator 2“ verlässt das dichte Grün Mittelamerikas und tauscht es gegen den glühenden Asphalt von Los Angeles aus. Ein mutiger Schritt, der dem Film eine ganz eigene Dynamik verleiht.

Danny Glover („Lethal Weapon“) übernimmt das schwere Erbe von Schwarzenegger und man muss sagen: Er gibt sich wirklich Mühe. Er spielt den knallharten Cop Mike Harrigan mit einer greifbaren Erschöpfung, während er sich durch einen brutalen Bandenkrieg und die mörderische Hitze von L.A. kämpft. Unterstützung erhält er von der gewohnt packenden Musik von Alan Silvestri. Der Score bleibt dem Original treu und peitscht die Spannung verlässlich voran.

Dennoch, so richtig warm werde ich mit dem Setting nicht immer. Während der erste Teil durch seine Isolation punktete, wirkt die urbane Umgebung manchmal etwas überladen. Der Film ist deutlich brutaler und expliziter als sein Vorgänger, was Fans des gepflegten 90er-Jahre-Actionfilms freuen dürfte, dem Ganzen aber einen leicht trashigen Beigeschmack gibt.

Was den Film rettet, ist das spannende Finale. Wenn Glover in das Raumschiff der Jäger eindringt und man mehr über die Kultur der Predators erfährt, zeigt der Film neben Fanservice und Easter Eggs seine wahre Stärke. Kevin Peter Hall unter der Maske des Predators liefert erneut eine physisch beeindruckende Performance ab, die den Predator als ultimative Bedrohung zementiert.

„Predator 2“ ist eine solide Fortsetzung, die das Rad nicht neu erfindet, aber mit kompromissloser Action und einem starken Finale punktet. Kein Meisterwerk wie das Original, aber immerhin noch ein solider Nachfolger. 

Beim Jupiter! Cäsar hat die Nase voll. Da seine Legionen ständig gegen das kleine gallische Dorf verlieren, vermutet er göttliche Kräfte. Er bietet einen Pakt an: Bestehen die Gallier 12 Aufgaben (ähnlich wie Herkules), wird er ihr Untertan. Scheitern sie, müssen sie kapitulieren. So ziehen Asterix und Obelix los.

Ich weiß gar nicht mehr, wie oft ich diesen Asterix Film gesehen habe, denn neben „bei den Briten“ und „Kleopatra“ ist dieser mein Liebster. Der Film aus dem Jahr 1976 strotzt vor zeitloser Ironie. Das absolute Highlight ist zweifellos das „Haus, das Verrückte macht“. Die Suche nach dem Passierschein A38 ist bis heute die treffendste Satire auf Bürokratie, die je gezeichnet wurde.

Da dieser Film nicht auf einem existierenden Comic-Band basiert, fühlt er sich freier und surrealer an. Ob es der Ehrwürdige des Gipfels ist, der Wäsche mit „Olympia“ wäscht, oder das Geisterschiff in der Wüste – die Ideen sind herrlich abgedreht.

Für die 70er Jahre sind die Animationen flüssig und charmant – heutzutage wirken sie teilweise schon etwas sperrig. Der Soundtrack (inklusive des ikonischen Titelsongs) sorgt sofort für gute Laune.

„Asterix erobert Rom“ ist mehr als nur ein Kinderfilm. Er ist eine clevere Gesellschaftskritik, verpackt in ein buntes Abenteuer voller Wildschweine und Zaubertrank. Ein absolutes Muss für jede Generation – und eine Warnung an alle, die jemals ein Formular beim Amt ausfüllen mussten. 

Mein Lieblingsteil der Reihe… vermutlich auch weil es der erste „Freitag der 13.“ Film war, den ich damals noch als Kauf VHS gesehen habe.
Nachdem Jason im sechsten Teil zum untoten Über-Killer wurde, brauchte das Franchise 1988 ein neues Gimmick. Die Lösung? „Jason vs. Carrie“. Auch wenn die telekinetisch begabte Tina Shepard rechtlich natürlich nicht Carrie heißt, ist die Inspiration unübersehbar.
Geplagt von Schuldgefühlen, weil sie als Kind versehentlich ihren Vater im Crystal Lake versenkte, kehrt sie zur Therapie zurück und weckt dabei Jason aus seinem nassen Grab auf.

„Friday the 13th - The New Blood“, wie er im Original heißt, bedient jedes erdenkliche 80er-Jahre-Slasher-Klischee und das rechne ich als Pluspunkt für dieses Guilty Pleasure.
Da wäre die Gruppe dämlicher Teenager, die nebenan ne Geburtstagsparty abhält. Da gibts die sensible Streberin, die „Zicke“ (Melissa, die man einfach hassen muss), den „Nerd“ und natürlich Paare, die nur existieren, um kurz darauf im Gebüsch zu verschwinden. Die Teenager verhalten sich exakt so dumm, wie man es erwartet. Sie ignorieren Warnungen, trennen sich ständig und suchen im Dunkeln nach merkwürdigen Geräuschen.

Obwohl die MPAA (die US-Prüfstelle) den Film damals massiv gekürzt hat (siehe Making of) und viel Gore verloren ging, bietet Teil 7 einige der ikonischsten Kills der Reihe, auch wenn die FSK 18 Freigabe meiner Meinung nach etwas übertrieben ist. Da sieht man heutzutage bei FSK 16er Filmen und Serien mehr Blut.
Da wäre zum einen der Schlafsack-Kill: Ein Klassiker! Jason schleift ein Mädchen im Schlafsack aus dem Zelt und schmettert sie gegen einen Baum. Simpel, brutal, legendär. Dennoch bin ich der Meinung, dass Jason damals auf der VHS Kassette den Schlafsack öfters gegen den Baum geschmettert hat…
Anschließend bekommt noch jemand seine gerechte Strafe durch ein motorisiertes Gartenwerkzeug… eine Baumsäge.
Aber auch eine Partytröte bekommt ein Opfer ins Auge gerammt. Dazu noch einige Messer- und Macheten-Kills und fertig ist der Slasher.

Nerdiger Fun-Fact: Dieser Film war der erste Auftritt von Kane Hodder als Jason. Sein Jason ist massiv, atmet schwer und wirkt durch die hervorragenden Make-up-Effekte (die Wirbelsäule liegt teilweise frei!) so verrottet wie nie zuvor. Für mich auch der beste Jason der gesamten Reihe.

„Freitag der 13. Teil 7 - Jason im Blutrausch“ ist purer Trash-Spaß. Die Handlung ist (erneut) hanebüchen, die Dialoge sind flach, aber das Duell zwischen Jasons roher Gewalt und Tinas PSI-Kräften im Finale ist immer noch unterhaltsam. Ein Muss für jeden Retro-Horror-Fan und für mich neben Teil 2 und 3 der beste Teil der Reihe… auch wenn ich ihn blutiger in Erinnerung hatte.

Bild und Ton sind für das Alter und das Budget solide, auch wenn einige Dialoge angestaubt und muffig klingen. 

Jeff (Kurt Russell) und Amy Taylor sind auf dem Weg in ein neues Leben, als ihr Wagen mitten in der Hitze der Wüste liegen bleibt. Ein hilfsbereiter Trucker bietet an, Amy zur nächsten Raststätte mitzunehmen, während Jeff beim Wagen bleibt. Doch als Jeff später dort ankommt, fehlt von Amy jede Spur – und der Trucker behauptet eiskalt, ihn noch nie gesehen zu haben.

Wer auf der Suche nach einem geradlinigen Thriller ist, kommt an „Breakdown“ aus dem Jahr 1997 nicht vorbei. Regisseur Jonathan Mostow („Terminator 3“, „Surrogates“) liefert hier ein Musterbeispiel für effizientes Storytelling ab, das den Zuschauer von der ersten Minute an packt.
Der Film verschwendet keine Zeit mit unnötigen Hintergrundgeschichten. Die Bedrohung baut sich innerhalb der ersten 15 Minuten organisch auf und lässt den Puls bis zum Abspann nicht mehr sinken. Mit einer knackigen Laufzeit von rund 90 Minuten ist das Pacing perfekt. Jede Szene treibt die Handlung voran - es gibt keine Füllszenen oder unnötige Nebenhandlungsstränge.
Kurt Russell („Backdraft“, „Overboard“) spielt keinen unverwundbaren Actionhelden, sondern einen ganz normalen Mann in einer Ausnahmesituation. Seine Verzweiflung und sein zunehmender Mut wirken echt, was die Spannung massiv steigert. Aber auch der leider zu früh verstorbenen J.T. Walsh („Eine Frage der Ehre“), den ich immer gerne sehe, spielt den perfekten Gegenpart.
Ein großer Pluspunkt ist auch das Finale, denn der Showdown ist ein wahres Adrenalin-Feuerwerk. Ohne CGI-Overkill, dafür mit handgemachter Stunt-Arbeit, bietet der Film ein Finale auf der Straße, das heute noch genauso packend wirkt wie 1997.

„Breakdown“ ist auch fast 30 Jahre später purer Nervenkitzel. Ein geradliniger 90er-Survival-Thriller, der beweist, dass man kein Riesenbudget braucht, um den Zuschauer bestens zu unterhalten.

Die 4K-Restaurierung von Turbine Medien präsentiert den Film in der nativen Auflösung von 3840 x 2160 Pixeln im Originalformat 2,35:1. Der Zuwachs an Details ist gegenüber der alten DVD (eine Blu-Ray gibt es hierzulande erst seit der VÖ der UHD) deutlich erkennbar, auch wenn der Film aufgrund seines staubigen Wüsten-Settings gelegentlich weichere Szenen beibehält. Die Texturen von Kleidung und die Gesichter der Darsteller profitieren jedoch massiv vom neuen Scan und so sieht man dann auch feinste Fältchen oder die Struktur von Kurt Russels hellblauem Ralph Lauren Poloshirt.
Dank dem Einsatz von Dolby Vision wird die hitzige Atmosphäre des Südwestens verstärkt. Es sorgt auch für präzisere Kontraste und sattere Farben bei den staubigen Gelb- und Erdtönen. Aber auch das Rot von Kurt Russels Jeep sticht sehr schön und knallig hervor. Spitzlichter und Kontrastspitzen sucht man vergebens, hier kommt das Bild recht bodenständig daher. Filmkorn wird sehr fein aufgelöst wiedergegeben und sorgt für ein filmisches Ergebnis, welches dennoch auch modern aussieht. Der Schwarzwert ist sehr satt und verschluckt auch in den wenigen dunklen Szenen keine Details. Gegenüber der DVD ist das Bild etwas dunkler geworden. Die Bitrate liegt im Durchschnitt oberhalb der 70 Mbit/s.
Insgesamt ein starkes, restauriertes Bild. Einen „4K Wow-Effekt“ sollte man aufgrund des dezenten Kontrast-Einsatzes aber nicht erwarten. Aber auch so lohnt sich das Upgrade zur UHD definitiv.

Die deutsche Veröffentlichung von Turbine Medien bietet sowohl Deutsch als auch Englisch in DTS-HD Master Audio 5.1 sowie 2.0. Der Ton überzeugt durch eine druckvolle Wiedergabe der Motorengeräusche, glasklaren Dialogen und einen räumlichen Soundtrack von Basil Poledouris („Robocop“, „Starship Troopers“).
Extras wie Trailer und „Behind the Scenes“ gibt’s auch schon auf der UHD. 

Steven Spielberg bewies 2002 mit Minority Report erneut, warum er der Meister des Geschichtenerzählens ist. Der Film ist eine perfekte Symbiose aus hochintelligentem Sci-Fi-Konzept und einem atemberaubenden, spannungsgeladenen Thriller.

Von der ersten Sekunde an zieht das Pacing an. Trotz der komplexen Handlung und einer Laufzeit von 145 Minuten gibt es keine einzige Minute Leerlauf. Ich kann mich noch gut erinnern, als ich damals gespannt im Kinosaal saß und den Film feierte. Die Inszenierung ist nach wie vor extrem dicht, dass er auch heute noch nichts von seiner Faszination verloren hat.

Hinter all den spektakulären Effekten und Verfolgungsjagden von „Minority Report“ verbirgt sich obendrein eine tiefgründige philosophische Frage: Haben wir einen freien Willen oder ist unser Schicksal vorherbestimmt? Die Auseinandersetzung mit Überwachung und Prävention wirkt heute, im Zeitalter von KI und Algorithmen, fast schon visionär.

Als John Anderton liefert Tom Cruise eine seiner intensivsten Performances ab. Er ist nicht nur der Action-Held, sondern verkörpert glaubhaft den Schmerz und die Verzweiflung eines Mannes, der vom Jäger zum Gejagten wird - ähnlich wie Harrison Ford in „Auf der Flucht“.
Aber auch Colin Farrell und Max von Sydow machen ihre Arbeit mehr als gut.

Neben der gekonnten Kameraarbeit, dem Look und dem futuristischen Designs ist es aber auch John Williams Score, der wieder einmal perfekt zur Atmosphäre passt. Handwerklich stimmt hier alles.

Die vielen Werbungen, egal ob Lexus oder Bulgari, im Film mag manch einer als störend empfinden, ich kann darüber hinwegsehen.

Mit „Minority Report“ hat Steven Spielberg nicht nur einen der besten Sci-Fi-Filme aller Zeiten abgeliefert, sondern ein zeitloses Meisterwerk, das heute aktueller ist denn je. Gehört in jede Filmsammlung!

Das 4K UHD Bild ist schwer zu beschreiben. Ähnlich wie bei „Krieg der Welten“, ebenfalls mit Cruise, beinhaltet das Bild unzählige Stilmittel und neigt öfters zu überstrahlen. Der Kontrast ist oft harsch und die Farben bläulich und kühl. Das war auf der DVD und auf der Blu Ray schon so - und nun eben auch auf der UHD.
Bei genauerem Hinsehen merkt man aber einen deutlichen Anstieg an Details. Egal ob Hautporen, Falten oder Bartstoppel - alles wird messerscharf wiedergegeben. Vor allem befinden vielen Nahaufnahmen kann man sich gar nicht satt sehen. Außer im Bild gibt’s weiße Überstrahlungen, dann kann es auch schon mal etwas matschig wirken (ganz gut zu sehen etwa bei den Szenen, wenn John Agatha bei dem High-Tech-Fritzen „anzapfen“ möchte. Da kann das Bild schon mal wie auf einer DVD wirken. Der gewollt schmuddelige Look wird mit etwas Filmkorn, welches fast immer zu sehen ist, perfektioniert.
Gegenüber der Blu Ray gibt es aber einen besseren Schwarzwert - hier bei Möglichkeit die Dolby Vision Version nehmen, da mit HDR10 Schwarz nicht ganz so satt aussieht wie mit Dolby Vision. Bei letzteren gibts tiefstes Schwarz ohne Details zu verschlucken. Auch die Plastizität profitiert vom gelungenen Schwarzwert.
Die Datenrate liegt durchschnittlich über 70Mbit/s.
Insgesamt lässt sich sagen, dass die UHD gegenüber der Blu Ray in den meisten Szenen die Nase vorne hat. Es ist kein Tag / Nacht Unterschied aber die optisch beste Präsentation des Films erhält man nun mit der UHD.

Der deutsche Dolby Digital 5.1 Ton ist solide bis gut. Dialoge sind klar verständlich und Surroundeffekte gibts auch einige coole, insgesamt hätte der Film aber mehr Dynamik verdient. Wer die Blu Ray von dem Film hat, weiß was ihn hier erwartet.

Extras gibts keine auf der UHD, diese gibts nur auf der Blu Ray. 

Wer bei diesem Titel epische Action erwartet, wird bitter enttäuscht. One Battle After Another entpuppt sich als ein träges und völlig wirres Konstrukt, das den Zuschauer zweieinhalb Stunden lang festnagelt – allerdings vor purer Langeweile.

Der Film zieht sich wie zäherKaugummi. Die Handlung verliert sich in endlosen, bedeutungsschwangeren Dialogen, die von einer unerträglichen Fahrstuhlmusik untermalt werden. Dieser belanglose Soundtrack killt jegliche Spannung und lässt selbst die "kämpferischen" Szenen wirken wie eine Kaffeefahrt im Seniorenheim. Teilweise klingt das Geklimper wie der Score von Zelda- Breath of the Wild, wenn man mit dem Pferd unterwegs ist.

Das Ganze ist schlichtweg viel zu lange geraten - eine Kürzung um 60 Minuten hätte dem Werk zumindest einen Hauch von Rhythmus verliehen. Gerade die sprunghafte erste halbe Stunde hätte extrem gekürzt werden müssen… wobei… eigentlich muss, wie bereits geschrieben, der ganze Film gekürzt werden.

Schauspielerisch ist das Ergebnis ein absurder Kontrast: Leonardo DiCaprio liefert – wie gewohnt – gut ab und versucht verzweifelt, gegen das schwache Drehbuch anzuspielen. Er ist der einzige Lichtblick in diesem Chaos. Auf der anderen Seite steht Sean Penn, dessen Performance man nur als peinlich beschreiben kann. Sein übertriebenes Method-Acting wirkt in diesem fahrigen Setting völlig deplatziert und unfreiwillig komisch.

Ich begreife einfach nicht, was uns Paul Thomas Anderson mit dem Film sagen möchte. Ja, ich verstehe einige der Botschaften wie die bedingungslose Liebe von Bob zu seiner Tochter Willa, die Kurzsichtigkeit und Zerstrittenheit radikaler Gruppen, dass Durchhalten auch als Gewinn gesehen werden kann und natürlich die Anspielungen einer faschistischen Regierung dennoch kann man den Film nicht einordnen. Ist er ein Drama, eine Komödie oder einfach ein Potpourri aus zusammengewürfelten Ideen? Man weiß es nicht.

Fazit: „One Battle After Another“ ist ein wenig fesselnder, polarisierender, verwirrender Marathon der Ereignislosigkeit. Für mich ein einziger Flop.

Die UHD liefert eine hervorragende Bildqualität, welches im Vollbild Ansichtsformat 1,85:1 zu sehen ist, mit gestochen scharfen Details und lebendigen, gelb goldenen Farben. Das filmische Bild profitiert stark von den für den Dreh verwendeten 35mm VistaVision-Kameras.
Feine Details, Texturen und Umgebungen sind auch bei schwachem Licht sichtbar - und das bei nur einer mittelmäßigen Bitrate.
Der Schwarzwert könnte meine Meinung nach tiefer ausfallen aber vermutlich ist das ein Stilmittel. Leider gibts auch einige wenige Szenen, bei denen Gesichter im Dunkeln absaufen. Spitzlichter bzw. Kontrastspitzen gibts in Form von hellen Flächen und chromatischen Gegenständen.

Vom Dolby Atmos Ton bin ich etwas entt. Gut, es gibt jederzeit glasklare Dialoge aus dem Center und ein paar wenige Effekte aus den hinteren Lautsprechern aber im großen und Ganzen ist der Film doch sehr dialoglastig. Von den oberen Atmos-Lautsprechern habe ich mir mehr erwartet. Nicht einmal den Hubschrauber, den man ganz klar von unten beobachtet, hört man von oben. Der Subwoofer bleibt auch eher dezent, lediglich beim Soundtrack oder bei der Szenen in der Schuldisco get er mal anständig runter. Insgesamt aber eher undynamisch gehalten. 

In „Moonraker – Streng geheim“ aus dem Jahr 1979 ermittelt James Bond (Roger Moore) gegen den größenwahnsinnigen Industriellen Hugo Drax. Nach dem Diebstahl eines Space-Shuttles deckt 007 einen Plan auf, die Menschheit mit einem Nervengift aus dem Weltall auszulöschen, um die Erde mit einer genetisch „perfekten“ Rasse neu zu bevölkern.

In der Ära nach „Star Wars“ schickten die Produzenten James Bond kurzerhand ins All, um dem Science-Fiction-Boom gerecht zu werden. Das Ergebnis ist ein Blockbuster, der heute vor allem durch seinen schieren Unterhaltungswert punktet.

Roger Moore ist hier einfach in Bestform. Er spielt 007 mit einer Leichtigkeit und Selbstironie, die perfekt zum überdrehten Plot passt. Er kämpft nicht nur gegen Schurken, sondern parodiert fast schon das eigene Genre. Selbstredend ist Ian Fleming´s Roman definitiv ernster angelegt.
Ein echtes Highlight ist die Verfolgungsjagd in Venedig. Bonds motorisierte Gondel, die schließlich über den Markusplatz fährt, ist Kult pur. Aber auch Rio De Janeiro als Location ist perfekt. Wer kennt sie nicht, die spannende Seilbahneinlage?

Sehr cool ist Richard Kiel, der als ikonischer Handlanger „Beißer“ zurückkehrt. Während er im Vorgänger („Der Spion, der mich liebte“) noch eine reine Bedrohung war, darf er in „Moonraker“ eine fast schon komödiantische Entwicklung samt kleiner Romanze durchlaufen.
Von der spektakulären Fallschirm-Sequenz ohne Bond-Musik im Vorspann bis zum Laser-Finale im Weltraum bietet der Film Schauwerte, die auch heute noch optisch beeindrucken.
Fazit: „Moonraker“ ist vielleicht nicht der realistischste Bond, aber definitiv einer der unterhaltsamsten. Wer Lust auf einen bildgewaltigen Abenteuertrip mit viel Humor hat, kommt an diesem Klassiker nicht vorbei. Für mich der beste Moore-Bond.

Das Bild der Blu-Ray hat kräftige sowie natürliche Farben und weist eine ordentliche Schärfe auf.

Der Ton geht ebenfalls für das Alter des Films in Ordnung. 

Der junge Jason (Kurt McKinney) muss mit ansehen, wie sein Vater von einem Verbrechersyndikat – ua vom brutalen Russen Ivan (Jean-Claude Van Damme) – verprügelt wird. Nach dem Umzug nach Seattle wird Jason vom Geist von Bruce Lee trainiert. Ja, richtig gelesen: Ein Bruce-Lee-Geist steigt aus dem Grab, um Jason in einer staubigen Garage die Geheimnisse des Jeet Kune Do beizubringen.
Warum der Film für mich nach wie vor Kult ist (und bleibt):
Bereits zu VHS Zeiten habe ich den Film mit meinen Kumpels rauf und runter geschaut. Damals gabs bei uns, wenn es ums Thema Martial Arts ging, nur drei Filme: „Karate Kid“, „Bloodsport“ und eben die „Karate Tiger“-Reihe. Gut, eventuell noch die „Turtles“. ????
Obwohl Van Damme nur eine kleine Rolle als Antagonist hat, stiehlt "The Muscles from Brussels" allen die Show. Sein eiskalter Blick und die heute legendären Kicks machten ihn über Nacht zum Star.
Ich mag auch den Klischee-Overload: Von peinlichen Klamotten, Tanzeinlagen und dem "lustigen" besten Freund bis hin zu den überzogenen Trainings-Montagen bietet der Film jedes 80er Jahre Klischee, das man sich vorstellen kann. Am besten finde ich aber immer noch die Schwabbelbacke, die ständig am Kuchen und Burger mampfen ist.
Ich mag seinen Charme. „Karate Tiger“, der im Original „No retreat, no surrender“ (wie die gleichnamige Reihe) heißt, atmet den Geist der alten Videotheken-Ära. Wer ihn damals auf einer ausgeleierten Kassette sah, wird die coole nostalgische Musik und die überdrehte deutsche Synchronisation lieben.
Klar, objektiv betrachtet ist der Film ein wilder Mix aus „Karate Kid“ und einem Bruce-Lee-Fiebertraum. Subjektiv ist er ein Martial-Arts-Meilenstein, dessen Endkampf zwischen McKinney und Van Damme auch heute noch zu den am besten choreografierten Szenen des Genres gehört. Ich hatte auch beim drölfzigsten Mal meinen Spaß mit dem Film.

Bild und Ton gehören echt mal überarbeitet.
Die Qualität schwankt von gut bis schmuddelig und auch Schmutzpartikel stören des Gesamteindruck. 

Wenn man denkt, flacher als der Kellerboden eines Spukhauses geht es nicht mehr, kommt Marlon Wayans („Scary Movie“) mit „Ghost Movie“ um die Ecke. Was als Parodie auf Found-Footage-Hits wie „Paranormal Activity“ gedacht war, entpuppt sich als absoluter Müll, der selbst eingefleischte Trash-Fans an ihre Schmerzgrenze treibt.
Warum der Film, selbst für Genrefans wie mich, purer Mist ist:
Humor aus der untersten Schublade. Statt einer cleveren Parodie gibt es eine endlose Aneinanderreihung von infantilen Fäkalwitzchen und geschmacklosen Gags, die oft weit über das Ziel hinausschießen. Ab der Szene, in der Wayans mit seinen Kuscheltieren „intim“ wurde, habe ich eigentlich nur mehr vorgespult um ab und zu anzuhalten und zu prüfen, ob dieser Film durchgehen so schlecht bleibt… und ja, das tut er.
Der Film aus dem Jahr 2013 wirkt nicht nur wie eine Kopie bekannter Szenen, sondern sieht dabei auch noch erschreckend billig aus – fast wie ein hastig produziertes Direct-to-DVD-Projekt.
Trotz einer Laufzeit von nur 86 Minuten zieht sich das Ganze wie Kaugummi. Die „Handlung“ ist quasi nicht vorhanden und dient nur als Ausrede für den nächsten flachen Witz.
Während Wayans in „Scary Movie“ noch zeigen konnte, wie Parodie funktioniert, wirkt er hier einfach nur verzweifelt und überdreht. So ein verschenktes Potenzial.
Fazit:
„Ghost Movie“ ist die Art von Film, bei der man die verlorene Lebenszeit am liebsten per Anwalt zurückfordern würde. Wer auf der Suche nach echtem Humor ist, liegt bei diesem Mist eindeutig falsch.

Bild und Ton sind solide bis gut.
Bonusmaterial gibt´s keines. 

James Bond ist eine Ikone, aber selbst Legenden setzen manchmal Staub an. „Der Spion, der mich liebte“ aus dem Jahr 1977 gilt anscheinend für viele als der Höhepunkt der Roger-Moore-Ära. Für mich ists definitiv der übertriebene „Moonraker“. Doch wer heute mit einem modernen Blick darauf schaut, muss feststellen, dass der Film leider schlecht gealtert ist und stellenweise, wie ein Relikt wirkt, das seine beste Zeit weit hinter sich hat.

Das größte Problem ist das Erzähltempo. Während moderne Action-Blockbuster durch Dynamik bestechen, fühlt sich dieser Bond heute erschreckend träge an. Nach einem, zugegeben, fulminanten und spannenden Schi-Intro ziehen sich die Szenen wie Kaugummi, besonders die Unterwasser-Sequenzen und eigentlich die gesamte zweite Hälfte. Was 1977 technisch bahnbrechend war, ist heute eine Geduldsprobe. Die Kamera verharrt minutenlang auf behäbigen U-Booten, während der Soundtrack versucht, eine Spannung zu erzeugen, die visuell einfach nicht mehr eingelöst wird.

Auch die Charakterdynamik hat tiefe Risse bekommen. Die Idee einer gleichberechtigten sowjetischen Agentin, Anya Amasova (Triple X), war für die 70er Jahre mutig und kontrovers. In der Umsetzung bleibt sie jedoch oft das „Bond-Girl“, das am Ende doch gerettet werden muss. Die Chemie zwischen Moore und Barbara Bach wirkt hölzern, was den emotionalen Kern des Films – die Rivalität, die zur Romanze wird – schwächt. Roger Moores Interpretation von Bond ist hier zudem auf einem humoristischen Level angekommen, das die Grenze zur Selbstparodie gefährlich oft überschreitet, mir persönlich aber nichts ausmacht – das passt zu Moore.

Natürlich gibt es Lichtblicke: Der Beißer aka „Jaws“ ist und bleibt einer der besten Handlanger der Filmgeschichte, und der Lotus Esprit ist ein Design-Traum. Auch das gigantische Set der „Liparus“ zeigt handwerkliches Geschick. Doch diese Schauwerte können nicht darüber hinwegtäuschen, dass die Handlung um einen größenwahnsinnigen Bösewicht, der die Welt unter Wasser neu erschaffen will, heute eher wie eine Karikatur wirkt.

Für Nostalgiker ein Muss, für Gelegenheitszuschauer heute eher anstrengend. Der Film ist ein charmantes, aber sehr langsames Zeitzeugnis, das im Vergleich zu den straffen, psychologisch tieferen (modernen) Bond-Filmen deutlich abfällt. 

Doug Ireland ist der ultimative Concierge im noblen New Yorker Hotel „Bradbury“ – er erfüllt jeden Wunsch, um seinen Traum vom eigenen Hotel zu finanzieren. Als er die Geliebte (Gabrielle Anwar) eines exzentrischen Millionärs kennenlernt, verliebt er sich in sie, was seine Karrierepläne gefährdet.

„Ein Concierge zum Verlieben“ aus dem Jahr 1993 ist eine vorhersehbare, aber charmante sowie turbulente Liebeskomödie mit Michael J. Fox als ehrgeizigem Concierge Doug, der zwischen Karriereplänen und der Liebe zu Andy (Gabrielle Anwar) schwankt. Der Film bietet leichte, nostalgische Unterhaltung im New Yorker Luxushotel-Milieu, punktet durch ein gut harmonierendes Hauptdarsteller-Paar und kurze aber feine Humor-Elemente.
Michael J. Fox brilliert in seiner Rolle (wieder einmal) als sympathischer, geschäftstüchtiger Macher. Die Chemie mit Gabrielle Anwar stimmt, und auch Nebendarsteller wie Udo Kier sorgen für humorvolle Akzente.
Regisseur Barry Sonnenfeld („Men in Black“) inszeniert eine klassische romantische Komödie der eher als Wohlfühlfilm durchgeht. So gern ich den Film auch mag, aber der Zahn der Zeit nagt auch langsam an diesem hier – soll heißen: früher fand ich ihn besser. Für Genre- und Michael J. Fox-Fans langt er aber allemal für einen netten unkomplizierten Sonntagnachmittag-Film

Fazi t: „Ein Concierge zum Verlieben“ ist auch heute noch eine leichte, oft humorvolle Reise in die 90er-Jahre, als vieles einfacher und unkomplizierter war.

Das Bild der Blu Ray im Vollbildformat 1,85:1 ist solide, zeigt gut saturierte natürliche Farben und eine ordentliche Schärfe.
Der Ton ist leider sehr frontlastig, bietet aber klare Dialoge.
Ein Wendecover ist vorhanden.