Filmbewertungen von Ninjatune666

Martin Scorsese („Shutter Island“) liefert mit „The Departed „ nicht nur ein hochkarätiges Hollywood-Remake des Hongkong-Klassikers Infernal Affairs ab (welches aber nie mir dem Staraufebot hier mithalten kann), sondern ein eigenständiges Meisterwerk. Der Film aus dem Jahr 2006 verlegt die Handlung in das raue South Boston, wo die irische Mafia unter dem exzentrischen Boss Frank Costello die Straßen beherrscht.

Ein doppelter Verrat bildet den Kern der unerträglichen Spannung. Billy Costigan (Leonardo DiCaprio) ist ein Cop, der Costellos Gang infiltriert.
Colin Sullivan (Matt Damon) ist Costellos Maulwurf innerhalb der Polizei-Spezialeinheit.
Beide versuchen verzweifelt, die Identität des jeweils anderen zu entlarven, bevor ihre eigene Tarnung auffliegt. Hier gibts das ultimative Katz-und-Maus-Spiel zu sehen!

Der Cast ist pure Hollywood-Elite: Neben Leo und Matt gibts noch so einige Stars. Jack Nicholson brilliert (wieder einmal) als diabolischer Mafiaboss.
Mark Wahlberg stiehlt in seiner Rolle als aggressiver Staff Sergeant Dignam oft die Show und erhielt dafür eine Oscar-Nominierung.
Alec Baldwin und Vera Farmiga runden das Ensemble perfekt ab.

Während das Original „Internal Affairs“ kühl und präzise ist, pumpt Scorsese in sein Remake eine rohe, aggressive Energie und eine deutlich längere Laufzeit von 151 Minuten, die den Charakteren mehr Tiefe verleiht. Für mich ist „The Departed „ aufgrund der dichten Atmosphäre und der schauspielerischen Wucht sogar das überlegenere Werk. Eigentlich ist de Film sogar ein Meisterwerk und gehört in jede gut sortierte Filmsammlung
Mit 4 Oscars (darunter Bester Film und Beste Regie) wurde der Film verdientermaßen belohnt. „The Departed“ ist ein fesselnder, gewalttätiger und psychologisch komplexer Thriller, der bis zur letzten Sekunde hochspannend bleibt.

Bild:
Das 4K-Upgrade mit HDR10 merzt die Schwächen der alten Blu-ray (die oft matschig und überschärft wirkte) vollständig aus. Scorseses düsteres Boston erstrahlt in einer Klarheit, die den Film wie neu wirken lässt.
Dank HDR10 ist der Kontrast deutlich dynamischer. Die Schatten in den Hinterhöfen von Boston sind tief und satt, ohne dass Details im im Dunkeln verloren gehen. Die Durchzeichnung in dunklen Anzügen oder schummrigen Bars ist exzellent.
Die HDR-Spitzlichter sind gezielt gesetzt. Reflektionen auf Autodächern, das Gleißen der Sonne, Mündungsfeuer in den Schießereien oder einfach helle bis weiße Flächen haben eine Brillanz, die in der Blu ray Fassung fehlt.
Die Farbpalette wirkt nun noch natürlicher. Besonders die gesunden Hautfarben fallen auf: DiCaprio und Damon sehen nicht mehr künstlich gerötet aus, sondern zeigen realistische Texturen und Nuancen. Die oft kühle, blau-grüne Ästhetik des Films bleibt erhalten, wirkt aber organischer. Der Detailzuwachs ist enorm. Poren in den Gesichtern der Schauspieler, die Struktur von Nicholsons Stoffen und das feine Filmkorn des 35mm-Films sind klar erkennbar. Das native 4K-Master bewahrt den cineastischen Look ohne künstliche Nachschärfung.
Das UHD -Upgrade lohnt sich definitiv.

Ton:
In einem Film, der von Lügen und Flüstern lebt, ist die Sprachwiedergabe entscheidend. Der Center-Lautsprecher liefert die messerscharfen, oft vulgären Dialoge von Wahlberg und Nicholson mit beeindruckender Klarheit.
Der Ton ist eher frontlastig und bodenständig, nutzt die Surround-Speaker aber effektiv für die Atmosphäre. Das Rauschen des Verkehrs, das Echo in den Lagerhallen oder die bedrückende Stille in den Fahrstuhl-Szenen erzeugen eine greifbare Räumlichkeit.
Wenn es knallt, dann richtig. Die Schusswechsel (insbesondere der Showdown) haben einen präzisen, harten Punch. Der Subwoofer bekommt auch was zu tun.
Obendrein wurden auch Howard Shores Score und die Songauswahl integriert. Die Musik taucht oft aggressiv in die Szenerie ein und nutzt die gesamte Bandbreite, ohne die Stimmen zu übertönen. Insgesamt gibt es beim Dolby Digital 5.1 Ton keine Änderungen gegenüber der alten Blu Ray. 

Der Film persifliert bekannte Flugzeug-Katastrophen-Filme der 1970er Jahre wie „Giganten am Himmel“ oder „Airport“. Grundlage für die Haupthandlung bildet jedoch der 1957 veröffentlichte Film „714 antwortet nicht“ (im Original „Zero Hour“) von Hall Bartlett.
Die Gags werden am laufenden Band, mal mehr und mal weniger humorvoll, gezündet und manche davon erkennt man auch erst nach mehrmaliger Sichtung – das kennt man ja schon von „Hot Shots“ und Co.
Die „Story“ dient eigentlich lediglich dazu, so viele Sketche wie möglich unterzubringen und darf, wie bei den meisten „Spoof-Filmen“, als zweckdienlich bezeichnet werden.
Natürlich hat sich der Humor und die vielzitierte „Political Correctness“ in den letzten Jahrzehnten weiterentwickelt und so passiert es dann auch, dass damalige Schenkelklopfer einem nüchternen Schmunzeln weichen mussten. Aber keine Sorge, der Großteil der genialen und gut pointierten Sketche funktioniert auch heute noch so, wie sie es schon damals taten.
Unvergesslich – die zwei im Original in einem afroamerikanischen Dialekt (Jive) sprechenden afroamerikanischen Passagiere, die in der deutschen Fassung mit bayerischem Dialekt reden und obendrein auch noch untertitelt werden müssen – zum Hinknien!
Der gut aufgelegte Cast wertet die unterhaltsame Parodie noch etwas auf und das obwohl der Großteil davon damals noch gar nicht so bekannt oder motiviert war. Die beiden bereits verstorbenen Schauspieler Leslie Nielson („Die nackte Kanone“) und Lloyd Bridges („Hot Shots“) waren bis dato eher in B-Movies zu sehen während hingegen Peter Graves, bereits bekannt aus de Serie „Kobra, übernehmen sie!“, zuerst gar nicht so recht Lust auf den Film hatte, nachdem er das Drehbuch dazu las. Auch LA Lakers-Legende Kareem Abdul-Jabbar gab als Co-Pilot einen mehr als passablen Gastauftritt ab.
Bei einem Budget von gerade einmal 3,5 Millionen Dollar, dem ein Einspielergebnis von über 80 Millionen Dollar allein in den USA gegenübersteht, blieb eine Fortsetzung nahezu unausweichlich. „Die unglaubliche Reise in einem verrückten Raumschiff “kam 2 Jahre später in die Kinos und verfrachtete das Geschehene des Erstlings fast 1:1 in den Weltraum.
Wer gute „alte“ Klamauk-Komödien, wie die in der Einleitung genannten, zu schätzen weiß, kommt um „Die unglaubliche Reise in einem verrückten Flugzeug“ gar nicht drum herum, da dies ja quasi „die Mutter“ aller Film-Parodien ist und zu recht vom American Film Institute zu einer der „10 besten Komödien aller Zeiten“ gewählt wurde.
Natürlich nagte an manchen Gags der Zahn der Zeit aber das „AZA-Trio“ gelang es dennoch, mit einem geringen Budget eine Parodie für die Ewigkeit zu kreieren.
Bild:
Die native 4K-Auflösung sorgt für eine deutlich bessere Detailwiedergabe in Nahaufnahmen, wie Hautstrukturen oder feinem Haar. Das Bild wirkt schärfer und klarer als bei der herkömmlichen 1080p-Blu-ray, wobei der Filmcharakter durch das erhaltene, feine Filmkorn gewahrt bleibt. Der über 40 Jahre alte Film bietet einen, in den meisten Szenen, überraschend guten Schwarzwert und bringt dank gut sichtbarer Falten der Darsteller ein ordentliches UHD-Feeling mit. Die Farbpallette reicht von hellen Brauntönen bis hin zu weichen Gelbtönen und passt so hervorragend zum Alter des Films. Dank Dolby Vision wirken Farben natürlicher und gesättigter und Weißtöne sind sauberer und klarer. Obwohl die 4K-Version eine Verbesserung darstellt, handelt es sich um einen Film aus dem Jahr 1980. Einige Aufnahmen sind naturgemäß weicher oder weisen leichte Unschärfen auf, die durch die höhere Auflösung nicht vollständig behoben werden können.
Mit aktuellen Produktionen kann der Film nicht mithalten.
Ton:
Tja, was soll man aus einem flachen deutschen DD 2.0 Ton schon groß herausholen? Immerhin sind die Dialoge meist klar und verständlich, auch wenn sich die Synchro vereinzelt, aufgrund des Alters des Films, etwas muffig anhört. Die hinteren Kanäle sowie der Subwoofer bleiben stumm. Auch wenn die englische DTS-HD 5.1 MA-Spur zumindest am Papier klar die Nase vorne hat, profitiert eigentlich fast ausschließlich der geniale Soundtrack von Elmar Bernstein davon, der bereits in Klassikern wie „Die glorreichen Sieben (1960)“, „Caddyshack“ oder „Ich glaub´ mich knutscht ein Elch“ sein Können unter Beweis gestellt hat. Sein Score verteilt sich nun auf alle Kanäle und schafft so einen angenehmeren Klangteppich als bei der deutschen Tonspur.
Insgesamt geht der Ton, für das Alter und das Genre aber schon in Ordnung. Nicht mehr, aber auch nicht weniger.
Leider gibt es auf der UHD keinerlei Bonusmaterial wie Trailer, Making-Of´s oder Werbeclips zu sehen – diese bleiben ausschließlich der beiliegenden Blu Ray vorbehalten.

Zucker, Abrahams und Zucker erschufen 1980 mit „Die unglaubliche Reise in einem verrückten Flugzeug“ die Mutter aller Film-Parodien, deren Gags auch heute noch zum Großteil zünden und die Messlatte für spätere „Spoof Filme“ hoch ansetzte. Ein Comedy-Meilenstein mit dezenten Abnutzungserscheinungen, der in keiner gut sortierten Film-Sammlung fehlen sollte. 

Der Film nutzt sein minimalistisches Setting – eine fast menschenleere, weihnachtlich geschmückte, aber dennoch klaustrophobische Tiefgarage an Heiligabend – optimal aus. Die Atmosphäre ist von Beginn an beklemmend und spielt mit der Angst vor Überwachung und dem Ausgeliefertsein an einem eigentlich alltäglichen Ort. Da macht es auch nichts, wenn die Story selbst sehr einfach gehalten wurde.
Rachel Nichols („Tokarev“) verkörpert die Wandlung von der normalen Geschäftsfrau zum "Final Girl", das um sein Leben kämpft, äußerst glaubwürdig. Ihre Performance trägt enorm zur Spannung des Films bei, weil sie Verletzlichkeit und zunehmende Entschlossenheit authentisch vermittelt.
Aber auch Wes Bentley („Yellowstone“), den ich eigentlich nicht so gerne sehe, brilliert in der Rolle des Thomas, einem einsamen und zutiefst gestörten Sicherheitsmann, der mich öfters an einen Norman Bates erinnerte. Seine Darstellung des Peinigers, der seine Taten in einer verdrehten Logik rechtfertigt, ist effektiv, fies und unberechenbar. Das Psychospiel zwischen ihm und Angela ist ein zentrales Element des Films.
Obwohl sich „P2 – Schreie im Parkhaus“ stark auf das psychologische Duell der beiden Protagonisten konzentriert, liefert er aber auch einige unerwartet gewalttätige und blutige Momente. Kein Wunder, ist doch kein geringerer als Alexandre Aja („High Tension“, „Crawl“, „The Hills have eyes“) Autor und Produzent des Streifens. Diese Szenen sind effektiv platziert und tragen zur Härte des Thrillers bei, ohne in puren, sinnlosen Gore abzudriften. Die Stärke des Films liegt im intensiven Zweikampf der beiden Hauptdarsteller, nicht in übermäßiger Splatter-Action.

"P2 – Schreie im Parkhaus" erfindet das Genre nicht neu, ist aber ein straff inszenierter, atmosphärischer und spannender Thriller. Die herausragenden Leistungen von Rachel Nichols und Wes Bentley, kombiniert mit dem beengten, beklemmenden Setting, machen ihn zu einem sehenswerten, wenn auch unterbewerteten, Genre-Beitrag. 

Die Adaption des beliebten "Saturday Night Live" Sketches in Spielfilmlänge, "Wayne's World" aus dem Jahr 1992 hat sich über die Jahrzehnte hinweg als eine der einflussreichsten und beständigsten Komödien erwiesen. Angeführt von Mike Myers („Austin Powers“) als Wayne Campbell und Dana Carvey als Garth Algar, ist der Film zumindest für mich auch heute noch genauso lustig wie bei seiner Erstveröffentlichung.

„W ayne´s World“ glänzt durch seinen unverwechselbaren, albernen Humor, gespickt mit Popkultur-Referenzen und ikonischen Sprüchen, die bis heute in den allgemeinen Sprachgebrauch übergegangen sind. Die Meta-Kommentare und der direkte Bruch der vierten Wand verleihen ihm eine einzigartige Note. Natürlich sind einige Gags nicht ganz so gut gealtert wie andere (zB Wayne´s Anspielung der Raffaelo Werbung mit dem Baron im Auto, der sich „die Kugel geben“ soll – kennt heutzutage kein Mensch mehr).

Die Chemie zwischen Mike Myers und Dana Carvey ist unbestreitbar. Sie verkörpern die liebenswerten, ziellosen Metal-Fans perfekt, deren Authentizität und naive Freude den Kern des Films ausmachen. Trotz einer einfachen ist der Film dank seines schnellen Tempos und der Aneinanderreihung von Gags äußerst kurzweilig.

Der Soundtrack ist ein Highlight für sich und fest in der Rock- und Metal-Kultur der frühen 90er Jahre verwurzelt. Die berühmte Szene, in der die Jungs "Bohemian Rhapsody" von Queen im Auto mitgrölen, ist nicht nur eine der besten Musikszenen der Filmgeschichte, sondern verhalf dem Song auch zu neuer Popularität.

"Wayne's World" ist weit mehr als nur eine einfache SNL-Verfilmung - er ist ein kulturelles Phänomen, das eine ganze Generation geprägt hat. Er ist eine liebevolle Hommage an die Vorstadtjugend und ihre Leidenschaften und bleibt dank seines einzigartigen Charmes und seiner Gags ein absoluter Comedy-Klassiker. Wer eine unbeschwerte, lustige und musikalisch hervorragende Zeitreise in die 90er sucht, liegt hier goldrichtig. Exzellent!

Vom 4K UHD Dolby Vision Bild war ich in der ersten Szene etwas enttäuscht. Denn als Rob Lowe im Bett liegt und fernsieht, war doch alles etwas weich und schmuddelig. Gottseidank ändert sich das Bild schlagartig, denn in hellen gut ausgeleuchteten Szenen sorgt Dolby Vision für erstaunliche Kontraste, vor allem helle Flächen profitieren davon. Alles was glänzt (Metall, verchromte Teile, ja sogar Saiten der E-Gitarren) strahlen um die Wette. Waynes Jeans haben nun endlich Struktur und Garths Haare kann man nun einzeln zählen. Dazu gibt es fein aufgelöstes Filmkorn und einen etwas besseren Schwarzwert. Die Farben kommen etwas saturierter und natürlicher daher, vor allem Hauttöne und neutrale Flächen profitieren davon. Das Bild im 1,85 Vollbildformat bietet durchgehend eine Datenrate von ca. 70Mbit/S.
Ein Upgrade der Blu-Ray lohnt sich definitiv, auch wenn die Steigerung der Qualität einmal besser und einmal weniger gelang. 

Der Film, der vier Jahre nach den Ereignissen des ersten Teils spielt, fokussiert sich darauf, die Traumata der Protagonisten Finney und Gwen zu vertiefen. Der Film schlägt ein langsameres, atmosphärischeres Tempo an, das sich von der direkten Konfrontation des ersten Teils unterscheidet. Das Ziel ist es, eine durchgehend gruselige Stimmung aufzubauen, insbesondere durch die visuell interessanten, körnigen Retro-Traumsequenzen.

„Black Phone 2“, die Fortsetzung des erfolgreichen Horror-Thrillers von 2022, unter der Regie von Scott Derrickson, bietet zwar einzelne gruselige Momente (insbesondere die Szenen auf dem zugefrorenen See mit den untergetauchten Leichen), das Gesamtkonzept ist aber nicht mehr so stark wie im Original. Die Spannung verlagert sich von einem physischen Überlebenskampf hin zu einer übernatürlichen Ermittlung, bei der Gwen's psychische Fähigkeiten im Vordergrund stehen.

Die Handlung erweitert die Mythologie um den "Grabber" (wieder einmal ein starker Ethan Hawke) und die Familie Blake erheblich, indem sie die Vorgeschichte der Mutter von Finney und Gwen miteinbezieht. Diese Ausweitung, die über den simplen, effektiven Ansatz des ersten Films hinausgeht wirkt leider konstruiert. Insbesondere die Art und Weise, wie der nun tote Grabber aus dem Jenseits agiert, basiert stark auf den spezifischen, übernatürlichen Regeln des Films, was je nach Betrachtungsweise als Logikbruch empfunden werden kann.

Leider gibt’s aber sonst noch so einige Logiklücken und Schlampereien zu sehen. Gwen bekommt zwar eine schwer erhältliche Karte für ein Duran Duran Konzert, fährt aber stattdessen mit dem Schenker in das Bergcamp. Die wertvollen Tickets spielen plötzlich keine Rolle mehr. Oder das mitternächtliche Finale am zugefrorenen See – keiner der Protagonisten zeigt auch nur annähernd einen Kondensations-Hauch aus seinem Mund. Alles wirkt wie in einem Studio aufgenommen. Oder die Telefonzelle am See, die angeblich seit über 10 Jahren nicht mehr in Betrieb war aber glänzt, als wäre sie gerade erst aufgestellt worden – diese und viele solche unnötigen kleinen Fehler lassen einfach keine Immersion zu – schade.

Auch der Cast selbst ist, bis auf unsere drei Hauptrollen, eher mäßig bis schlecht gewählt. Kein Charakter ist in irgendeiner Form glaubwürdig – hier hätte ein talentierterer Cast gutgetan.
Das größte Manko ist allerdings, dass der Film mit seinen 2h Spielzeit, bis auf das Finale, keinerlei Highlights bietet. Ständig wird versucht etwas Spannung aufzubauen, was anfangs ja noch funktioniert, allerdings verläuft vieles dann in genretyischen Pfaden. Richtige Wow-Momente sucht man vergeblich. So wartet und wartet man als Zuschauer ehe nach 100 Minuten dann das Finale eingeläutet wird.

Immerhin gibt’s einige nette Gewaltspitzen für Gore-Fans – da hat die FSK mit ihrem 16er Flatschen wohl einen guten Tag gehabt. Auch die Ausstattung und die verschneite Umgebung rund um den „Alpine Lake“ können sich sehen lassen und sind gegenüber dem ersten Teil ein willkommener Kontrast. Auch die Makeup-Effekte und die blutigeren Szenen sind handwerklich gut gemacht.

Der Score von Atticus Derrikson ist zwar atmosphärisch und verzerrt elektronisch gehalten, kommt meiner Meinung nach aber viel zu selten zum Einsatz.

Das Bild der UHD, welches im Seitenformat 2,39:1 daherkommt, darf im Großen und Ganzen als gelungen bezeichnet werden. Es wird fast das Beste aus dem verwendeten Digital- und Super-8-Filmmaterial herausholt. Die bewusst eingesetzten Filmkorn-Effekte des Super-8-Materials während Gwens Traumsequenzen bleiben erhalten und tragen zur beabsichtigten, düsteren Ästhetik bei, anstatt künstlich geglättet zu werden.
Trotz der stilistischen Wechsel zwischen den Formaten wird die reale Welt in 4K als gestochen scharf und detailreich dargestellt. Farben sind etwas entsättigt und es dominieren Braun und Blautöne. HDR10 sorgt für eine verbesserte Tiefe, einen besseren Kontrast und detailliertere satte Schwarzwerte. Die Durchzeichnung lässt keine Details in den vielen Dunklen Szenen absaufen. Spitzlichter halten sich in Grenzen, gibt’s aber zuweilen bei Taschenlampen oder den Heizkörpern im Feriencamp zu bewundern. Insgesamt eine tolle UHD mit einem überzeugenden Bild.

Vom deutschen Dolby Atmos Ton (mit einem 7.1 True-HD Kern) habe ich mir etwas mehr erhofft. Klar, Dialoge sind jederzeit glasklar aus dem Center zu hören und der Soundtrack ist „nice“, allerdings vermisste ich Dynamik, Effekte und auch 3D Sounds. Ja, ab und an gibt’s nette Effekte aus den hinteren Lautsprechern aber von oben gibt’s lediglich den Score und maximal eine Handvoll native 3D-Sounds zu hören. Natürlich bietet der Film auch nicht wirklich viele Gelegenheiten, Effekte von „oben“ zu implementieren, allerdings hätten die, die man bekommt, dynamischer ausfallen dürfen. Schade, denn hier wäre etwas mehr „Wumms“ drinnen gewesen.

"Black Phone 2" ist ein ambitionierter Versuch, das Universum zu erweitern, scheitert aber letztendlich an den eigenen Erwartungen, indem er sich in einer zu langen Laufzeit verliert, die klaustrophobische Spannung des ersten Teils vermissen lässt und unnötigerweise ins Slasher-Genre schielt. Über die kleinen Logikfehler lege ich lieber mal den Mantel des Schweigens. 

Mit The Long Walk (2025) ist Regisseur Francis Lawrence („The Hunger Games“, „Constantine“) das Kunststück gelungen, eine der „unverfilmbaren“ Vorlagen von Stephen King (geschrieben als Richard Bachman) in einen beklemmenden Spielfilm zu verwandeln.
Lawrence inszeniert diesen Überlebenskampf nicht als Action-Spektakel, sondern als psychologisches Kammerspiel unter freiem Himmel.

Der sympathische Cooper Hoffman („Licorice Pizza“) und der talentierte David Jonsson („Alien: Romulus“) liefern eine Chemie ab, die das Herzstück der Geschichte bildet. Ihre wachsende Freundschaft inmitten der Hoffnungslosigkeit ist zutiefst bewegend. Man kann nicht anders, als mit den beiden und ihrer kleinen Gruppe mitzufühlen. Besonders frisch wirkt der Ansatz, die körperliche Auszehrung der Protagonisten fast physisch spürbar zu machen. Wenn ihre Füße bluten und der Geist nachgibt, leidet man als Zuschauer in jeder Sekunde mit.
Mark Hamill liefert als „Major“ eine beeindruckende Performance ab. Er spielt den Antagonisten nicht als klischeehaften Bösewicht, sondern erschreckend sympathisch und väterlich, was die Perversion des Todesspiels nur noch unterstreicht.

„The Long Walk“ kam mir oftmals wie das düstere Spiegelbild von „Stand by Me“ vor und dieser Vergleich trifft bei näherer Betrachtung genau ins Schwarze. Es ist eine Coming-of-Age-Geschichte, bei der das „Erwachsenwerden“ durch das Sterben ersetzt wird. Während die Jungen marschieren, philosophieren sie über das Leben, die Liebe und den Tod, was den Film extrem nachdenklich macht.

Unterstrichen wird das ganze von einem tristen Bild mit erdigen Farbtönen und einem dezenten aber ins Herz treffenden Score von Jeremiah Fraites („The Hunger Games“).

Nur das Ende hat mir nicht ganz so zugesagt, da ich gerne noch mehr Hintergrundinfos zum „Long Walk“ selbst und Rays Vater gehabt hätte und ob das Preisgeld überhaupt echt ist - „Die Insel“ lässt grüßen.

„The Long Walk“ ist kein leichter Film. Es ist ein hochemotionales Erlebnis, das zum Zuhören und Mitfiebern zwingt, während man gleichzeitig weiß, dass es nur einen Gewinner geben kann. Lawrence hat bewiesen, dass man King-Horror auch ohne Monster, nur durch menschliche Abgründe, meisterhaft erzählen kann. Ein absolutes Must-Watch für Fans von Stephen King und tiefgründigen Dystopien.

Zum Abschluss noch der beste Dialog des Films, der mir lange im Kopf geblieben ist, nachdem wieder jemand aus der Gruppe vor deren Augen erschossen wurde:
Peter: “Ich hoffe, das wird mit der Zeit leichter.“ Daraufhin Ray: „Genau davor habe ich Angst…“

Das Bild ist ordentlich scharf und die Farben erdig gehalten.
Der Ton ist ebenfalls solide und frontlastig, könnte aber etwas effektreicher sein.

Extras sind reichlich auf der blauen Scheibe enthalten. 

Es geht um die Las-Vegas-Revuetänzerin Shelly, deren Welt nach dem abrupten Ende ihrer Show zusammenbricht. Mit fast 60 Jahren muss sie sich nach drei Jahrzehnten im Rampenlicht neu orientieren, ihre vernachlässigte Beziehung zur Tochter kitten und ihre Identität abseits der Bühne finden.

„The Last Showgirl“ aus dem Jahr 2024 mit Pamela Anderson und Dave Bautista in den Hauptrollen wird definitiv die Geschmäcker spalten. Ich fand ihn ermüdend bzw. langweilig, die wackelige Kamera mit den Nahaufnahmen machte mich richtig nervös und da der Film auf Wunsch von Regisseurin Gia Coppola auf 16mm gedreht wurde, bekommt man obendrauf noch ein dreckiges, körniges sowie verwaschenes Bild zu sehen, welches vermutlich den Verfall vom Showbiz in Las Vegas unterstreichen soll. Eine tiefgründige Charakterstudie konnte ich jedenfalls nicht erkennen und auch Andersons schauspielerische Leistung war jetzt nicht der Rede wert. Obwohl der Film gerade einmal 88 Minuten Laufzeit aufweist, war es ein innerer Kampf, bis zum Ende durchzuhalten, nur um zu sehen, ob etwas Besonderes passiert.

Beispiel? Nach ca. 30 Minuten (!) Spielzeit haben die Showgirls lediglich mitbekommen, dass ihre Show abgesetzt wird. Ja, DAS war in etwa die gesamte Handlung der ersten halben Stunde. Alles eingebettet in oberflächlichen und klischeehaften Dialogen.

Der einzige Lichtblick war Ex-Wrestler Dave Bautista, der den Bühnenmanager Eddie in einer Nebenrolle spielt. Seine unaufdringliche, aber wirkungsvolle Darstellung fand ich richtig stark. Hier konnte er eine andere Bandbreite seines Könnens zeigen.

Natürlich ist mir nicht entgangen, dass die Handlung eine melancholische Betrachtung über das Altern, der Identität und verpasste Chancen ist. Dennoch ist „The Last Showgirl“, auch weil Nebenhandlungen zu kurz kommen, viel zu zäh inszeniert ist und der spezielle visuelle Ansatz nicht gefällt, nichts zum Weiterempfehlen. Dass der Film mich (uns) in keiner Weise abgeholt hat verpasst ihm den endgültigen Todesstoß. 

Kathryn Bigelow („Gefährliche Brandung“) inszenierte 1990 mit „Blue Steel“ einen intensiven Psycho-Thriller, der gängige Geschlechterrollen im Action-Genre auf den Kopf stellt. Der Film, mit Jamie Lee Curtis in der Hauptrolle als Polizeibeamtin Megan Turner und Ron Silver als psychopathischem Börsenmakler Eugene Hunt, überzeugt meistens durch seinen stilistischen 90er Jahre Flair und den fesselnden Darstellerleistungen.
Der Film greift Themen wie ein Fetisch für Waffen und die Stellung einer Frau in einem männerdominierten Berufsumfeld auf. Bigelow bricht dabei bewusst typische Genre-Konventionen: Megan ist keine hilflose Opferfigur, sondern eine intelligente und körperlich starke Protagonistin, die sich mit ihrer Ausbildung und Entschlossenheit zur Wehr setzt.
Regisseurin Kathryn Bigelows Arbeit ist erneut stilvoll, visuell fesselnd und mit einer rohen Darstellung des New York City der 90er Jahre gesegnet. Die Nutzung von Nahaufnahmen und die kühle, bläuliche Farbpalette tragen zur intensiven Atmosphäre bei.
Jamie Lee Curtis liefert eine überzeugende Leistung als entschlossene, aber verwundbare Polizistin ab. Besonders hervorheben möchte ich Ron Silver in seiner Rolle als psychopathischen, unberechenbaren Bösewicht Eugene Hunt, der den Wahnsinn seines Charakters brillant verkörpert. Sehr stark fand ich aber auch Clancy Brown, den ich immer gerne sehe, als Detective Nick Mann.
Leider finden sich auch einige Logiklücken im Drehbuch (wieso kann Hunt nach all dem „Stress“ mit der Polizei einfach so und ohne Folgen bei Megans Familie auftauchen?), unrealistische Handlungsentwicklungen (die Romanze gegen Ende) und das Fehlen einer tieferen Erklärung für Hunts Motivation. Das Ende finde ich auch etwas zu gestreckt, was das Potenzial des 100 minütigen Films nicht vollständig ausschöpft.
Trotz einiger Schwächen im Skript ist "Blue Steel" ein sehenswerter, intensiver Psycho-Thriller und ein gelungenes Frühwerk von Kathryn Bigelow, das eine einzigartige Perspektive auf das Cop-Thriller-Genre bietet.

Bild und Ton sind für einen Film Anfang der 90er Jahre solide.
Als Extra gibts lediglich nen Trailer. 

David Robert Mitchells "It Follows" aus dem Jahr 2014 ist ein intelligenter, atmosphärischer Psychothriller, der sich durch seinen minimalistischen Ansatz und die Hommage an klassische Horrorfilme der 70er und 80er Jahre („Halloween“) auszeichnet. Anstatt auf billige Jump Scares zu setzen, erzeugt der Film eine konstante, beklemmende Atmosphäre der Paranoia und unausweichlichen Bedrohung, die dem Zuschauer noch lange nach dem Abspann in den Knochen steckt.

Der visuelle Stil des Films ist bewusst retro gehalten und erinnert stark an die Werke von John Carpenter. Die Kameraarbeit (oft mit weiten, offenen Einstellungen und langsamen Kameraschwenks) erzeugt ein ständiges Gefühl des Beobachtetwerdens, da die Bedrohung jederzeit im Hintergrund auftauchen könnte. Dieses visuelle Spiel mit dem Unerwarteten hält den Zuschauer permanent in Atem. Zudem ist die genaue zeitliche Einordnung der Handlung durch eine Mischung aus moderner und alter Technik (z. B. altmodische Fernsehgeräte neben E-Readern) bewusst verschleiert, was zum surrealen, traumartigen Gefühl beiträgt.

Der Soundtrack, komponiert von Disasterpeace, ist ein absolutes Highlight und maßgeblich für die Gänsehaut-Momente verantwortlich. Die pulsierenden Synthesizer-Klänge sind eine direkte Anspielung auf die ikonische Musik von John Carpenter bei "Halloween" und verstärken die Spannung und das Gefühl des drohenden Unheils in jeder Szene. Die Musik ist so effektiv, dass sie fast selbst zu einem Hauptdarsteller des Films wird.

Der Horror in "It Follows" ist psychologischer Natur und spielt mit der Urangst, gejagt zu werden. Die "Entität“, die langsam, aber unaufhaltsam auf ihr Opfer zukommt und jede beliebige Form annehmen kann, ist zutiefst verstörend. Der Grusel entsteht nicht durch Gore-Effekte, sondern durch die schleichende Bedrohung und die Erkenntnis, dass es kein Entkommen gibt, es sei denn, man gibt den "Fluch" durch Sex weiter. Diese Prämisse dient auch als vielschichtige Metapher für sexuell übertragbare Krankheiten, die Last des Erwachsenwerdens oder die Unvermeidbarkeit des Todes.

Der Film besticht durch einen überzeugenden, jungen Cast um Hauptdarstellerin Maika Monroe („Longlegs“), die ihre Rolle als gepeinigte Jay glaubwürdig verkörpert. Die unverbrauchten Gesichter der Schauspieler tragen zur Authentizität der Geschichte bei und lassen die Situation umso realistischer wirken.

"It Follows" ist ein absoluter Geheimtipp für alle, die cleveren, atmosphärischen Horror abseits des Mainstreams suchen. Der Film ist ein Musterbeispiel dafür, wie man in 100 Minuten mit Stil, Atmosphäre und einem originellen Konzept nachhaltigen Grusel erzeugt. Wer sich auf das langsame Tempo einlässt, wird mit einem der originellsten und beklemmendsten Horrorerlebnisse der letzten Jahrzehnte belohnt.

Das Bild der Blu-Ray ist bewusst etwas weicher und blasser gehalten, trägt aber immens zur Atmosphäre bei.

Der klasse Soundtrack kommt dank DTS-HD Ton so richtig zur Geltung. Dialoge sind etwas leiser aber immer noch gut verständlich.

Extras wie ein Audiokommentar und ein Interview mit dem Komponisten sind etwas wenig Bonusinhalt. 

Man folgt dem egozentrischen Teenie-Idol Ricky Coogan (gespielt von Alex Winter), der in Südamerika in die Fänge eines verrückten Wissenschaftlers gerät, der Menschen in Mutanten ("Freaks") verwandelt.

Erstsichtung der bizarren Komödie, die angeblich in den USA aufgrund seines überbordenden Humors im Stil von MTV-Sketch-Shows und beeindruckender praktischer Make-up-Effekte Kult-Status genießen soll. "Freaked", unter der Regie von Alex Winter („Bill & Ted“) und Tom Stern, ist ein Film, der so wenn dann nur Anfang der 90er-Jahre funktionieren konnte.

Klar, es gibt wirklich coole praktische Effekte und neben den unzähligen Cameos auch einen halbwegs bekannten Cast, darunter Brooke Shields, Randy Quaid oder William Sadler, doch leider zünden bei weitem nicht alle Witze und Cameos im Film. Er ist manchmal zu albern und überholt. Die "alles-muss-raus"-Mentalität des Films muss man schon mögen – ich fand dieses Witze-Herausschießen einfach nur ermüdend.

Zum Cameo Auftritt von Keanu Reeves schaffte ich es gar nicht, da ich diesen „Film“ nach 33 Minuten ausschalten musste. Und das, obwohl ich für solche 90er Jahre B-Movies („Steinzeit Junior“, „Wie der Vater so der Sohn“) Komödien schon anfällig bin.

Nö, das war nix. Diese bizarre Komödie dürfte nur die aller wenigsten glücklich machen. Schade.

Das Bild und der Ton sind solide, wenn auch etwas Kontrastarm.

Extras sind einige vorhanden und auch an ein Wendecover ohne FSK12 Flatschen wurde gedacht. 

Der 1997 unter der Regie von Roger Donaldson („Species“) veröffentlichte „Dante´s Peak“ war ein prominenter Beitrag zur Welle der Katastrophenfilme der 90er Jahre und lieferte sich ein direktes Duell mit dem nur wenige Monate später gestarteten „Volcano“, der leider von den Einnahmen her leider nicht mithalten konnte. Der Film, der den Opfern des Ausbruchs des Mount St. Helens von 1980 gewidmet ist, setzt auf eine Mischung aus (leicht) wissenschaftlichem Anspruch und visuellem Overkill.

Die Handlung folgt dem klassischen Katastrophenfilm-Muster: Der warnende Experte wird zunächst ignoriert, bis die Katastrophe unausweichlich wird. Die Spannung wird effektiv aufgebaut, wobei die erste Hälfte des Films sich Zeit nimmt, die Bedrohung durch seismische Aktivitäten und chemische Veränderungen zu etablieren. Wenn der Vulkan schließlich ausbricht, wechselt der Film in einen nervenaufreibenden Action-Modus, der bis zum Schluss fesselt. Die Dramatik ist hoch, auch wenn einige wissenschaftliche Freiheiten für den Effekt (z.B. das rasche Auflösen eines Bootes im Säuresee oder das Entkommen vor pyroklastischen Strömen im Auto) in Kauf genommen wurden.

Die visuellen Effekte waren 1997 beeindruckend und halten sich, im Gegensatz zu vielen rein digitalen Effekten der Zeit, überraschend gut. Dies liegt daran, dass der Film stark auf eine Kombination aus den damals größten jemals gebauten Miniaturmodellen und praktischen Effekten setzte, die durch digitale Technologien ergänzt wurden. Besonders die Szenen mit dem Fluss und der Brücke sowie dem Säuresee sind visuell dicht und intensiv. Die Darstellung der pyroklastischen Ströme und der allgemeinen Zerstörung ist wuchtig und liefert genau den "Wumms", den man von einem solchen Film, vor allem fast 30 Jahre später, nicht erwartet.

Pierce Brosnan (dank „Goldeneye“ frisch im James-Bond-Fieber) als pflichtbewusster Vulkanologe Dr. Harry Dalton und Linda Hamilton („Terminator“) als resolute Bürgermeisterin Rachel Wando spielen ihre Rollen souverän, auch wenn die Charaktere selbst eher typisch für das Genre sind. Ihre Chemie ist nicht elektrisierend (ich sehe Linda Hamilton einfach nicht als flirtende Frau), aber glaubwürdig genug, um das Publikum emotional an die Handvoll Hauptfiguren zu binden, die inmitten des Chaos ums Überleben kämpfen.

„Dante´s Peak“ ist ein geradliniger, spannender und visuell beeindruckender Katastrophenfilm, der genau das liefert, was er verspricht: packende Unterhaltung mit viel Zerstörung und Herz. Er ist ein überdurchschnittliches Beispiel seines Genres, das durch seine handgemachten Effekte und eine solide Besetzung auch heute noch gut funktioniert.

Die Bildqualität profitiert von einem neuen 4K-Scan des originalen 35-mm-Kameranegativs, der vom Regisseur Roger Donaldson persönlich überwacht und freigegeben wurde. Genau wie auch unlängst bei „Daylight“, ebenfalls aus dem Hause Turbine, brauchte ich kurz, mich an das analoge 4K Bild zu „gewöhnen“, da anfangs noch viel Filmkorn das Bild ziert. Mit der Zeit merkt man dann deutlich, wie die native 4K-Auflösung für eine deutlich verbesserte Detailgenauigkeit und Klarheit sorgt. Zum Beispiel bei der Notfall-Sitzung in der Turnhalle sieht man Details bis in die letzte Reihe. Abgesehen von den (offensichtlichen) Matte Paintings und den Modellen punkten die weitläufigen Landschaftsaufnahmen und auch bei Texturen von Kleidung und Haut ist ein spürbarer Unterschied zur Blu-ray festzustellen.

HDR10 führt zu tieferen Schwarzwerten, helleren Weißtönen und lebendigeren Farben, was dem Katastrophenfilm, der oft mit Feuer, Asche und Wasser spielt, zugutekommt. Die Farbgebung wirkt organischer, natürlicher und nuancierter als zuvor. Gerade Spitzlichter sind eine (Achtung: Wortspiel) „helle“ Freude. Diese Sorgen für Spitzenhelligkeiten bei Explosionen, Funkenspritzer aus Strommasten aber auch beim Glanz in den Augen. Wirklich top. Die Bitrate ist ok und ist im 60er bis 70er Mbit/s angesiedelt. Upgrade lohnt.

Sehr cool ist aber auch der neue deutsche Dolby Atmos Ton. Besonders die Actionszenen, wie der Ausbruch des Vulkans, Hubschrauberflüge und das Bersten bzw. Herabfallen von Gestein Dächern oder Strommasten, profitieren von den Höhenkanälen und der präzisen Ortung von Soundeffekten im Raum. Auch der Score wird in den Actionmomenten mit „nach oben“ genommen. Der Soundtrack ist dynamisch und kraftvoll aber meiner Meinung nach etwas generisch. Dialoge bleiben dabei stets klar und verständlich, auch wenn die Umgebungseffekte und die Filmmusik an Intensität gewinnen. Lediglich vom Subwoofer hätte ich mir etwas mehr Druck gewünscht.

Extras sind auch bereits auf der UHD mit drauf. Lediglich das Front und Backcover sieht, wie auch schon bei „Daylight“ bescheiden und ohne Infotext aus. 

Als Found Footage Fan musste ich natürlich auch diesen Film hier sehen, der bereits 2014 entstand aber hierzulande erst 2025 erschien.

Der Film beginnt als Dokumentarfilm über die Alzheimer-Erkrankung von Deborah Logan. Diese Verknüpfung von realem Body Horror durch Demenz und übernatürlichen Elementen ist gerade zu Beginn besonders beklemmend und effektiv. Die schauspielerische Leistung von Jill Larson als Deborah ist gleichzeitig herausragend aber auch verstörend.

Der Film nutzt genretypisch Handkameras und Überwachungsvideos, was Vergleiche zu Klassikern wie Blair Witch Project (Immersionsgefühl) und Paranormal Activity(statische Kameras in Wohnräumen) nahelegt.

„The Taking“, wie er im Original heißt, liefert Bilder, die sich einbrennen. Insbesondere eine berüchtigte Szene in einer Höhle, die einen unvergesslicher Schockmoment bietet.

Leider bietet „The taking of Deborah Logan“ in der zweiten Hälfte „zu viel des Guten“. Während der Anfang subtil die Schrecken der Krankheit nutzt, ohne dabei plakativ zu sein, driftet das Finale stark in klassische Exorzismus- und Dämonen-Klischees ab, was den Realismus des Beginns schwächt. Das Finale wird dann leider sehr überladen und übertrieben inszeniert.

Was auch nicht geht, sind die teils miesen Synchronsprecher (zB die der jungen Polizistin), die die Immersion zerstören. Auch gibts in den Höhlenszenen zu den deutschen Sprechern auch noch die originalen Sprecher zu hören - zeitgleich! Da hat wohl jemand bei der Kontrolle gepennt.

Auch dass nie jemand einen Lichtschalter benutzt nervt immens und immer wieder. Klar sind Taschenlampen atmosphärischer aber fehlendes (funktionierendes) Licht in so vielen Räumen und Situationen ist dann ebenso unglaubwürdig.

„The taking of Deborah Logan“ ist anfangs ein atmosphärisch dichter Horrorfilm, der das Thema Demenz und unseren Umgang damit effektiv instrumentalisiert, aber die n der zweiten Hälfte und besonders gegen Ende in bekannte Genre-Muster verfällt und in allen Punkten übertreibt.
Found Footage Fans können den Film schon mal schauen, aber eine einmalige Sichtung dürfte reichen.

Das Bild ist oft weich, verwackelt und farblich entsättigt.

Der Ton ist bis auf die og Synchro-Probleme ok und genretypisch. 

Ja, Bully hat wieder den Regiestuhl ausgegraben und 23 Jahre nach dem großen Erfolg des Erstlings, der immerhin fast 12 Millionen Besucher feierte, um erneut eine Parodie auf die alten Karl May-, respektive, Winnetou Filme auf die Beine zu stellen.

Gleich vorweg: ja, er ist wieder lustig ausgefallen. Natürlich war man gespannt, wie Bully den Humor anlegt, was heutzutage bei der political correctness in unserer Medienlandschaft ja nicht immer so klar festgelegt ist. Mir wäre jetzt nirgendwo aufgefallen, dass Bully hier irgendwie gekürzt hätte. Im Gegenteil: bei dem ein oder anderen Gag dachte ich mir sogar, wie cool dass dieser es so in den fertigen Film geschafft hat. Die meisten Gags sind natürlich für ein älteres Semester und das junge Publikum wird auch nicht alle Gags verstehen, dennoch schaffte man es gut, den Film für die ganze Familie lustig zu gestalten.
Neben Wortwitzen gibt’s viel Situationskomik, Anspielungen aber auch etwas Slapstick - wie gesagt ist für jeden was dabei.

Die Story ist dabei nebensächlich und passt auf einen Bierdeckel. Dennoch fühlte sich der Film etwas „schwerer“ an, als der Vorgänger, da auch das Alter der Protagonisten und der Sinn des Lebens angekratzt wird. Eine Komödie bleibt „Das Kanu des Manitu“ dennoch durch und durch, keine Sorge.

Es gibt die gleichen Charaktere wie beim Erstling, die gekonnt mit Neuen kombiniert wurden. Da wäre zB Friedrich Mücke als obercooler Sherrif Kane oder auch die sehr sympathische Jasmin Schwiers als Love Interest Mary. Aber auch Jessica Schwarz als der Boss der Bande macht ihre Sache gut.
Und natürlich gibt’s ein Wiedersehen mit Abahachi, Ranger, Dimitri und Winnitouch, auch wenn letzterer etwas weniger Screentime als im Vorgänger bekam.

Optisch wurde auch geklotzt und nicht gekleckert da dieses Mal nicht in Andalusien, Spanien sondern unter anderem „vor Ort“ in Santa Fe, New Mexiko gedreht wurde. Das Setting macht schon was her und wirkt so noch authentischer. Aber auch sonst gibts viel Abwechslung und hin und wieder sogar etwas Indiana Jones Feeling.

Akustisch bleibt eigentlich alles beim alten und sogar das rockige „Straight to Hell“ schaffte es auch wieder in den Film.

„Das Kanu des Manitu“ zauberte mir oft ein Grinsen ins Gesicht und das reicht mir für eine Komödie vollkommen aus. Fans des Vorgängers bekommen einen würdigen Nachfolger serviert, der die knackigen 85 Minuten Laufzeit ohne Längen und mit seichtem Humor ordentlich unterhält, auch wenn er teilweise etwas tiefer in die Charaktere eintauchen lässt.
Uns gefiel er und das ist das wichtigste. Auch meine Kids. die „Der Schuh des Manitu“ gerade erst einmal gesehen und von Karl May noch nie etwas gehört geschweige denn gelesen haben, fühlten sich gut unterhalten.

Das native 4K-Bild liefert eine atemberaubende Detailtiefe. In den Close-ups von Abahachi und Ranger ist jede Pore, jedes Staubkorn im Gesicht und die Textur der Wildleder-Kostüme knackscharf zu erkennen. Die weiten Aufnahmen der Prärie profitieren massiv von der höheren Pixeldichte, ohne dass digitales Rauschen stört.
Das HDR ist spektakulär. Die Sonne des Wilden Westens blendet förmlich, während die Schatten in den Höhlenszenen (das Versteck des Kanus) eine enorme Durchzeichnung bei sattem Schwarzwert behalten. Spitzlichter auf Wasserreflexionen oder Metallteilen erreichen beeindruckende Helligkeitswerte.
Die Farbpalette ist gesättigt und warm. Das typische "Bully-Gelb/Orange" der Western-Optik wirkt durch den erweiterten Farbraum natürlicher und lebendiger als in der Standard-HD-Fassung der Blu Ray.
Die Bitrate ist konstant hoch und schwankt meist zwischen 75 und 95 Mbit/s, kommt teilweise sogar über 100 Mbit/s. Selbst in schnellen Verfolgungsjagden auf dem Wasser kommt es zu keinerlei Artefaktbildung oder Schlieren.
So oder so ist „Das Kanu des Manitu“ die am hochwertig aussehende deutsche Komödie ever.

Der deutsche Ton liegt in Dolby Atmos vor und nutzt die objektbasierte Klangkulisse zwar nicht oft aber dafür hervorragend aus. Wenn das titelgebende Kanu durch Stromschnellen schießt, wandert das Wasserrauschen präzise über die Deckenlautsprecher. Aber auch die Schüsse aus dem Scharfschützengewehr peitschen „von oben“ durch den Raum. Auch Pfeile zischen hörbar am Zuschauer vorbei und die Umgebungsgeräusche der Wüste (Grillen, Wind) hüllen den Zuschauer komplett ein. Der Soundtrack hat ordentlich Punch. Explosionen und der Score werden von einem kräftigen, aber präzisen Subwoofer-Einsatz unterstützt. Trotz der opulenten Soundkulisse bleiben die Dialoge und Wortwitze jederzeit glasklar im Center fokussiert.

Die Extras wie ein making of und Trailer sind allesamt nur auf der beiliegenden Blu Ray enthalten. 

Der Science-Fiction-Thriller "The Astronaut" (2025), unter der Regie von Jess Varley, versucht, dem bekannten Genre der Weltraum-Heimkehrer-Storys (zB. "The Astronauts Wife") eine neue Wendung zu geben. Mit einer vielversprechenden Besetzung, angeführt von Kate Mara ("Fantastic Four 2018")und dem erfahrenen Laurence Fishburne ("Matrix"), der General William Harris spielt und von Anfang an Autorität verleiht, beginnt der Film mit einer fesselnden Ausgangslage, so wie es auch der Trailer versprach. Die anfängliche Spannung und das Rätselraten, ob die Vorkommnisse oder die Halluzinationen real sind, sind die Stärken des Films.

Jedoch verliert der Film im Mittelteil an Fahrt und das Potenzial der soliden Grundprämisse wird nicht voll ausgeschöpft. Ich hatte mir mehr erhofft, insbesondere vom Ende. Der finale Twist wirkt unvorbereitet und überstürzt, anstatt die angedeuteten Themen von Familie und Identität tiefer zu ergründen, was zu einem abrupten Ende führt.

Die 4K UHD präsentiert sich visuell ansprechend. Das Bild mit seinen natürlichen bis kühlen und satten Farben ist kristallklar und die düstere, beklemmende Atmosphäre in der Quarantäne-Villa kommt hervorragend zur Geltung. Die Kameraarbeit fängt die Isolation und die psychologische Spannung gut ein. Leider fallen einige der visuellen Effekte im Weltraum oder im letzten Akt im Vergleich zur ansonsten soliden Produktion etwas ab und wirken teilweise wie aus einem B-Movie. Die Bitrate liegt mit ca. 80 MBit/s im gehobenem Bereich und zeigt insgesamt ein messerscharfes Bild. Immer, wenn die Kamera die herbstlichen Bäume (mit all ihren Farbnuancen) von oben einfängt, kann man jedes Blatt einzeln zählen. Aber auch Hautporen oder einzelne Haare kann man, wenn man denn möchte, zählen. Helle Spitzlichter, die wirklich herausstechen, gibt es dank HDR10 beim Glanz in den Augen, Taschenlampen oder Scheinwerfern zu sehen. Auch der Schwarzwert bietet tiefstes Schwarz ohne Details absaufen zu lassen. Insgesamt ein starkes 4K UHD Bild!

Auch akustisch liefert "The Astronaut" (2025) eine starke Leistung ab. Der dynamische Ton DTS-HD MA trägt wesentlich zur Atmosphäre bei. Sowohl die subtilen Geräusche innerhalb der Isolationseinheit als auch die intensiveren Momente mit der Filmmusik sorgen für eine immersive Erfahrung. Immer wieder werden einzelne Lautsprecher angespielt und man fühlt sich recht oft mittendrin. Die Dialoge wie auch die Effekte sind jederzeit glasklar. Ein Effektgewitter sollte man sich zwar nicht erwarten aber beim Ton, so wie auch beim Bild, macht der Film alles richtig.

Die Extras sind bis auf einen Trailer nicht vorhanden.

Fazit:
"The Astronaut" ist ein visuell und akustisch überzeugender Science-Fiction-Horror-Thrille r mit guten schauspielerischen Leistungen, der aber unter seiner unausgereiften und enttäuschenden Ausführung der vielversprechenden Story leidet. Wer einen technisch brillanten Filmabend sucht und über eine schwächelnde Handlung hinwegsehen kann, wird hier gut bedient. Mir hat die einmalige Sichtung gereicht. 

Der Thriller aus dem Jahr 1997 wird oft als "Stirb langsam im Flugzeug" beschrieben, wobei der Präsident selbst zum Helden wider Willen wird. Der Film ist nach einer kleinen Einleitung rasant inszeniert und hält das Tempo durchgehend hoch, was auch heute noch für Spannung sorgt.

Harrison Ford brilliert in der Rolle des entschlossenen Präsidenten, der nicht nur der mächtigste Mann der Welt ist, sondern auch ein Familienvater, der kämpft, um seine Liebsten zu retten. Ford verleiht der Rolle die nötige Glaubwürdigkeit und Härte.

Noch besser ist aber Gary Oldman als Anführer der kasachischen Terroristen, Egor Korshunov. Er liefert einen intensiven und charismatischen Gegenspieler. Sein fanatischer Eifer und seine rücksichtslose Art machen ihn zu einem denkwürdigen Bösewicht, der Fords Heldenrolle perfekt ergänzt.

Natürlich hat der Film einen übertriebenen US-Pathos, schließlich handelt er ja auch von der Entführung des Präsidenten bzw. der Air Force One. Lediglich einige schlecht gealterte CGI-Effekte und die simple Weltanschauung des Films trüben tatsächlich etwas den Gesamteindruck.

So oder so und trotz einiger Klischees ist "Air Force One" ein absolut sehenswerter und fesselnder Actionfilm, der vor allem durch die starken Leistungen von Harrison Ford und Gary Oldman sowie der straffen Regie von Wolfgang Petersen überzeugt.

Bild und Ton der Blu Ray sind solide. Der Ton könnte aber mehr "Wumms" haben. 

Ben Afflecks Solo-Regiedebüt von 2007 (basierend auf Dennis Lehanes Roman) hat sich bis heute als einer der moralisch herausforderndsten Thriller des modernen Kinos behauptet.
Affleck beweist hier ein erstaunliches Können. Statt auf plumpe Action zu setzen, inszeniert er ein feinfühliges Charakterdrama, das seinen Bruder Casey Affleck als Patrick Kenzie ins Zentrum rückt. Die Regie ist auf den Punkt gebracht und lässt den Darstellern, allen voran der Oscar-nominierten Amy Ryan als vernachlässigende Mutter, den nötigen Raum für eine authentische Performance.

Wie wenig andere Filme fängt „Gone Baby Gone“ die raue, authentische Atmosphäre der Bostoner Arbeiterviertel ein. Die Stadt fungiert als eigenständiger Charakter: düster, verschwitzt und geprägt von einem ungeschriebenen Ehrenkodex, der oft im Konflikt mit dem Gesetz steht.

Dazu gibt’s noch ein Starensemble wie Morgan Freeman, Ed Harris, Casey Affleck und Michele Monaghan.

Das Herzstück des Films ist aber das radikale Ende, das das Publikum bis heute in zwei Lager spaltet. Aus Spoilergründen kann ich hier leider nicht mehr verraten.

Obendrauf gibts noch einen tollen Score von Altmeister Harry Gregson-Williams, der perfekt die bedrückende Stimmung in Boston einfängt.

„Gone Baby Gone“ ist kein Film, den man schaut und dann vergisst. Er zwingt den Zuschauer, seine eigenen moralischen Verständnisse zu hinterfragen. Ein düsteres Meisterwerk, das auch heute noch nichts von seiner Wucht verloren hat.

Bild und Ton sind ebenfalls hochwertig, auch wenn der Film recht dialoglastig ausfällt. 

Nach 30 Jahren zurück zur Formel 1? Kein Problem. Sonny könnte ein bisschen eingerostet sein, ein bisschen hinterher mit den neuesten Entwicklungen der Formel 1. Er könnte sogar einige Ängste und Zweifel im Zusammenhang mit dem traumatischen Unfall haben, der sein Leben ruiniert hat. Aber nein. Eines der Probleme mit „F1“, dem glattgebügelten Apple-Popcorn-Film von Regisseur Joseph Kosinski und dem Rest des Teams hinter „Top Gun: Maverick“ ist, dass Sonny sich vor der Eröffnungsszene vollständig psychisch und körperlich erholt hat. Seine Fehler sind behoben, seine Dämonen sind tot und jetzt hat er überhaupt keine Schwächen - außer der entspannten Arroganz.
Von dem Moment an, in dem er in seinem coolen Jeans Outfit nach Silverstone fliegt, ist Sonny äußerst entspannt und selbstbewusst. Er erweist sich bald als taktisches Genie, als inspirierender Anführer, als treuer Teamplayer, ein Gentleman-Charmeur und sogar ein innovativer Autodesigner. Aber auch der respektlose Typ, der bei wichtigen Meetings Kartentricks macht und sich nicht um Trophäen oder Geld kümmert. Die große Frage des Films ist, warum dieser Superheld die Formel 1 überhaupt verlassen hat…

Es macht natürlich Spaß, als Zuschauer mit einem so charismatischen Schurken abzuhängen, aber es ist schwer, emotional involviert zu sein, wenn die Reise des Helden ihn von "toller Kerl, aber leicht eingebildet" zu "toller Kerl, aber etwas weniger eingebildet" führt. Das größte Problem mit „F1“ ist jedoch nicht ihr Beharren darauf, ihren Hauptdarsteller in einem schmeichelhaften Licht zu zeigen, sondern ihre gleichwertige, fast schon schleimerische Haltung gegenüber der Formel 1 selbst. Gedreht auf echten Locations mit der vollen Zusammenarbeit der Organisatoren und Teilnehmer (Lewis Hamilton wird als Produzent genannt), ist es im Wesentlichen ein glänzender Unternehmens-Werbefilm mit so viel ablenkender Produktplatzierung, dass man sich eher an die Markennamen als an die Charaktere erinnern wird. Es gibt keinen Hauch von Kritik oder Skepsis. Formel-1-Fans mögen sich über die Einblicke ihrer Lieblingsfahrer freuen, aber die Formel 1 ist so darauf aus, positiv über ihr Milieu zu sein, dass keiner dieser Männer ein richtiger Antagonist sein kann oder sogar etwas Unhöfliches über Sonny sagen darf. Niemand kann sich schlecht benehmen und keinem der Charaktere kann etwas Schreckliches passieren, also gibt es auch keine Spannung, von der man sprechen kann.

„F1“ ist natürlich nicht schlecht. Wie schon in „Top Gun: Maverick“ zeigen Kosinski und seine Mitarbeiter jetzt, wie man großartige Sequenzen auf Hochgeschwindigkeitsfahrzeugen dreht und bearbeitet. Hans Zimmer liefert einige kitschige Synth-Hymnen, die zwischen den üblichen klassischen Rock-Oldies (Queen's We Will Rock You, Led Zeppelin's Whole Lotta Love) hineingrätschen. Aber auch der Cast tut sein Bestes, um ihre zweidimensionalen Charaktere zum Leben zu erwecken. Kerry Condon als Love Interest Kate, Damson Idris als Rookie Joshua Pierce, der eigentlich nur einen Mentor brauchte oder Javier Bardem als Rennstall Besitzer und alter Kumpel in Nöten.
Aber während „Top Gun: Maverick“ und der sehr gut vergleichbare „Le Mans 66: Ford vs. Ferrari“ Meisterwerke sind, welche die Zuschauer in Ereignisse in und aus dem Cockpit hineinzog, ist „F1“ einfach eine kompetent zusammengestellte Sammlung von Underdog-Sport-Drama-Klischees . Es überzeugt nie, dass seine Protagonisten sympathische Menschen sind, und auch nie, dass Rubens Team mehr Unterstützung verdient als ihre Konkurrenten.

Zum Schluss wären da noch viele kitschige und oberflächliche Dialoge oder Kommentare. Während jedes Rennens sind seelenlose Stimmen zu hören, die so Dinge heraus sprudeln lassen wie: "Das ist tatsächlich ein Vorteil für Hayes" und "Nur noch zwei Minuten, bis das Rennen wieder beginnt." Eines der schlimmsten Beispiele in diesem Film, ist wie folgt: "Hier ist nicht der Ort, an dem du sein willst - am letzten Platz." Danke, dass das geklärt wurde.
Diese Zeilen deuten darauf hin, dass die Filmemacher Angst hatten, dass sie den Zuschauern nicht trauen konnten, das Geschehen auf der Rennstrecke ohne offensichtliche verbale Hilfe zu verfolgen. Und das wiederum deutet darauf hin, dass es einfach keine brillante Idee war, einen Film über eine Reihe langer Rennen zu drehen. Formel-1-Enthusiasten mögen anderer Meinung sein und sie mögen sich freuen, dass ihr geliebter Motorsport auf so lobende Weise auf die große Leinwand gebracht wurde.

Mir persönlich war „F1“ zu clean, zu kitschig, zu oberflächlich, zu wenig spannend und mit seinen 2,5 Stunden Laufzeit auch viel zu lange - einfach gesagt: er war nichts halbes und nichts ganzes. Klar, einmal schauen ist schon drinnen, allerdings brauche ich keine zweite Sichtung. Da war „Le Mans 66: Ford vs. Ferrari“ wesentlich packender und unterhaltsamer. 

Ich mag Filme, die der Gesellschaft einen Spiegel vorhalten, etwas futuristisch angehaucht sind, die auch gerne mal etwas brutaler sein dürfen (Running Man, Starship Trooopers, Total Recall,… Philip K. Dick Umsetzungen eben ;) Im ca. Zweijährigen Rhythmus läuft bei mir „Dredd“.

„Dredd“ macht wirklich extrem viel Spaß, die Story ist ausreichend (Dredd und die Azubi müssen in diesem Mikrokosmos des Towers einfach überleben) und Karl Urban spielt mit einer Minimalistischen Mimik seine Härte, die sehr gut rüberkommt. Ein Film, den man immer wieder gut schauen kann.

Das 4K Bild hat alles: Klasse 4K Feeling, BR Szenen und dann auch noch Szenen, die so aussehen wie billige Videosequenzen früherer PC CD ROMs - gerade in den Slo-Mo Szenen .Gut, das Bild ist gewollt schmuddelig, überkontrastiert und dreckig, aber manchmal wechselt ein klasse 4K Bild mit einer so schlechten, körnigen Bildqualität, dass einem das Grausen kommt. Aber im Vergleich zur schlechten BR kommt die UHD ja noch ganz gut weg, da Farben (Blut!) wesentlich realistischer erscheinen und auch der Schwarzwert so wie der Kontrast Details wiedergeben, die die BR so nicht packt.
Spitzlichter wie helle Lichter und Kontraste strahlen schön heraus.

Dafür ist der DTS-HD Ton eine Wucht. Dynamisch, direkt und direktional- so soll es sein. Alleine die Slo-Mo Szenen und wenn MaMa ein ganzes Stockwerk wegballert (was der Statik unverständlicher Weise nichts ausmacht) machen richtig Laune und lassen das Heimkino beben, klasse! 

Dustin Hoffman liefert eine der beeindruckendsten Leistungen der Filmgeschichte ab. Er spielt Raymond nicht als Karikatur, sondern mit einer beständigen Distanz und präzisen Tics, die den Zuschauer tief in die Isolation eines Autisten blicken lassen. Völlig zu Recht erhielt er dafür den Oscar als Bester Hauptdarsteller.
Oft unterschätzt wird dabei Tom Cruise. Seine Darstellung des Charlie ist die eigentliche emotionale Achse des Films. Cruise schafft es meisterhaft, die Wandlung vom skrupellosen, fast schon groben Opportunisten zum empathischen Bruder glaubhaft zu verkörpern. Die hübsche Valeria Golino als Charlies Freundin Susanna bildet dabei den moralischen Kompass des Films.

Regisseur Barry Levinson („Sphere“, „Sleepers“) verzichtet auf billiges Melodram. Er lässt den Charakteren Raum zum Atmen und nutzt die weite Landschaft der USA als Metapher für die innere Reise der Brüder. Der Soundtrack von Hans Zimmer war wegweisend: Statt schwerer Orchesterklänge setzte Zimmer auf rhythmische, synthetische Klänge und Panflöten, die Raymonds starre, aber faszinierende Gedankenwelt perfekt untermalen und ihm seine erste Oscar-Nominierung einbrachten. Hier zeigte der deutsche Komponist auch noch Abwechslung und frische Ideen, ehe er (meiner Meinung nach) mit der Zeit immer generischer wurde.

Der vierfache Oscargewinner „Rain Man“ aus dem Jahr 1988 bleibt ein unverzichtbarer Klassiker des Kinos. Er lehrt uns, dass Verbindung auch dort entstehen kann, wo Kommunikation unmöglich scheint. Ein Film, den man gesehen haben muss.

Die 4K-Präsentation basiert auf einem neuen Scan des Original-Negativs, der von Regisseur Barry Levinson persönlich abgesegnet wurde.
Wer ein extrem cleanes, modernes Bild erwartet, könnte enttäuscht sein. Die 4K UHD bewahrt die natürliche Filmkörnung der 35mm-Aufnahmen. Besonders in Nahaufnahmen (Hauttexturen, Stoffe der Yuppie-Anzüge von Charlie) ist der Detailgewinn gegenüber der alten Blu-ray jedoch deutlich sichtbar. Aber auch Pflastersteine, Blätter auf Bäumen und andere Details während des roadtrips lassen sich ausmachen.
Der Einsatz von HDR sorgt für stabilere Kontraste. Besonders die ikonischen Szenen in Las Vegas profitieren von den kräftigen Neonlichtern und tiefen Schwarzwerten, ohne dass der Film seinen natürlichen 80er-Jahre-Look verliert. Aber auch bei der Polizeiabsperrung am Highway in Minute 48 lässt Scheinwerfer und Blaulicht aus dem OLED strahlen.
Die UHD „erfindet“ den Film visuell nicht neu, aber sie reinigt ihn von alten Kompressionsfehlern und präsentiert Levinsons Meisterwerk so nah wie möglich an der ursprünglichen Kinoerfahrung. Für Fans des Films und Liebhaber von filmischem 35mm-Look ist das Upgrade Pflicht.

Beim Ton hat man die Möglichkeit zwischen 2.0 Stereo PCM oder DTS-HD MA 5.1 zu wählen.
Die Stimmen kommen stets präzise aus dem Center Lautsprecher, was bei diesem dialoggetriebenen Roadmovie wichtig ist. Die hinteren Lautsprecher bieten lediglich vereinzelt Surroundeffekte und den Score. Immerhin gibts tolle stereoeffekte und auch das Dialogzischeln der alten Blu Ray ist Geschichte.

Bei den Extras gibt’s einige Audiokommentare, Making Ofs und Trailer. Auch ein Wendecover ohne FSK12 flatschen gibt es. 

Der Film aus dem Jahr 2017 ist ein wahres Powerhouse an Macho-Energie und Testosteron. Die Dynamik zwischen den Muskelpaketen Vin Diesel, Dwayne Johnson und Jason Statham sorgt für eine ordentliche Leinwandpräsenz. Ergänzt wird der starbesetzte Cast durch Charlize Theron als kühle Cyber-Terroristin Cipher und Helen Mirren, was dem Ganzen trotz der absurden Handlung einen Hauch von Hollywood-Adel verleiht.

Wer hier nach Logik sucht, hat bereits verloren. Die physikalischen Gesetze werden nicht nur ignoriert, sondern regelrecht hingerichtet. Beispiel?
Ein Atom-U-Boot jagt Sportwagen auf einer Eisfläche. Eine Szene, die so absurd ist, dass sie schon wieder unfreiwillig komisch wirkt.
Oder Toretto, der in einem brennenden Auto sitzt und rückwärts Autorennen gewinnt.
Aber auch die unaufhaltsame Kraft von Dwayne Johnson ist einfach nur unrealistisch.
So oder so ähnlich läuft es die ganze Zeit ab, man kommt aus dem Augenrollen einfach nicht heraus.

Obwohl klassische Autorennen und Tuning im Vergleich zu den Anfängen der Reihe fast vollständig in den Hintergrund geraten sind, bietet der Film genau das, was das Publikum erwartet: gigantische Blechschäden, kitschige… ähm… markige Sprüche über die "Familie" und explosive Set-Pieces.

Fast and Furious 8 ist ein lautes, buntes und testosterongeschwängertes Action-Märchen, das durch seine schiere Maßlosigkeit und unfreiwillige Komik Fans der Reihe unterhält. Wer sich auf den Wahnsinn einlässt, wird vermutlich belohnt.
Mir genügt aufgrund der unfreiwilligen Komik die einmalige Sichtung und bleibe dabei, dass einzig Teil 1 wirklich cool und Sammlungsrelevant ist.

Bild und Ton sind dafür top. 

Jurassic World - Die Wiedergeburt (4K UHD, HDR10, Dolby Atmos) (korrigierte UHD Disc)

Jahre nachdem die Dinosaurier den Planeten überflutet hatten, hat der Umweltverfall sie in tropische, äquatoriale Klimazonen zurückgedrängt, so dass sie erneut vom Aussterben bedroht sind. Aber Biotech-Unternehmen, die das Potenzial erforschen wollen, die in einigen der größten der Arten gefunden werden können, heuern eine Gruppe hochqualifizierter Söldner an, um Blutproben von lebenden Exemplaren zu erhalten und begeben sich auf eine Reise zu einer verbotenen Insel in der Hoffnung, sie zu finden... und dabei noch viel mehr.

Zweite Sichtung.
Regisseur Gareth Edwards (Rogue One, The Creator) und Drehbuchautor David Koepp (Jurassic Park) sind schon mal die richtige Wahl, obwohl sie ihre Charaktere mühsam und manchmal etwas unnötig einführen. Dennoch schaffen sie es von Beginn an, mit einer fast Horror ähnlichen Eröffnungsszene den Zuschauer bei Laune zu halten. Aber auch Scarlett Johannsen, die ich eigentlich nicht so besonders finde, hat sichtlich Spaß an ihrer Rolle. Sie bringt Spaß, Verspieltheit und den nötigen Ernst absolut überzeugend in Einklang.

Sobald die Charaktere im zweiten Akt aufs Wasser kommen, schaltet der gesamte Film ein paar Gänge hoch und Ewards versucht nicht nur Spielbergs ikonische Szene zu kopieren (so wie es die letzten drei Teile taten) sondern schafft es selbst, einige denkwürdige Momente zu erschaffen. Plötzlich findet man sich in einem „Weiße Hai“ Moment wieder und das macht schon Laune. Und wenn das klassische Jurassic Park Theme, das in den vorherigen Fortsetzungen schmerzlich vermisst wurde - einsetzt und zum allgegenwärtigen leicht modernisierten Theme wird, findet man sich plötzlich in die glorreichen Tage der Vergangenheit zurückversetzt.

Wie gesagt, Edwards imitiert nicht nur, er verwendet tatsächlich ähnliche Techniken in neuen Szenen und lässt eine Bootsfahrt den Fluss hinunter an die allererste Jeep-Begegnung mit dem T-Rex erinnern. Oder eine Tankstellenszene, die, auf den ersten Blick, dem Küchenmoment im ersten „Jurassic Park“ erstaunlich ähnlich zu sein scheint und plötzlich ein Eigenleben als angespanntes, wieder fast Horror-artiges Setdesign annimmt.

Und es funktioniert. Trotz des langsamen Starts und den Charakteren, die ich nur selten sympathisch fand fügt sich zum Schluss alles zusammen. Es werden Dino-Blutproben zu Wasser, zu Lande und in der Luft entnommen und dabei allerlei Abenteuerfeeling versprüht. Insgesamt bekommt man etwas „Der weiße Hai“, etwas „Indiana Jones“, eine Prise „Alien“ und ganz viel „Jumanji“ aufgetischt. Zusätzlich fühlte ich mich stellenweise an die goldene Ära des Erstlings zurückversetzt - dieses Mal mit phantastischen Effekten. Die Dinos sehen erstaunlich plastisch und „echt“ aus und setzen sich auch nie als CGI Modelle ab. Aber davon war ja auch auszugehen.

Aufgrund der vielen negativen Bewertungen, die ich zu „Jurassic World: Die Wiedergeburt“ lesen musste, waren meine Erwartungen gleich null. Eigentlich wollte ich den Film sogar auslassen. Zum Glück habe ich mir dann doch selbst ein Bild darüber gemacht und trotz der lahmen Story und den einfallslosen Charakteren bekamen wir eine unterhaltsame, unberechenbare Dino Action auf See, zu Lande und in der Luft zu bestaunen, die uns für knapp zwei Stunden in dieser abenteuerliche Welt entführt hat. Insgesamt ein einfaches Stück Popcorn Kino - nicht mehr aber auch nicht weniger. 
Ist es der beste Teil der Reihe? Nein, aber definitiv auch nicht der schlechteste. Beim nächsten Dino-Abenteuer erwarte ich mir aber einen denkwürdigeren Cast.

Der Film wurde auf 35mm-Film gedreht, was der UHD eine organische, sehr filmische Textur mit feinstem Filmkorn verleiht.
Dank eines 4K DI bietet die Disc eine enorme Detailtiefe. Poren, die Textur der Dino-Haut und die dichte Dschungelvegetation wirken fast greifbar. Johannsens weißes Feinripp-Shirt zeigt durchgehend eine Plastizität und die Streifen sind jederzeit auszumachen. Das feine Filmkorn bleibt authentisch erhalten. 
Die Nutzung von HDR10 sorgt für eine natürliche und warme Farbwiedergabe. Vor allem rot sticht sehr schön heraus. Während die UHD im Vergleich zur Blu-ray und zum Stream insgesamt etwas dunkler abgestimmt ist, profitieren dunkle Szenen von perfekten Schwarzwerten und einer überlegenen Differenzierung in Schattenbereichen. Aber auch das Grün in seinen unzähligen Formen des Dschungels und die Hauttöne wirken deutlich gesättigter und natürlicher als in der HD-Fassung.

Bei Erstauslieferung gab es defekte deutsche Atmos-Spuren bei einigen Chargen. Universal hat hierfür jedoch bereits ein Austauschprogramm gestartet und ich konnte meine UHD nun richtig testen und genießen. 
Die Höhenkanäle werden exzellent genutzt, besonders bei Hubschrauber-Sequenzen, Alarmsirenen, großen Dinos und dem Prasseln von Regen im Blätterdach. Alles was man weiter oben sieht, kann man nun auch von oben hören. 
Der Subwoofer wird massiv gefordert – die Schritte der großen Fleischfresser haben den nötigen Druck, ohne die kristallklaren Dialoge zu überlagern. Auch der Score, bei dem einige Klassiker aus Spielbergs Erstling zu hören sind, verteilen sich schön auf alle Lautsprecher.
Insgesamt eine der besten Tonspuren von 2025. 

Regisseur Pascal Chaumeil wählt einen überraschend leichten, fast schon "hoffnungsvollen" Ansatz für ein so düsteres Thema. Der Film wird im Netz als „Selbstmordkomödie für sanfte Gemüter“ beschrieben, da er die Schwere des Suizidgedankens durch britischen Humor und Situationskomik abfedert.
Statt den Tod zu romantisieren, konzentriert sich die Handlung auf die unerwartete Gemeinschaft. Die vier Protagonisten schließen einen Pakt, bis zum Valentinstag am Leben zu bleiben, was den Fokus vom Einzelnen zur Gemeinschaft verschiebt.

Der Film glänzt vor allem durch sein hochkarätiges Ensemble, das der ernsten Thematik eine menschliche Tiefe verleiht.
Pierce Brosnan ist Martin Sharp, ein gefallener TV-Star, dessen Karriere durch einen Skandal ruiniert wurde.
Toni Collette ist Maureen, eine aufopferungsvolle Mutter, die durch die lebenslange Pflege ihres behinderten Sohnes völlig isoliert ist.
Aaron Paul als J.J., ein gescheiterter Musiker, der sich als Pizzalieferant durchschlägt und den Glauben an seine Zukunft verloren hat.
Imogen Poots als Jess, eine impulsive und verzweifelte Politikertochter, die unter Liebeskummer und familiärem Druck leidet.
Aber auch Rosamund Pike und Sam Neill sind in kleineren Nebenrollen zu sehen. Die Chemie der Protagonisten stimmt.

Einzig die sprunghafte Erzählweise und der zu glatte Stil werden dem komplexen Thema nicht ganz gerecht.
Einmal schauen kann man „A Long way down“ aber auf alle Fälle.

„A Long Way Down“ ist eine bittersüße Tragikomödie, die trotz kleinerer erzählerischer Schwächen durch ihren Charme und die Botschaft überzeugt, dass niemand mit seinem Leid allein sein muss. Wer eine starbesetzte lebensbejahende Geschichte sucht, die vor schwierigen Themen nicht zurückschreckt, findet hier einen sehenswerten Film. 

Zweitsichtung, nachdem ich ihn vor 1,5 Jahren im Kino sah. Ich ging mit ganz wenig Erwartung an die Neuauflage des ersten „Twisters“ aus dem Jahr 1996 heran und wurde erneut wirklich positiv überrascht.

„Twisters“ hat so gut wie alles was ein klassischer Katastrophenfilm so braucht: gute Charaktere, eine einfache Story, viel Action, etwas Witz und Charme aber auch eine kleine gut pointierte Love Story.
Von den Charakteren war es mir wieder eine Freude, die junge Daisy Edgar-Jones zu sehen, die ich bereits in „Fresh“ oder in „Der Gesang der Flusskrebse“ phantastisch fand. Aber auch Glen Powell (Running Man“, „Top Gun: Maverick“) als hitzköpfiger dauergrinsender Cowboy passt perfekt zum Film. Der Rest des Casts ist solide und voller frischer Gesichter.
Die CGI-Effekte sehen wirklich gut aus und fügen sich schön ins Geschehen ein.
Die Action Passagen wechseln sich gekonnt mit ruhigen ab sodass das Pacing immer passt. Aber wenn es mal actionmäßig abgeht, kann auch der starke Sound (Dolby Atmos) richtig punkten. Der Zuschauer fühlt sich wirklich „mittendrin“. Von überall hört man dynamische sounds und Geräusche.
Aber auch der Soundtrack mit vielen Country Songs passt sehr gut zum Film.

Cool auch, dass sich der neue „Twisters“ vom Colorgrading her sehr an den ersten Film orientiert… ein nettes Deja vu Erlebnis eben. Vergleichen sollte man beide nicht, da jeder für sich ganz gut alleine dasteht.
Er hat mich jedenfalls bei meiner erneuten Sichtung, nun auf UHD, gut unterhalten.

Der Film wurde digital in 3,5K und 6,5K (Arri Alexa) gedreht und verfügt über ein echtes 4K Digital Intermediate.
Das Bild ist knackscharf. Besonders in den Nahaufnahmen von Glen Powell und Daisy Edgar-Jones sind Hautporen und Texturen der Kleidung perfekt erkennbar. Die weiten Landschaften von Oklahoma profitieren enorm von der höheren Auflösung. Grashalme und Staubwolken wirken greifbar.
Der Einsatz von HDR ist gelungen. Die Farben wirken natürlich, aber gesättigt – das satte Grün der Felder wechselt sich gekonnt mit den bedrohlichen, blaugrauen Gewitterwolken ab.
Die Schwarzwerte sind tief, ohne Details in dunklen Szenen (wie dem dramatischen Finale in der Stadt) zu verschlucken. Highlights wie Blitze, explodierende Strommasten oder die Warnleuchten der Verfolgerfahrzeuge stechen immer wieder hervor.

Bei einem Katastrophenfilm wie „Twisters“ ist der Ton die halbe Miete. Die 4K-Disc bietet sowohl im englischen Original als auch in der deutschen Synchronfassung eine native Dolby Atmos Spur.
Sobald der erste Sturm aufzieht, zeigt die Tonspur ihre Muskeln. Trümmerteile fliegen hörbar von hinten nach vorne, und der Wind peitscht durch alle Kanäle. Die Richtungsortung ist präzise und sorgt für eine extreme Immersion.
Die Atmos-Deckenlautsprecher werden effektiv genutzt. Das Prasseln von Hagel auf das Autodach oder das bedrohliche Grollen des Donners über den Köpfen der Zuschauer lässt das Wohnzimmer zum Katastrophenort werden.
Der Subwoofer hat hier Schwerstarbeit zu leisten. Das tieffrequente Grollen der Tornados ist physisch spürbar, ohne dabei die Dialoge zu überlagern. Die Stimmen bleiben selbst im größten Chaos klar verständlich.
Insgesamt eine Vorzeige Tonspur, bei der nicht mehr viel Luft nach oben herrscht. 

Da ich Regisseur Peter Berg ("Boston", "Deepwater Horizon") eigentlich sehr schätze, ich Lust auf etwas Pathos bekam und den Film aus dem Jahr 2012 noch immer nicht gesehen hatte, wurde es schließlich Zeit.
Der Film "Battleship" ist im Wesentlichen ein hirnloses, aber unterhaltsames Action-Spektakel, das lose auf dem Brettspiel "Schiffe versenken" basiert und gut mit der "Transformers"-Reihe verglichen werden kann.

Die Story, in der die US-Navy während eines Manövers von Aliens angegriffen wird, ist belanglos, voller Logiklücken und dient hauptsächlich als Vorwand für Actionszenen. Die Verbindung zum Hasbro Brettspiel beschränkt sich auf das Konzept der Seeschlachten und eine Szene, in der eine Art Raster zur Zielerfassung verwendet wird.
Der Film punktet mit bombastischen, lauten und visuell beeindruckenden Schlachtszenen zwischen Kriegsschiffen und Alien-Gefährten. Für Fans von großen Explosionen und Zerstörung ist er ein Fest für die Augen.

Die Charaktere (gespielt von u.a. Taylor Kitsch, Rihanna und Liam Neeson) sind natürlich überwiegend eindimensional und die schauspielerischen Leistungen eher mittelmäßig. Liam Neeson hat nur wenig Leinwandzeit, um einen großen Eindruck zu hinterlassen und auch Rihanna ist eher unauffällig.

"Battleship" ist stumpfes "Popcorn-Kino" – ein kurzweiliges Event, das man am besten genießt, wenn man sein Gehirn ausschaltet und sich von den Effekten berieseln lässt. Er ist vielleicht nicht oscarreif, aber für einen unterhaltsamen Action-Abend durchaus sehenswert. Dennoch habe ich mir die Grundstimmung des Film etwas "lockerer" vorgestellt.
Insgesamt ist er aber eher ein Fall für Effekt-Liebhaber als für anspruchsvolle Filmkritiker - daher langt mir die einmalige Sichtung. Schade, denn von Regisseur Berg hatte ich mir mehr erhofft aber vielleicht lässt es die "Story" eben einfach nicht zu, etwas mehr herauszuholen.

Das Bild der Blu Ray ist knackig und gut saturiert.
Der dynamische Ton lässt die Heimkinowände ordentlich zittern und beben - da haben die Nachbarn auch etwas davon. 

Nachdem ich vor einiger Zeit Teil 1 wieder einmal gesehen hatte und ihn eigentlich lustiger in Erinnerung hatte, wollte ich mir auch noch den Nachfolger geben. Die Fortsetzung wird oft als weniger originell und nicht so witzig angesehen wie der erste Teil allerdings fand ich ihn in Summe unterhaltsamer.
Die geradlinige, wenn auch vorhersehbare, Handlung gibt dem Film einen geradlinigen Weg, der ein konstantes Tempo beibehält. Das Pacing empfinde ich definitiv als Verbesserung.

"Die Indianer von Cleveland 2" hat zweifellos seine Momente, einige funktionierende Gags und erreicht eine höhere Dichte an Lachern wie das Original. Der Humor ist auch slapstickartiger und vielleicht weniger bissig, aber das übertriebene passt zu den Charakteren.
Ein einfacher, aber effektiver Gag ist die Einführung eines neuen Catchers, der den Ball nur dann zum Pitcher zurückwerfen kann, wenn er sich an Katalogbeschreibungen von Playboy-Models erinnert.

Der Film punktet mit der Rückkehr der Originalbesetzung, was für Fans ein großer Pluspunkt ist. Charlie Sheen als "Wild Thing" Rick Vaughn ist wieder dabei, auch wenn sein Charakter vom unkontrollierbaren, aber genialen Pitcher zum gezähmten Werbestar, der sein Mojo verliert verändert wurde.
Tom Berenger (Jake Taylor), Corbin Bernsen (Roger Dorn), Dennis Haysbert (Pedro Cerrano) und Kommentator-Legende Bob Uecker sind wieder in ihren Rollen zu sehen und liefern solide Leistungen ab. Ueckers Kommentare aus der Kommentatorenbox sind oft Höhepunkte des Films.
Ein Wermutstropfen ist das Fehlen von Wesley Snipes als Willie Mays Hayes, der durch Omar Epps ersetzt wurde.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass "Die Indianer von Cleveland 2" für Fans des Originals durchaus unterhaltsam ist, vor allem wegen der Rückkehr der beliebten Stars. Mir hat auf jeden Fall das schnellere Pacing und die dämlich lustigen Dialoge gefallen. Klar, die Handlung ist vorhersehbar aber er ist ein solider Sportfilm, den man sich schon mal geben kann. Für die Sammlung reicht auch Teil 2 nicht.

Bild und Ton sind auf jeden Fall besser, schärfer und kontrastreicher als das der DVD. Ein Upgrade lohnt.