Filmbewertungen von N1ghtM4r3

Captain James T. Kirk und seine Crew befinden sich auf einer Mission, die nicht nur aufregend, sondern auch moralisch problematisch ist. Kirk muss sich mit den Konsequenzen seiner Entscheidungen auseinandersetzen und feststellen, dass Captain zu sein weit mehr bedeutet, als einfach nur mutige Entscheidungen zu treffen.
Auch hier gefällt mir wieder, das Kirk und seine Beziehung zu Spock in den Mittelpunkt gestellt wird. Die beiden könnten wieder unterschiedlicher kaum sein. Kirk handelt häufig impulsiv und vertraut auf sein Bauchgefühl, während Spock versucht, jede Situation logisch und rational zu betrachten. Trotzdem verbindet die beiden eine tiefe Freundschaft. Diese Dynamik ist mal wieder stark umgesetzt worden.
Auch die übrige Crew der Enterprise funktioniert wieder hervorragend. Scotty, McCoy, Uhura, Chekov und Sulu bekommen zwar unterschiedlich viel Aufmerksamkeit, fühlen sich aber trotzdem weiterhin wie ein echtes Team an. Gerade die Interaktionen zwischen den einzelnen Charakteren machen den Film wieder lebendig. Es ist schön zu sehen, dass die Enterprise nicht nur aus einer Ansammlung von Nebenfiguren besteht, sondern dass jedes Mitglied der Crew einen eigenen Charakter und eine wichtige Rolle besitzt.
Ein absolutes Highlight ist für mich der Gegenspieler. Benedict Cumberbatch liefert als John Harrison eine unglaublich charismatische und bedrohliche Performance ab. Seine ruhige, kontrollierte Art macht ihn teilweise sogar beunruhigender als der klassische Bösewicht, der ständig laut und aggressiv auftreten muss. Cumberbatch schafft es, Harrison eine Präsenz zu verleihen, die dafür sorgt, dass man bei jeder Szene mit ihm aufmerksam bleibt.
Zudem ist sein handeln clever, aber auch brutal und ohne jegliche Reue. Eine absolut herrausragende Leistung.
Die Inszenierung ist auch hier wieder ein Highlight. Der Film sieht einfach fantastisch aus. Die Raumschiffe, Planeten, futuristischen Städte und technischen Einrichtungen wirken detailliert und glaubwürdig. Die Enterprise wirkt gewaltig, während gleichzeitig deutlich wird, wie klein die Menschen im Vergleich zum Universum eigentlich sind.
Auch die Action kann mal wieder ordentlich punkten. Die Weltraumschlachten und Kämpfe sind hervorragend choreografiert und wirken meistens überraschend intensiv. Dabei setzt der Film nicht ausschließlich auf Explosionen und Spezialeffekte, sondern versucht, die Action mit den Figuren und ihrer persönlichen Situation zu verbinden. Dadurch haben einige Aspekte Gewicht.
Into Darkness ist deutlich actionreicher als viele ältere Star Trek Filme, aber trotzdem bleiben Themen wie Verantwortung, Moral, Freundschaft und die Folgen militärischer Entscheidungen erhalten. Der Film stellt immer wieder die Frage, wie weit man gehen darf, um seine Crew, seine Familie oder die eigene Welt zu schützen.
Gerade die moralischen Entscheidungen der Figuren machen die Geschichte interessant. Kirk muss lernen, dass seine Position als Captain Verantwortung mit sich bringt. Entscheidungen können Konsequenzen haben und manchmal gibt es keine perfekte Lösung. Diese Entwicklung gibt dem Film mehr Substanz.
Der Soundtrack von trägt ebenfalls enorm zur Atmosphäre bei. Gerade bei den großen orchestralen Passagen entsteht dieses typische Gefühl von Abenteuer und Entdeckung, das meiner Meinung nach perfekt zum Franchise passt.
Natürlich kann man über einzelne Entscheidungen der Handlung diskutieren. Einige Wendungen sind vielleicht nicht für jeden Zuschauer überraschend und manche Elemente hätten meiner Meinung nach noch etwas ausführlicher behandelt werden können. Trotzdem fallen diese Kritikpunkte für mich kaum ins Gewicht, weil der Film als Gesamtwerk einfach hervorragend funktioniert.
Was Into Darkness für mich besonders macht, ist letztendlich die Kombination aus Unterhaltung und Charakterentwicklung. Der Film ist groß, laut und spektakulär, vergisst dabei aber nie seine Figuren. Kirk ist nicht einfach nur der unerschrockene Captain, sondern ein Mensch, der Fehler macht und aus ihnen lernen muss. Spock ist nicht einfach nur die logische Stimme der Vernunft, sondern jemand, der mit seinen eigenen Gefühlen und seiner Beziehung zu seinen Freunden kämpft. Genau diese menschliche Ebene macht die Geschichte so spannend.
Unterm Strich ist Star Trek: Into Darkness für mich ein Film, den ich jederzeit wieder ansehen würde. Die großartige Besetzung, die spektakulären Effekte, der fantastische Soundtrack, die spannenden Actionsequenzen, ein starker Bösewicht und vor allem die Beziehung zwischen Kirk und Spock ergeben zusammen ein unglaublich unterhaltsames Gesamtpaket.
Für mich ist Star Trek: Into Darkness deshalb nicht nur ein guter Star-Trek-Film, sondern ein hervorragender Science Fiction Blockbuster.
Das Bild macht gut was her. Die Schärfe ist über weite Strecken sehr gut und liefert eine hohe Detailzeichnung, ohne künstlich überschärft zu wirken. Gerade die zahlreichen Außenaufnahmen, die futuristischen Sets und die verschiedenen Raumschiffe profitieren von der guten Detaildarstellung.
Die Landschaften, das dichte Grün des Dschungels und die zahlreichen kleinen Details vermitteln eine enorme räumliche Wirkung. Auch die Enterprise selbst sieht fantastisch aus. Metalloberflächen, Beleuchtungselemente und technische Details werden sauber und klar dargestellt.
Die Farben sind kräftig und passend zur jeweiligen Szene abgestimmt. Into Darkness arbeitet bewusst mit unterschiedlichen Farbwelten. Während einige Szenen sehr kühl und bläulich erscheinen, wirken andere deutlich wärmer. Besonders die roten und orangefarbenen Farbtöne stechen dabei hervorragend hervor.
Auch der Schwarzwert kann überzeugen. Dunkle Szenen bleiben überwiegend satt und besitzen eine gute Durchzeichnung. Details verschwinden nicht einfach in einem komplett schwarzen Bild.
Etwas kritischer muss man bei manchen homogenen Flächen sein. In bestimmten Einstellungen können leichte Bildunruhen, beziehungsweise Rauschen auffallen. Auch die sehr stilisierte Farbgebung und einige überstrahlte Kontraste verhindern, dass man hier von einem absolut perfekten Referenzbild sprechen kann.
Der Ton ist ebenfalls stark. Die Surround Lautsprecher werden sehr aktiv eingesetzt, während gleichzeitig eine enorme Dynamik aufgebaut wird. Raumschiffe bewegen sich hörbar durch den Raum, Explosionen besitzen ordentlich Druck und Umgebungsgeräusche sorgen dafür, dass die einzelnen Szenen sehr lebendig wirken.
Besonders bei den Weltraumszenen kommt der Mix hervorragend zur Geltung. Die Enterprise, vorbeiziehende Raumschiffe und diverse Flugmanöver werden präzise über die Surroundkanäle verteilt. Dadurch entsteht ein sehr breites und immersives Klangbild.
Auch der Subwoofer bekommt reichlich zu tun. Explosionen, Triebwerke, Schüsse und andere Effekte besitzen ordentlich Nachdruck.
Auch die Dialoge bleiben trotz der teilweise extrem dynamischen Soundkulisse gut verständlich. Stimmen werden klar wiedergegeben und gehen normalerweise nicht unter.
Die 4K wurde von mir nachgekauft und im SteelBook untergebracht.
Extras gibt es einige.
Das SteelBook ist zwar nur matt, punktet aber mit einer starken Prägung am Rahmen und Filmtitel. Die Front zeigt unseren Bösewicht. Der Innendruck ist mit der Stadt versehen und die Rückseite etwas lieblos. Als kleines Extra gibt es noch ein schönes informatives Booklet. 

Star Trek ist für mich ein bemerkenswert starker Neustart für eine jahrzehntealte Filmreihe. Regisseur J. J. Abrams schafft es, das bekannte Star Trek Universum neu zu interpretieren, ohne dabei den Geist der Vorlage komplett aus den Augen zu verlieren. Der Film funktioniert sowohl für eingefleischte Fans als auch für neue Zuschauer, die bisher nur wenig mit Star Trek anfangen konnten.
Hervorragend ist der Umgang mit der bekannten Star Trek Geschichte. Statt einfach nur die ursprüngliche Handlung neu zu erzählen, geht der Film einen cleveren Weg und erschafft durch eine Veränderung der Zeitlinie eine neue Ausgangssituation. Dadurch können bekannte Figuren wie James T. Kirk, Spock, Uhura, Scotty, Sulu und Chekov neu interpretiert werden.
Chris Pine übernimmt die Rolle von James T. Kirk und verleiht der Figur eine moderne, etwas rebellischere Persönlichkeit. Sein Kirk ist selbstbewusst, impulsiv, manchmal arrogant und handelt häufig schneller, als er denkt. Trotzdem besitzt er eine natürliche Führungsqualität, die im Laufe des Films immer stärker zum Vorschein kommt.
Noch stärker finde ich persönlich Zachary Quinto als Spock. Er bringt die bekannte Mischung aus Logik und unterdrückten Emotionen sehr überzeugend rüber. Spock ist gleichzeitig unglaublich intelligent, kontrolliert, aber auch verletzlich.
Die Beziehung zwischen Kirk und Spock entwickelt sich ebenfalls sehr interessant. Anfangs können sich die beiden kaum leiden und geraten immer wieder aneinander. Trotzdem entsteht im Laufe des Films langsam eine Partnerschaft, die später zu einer der wichtigsten Beziehungen wird.
Auch die Beteiligung von Leonard Nimoy als älterem Spock ist eine schöne Verbindung zwischen alter und neuer Generation. Seine Szenen wirken nicht wie ein unnötiger Fanservice, sondern geben dem Film zusätzlich eine emotionale Ebene.
Auch die übrige Crew der Enterprise ist sehr gut besetzt. Simon Pegg als Scotty sorgt für einige lustigste Momente, ohne die Figur zur reinen Comedy Figur zu machen. Karl Urban passt hervorragend als Dr. Leonard „Pille“ McCoy und bringt eine gute Mischung aus Humor und Skepsis mit.
Zoe Saldana als Uhura bekommt im Vergleich zu älteren Versionen der Figur deutlich mehr Persönlichkeit und Bedeutung. John Cho als Sulu und Anton Yelchin als Chekov ergänzen die Crew ebenfalls sehr gut.
Etwas schwächer finde ich dagegen den Gegenspieler Nero, gespielt von Eric Bana. Er funktioniert als Bedrohung durchaus gut und seine Motivation ist nachvollziehbar, allerdings hätte ich mir bei ihm etwas mehr Härte gewünscht.
Nero ist hauptsächlich durch seine Vergangenheit und seinen Wunsch nach Rache motiviert. Seine Figur weniger ausgearbeitet. Gerade weil der Film bei seinen Hauptfiguren so viel Wert auf Charakterentwicklung legt, fällt dieser Unterschied etwas auf.
Optisch ist Star Trek auch heute noch beeindruckend. Die Weltraumszenen sind spektakulär inszeniert und vermitteln ein starkes Gefühl für Größe und Geschwindigkeit. Besonders die Szenen rund um die Enterprise und die Raumschlachten sind spitze. Die Actionszenen sind atemberaubend und sind fantastisch, auch wenn es manchmal etwas zu viel wird.
Auch der Humor funktioniert tadellos. Star Trek nimmt sich selbst nicht permanent todernst und schafft dadurch eine angenehme Balance zwischen Drama und Unterhaltung.
Viele humorvolle Momente entstehen direkt aus den unterschiedlichen Persönlichkeiten der Crew. Der Humor wirkt meistens natürlich und lockert die teilweise sehr ernste Handlung auf.
Dabei verliert der Film aber nie komplett seinen dramatischen Kern. Gerade diese Mischung ist meiner Meinung nach ein Highlight im Film.
Die Filmmusik passt hervorragend zur Atmosphäre. Sie vermittelt Abenteuer, Größe und Emotionen und trägt viel dazu bei, dass sich der Film wie ein großes Abenteuer anfühlt.
Besonders gelungen finde ich die musikalische Verbindung zwischen klassischen Star Trek Elementen und einem moderneren Sound. Das sorgt dafür, dass der Film trotz seiner neuen visuellen und erzählerischen Richtung immer noch nach Star Trek klingt.
Insgesamt ist Star Trek für mich ein hervorragender Science Fiction Film und ein sehr gelungener Neustart der Reihe. J. J. Abrams schafft es, ein großes, teilweise kompliziertes Universum so aufzubereiten, dass auch Neueinsteiger problemlos folgen können.
Im direkten Vergleich zur Blu ray wirkt die UHD insgesamt sauberer, plastischer und etwas detaillierter. Gerade bei Nahaufnahmen lassen sich teilweise feinere Strukturen erkennen. Haut, Haare, Uniformen und die Oberflächen der Raumschiffe profitieren von der besseren Darstellung. Allerdings sollte man keinen gewaltigen Sprung bei der reinen Schärfe erwarten. Der Unterschied ist hier eher marginal.
Die Farben wirken insgesamt kräftiger und gleichzeitig differenzierter. Besonders die vielen Lichtquellen, Anzeigen und Beleuchtungselemente profitieren enorm. Die Enterprise, die verschiedenen Planeten und vor allem die Weltraumszenen bekommen dadurch eine deutlich beeindruckendere Wirkung.
Die zahlreichen dunklen Szenen profitieren von den besseren Schwarz- und Schattenwerten. Gerade bei den Weltraumszenen entsteht dadurch ein schöner Kontrast zwischen dem tiefen Schwarz des Alls und den hellen Lichtquellen.
Das vorhandene Filmkorn bleibt sichtbar und verleiht dem Film einen natürlichen, filmischen Charakter.
Der deutsche Ton besitzt durchaus eine ordentliche Räumlichkeit und verständliche Dialoge. Auch Explosionen und Actioneffekte funktionieren gut.
Aber es fehlt im Vergleich zur Atmos Tonspur einfach an Druck, Dynamik und Präzision.
Die Extras sind eher mager ausgefallen. Immerhin gibt es ein schönes Booklet
Optisch ist die Edition aber stark.
Der Slip ist einfach gestaltet, das aber passt. Das SteelBook ist zwar nur matt, hat aber einige metallische Effekte und kommt mit Spotgloss Effekten. Die Front ist mit einigen Crewmitgliedern gestaltet. Der Innendruck zeigt die Enterprise. Die Rückseite ist zwar etwas einfallos, punktet aber mit einer Prägung.
Insgesamt ein starke Edition zum Film. 

Im Mittelpunkt stehen zwei Schwestern, die mit einer traumatischen Vergangenheit und einer äußerst schwierigen familiären Beziehung konfrontiert sind. Ihre Reise ist dabei nicht einfach eine klassische Rachegeschichte. Vielmehr geht es um Gewalt, Macht, Familie, Unterdrückung und die Frage, wie sehr Menschen durch ihre Vergangenheit geprägt werden.
Gefallen hat mir die Inszenierung. Der Film hat einen sehr eigenen Stil und versucht nicht, wie eine klassische Rachegeschichte zu sein. Teilweise fühlt sich das Geschehen eher wie ein Theaterstück an. Das hat seine Reiz, weil dadurch eine gewisse Künstlichkeit entsteht, die zu der absurden und brutalen Geschichte passt. Aber manche Szenen wirken stark überzeichnet.
Die beiden Hauptfiguren sind grundsätzlich interessant geschrieben. Ihre Beziehung zueinander ist sehr speziell und das gefiel mir sehr gut. Man merkt, dass zwischen ihnen eine gemeinsame Vergangenheit liegt und dass sie auf sehr unterschiedliche Weise mit ihren Erlebnissen umgehen. Dadurch entstehen einige gute Zeitpunkte, in denen der Film tatsächlich emotional funktioniert. Besonders die Dynamik zwischen den Schwestern sorgt dafür, dass die Geschichte nicht komplett in ihrer stilisierten Gewalt und Absurdität untergeht. Sie tragen einen großen Teil des Films und sorgen dafür, dass die ungewöhnliche Geschichte überhaupt funktioniert
Auch die Handlung selbst ist ziemlich speziell. Der Film nimmt sich eine klassische Ausgangssituation. Menschen werden durch Gewalt traumatisiert und suchen später nach Vergeltung. Und genau hier entwickelt sich etwas Abstrakteres. Dadurch gibt es immer wieder Szenen, bei denen man sich fragt, ob man das gerade ernst nehmen soll oder ob der Film bewusst mit schwarzem Humor und Übertreibung arbeitet.
Das hat bei mir nicht immer funktioniert. Einige Szenen fand ich überraschend gelungen, andere wiederum eher befremdlich. Der Film bewegt sich ständig zwischen Tragödie und Absurdität. Während ich manche ungewöhnlichen Entscheidungen interessant fand, hatte ich bei anderen Szenen den Eindruck, dass der Film etwas zu sehr zeigen möchte, wie ungewöhnlich und provokant er ist.
Trotzdem muss man dem Film zugutehalten, dass er einen eigenen Stil besitzt. Es handelt sich definitiv nicht um einen austauschbaren Rachefilm, den man schon oft gesehen hat. Selbst wenn einem nicht jede Entscheidung gefällt, bleiben bestimmte Bilder und Szenen noch hängen. Die düstere Atmosphäre und die teilweise groteske Darstellung von Gewalt verleihen dem Film einen Wiedererkennungswert.
Besonde rs interessant fand ich die Auseinandersetzung mit familiärer Gewalt und den langfristigen Auswirkungen traumatischer Erfahrungen. Der Film zeigt, dass Gewalt nicht einfach mit einer einzelnen Handlung beginnt oder endet, sondern sich über Generationen und Beziehungen hinweg ausbreiten kann. Gleichzeitig stellt er die klassische Vorstellung von Rache infrage. Die Figuren suchen zwar nach Vergeltung, aber der Film vermittelt keineswegs den Eindruck, dass dadurch automatisch Gerechtigkeit oder Heilung entsteht.
Er versucht, unangenehme Themen nicht möglichst angenehm darzustellen. Is God Is möchte verstören, provozieren und zum Nachdenken bringen. Das gelingt zumindest teilweise.
Der Film behandelt sehr schwere Themen, aber durch die Übertreibung ensteht eine gewisse Objektivität. Ich konnte die Ereignisse nicht immer so intensiv nachempfinden, wie es wahrscheinlich beabsichtigt war. Es gab durchaus Augenblicke, die mich berührt oder nachdenklich gemacht haben, aber diese waren für mich nicht konstant genug.
Der Stil ist eigenständig, die Beziehung der beiden Schwestern ist stark und die Themen sind relevant. Gleichzeitig ist der Film teilweise so überzeichnet und speziell, dass er seine emotionale Wirkung selbst etwas abschwächt.
Mit einer etwas fokussierteren Handlung und einem ausgewogeneren Verhältnis zwischen Ernsthaftigkeit und Absurdität hätte der Film für mich deutlich besser funktionieren können. So bleibt ein ungewöhnliches Werk zurück, das sicherlich nicht für jeden Zuschauer geeignet ist, aber zumindest versucht, etwas Eigenständiges zu erzählen.
Gesehen auf Amazon Prime in HD. 

Der Protagonist erwacht nach einem Unfall und stellt fest, dass seine bisherige Identität scheinbar nicht mehr zu seinem Leben passt. Niemand scheint ihm wirklich zu glauben, während er selbst versucht, die Wahrheit über seine Vergangenheit herauszufinden. Dadurch entsteht von Anfang an eine gewisse Unsicherheit: Wem kann man vertrauen und was ist tatsächlich passiert?
Die Atmosphäre ist gelungen. Unknown Identity vermittelt über weite Strecken ein Gefühl von Bedrohung und Unsicherheit. Gerade die Szenen, in denen der Hauptcharakter nicht weiß, was als Nächstes passieren wird, funktionieren ziemlich gut. Die Handlung bewegt sich häufig schnell genug, sodass nur selten Langeweile aufkommt.
Liam Neeson trägt den Film dabei größtenteils auf seinen Schultern. Seine Figur wirkt glaubwürdig verzweifelt und gleichzeitig entschlossen, die Wahrheit herauszufinden. Besonders gut funktioniert, dass man mit ihm gemeinsam die Ereignisse entschlüsselt. Man bekommt nicht sofort alle Antworten geliefert, sondern muss sich die Zusammenhänge nach und nach erschließen. Dadurch entsteht zumindest zeitweise ein angenehmes Mystery Gefühl.
Diane Kruger spielt neben Neeson gut. Allerdings ist ihre Rolle nicht optimal gewählt worden.
Die Action ist dagegen solide. Sie ist nicht schlecht gemacht und sorgt für Unterhaltung. Allerdings wirkt sie teilweise etwas austauschbar. Einige Verfolgungsjagden und Kampfszenen sind nett, aber nix großartiges. Es fehlt ein wenig an einer eigenen Handschrift. Der Film ist handwerklich ordentlich, aber selten wirklich außergewöhnlich.
Was mir außerdem gefallen hat, ist das Tempo. Der Film nimmt sich zwar an einigen Stellen etwas zu viel Zeit für bestimmte Erklärungen, wird aber insgesamt nicht unnötig langsam. Es gibt immer wieder neue Informationen, die Neeson dazu bringt, die bisherige Situation neu zu bewerten. Dieses Wechselspiel aus Action, Rätsel und Enthüllungen funktioniert meistens gut.
Aber das Ende hinterlässt bei mir einen gemischten Eindruck. Es liefert zwar Antworten und schließt die wichtigsten Fragen ab, erreicht aber nicht ganz die Wirkung, die ich nach dem Aufbau erwartet hätte. Die Auflösung ist grundsätzlich zufriedenstellend, fühlt sich aber nicht unbedingt wie ein großer Höhepunkt an. Unterm Strich ist Unknown Identity ein solider Actionthriller, mit einigen interessanten Wendungen, einer guten Hauptfigur und einigen spannenden Passagen.
Gesehen im HD TV. 

Was zunächst wie eine spannende, ungewöhnliche Geschichte beginnt, verliert im weiteren Verlauf zunehmend an Wirkung und fühlt sich stellenweise unnötig langgezogen an.
Für mich ist die Idee die stärkste Komponente am Film. No Other Choice versucht, eine Geschichte zu erzählen, die sich nicht einfach in Gut und Böse einteilen lässt. Die Figuren befinden sich in schwierigen Situationen und müssen Entscheidungen treffen, die teilweise nachvollziehbar, teilweise aber auch schwer zu verstehen sind. Gerade diese moralische Grauzone hat aber nicht vollständig überzeugt. Die klare Intention war es, mit dieser herrlich boshaften Satire eine scharfe Kritik an Märkten und Systemen zu äußern und zu zeigen, wie zerstörerisch sich der Einfluss vom Kapitalismus auf den Menschen auswirkt. Ein Druck, der den Menschen bis zum Äußersten treibt.
Lee Byung-hun spielt hier wirklich stark. Man merkt, dass er seine Gedankenwelt und seine zunehmende Verzweiflung nachvollziehbar macht. Es gibt Momente, in denen er die Figur wirklich greifbar macht und man zumindest ansatzweise versteht, warum er bestimmte Entscheidungen trifft.
No Other Choice ist für meinen Geschmack auch deutlich zu langsam. Hier ziehen sich einige Abschnitte so sehr, dass die Spannung darunter leidet. Besonders in der Mitte des Films entsteht ein Durchhänger, bei dem ich mich zunehmend gefragt habe, wann die Geschichte endlich wieder vorankommt. Locker 30-40 Minuten weniger hätten den Film gut getan.
Es gibt mehrere Situationen, bei denen man gespannt darauf ist, wie sich die Handlung entwickeln wird. Doch anstatt diese Spannung konsequent aufzubauen, nimmt sich der Film häufig sehr viel Zeit für Nebenhandlungen oder wiederholt bestimmte Gedanken und Konflikte.
No Other Choice möchte offensichtlich mehr sein als reine Unterhaltung. Der Film beschäftigt sich mit schwierigen Entscheidungen, Druck, persönlichen Grenzen und den Konsequenzen des eigenen Handelns. Das funktioniert teilweise sehr gut. Einige Szenen besitzen tatsächlich eine gewisse emotionale Härte.
No Other Choice ist ein ambitionierter Film mit einer interessanten Idee und einigen wirklich gelungenen Aktionen. Leider wird das vorhandene Potenzial durch das langsame Erzähltempo, teilweise wenig überzeugende Figurenentscheidungen und einige unnötig lang wirkende Passagen ausgebremst. Die Inszenierung und Atmosphäre sind aber solide.
Gesehen auf Amazon Prime in 4K UHD als Leihtitel für 0,99€. 

Der Film basiert auf dem Videospiel Silent Hill 2 und erzählt die Geschichte von James Sunderland, der einen geheimnisvollen Brief von seiner verstorben geglaubten Frau Mary erhält. In der Hoffnung, sie wiederzufinden, macht er sich auf den Weg nach Silent Hill. Dort angekommen, gerät er in eine düstere und zunehmend albtraumhafte Welt, in der Realität und Erinnerungen immer stärker miteinander verschwimmen.
Da der Film auf dem Spiel von Teil 2 basiert, gilt es als eine der bekanntesten Geschichten des psychologischen Horrors. Entsprechend hoch waren die Erwartungen an diese Verfilmung. Doch leider war die Enttäuschung dann doch für mich zu groß und ein vergeblicher Neuanfang, einer wirklich starkken Geschichte.
James Sunderland wird von Jeremy Irvine gespielt. Grundsätzlich ist Irvine kein schlechter Darsteller und versucht, die Verzweiflung und Orientierungslosigkeit seiner Figur glaubwürdig darzustellen. Allerdings bleibt James als Charakter für mich trotzdem relativ blass. Man versteht zwar, dass er emotional schwer belastet ist und unbedingt Antworten auf seine Fragen finden möchte, aber seine innere Entwicklung wird nicht immer überzeugend vermittelt.
Das ist besonders problematisch, weil James eigentlich das emotionale Zentrum der gesamten Geschichte sein sollte. Seine Reise nach Silent Hill ist schließlich nicht nur eine Reise an einen bestimmten Ort, sondern auch eine Konfrontation mit seiner eigenen Vergangenheit. Der Film hätte viel stärker darauf eingehen müssen, was in seinem Kopf passiert und wie sich seine Wahrnehmung der Realität verändert.
Auch die Beziehung zwischen James und Mary hätte meiner Meinung nach besser ausgearbeitet werden müssen. Hannah Emily Anderson übernimmt mehrere wichtige Rollen innerhalb der Geschichte, darunter Mary. Ihre Darstellung ist teilweise durchaus interessant, doch die emotionale Verbindung zwischen den Figuren wirkt nicht immer so stark, wie sie eigentlich wie im Spiel sein sollte.
Auch die Nebenfiguren wie Laura oder Eddie kommen hier viel zu kurz zum Einsatz. Gerade diese beiden Figuren sind noch viel stärker im Spiel verbunden, als das es der Film zeigt.
Problematisch ist zudem das Drehbuch. Return to Silent Hill möchte gleichzeitig eine Geschichte für Fans der Spiele erzählen, aber auch neue Zuschauer gewinnen, die weniger mit den Spielen zu tun haben. Dadurch wirkt der Film manchmal etwas unausgeglichen. Einige Elemente werden offenbar vorausgesetzt, während andere Dinge sehr direkt erklärt werden.
Optisch sieht Return to Silent Hill dagegen teilweise wirklich stark aus. Die Stadt mit ihrem Nebel, den verlassenen Gebäuden und der düsteren Beleuchtung vermittelt durchaus das typische Silent Hill Gefühl. Die Inszenierung besitzt einige Bilder, die sofort an das Spiel erinnern und für Fans sicherlich einen gewissen Wiedererkennungswert haben.
Auch die berühmte düstere Atmosphäre funktioniert stellenweise sehr gut. Silent Hill wirkt wie ein Ort, an dem man nicht sein möchte. Der Nebel, die leeren Straßen und die unheimlichen Innenräume erzeugen eine unangenehme Stimmung.
Beim Horror selbst hatte ich nämlich deutlich größere Probleme. Der Film besitzt zwar einige interessante Kreaturen und verstörende Bilder, aber er schafft es für mich nur selten, wirklich Angst aufzubauen.
Einige Monster sehen durchaus beeindruckend aus, doch die Spannung ist häufig schnell wieder verschwunden. Anstatt den Zuschauer lange im Ungewissen zu lassen, zeigt der Film manche seiner Schrecken relativ direkt. Dadurch verliert der Horror etwas an seiner Wirkung.
Besonders schade ist das, weil Silent Hill eigentlich hervorragend für psychologischen Horror geeignet ist. Viel interessanter ist die Frage, ob man dem eigenen Verstand überhaupt noch vertrauen kann.
Stattdessen setzt der Film teilweise stärker auf klassische Horror Elemente. Es gibt Momente, in denen Return to Silent Hill eher wie ein durchschnittlicher moderner Horrorfilm wirkt und weniger wie die psychologisch verstörende Geschichte, die man sich von dieser Vorlage wünschen würde.
Ein positiver Punkt ist allerdings die Gestaltung der Kreaturen. Fans des Videospiels werden einige bekannte Erscheinungen wiedererkennen. Besonders die Präsenz von Pyramid Head sorgt natürlich sofort für Aufmerksamkeit. Robert Strange übernimmt die Rolle des Pyramid Head und spielt diesen wirklich gut.
Eine Figur wie Pyramid Head funktioniert aber nur besonders gut, wenn sie sparsam und mit einer gewissen mysteriösen Bedeutung eingesetzt wird. Wenn man solche ikonischen Elemente zu stark in den Mittelpunkt stellt, entsteht zu sehr der Eindruck für ein Fanservice.
Die Musik kann dagegen voll punkten. Akira Yamaoka, der eng mit der Silent Hill Spielreihe verbunden ist, war auch an der Musik des Films beteiligt. Die musikalische Gestaltung passt deshalb grundsätzlich sehr gut zur Atmosphäre.
Man merkt dem Film außerdem an, dass er stark mit der Erwartungshaltung der Fans arbeitet. Es gibt viele Elemente, die sofort zeigen sollen...Ich bin in Silent Hill. Der Nebel, die Monster, Pyramid Head, die Kreaturen, die düsteren Gebäude und verstörende Bilder sind natürlich wichtige Bestandteile des Franchise.
Die Kulissen und das Produktionsdesign sind atmosphärisch. Die Stadt wirkt heruntergekommen und unheimlich, und einige Szenen sehen wirklich hochwertig aus.
Die Atmosphäre, die Optik, einige Kreaturen und die Verbindung zur Vorlage sorgen durchaus für etwas Unterhaltung. Allerdings sind dagegen die Story, Handlung und die wichtigen psychologischen Elemente aus dem Spiel vollkommen schwach ausgearbeitet. Der Film ist weit weg von seiner grandiosen Vorlage. Da hätte ich mir viel mehr gewünscht.
Gesehen auf Amazon Prime in 4K als Leihtitel für 0,99€. 

Im Mittelpunkt steht John Ottway, gespielt von Liam Neeson. Ottway arbeitet als Schütze für ein Ölunternehmen und soll die Arbeiter vor Wölfen schützen. Schon zu Beginn wird deutlich, dass er selbst mit seinem Leben unzufrieden ist und von einer persönlichen Tragödie belastet wird. Stattdessen wirkt er erschöpft, traurig und teilweise sogar resigniert.
Gerade diese Darstellung finde ich sehr gelungen. Ottway ist körperlich zwar erfahren und kann in der Wildnis überleben, gleichzeitig ist er innerlich gebrochen. Dadurch bekommt die Figur mehr Tiefe als viele typische Hauptfiguren. Neeson schafft es, mit relativ wenig Dialog viel über den Zustand seiner Figur zu vermitteln. Seine Körpersprache und sein Gesichtsausdruck zeigen oft mehr als die eigentlichen Gespräche.
Nach dem Flugzeugabsturz beginnt der eigentliche Überlebenskampf. Die Männer müssen sich durch eine riesige, verschneite Landschaft bewegen, um möglicherweise Hilfe zu finden. Dabei wird ihnen schnell klar, dass sie nicht allein sind. Ein Rudel Wölfe betrachtet die Überlebenden als Eindringlinge in seinem Territorium und greift sie immer wieder an.
Die Landschaft ist dabei stark ausgearbeitet. Die verschneite Wildnis wirkt wunderschön und gleichzeitig bedrohlich. Die Kälte, der Schnee und die endlosen Wälder vermitteln ein Gefühl von Isolation. Man bekommt beinahe selbst das Gefühl, der Gruppe ausgeliefert zu sein. Es gibt kaum Anzeichen von Zivilisation und keine einfache Möglichkeit, Hilfe zu bekommen.
Besonders gut funktioniert auch die Atmosphäre. Es gibt viele ruhige und bedrückende Momente. Die Männer sitzen am Feuer, sprechen über ihr Leben und versuchen, irgendwie Hoffnung zu bewahren. Diese ruhigeren Szenen machen die späteren Angriffe umso intensiver.
Auch die Musik und die Geräuschkulisse tragen viel zur Atmosphäre bei. Der Wind, das Knirschen des Schnees und die Geräusche der Wölfe erzeugen eine unangenehme Spannung. Dadurch wirkt die Umgebung noch leerer und gefährlicher.
Die Wölfe sind dabei natürlich ein zentraler Bestandteil im Film. Sie werden nicht einfach als normale Tiere dargestellt, sondern fast wie eine ständige Bedrohung, die jederzeit auftauchen kann. Teilweise wirken sie beinahe übernatürlich. Die realistische Darstellung von Wölfen ist teilweise arg unplausibel. Das Verhalten der Tiere wirkt teilweise stark dramatisiert.
Auch die Action ist grundsätzlich gelungen. Die Angriffe sind brutal und vermitteln, dass jede falsche Entscheidung tödliche Konsequenzen haben kann. Der Film zeigt den Überlebenskampf teilweise sehr direkt. Trotzdem hätte ich mir an einigen Stellen etwas mehr Abwechslung gewünscht. Einige Abschnitte folgen einem ähnlichen Muster.
Die Nebenfiguren erfüllen ihre jeweiligen Rollen ordentlich, bleiben aber teilweise etwas oberflächlich. Man bekommt zwar Einblicke in die Persönlichkeiten einiger Männer, aber nicht alle Charaktere werden so ausführlich entwickelt, wie es möglich gewesen wäre.
Trotzdem funktionieren die Gespräche innerhalb der Gruppe gut. Die Männer haben unterschiedliche Persönlichkeiten und Vorstellungen davon, wie sie mit der Situation umgehen sollen. Einige versuchen, optimistisch zu bleiben, während andere immer stärker die Hoffnung verlieren. Dadurch entsteht eine interessante Dynamik.
Es geht hier auch um die psychologische Ebene. Ottway kämpft nicht nur gegen die Natur und die Wölfe, sondern auch gegen seine eigene Vergangenheit. Seine persönliche Geschichte wird nach und nach enthüllt und erklärt, warum er überhaupt in dieser Situation steckt. Der Film stellt dadurch immer wieder die Frage, warum Menschen trotz scheinbar aussichtsloser Situationen weiterkämpfen.
Genau das macht The Grey so interessant. Es geht nicht ausschließlich darum, ob Ottway und die anderen Männer überleben. Vielmehr geht es darum, was einen Menschen dazu bringt, überhaupt weiterzumachen, wenn die Wahrscheinlichkeit zu überleben immer kleiner wird.
Das Ende war mir leider zu offen. The Grey liefert nicht unbedingt die Auflösung, die man erwartet. Stattdessen bleibt einiges offen und lässt Raum für Interpretation. Da hätte ich mir ein klareres Ende gewünscht.
Insgesamt ist The Grey Unter Wölfen aber ein spannender und atmosphärisch starker Survivalfilm. Er überzeugt vor allem durch die beeindruckenden Landschaften, die düstere Stimmung und Liam Neesons starke Hauptrolle. Gleichzeitig hat der Film einige Schwächen beim Charakteraufbau, beim Tempo und bei der realistischen Darstellung der Wölfe.
Gesehen im HD TV. 

Im Mittelpunkt steht Maggie Fitzgerald, gespielt von Hilary Swank. Sie kommt aus einfachen Verhältnissen und hat den großen Traum, eine erfolgreiche Boxerin zu werden. Obwohl sie zunächst von vielen Menschen unterschätzt wird, gibt sie nicht auf. Sie trainiert hart und versucht, den erfahrenen Trainer Frankie Dunn, gespielt von Clint Eastwood, davon zu überzeugen, sie zu trainieren. Frankie ist zunächst sehr skeptisch und lehnt sie immer wieder ab. Er hält Maggie für zu alt und glaubt, dass sie keine realistische Chance auf eine Karriere im Profiboxen hat.
Trotzdem lässt Maggie sich nicht entmutigen. Genau diese Hartnäckigkeit macht sie zu einer interessanten und sympathischen Hauptfigur. Sie ist nicht perfekt, aber sie besitzt einen starken Willen und ist bereit, für ihren Traum zu arbeiten. Im Laufe des Films entwickelt sich zwischen ihr und Frankie eine besondere Beziehung. Aus einem Trainer und einer Schülerin werden nach und nach Menschen, die einander vertrauen und sich gegenseitig Halt geben.
Besonders gut gelungen ist dabei die Entwicklung der Charaktere. Frankie ist am Anfang ein eher verschlossener und verbitterter Mann. Er trägt offensichtlich einige schwere Erfahrungen aus seiner Vergangenheit mit sich herum und hat Schwierigkeiten, anderen Menschen wirklich zu vertrauen. Durch Maggie verändert sich sein Leben jedoch langsam. Auch wenn er weiterhin distanziert und streng wirkt, merkt man, dass sie ihm zunehmend wichtig wird.
Eine weitere wichtige Figur ist Eddie „ScrapIron“ Dupris, gespielt von Morgan Freeman. Er arbeitet in Frankies Boxstudio und ist gleichzeitig sein Freund und Vertrauter. Eddie übernimmt im Film gewissermaßen die Rolle des Erzählers und beobachtet die Entwicklung zwischen Frankie und Maggie. Seine ruhige und nachdenkliche Art bildet einen guten Kontrast zu Frankies eher verschlossener Persönlichkeit. Morgan Freeman verleiht der Figur eine große Wärme und sorgt dafür, dass viele Szenen emotional noch stärker wirken.
Die Boxkämpfe selbst sind überzeugend inszeniert. Der Film konzentriert sich auf die harte Arbeit hinter dem Sport. Training, Schmerzen, Disziplin und Rückschläge gehören genauso dazu wie Siege. Dadurch wirkt Maggies Aufstieg glaubwürdig. Man bekommt das Gefühl, dass sie sich ihren Erfolg tatsächlich verdient hat und nicht einfach plötzlich zu einer großartigen Boxerin wird.
Auch die Atmosphäre überzeugt auf ganzer Linie. Million Dollar Baby wirkt häufig ruhig, dunkel und nachdenklich. Clint Eastwood setzt nicht auf eine übertriebene oder kitschige Inszenierung, sondern lässt die Geschichte und die Figuren im Mittelpunkt stehen. Die eher zurückhaltende Musik und die dunkle Bildgestaltung passen sehr gut zur Handlung. Dadurch entsteht eine melancholische Stimmung.
Was mir besonders gefällt, ist, dass der Film nicht einfach die typische Geschichte vom Underdog erzählt. Maggie wird unterschätzt, kämpft sich nach oben und erfüllt schließlich ihren Traum. Doch die Geschichte entwickelt sich in eine wesentlich ernstere und tragischere Richtung. Gerade dieser Bruch mit den Erwartungen macht den Film so eindrucksvoll.
Die zweite Hälfte ist emotional sehr schwer und teilweise extrem bedrückend. Einige Entwicklungen wirken sehr dramatisch. Der Film ist außerdem nicht unbedingt leicht anzusehen und beschäftigt sich mit schwierigen moralischen Fragen, auf die es keine einfache Antwort gibt.
Besonders das Ende bleibt nachdenklich. Ohne die entscheidenden Ereignisse zu sehr vorwegzunehmen, lässt sich sagen, dass Million Dollar Baby hier eine sehr tragische Richtung einschlägt. Der Film stellt die Frage, was ein Mensch einem anderen Menschen aus Liebe und Verantwortung heraus schuldig sein kann und wo die Grenzen dieser Verantwortung liegen. Dadurch wird aus einer Boxgeschichte ein Drama über menschliche Würde und die Bedeutung von Entscheidungen.
Er zeigt, wie wichtig es sein kann, an seinen Träumen festzuhalten, macht aber gleichzeitig deutlich, dass das Leben nicht immer den Ausgang nimmt, den man sich wünscht. Der Film verbindet Sport, Drama und eine ungewöhnliche "Vater Tochter" ähnliche Beziehung miteinander und schafft es dadurch, weit über einen normalen Boxfilm hinauszugehen.
Die Schauspieler sind hervorragend, die Charakterentwicklung ist überzeugend und die emotionale Wirkung des Films ist enorm. Der Film will nicht nur unterhalten, sondern wirft auch schwierige Fragen auf und den Zuschauer dazu bringt, über seine eigenen Vorstellungen von Liebe, Verantwortung und Selbstbestimmung nachzudenken.
Million Dollar Baby ist ein bewegendes, hervorragend gespieltes und teilweise erschütterndes Drama, das auch lange nach dem Abspann noch im Kopf bleibt.
Gesehen im HD TV. 

Vier junge Frauen tauchen in ein unbekanntes Höhlensystem hinab und müssen feststellen, dass sie dort unten nicht allein sind. Dunkle Unterwasserhöhlen, begrenzter Sauerstoff, Orientierungslosigkeit und aggressive Haie.
Was absolut hervorragend funktioniert, ist die Atmosphäre. Die Unterwasseraufnahmen sehen teilweise wirklich gut aus und die dunklen Höhlen vermitteln zumindest stellenweise ein unangenehmes Gefühl der Enge. Gerade wenn die Figuren durch schmale Tunnel schwimmen und man als Zuschauer kaum erkennen kann, was sich vor ihnen befindet, funktioniert das Setting. Die Kombination aus Dunkelheit und eingeschränkter Sicht bietet eigentlich perfekte Voraussetzungen für Horror.
Statt langsam Spannung aufzubauen, setzt 47 Meters Down: Uncaged sehr häufig auf typische Jump Scares. Irgendwo im Hintergrund bewegt sich etwas, die Musik wird lauter und kurze Zeit später schießt ein Hai ins Bild. Beim ersten Mal kann das noch funktionieren, aber nach mehreren Wiederholungen verliert dieses Prinzip schnell seine Wirkung. Irgendwann wartet man geradezu darauf, dass der nächste Hai auftaucht.
Die Charaktere bleiben relativ oberflächlich und wirken teilweise wie typische Horrorfilm Figuren, die hauptsächlich dafür da sind, in möglichst gefährliche Situationen zu geraten. Auch sind es die typischen Klischee Girls. Knappe Bikinis, hübsche Schwester, nervige Schwester, usw. Einige Entscheidungen der Figuren sind zudem so fragwürdig, dass man sich während des Films häufiger fragt, warum sie überhaupt noch weiter in diese gefährliche Umgebung hineinschwimmen.
Zudem hapert es an der Spannung. Ein Film über Menschen, die unter Wasser in einem Höhlensystem von Haien bedroht werden, müsste eigentlich permanent nervenaufreibend sein. Stattdessen gibt es immer wieder längere Abschnitte, in denen nicht besonders viel passiert. Wenn dann die Action einsetzt, wird sie teilweise so hektisch inszeniert, dass die Spannung eher verloren geht.
Auch die Haie selbst wirken irgendwann mehr wie klassische Monster als wie eine echte Bedrohung. Die Idee, sie in einem Höhlensystem einzusetzen, ist interessant, aber der Film nutzt sie meiner Meinung nach zu häufig. Weniger wäre hier definitiv mehr gewesen. Ein Hai, den man nur kurz im Dunkeln erahnt, hätte wahrscheinlich mehr Angst ausgelöst als die zahlreichen direkten Angriffsszenen.
Es gibt durchaus einige spannende Momente und gerade das Höhlensetting hat eine interessante Atmosphäre.
Der Film sieht teilweise ordentlich aus, hat aber vorhersehbare Schockeffekte, eher schwache Charaktere und eine Handlung, die mehr als fragwürdig ist. Es gibt einige gute Szenen, aber die Fortsetzung hätte man nicht gebraucht.
Gesehen im HD TV. 

Der Film erzählt von zwei Brüdern, die in einer ländlichen Gegend auf eine Form des Bösen stoßen, die sich nicht einfach mit klassischen Mitteln bekämpfen lässt. Was zunächst wie eine lokale und überschaubare Bedrohung wirkt, entwickelt sich schnell zu einer Situation, die immer mehr Menschen in Gefahr bringt.
Der Anfang von When Evil Lurks hat mir noch ausgesprochen gut gefallen.
Der Film verschwendet nicht viel Zeit damit, seine Welt ausführlich zu erklären. Stattdessen wird man relativ schnell mit einer Situation konfrontiert, die offensichtlich nicht normal ist.
Was ich daran interessant finde, ist die Art und Weise, wie der Film mit Informationen umgeht. Man bekommt nicht sofort jede Antwort präsentiert. Dadurch entsteht zunächst ein gewisses Rätselgefühl.
Man möchte wissen, was mit dem Mann passiert ist, was hinter der Bedrohung steckt und warum niemand wirklich in der Lage zu sein scheint, das Problem unter Kontrolle zu bringen.
Wenn When Evil Lurks etwas wirklich gut kann, dann ist es eine unangenehme Atmosphäre zu erzeugen.
Die ländliche Umgebung trägt viel dazu bei. Es gibt keine typische Großstadtatmosphäre und keine riesigen Gruppen von Menschen, die den Protagonisten helfen könnten. Stattdessen befinden sich die Figuren in einer abgelegenen Gegend, in der Hilfe nur schwer erreichbar ist.
Das erzeugt eine gewisse Isolation, die für Horror natürlich sehr gut funktioniert.
Der Film wirkt dreckig, kalt und trostlos. Die Umgebung vermittelt nicht den Eindruck eines sicheren Ortes. Selbst normale Situationen fühlen sich teilweise so an, als könnte jederzeit etwas Schreckliches passieren.
Hier entsteht die Spannung häufig dadurch, dass man einfach nicht weiß, was als Nächstes passieren könnte.
Gerade die Tatsache, dass bestimmte Regeln für die übernatürliche Bedrohung existieren, sorgt für zusätzliche Unsicherheit.
When Evil Lurks geht mit seinen Figuren teilweise sehr brutal um und scheut sich nicht davor, auch Kinder und Tiere in gefährliche Situationen zu bringen. Einige Szenen sind bewusst darauf ausgelegt, zu schockieren.
Teilweise hatte ich sogar den Eindruck, dass der Film zu sehr darauf vertraut, den Zuschauer mit möglichst drastischen Bildern zu schockieren.
Das Konzept der dämonischen Infektion finde ich grundsätzlich stark.
Das Böse ist hier nicht einfach ein einzelner Geist, der in einem Haus sitzt und darauf wartet, dass jemand einen Fehler macht. Stattdessen scheint es sich auszubreiten und ganze Gemeinschaften zu bedrohen. Der Film besitzt bestimmte Regeln dafür, wie man mit dem Bösen umgehen muss. Diese Regeln sind eigentlich eine gute Idee, weil sie dem Film seine eigene Identität geben.
Besonders interessant finde ich, dass nicht unbedingt das Übernatürliche selbst das größte Problem ist, sondern die Reaktion der Menschen darauf.
Die Figuren wissen teilweise, dass bestimmte Dinge gefährlich sind. Trotzdem treffen sie falsche Entscheidungen. Und genau diese Entscheidungen der Figuren sind teilweise sehr frustrierend.
Bei When Evil Lurks hatte ich mehrfach das Gefühl, dass bestimmte Figuren Dinge tun, bei denen man sich denkt, warum das alles?!
Pedro und Jaime sind zwar die zentralen Figuren, aber ich hatte häufig Schwierigkeiten, wirklich eine emotionale Verbindung zu ihnen aufzubauen.
Pedro wird stark über seine familiären Beziehungen definiert und muss im Laufe der Handlung einige sehr schwierige Situationen durchmachen.
Jaime bleibt ebenfalls relativ oberflächlich.
Der Film ist atmosphärisch, brutal, unberechenbar und teilweise wirklich verstörend. Das Konzept rund um die dämonische Ausbreitung ist interessant und hebt den Film von vielen anderen Filmen ab.
Die Charaktere bleiben mir zu oberflächlich, einige Entscheidungen der Figuren sind nur schwer nachvollziehbar und die Regeln der Welt werden nicht immer zufriedenstellend vermittelt.
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Die Geschichte beginnt mit Ray Garrison, einem erfahrenen Soldaten, der gemeinsam mit seiner Frau Gina ein scheinbar glückliches Leben führt. Dieses Leben wird jedoch brutal zerstört, als Ray und Gina entführt werden. Ray wird schließlich ermordet und stirbt, bevor seine Geschichte eigentlich richtig begonnen hat.
Genau an diesem Punkt nimmt der Film eine interessante Wendung. Ray wird durch ein geheimes wissenschaftliches Projekt wieder zum Leben erweckt. In seinem Körper befinden sich nun Milliarden von Nanobots, die ihn außergewöhnlich stark machen und es ihm ermöglichen, Verletzungen innerhalb kürzester Zeit zu regenerieren. Dadurch wird Ray praktisch zu einem übermenschlichen Soldaten.
Ray kann schwere Verletzungen überleben, besitzt enorme körperliche Stärke und kann sich in Situationen behaupten, die für einen normalen Menschen tödlich wären. Dieses Konzept ist dabei gut umgesetzt worden.
Dabei erinnert Bloodshot natürlich an verschiedene andere Science Fiction Filme. Der Film nimmt viele bekannte Elemente aus dem Genre und kombiniert sie miteinander, ohne wirklich etwas völlig Neues daraus zu machen. Dennoch bietet der Film gute Unterhaltung.
Vin Diesel passt grundsätzlich gut in die Rolle. Ray Garrison ist ein eher schweigsamer und körperlich dominanter Charakter, was ziemlich genau dem Typ entspricht, den Diesel bereits öfters verkörpert hat. Seine Darstellung funktioniert für diese Rolle aber durchaus.
Ray wirkt durchgehend wie jemand, mit dem man sich besser nicht anlegen sollte. Gerade in den Actionszenen funktioniert das sehr gut. Wenn er sich durch Gegner kämpft, vermittelt der Film glaubwürdig, dass Ray aufgrund seiner Fähigkeiten deutlich stärker ist als ein gewöhnlicher Mensch.
Eine zentrale Frage ist, ob Ray seinen eigenen Erinnerungen vertrauen kann. Er glaubt, bestimmte Ereignisse erlebt zu haben, doch nach und nach beginnt er, an seiner Wahrnehmung zu zweifeln. Dadurch entsteht ein gewisses Mystery Element, die den Film von einem gewöhnlichen Actionfilm unterscheidet.
Diese Elemente haben mir persönlich gut gefallen. Besonders die Momente, in denen Ray erkennt, dass möglicherweise nicht alles so ist, wie es zunächst scheint, geben der Handlung zusätzliche Spannung. Man wird teilweise dazu gebracht, gemeinsam mit Ray herauszufinden, was wirklich passiert ist.
Leider ist die Auflösung dieser Handlung nicht ganz so überraschend.
Der Film hat einige wirklich starke Actionsequenzen zu bieten. Ray ist aufgrund seiner Fähigkeiten ein extrem gefährlicher Kämpfer, und die Inszenierung nutzt das entsprechend aus. Schießereien, Nahkämpfe, Explosionen und Verfolgungsjagden werden miteinander kombiniert, wodurch ein relativ hohes Tempo entsteht.
Auch die visuellen Effekte können sich größtenteils sehen lassen. Die Nanotechnologie wird optisch interessant dargestellt und die futuristischen Elemente passen gut zum Stil des Films. Einige Effekte wirken allerdings nicht ganz so hochwertig.
Das ist besonders bei manchen CGI lastigen Szenen bemerkbar. Hier merkt man dem Film teilweise an, dass er nicht über das gleiche Budget wie die großen Produktionen verfügt. Trotzdem fällt das nicht permanent negativ auf.
Auch die Atmosphäre kann überzeugen. Bloodshot wirkt insgesamt eher düster und ernst. Die Geschichte rund um Ray und seine Manipulation funktioniert besser, wenn sie mit einer gewissen Ernsthaftigkeit erzählt wird.
Bloodshot ist kein perfekter Film, aber meiner Meinung nach ein durchaus unterhaltsamer Action Science Fiction Film. Besonders die Kombination aus Vin Diesel, übermenschlichen Fähigkeiten, Nanotechnologie und einer Geschichte rund um manipulierte Erinnerungen funktioniert über weite Strecken gut.
Die Action ist unterhaltsam. Dazu kommen einige interessante Wendungen.
Gesehen im HD TV. 

Die Geschichte dreht sich um einen außer Kontrolle geratenen Güterzug, der ohne Lokführer durch Pennsylvania rast und eine enorme Gefahr für Menschen, Städte und Infrastruktur darstellt.
Die Handlung beginnt zunächst relativ ruhig. Der erfahrene Lokführer Frank Barnes, gespielt von Denzel Washington, arbeitet gemeinsam mit dem noch vergleichsweise unerfahrenen Zugbegleiter Will Colson, dargestellt von Chris Pine. Beide kennen sich zu Beginn kaum und haben außerdem ihre persönlichen Probleme. Während Frank ein routinierter und eher zurückhaltender Arbeiter ist, versucht Will, sich in seinem neuen beruflichen Umfeld zu behaupten. Die beiden Charaktere könnten unterschiedlicher kaum sein, was zunächst für einige Spannungen zwischen ihnen sorgt.
Ein Güterzug setzt sich ohne Kontrolle in Bewegung. Aufgrund seiner Größe und seines Gewichts wird der Zug mit jeder Minute gefährlicher. Er entwickelt sich praktisch zu einer riesigen, mehrere Tonnen schweren Waffe, die nicht einfach angehalten werden kann. Die Verantwortlichen versuchen zunächst, den Zug aus der Ferne zu kontrollieren und verschiedene Lösungen zu finden. Schnell wird jedoch klar, dass die Situation deutlich komplizierter ist, als man zunächst gedacht hat.
Der Film verschwendet nicht unnötig viel Zeit damit, die Handlung komplizierter zu machen, als sie eigentlich ist. Stattdessen konzentriert er sich auf die zentrale Frage: Wie kann man diesen Zug stoppen? Dadurch entsteht ein sehr klares Ziel, auf das praktisch jede Szene hinarbeitet.
Besonders gut funktioniert dabei das Tempo des Films. Obwohl der Zug natürlich nur auf Schienen fahren kann und seine Bewegungsmöglichkeiten dementsprechend begrenzt sind, schafft man es, daraus eine erstaunliche Menge an Spannung herauszuholen. Die Kameraarbeit ist hektisch und dynamisch, was sehr gut zur Atmosphäre passt. Schnelle Schnitte, wechselnde Perspektiven und Aufnahmen des rasenden Zuges vermitteln dem Zuschauer immer wieder das Gefühl, dass die Situation außer Kontrolle geraten könnte.
Der Film sieht nicht unbedingt realistisch oder ruhig aus, sondern wirkt bewusst intensiv und teilweise fast übertrieben. Gerade in den actionreichen Szenen funktioniert dieser Stil aber hervorragend. Wenn der Zug mit hoher Geschwindigkeit durch die Landschaft rast, bekommt man ein echtes Gefühl für seine Größe und seine zerstörerische Kraft.
Denzel Washington liefert wie gewohnt eine überzeugende Leistung ab. Seine Figur Frank Barnes wirkt kompetent, erfahren und ruhig, ohne dabei vollkommen unnahbar zu sein. Washington schafft es, der Figur eine gewisse Glaubwürdigkeit zu verleihen. Man nimmt ihm problemlos ab, dass Frank weiß, was er tut und auch in einer extrem gefährlichen Situation versucht, einen klaren Kopf zu bewahren.
Auch Chris Pine macht seine Sache gut. Will Colson ist bewusst etwas impulsiver und emotionaler angelegt als Frank. Dadurch entsteht zwischen den beiden eine interessante Dynamik. Anfangs wirken sie nicht wie ein eingespieltes Team, doch im Laufe der Handlung lernen sie, sich aufeinander zu verlassen. Diese Entwicklung ist zwar nicht besonders tiefgründig, funktioniert innerhalb des Actionfilms aber gut.
Selbstverständlich ist die Handlung vorhersehbar. Natürlich weiß man bereits aufgrund des Titels und des Filmgenres, worauf alles hinausläuft. Der Film macht daraus auch kein großes Geheimnis. Man weiß, dass Frank und Will versuchen werden, den Zug zu stoppen und dass dabei immer neue Hindernisse auftauchen werden.
Dadurch sind einige Wendungen relativ leicht vorherzusagen. Trotzdem schafft es der Film erstaunlicherweise, die Spannung aufrechtzuerhalten. Das liegt vor allem daran, dass man zwar ungefähr weiß, was passieren wird, aber nicht genau weiß, wie die Figuren die jeweilige Situation lösen werden.
Die Action ist insgesamt sehr solide. Besonders die Szenen rund um den Zug sind wirklich sehr gut. Es gibt mehrere Situationen, in denen kleine Fehler enorme Konsequenzen haben könnten. Der Film nutzt dabei die Größe und das Gewicht des Zuges sehr effektiv. Ein Zug kann schließlich nicht einfach ausweichen oder abrupt bremsen. Genau diese Einschränkung macht die Gefahr so interessant.
Auch die technischen Aspekte können überzeugen. Die Züge und die Eisenbahnumgebung wirken glaubwürdig und geben dem Film eine gewisse Authentizität.
Die Spannung entsteht häufig schon allein durch die Geschwindigkeit des Zuges und die Tatsache, dass sich Menschen in seiner Nähe befinden. Dadurch wirken einige Szenen sogar spannender.
Das Dröhnen der Lokomotive, die Geräusche der Gleise und die immer wiederkehrende Bewegung des Zuges verstärken das Gefühl von Geschwindigkeit. Zusammen mit dem treibenden Soundtrack entsteht eine Atmosphäre, die den Zuschauer regelrecht in die Handlung hineinzieht.
Insgesamt ist Unstoppable für mich ein guter Action Thriller. Die Inszenierung ist stark, die Zug-Action macht Spaß und Denzel Washington sowie Chris Pine tragen den Film überzeugend. Die Handlung ist zwar relativ vorhersehbar, bleibt aber trotzdem spannend.
Gesehen im HD TV. 

Ein großes Manko ist für mich die Umsetzung. Die Ausgangssituation klingt zunächst interessant, doch die Handlung entwickelt sich schnell zu einer Mischung aus vorhersehbaren Wendungen, ziemlich klischeehaften Figuren und teilweise wenig glaubwürdigen Entscheidungen. Statt einer packenden Geschichte bekommt man einen Film, der immer wieder versucht, möglichst dramatisch zu wirken, ohne die nötige emotionale Grundlage dafür zu schaffen.
Die Vorstellung von riskanten Flügen, gefährlichen Luftkämpfen und schwierigen Entscheidungen bietet eigentlich genau dies dafür. Red Sky schafft es allerdings nicht, das so umzusetzen. Einige Szenen funktionieren zwar optisch ganz ordentlich, aber die Action wirkt nicht immer so intensiv, wie sie vermutlich gedacht ist.
Auch die Charaktere sind nicht gearde wirkungsvoll. Die Hauptfiguren sollen offensichtlich eine gewisse Vorgeschichte und persönliche Konflikte haben, doch vieles davon wird nur oberflächlich behandelt. Wenn sich eine Figur in einer gefährlichen Situation befindet, sollte man als Zuschauer idealerweise Angst um sie haben oder zumindest emotional an ihrem Schicksal interessiert sein. Bei Red Sky hatte ich dagegen häufig das Gefühl, dass das nicht der Fall war.
Freundschaften, Rivalitäten und persönliche Konflikte werden zwar angesprochen, aber nicht immer überzeugend entwickelt. Dadurch entstehen manche dramatische Momente, die aber relativ wirkungslos bleiben. Der Film möchte, dass bestimmte Szenen emotional treffen, hat dafür aber vorher nicht genügend Grundlagen geschaffen.
Die Dialoge wirken an manchen Stellen ziemlich klischeehaft und vorhersehbar.
Der Film versucht immer wieder, Wendungen und Enthüllungen einzubauen, doch vieles davon fühlt sich nicht wirklich überraschend an.
Es gibt wenig gute Ansätze und solide Action, aber insgesamt zu vorhersehbar, oberflächlich und wenig spannend. Lohnt sich defenitiv nicht.
Gesehen im HD TV. 

Die Handlung dreht sich um Roy Pulver, einen ehemaligen Soldaten, der in einer Zeitschleife feststeckt. Jeden Tag erlebt er denselben Tag aufs Neue und wird dabei von verschiedenen Auftragskillern verfolgt und getötet. Obwohl er jedes Mal stirbt, beginnt der Tag anschließend wieder von vorne. Roy versucht herauszufinden, wer hinter den Anschlägen steckt und wie er die Zeitschleife durchbrechen kann.
Die Grundidee, dass der Hauptcharakter denselben Tag immer wieder erlebt, ist keineswegs neu. Filme wie "Und täglich grüßt das Murmeltier" oder "Edge of Tomorrow" haben bereits gezeigt, wie kreativ man mit einer Zeitschleife umgehen kann. Auch im Actionbereich gibt es ähnliche Konzepte. Boss Level versucht zwar, aus dieser Idee einen brutalen und schnellen Actionfilm zu machen, schafft es aber meiner Meinung nach nicht, daraus etwas wirklich Eigenständiges zu entwickeln.
Am Anfang ist das Thema noch interessant. Roy wacht auf, weiß ungefähr, was passieren wird und muss sich gegen verschiedene Angreifer verteidigen. Mit jedem Durchlauf lernt er etwas dazu und versucht, länger zu überleben. Allerdings wird es nach einiger Zeit ziemlich eintönig, weil man immer wieder ähnliche Abläufe sieht. Roy stirbt, der Tag beginnt erneut und er versucht es wieder. Natürlich soll genau diese Wiederholung Teil des Konzepts sein, aber der Film schafft es nicht immer, die Wiederholungen abwechslungsreich genug zu gestalten.
Der Hauptcharakter Roy Pulver wird von Frank Grillo gespielt. Seine Darstellung ist grundsätzlich passend für einen Actionfilm. Grillo wirkt körperlich überzeugend und kann einen abgeklärten, erfahrenen Kämpfer darstellen. Roy ist ein harter Typ, der viele Gegner ausschaltet und ständig versucht, einen Weg aus seiner Situation zu finden.
Ein zentraler Bestandteil von Roy ist seine Beziehung zu seiner ehemaligen Partnerin Jemma. Dadurch bekommt die Geschichte zumindest eine emotionale Ebene. Roy möchte nicht nur die Zeitschleife beenden, sondern auch bestimmte Dinge aus seiner Vergangenheit wiedergutmachen. Leider wird die Beziehung meiner Meinung nach nicht tief genug behandelt.
Mel Gibson als Gegenspieler absolut unnötig.
Der Film versucht versucht immer wieder, seine brutalen Actionszenen mit schwarzem Humor und lockeren Sprüchen aufzulockern. Einige dieser Passagen funktionieren tatsächlich. Roy reagiert teilweise ziemlich trocken auf Situationen, die eigentlich lebensgefährlich sind. Dadurch entstehen einige unterhaltsame Szenen. Allerdings ist der Humor nicht immer gelungen.
Auch die Logik der Handlung ist nicht immer überzeugend. Bei einem Film über eine Zeitschleife muss man natürlich bereit sein, gewisse Regeln der Geschichte zu akzeptieren.
Visuell kann der Film dagegen teilweise überzeugen. Die Action ist meistens ordentlich umgesetzt und die Kamera vermittelt ein passendes Gefühl für Geschwindigkeit und Chaos. Explosionen, Schießereien und Kämpfe sehen solide aus. Auch die verschiedenen Methoden, mit denen Roy angegriffen wird, sorgen gelegentlich für Abwechslung.
Boss Level ist für mich ein Film mit einer guten Grundidee, die nicht einwandfrei funktioniert. Frank Grillo passt gut in die Rolle des Actionhelden.
Die Action ist ordentlich gemacht, kann aber auf Dauer ermüdend wirken. Der Humor sorgt gelegentlich für gute Momente, ist jedoch nicht immer gelungen.
Gesehen im HD TV. 

Die Geschichte beginnt damit, dass Lena mit ihrer Mutter Doris und ihrem Bruder Nils nach Thailand reist. Dort lernen sie Metin, Cem und Yagmur kennen. Nach einem Flugzeugabsturz stranden die Jugendlichen Lena, Cem, Yagmur und Costa schließlich auf einer Insel. Aus dieser Ausgangssituation soll sich eine Mischung aus Abenteuer, Komödie und Liebesgeschichte entwickeln.
Ein Problem ist für mich der Humor. Türkisch für Anfänger möchte ständig lustig sein und setzt dabei sehr häufig auf übertriebene Situationen, Klischees und einfache Gags. Manche Szenen funktionieren durchaus, aber viele Witze wirken gezwungen. Oft hatte ich das Gefühl, dass eine Szene nur deshalb existiert, damit irgendein Charakter einen möglichst auffälligen Spruch machen kann. Dadurch entsteht mit der Zeit ein ziemlich anstrengender Humor, der sich immer wiederholt.
Besonders die Darstellung der verschiedenen kulturellen Hintergründe ist problematisch. Der Film arbeitet stark mit Klischees über deutsche und türkische Familien und Persönlichkeiten. Allerdings sind viele dieser Witze so offensichtlich, dass sie kaum noch überraschend wirken. Statt die kulturellen Unterschiede wirklich interessant oder clever zu thematisieren, werden sie häufig auf einfache Vorurteile reduziert.
Auch die Charaktere konnten mich nicht vollständig überzeugen. Lena soll als rebellische und selbstbewusste Jugendliche dargestellt werden. Allerdings wirkt ihr Verhalten an manchen Stellen unnötig extrem. Ihre Entwicklung ist zwar erkennbar, wird meiner Meinung nach aber nicht besonders glaubwürdig erzählt.
Cem ist wahrscheinlich einer der auffälligsten Charaktere. Seine selbstbewusste und teilweise überhebliche Art kann durchaus für einige lustige Situationen sorgen. Gleichzeitig ist er aber auch ein Beispiel dafür, wie stark der Film mit Klischees arbeitet. Hinter der coolen Fassade steckt natürlich ein sensiblerer Mensch.
Die Liebesgeschichte zwischen Lena und Cem konnte mich ebenfalls nicht überzeugen. Zwar ist von Anfang an klar, in welche Richtung sich ihre Beziehung entwickeln wird, aber genau dadurch fehlt der Geschichte Spannung. Statt einer glaubwürdigen Annäherung bekommt man viele typische Situationen, in denen sich die beiden zunächst gegenseitig nerven und anschließend langsam Gefühle entwickeln. Das wird hier aber meiner Meinung nach zu oberflächlich umgesetzt.
Optisch ist der Film nicht schlecht. Die Aufnahmen in Thailand sorgen für schöne Landschaftsbilder und geben dem Film eine sommerliche Atmosphäre. Besonders im Vergleich zu vielen anderen deutschen Komödien wirkt die Kulisse abwechslungsreich.
Insgesamt hatte ich beim Anschauen häufig das Gefühl, dass der Film vor allem ein junges Publikum unterhalten möchte und dafür auf möglichst einfache Mittel setzt.
Wer die Fernsehserie mochte oder generell deutsche Komödien mit viel Chaos, Beziehungsproblemen und klassischen Charakteren mag, hat womöglich seinen Spaß.
Die Handlung ist vorhersehbar, der Humor funktioniert nicht immer, die Charaktere bleiben teilweise oberflächlich und die kulturellen Klischees werden meiner Meinung nach zu häufig und zu offensichtlich eingesetzt.
Gesehen im HD TV. 

American Assassin ist ein Action Thriller, der auf dem gleichnamigen Roman von Vince Flynn basiert. In den Hauptrollen sind Dylan O’Brien, Michael Keaton, Sanaa Lathan und Taylor Kitsch zu sehen. Der Film erzählt die Geschichte des jungen Mitch Rapp, der nach einem traumatischen Terroranschlag seine Freundin verliert und daraufhin Rache schwört. Seine Fähigkeiten bleiben der CIA nicht verborgen, weshalb er schließlich von dem erfahrenen Agenten Stan Hurley ausgebildet wird.
Dylan O’Brien spielt Mitch Rapp insgesamt ordentlich. Er vermittelt glaubwürdig die Wut und Verzweiflung seiner Figur und kann besonders in den körperlich anspruchsvollen Actionszenen überzeugen. Trotzdem bleibt Mitch als Charakter relativ oberflächlich. Der Film zeigt zwar seinen Verlust und seine Rachegedanken, beschäftigt sich aber nur wenig damit, wie dieses traumatische Erlebnis seine Persönlichkeit langfristig verändert.
Deutlich positiver fällt Michael Keaton als Stan Hurley auf. Er bringt viel Präsenz in den Film und spielt den erfahrenen und teilweise brutalen Ausbilder überzeugend. Seine Figur gehört für mich zu den interessantesten Bestandteilen des Films. Die Beziehung zwischen Hurley und Mitch hätte allerdings noch wesentlich stärker ausgearbeitet werden können.
Die Action ist ganz ordentlich. Es gibt zahlreiche Schießereien, Nahkämpfe, Verfolgungsjagden und Explosionen. Die Kämpfe sind teilweise sehr brutal und werden mit ordentlich Tempo präsentiert.
Die Geschichte wirkt an vielen Stellen aber sehr vorhersehbar und erinnert stark an andere Agenten -und Spionagefilme. Terroristen, Geheimdienste, geheime Missionen und eine internationale Bedrohung sind keine neuen Elemente. Es fehlen überraschende Wendungen oder besonders kreative Ideen, die den Film aus der Masse herausheben könnten.
Ein weiteres Problem ist die teilweise unglaubwürdige Entwicklung von Mitch. Innerhalb relativ kurzer Zeit wird aus einem traumatisierten jungen Mann ein äußerst fähiger Agent und Kämpfer. Zwar wird seine Ausbildung gezeigt, trotzdem wirkt seine Entwicklung etwas zu schnell. Dadurch verliert der Film einen Teil seines Realismus.
Positiv ist wiederum das hohe Tempo. American Assassin kommt schnell zur Sache und hält sich nicht unnötig lange mit Nebenhandlungen auf. Dadurch wird der Film zumindest selten langweilig.
Insgesamt ist American Assassin für mich ein durchschnittlicher Actionfilm mit einigen guten Momenten. Die Action ist unterhaltsam, Michael Keaton liefert eine starke Leistung ab und Dylan O’Brien passt grundsätzlich gut in die Hauptrolle.
Wer einfach einen schnellen und teilweise brutalen Actionfilm sucht, kann mit American Assassin durchaus einen unterhaltsamen Abend verbringen.
Allerdings bietet die Handlung kaum neue Ideen, ist wenig komplex, hat eine unglaubwürdige Charackterentwicklung und ist weder besonders. Er ist Standardkost.
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Die Geschichte spielt in einer Zukunft, in der menschliches Boxen praktisch keine große Rolle mehr spielt. Stattdessen treten gigantische Roboter gegeneinander an. Im Mittelpunkt steht Charlie Kenton, gespielt von Hugh Jackman. Charlie war früher selbst Boxer, hat aber seine Karriere hinter sich gelassen und versucht nun, sich mit verschiedenen Roboterkämpfen über Wasser zu halten. Dabei geht er nicht gerade verantwortungsvoll mit seinem Leben um und wirkt zunächst eher wie ein gescheiterter ehemaliger Sportler.
Sein Leben verändert sich, als er plötzlich wieder Verantwortung für seinen Sohn Max übernehmen muss. Max wird von Dakota Goyo gespielt und ist ein technisch begeisterter Junge, der sich schnell für die Roboterkämpfe interessiert. Gemeinsam entdecken die beiden schließlich den alten Trainingsroboter Atom, der zwar äußerlich nicht besonders beeindruckend aussieht, aber erstaunliche Fähigkeiten besitzt.
Der Film kombiniert Sportfilm, Science Fiction und Familiendrama miteinander. Leider ist die Entwicklung dieser Beziehung teilweise sehr vorhersehbar. Schon relativ früh ist klar, dass Charlie durch seinen Sohn langsam wieder Verantwortung übernehmen und lernen wird, nicht nur an sich selbst zu denken.
Der erfolglose Vater, der sich mit seinem Sohn wieder annähern muss, der Außenseiter, der gegen einen übermächtigen Gegner antritt, das Underdog-Team, das niemand ernst nimmt. All diese Elemente kennt man bereits aus unzähligen anderen Filmen.
Hugh Jackman macht seine Sache aber ordentlich. Er schafft es, Charlie trotz seiner zahlreichen Fehler einigermaßen sympathisch zu machen. Charlie ist kein perfekter Vater und auch kein besonders verantwortungsvoller Mensch. Er trifft häufig egoistische Entscheidungen und denkt zunächst vor allem an seinen eigenen Vorteil. Gerade dadurch wirkt seine Entwicklung grundsätzlich glaubwürdig. Man sieht, wie er sich langsam verändert und beginnt, Verantwortung für Max zu übernehmen.
Max ist dagegen ein typischer Film Kindercharakter. Er ist clever, selbstbewusst und begeistert sich für Technik. Gleichzeitig ist er derjenige, der Charlie immer wieder dazu bringt, seine Einstellung zu hinterfragen. Dakota Goyo spielt ihn durchaus überzeugend, allerdings ist Max manchmal so kompetent und selbstsicher geschrieben, dass er eher wie ein kleiner Erwachsener als wie ein Kind wirkt.
Die Beziehung zwischen Max und Charlie ist trotzdem das emotionale Zentrum im Film. Einige Szenen zwischen den beiden funktionieren wirklich gut. Besonders schön ist, dass Max nicht einfach nur der nervige Sohn ist, der seinen Vater begleitet, sondern selbst eine wichtige Rolle bei Atom spielt. Er glaubt an den Roboter, als sonst kaum jemand an ihn glaubt.
Selbst Atom ist eine interessante Figur, obwohl er überhaupt kein Mensch ist. Der Roboter besitzt eine gewisse Persönlichkeit, ohne ständig sprechen zu müssen. Sein Design ist relativ simpel, was einen guten Kontrast zu den riesigen und technisch hochentwickelten Kampfrobotern darstellt. Atom wirkt dadurch wie ein klassischer Außenseiter.
Das Design der Roboter ist auch gut umgesetzt worden. Die Maschinen sehen unterschiedlich aus und haben jeweils ihren eigenen Stil. Vor allem die großen Kämpfe sind beeindruckend inszeniert. Wenn mehrere Tonnen schwere Roboter aufeinander einschlagen, bekommt man genau das Spektakel, das man von einem solchen Film erwartet.
Die Choreografie der Kämpfe sind dynamisch und die Roboter wirken schwer und kraftvoll. Die Bewegungen haben Gewicht und die Schläge wirken entsprechend wuchtig.
Auch die Welt von Real Steel hätte meiner Meinung nach deutlich mehr Aufmerksamkeit verdient. Die Idee, dass Roboterboxen den menschlichen Boxsport praktisch ersetzt hat, ist spannend. Man könnte daraus eine interessante Science Fiction Geschichte über Technologie, Sport und Unterhaltung machen. Der Film interessiert sich dafür allerdings leider nur begrenzt.
Der Hauptgegner Zeus ist zwar optisch beeindruckend, bleibt aber ziemlich linear. Er ist die perfekte Kampfmaschine und wird entsprechend als nahezu unschlagbarer Gegner präsentiert. Ein kleiner Außenseiter muss sich schließlich dem scheinbar unbesiegbaren Champion stellen.
Schon früh ist klar, dass Atom irgendwann gegen einen der stärksten Roboter antreten wird. Ebenso ist absehbar, dass Charlie und Max sich näherkommen werden. Der Film nimmt kaum unerwartete Wendungen und wirkt dadurch sehr vorhersehbar.
Trotzdem muss man dem Film zugutehalten, dass er seine einfache Geschichte sehr solide erzählt. Er versucht nicht, besonders kompliziert zu sein. Stattdessen konzentriert er sich auf seine Figuren und die Kämpfe.
Real Steel ist daher ein solider Film. Er ist sympathisch, unterhaltsam und bietet einige wirklich beeindruckende Roboterkämpfe. Hugh Jackman trägt den Film überzeugend und die Beziehung zwischen Charlie und Max funktioniert als emotionaler Kern der Geschichte.
Die Handlung ist sehr leicht vorherzusagen und die Figuren sind teilweise nach bekannten Mustern aufgebaut.
Für einen lockeren Unterhaltungsfilm ist Real Steel durchaus geeignet. Für mich reicht der Film für eine einmalige Sichtung aber völlig aus.
Gesehen im HD TV. 

Rocky Balboa bekommt es mit dem sowjetischen Boxer Ivan Drago zu tun, der von Dolph Lundgren gespielt wird. Drago ist körperlich enorm überlegen und wird als nahezu perfekte Kampfmaschine präsentiert. Als es zu einem Schaukampf zwischen Drago und Rockys Freund Apollo Creed kommt, endet dieser tragisch. Rocky fühlt sich daraufhin verpflichtet, gegen Drago anzutreten. Der entscheidende Kampf soll schließlich in der Sowjetunion stattfinden.
Der Tod von Apollo hätte ein emotionaler Wendepunkt sein können, der Rocky mit seiner eigenen Vergangenheit und seiner Verantwortung konfrontiert. Apollos Tod wird zwar dramatisch inszeniert, aber danach geht es erstaunlich schnell wieder um den nächsten großen Kampf. Dadurch wirkt die Tragödie teilweise eher wie ein Mittel, statt wie ein wirklich tiefgreifendes Ereignis für die Figuren.
Besonders auffällig ist die Darstellung von Ivan Drago. Als Gegner funktioniert er zwar hervorragend, als Charakter bleibt er allerdings extrem eindimensional. Drago spricht nur wenig, zeigt kaum Emotionen und wird praktisch ausschließlich als übermenschliche Kampfmaschine dargestellt. Sein berühmter Satz „I must break you“ passt perfekt zu dieser Darstellung. Er ist nicht wirklich eine komplexe Figur, sondern hauptsächlich das Symbol für den übermächtigen Gegner aus dem Ostblock.
Auch die politische Ebene des Films ist ziemlich offensichtlich. Rocky IV entstand während des Kalten Krieges und macht aus dem Boxkampf praktisch einen Konflikt zwischen den USA und der Sowjetunion. Rocky steht für den amerikanischen Außenseiter, während Drago die kalte, technisch optimierte sowjetische Maschine verkörpert. Das ist zwar historisch interessant und erklärt einiges an der Inszenierung, wirkt heute aber teilweise sehr überzeichnet.
Die Trainingssequenzen sind dabei ein gutes Beispiel für eine stärke im Film. Auf der einen Seite gehören sie sicherlich zu den bekanntesten Szenen der gesamten Reihe. Die Musik ist ikonisch, die Bilder sind dynamisch und man bekommt sofort Lust, selbst Sport zu machen.
Interessant ist auch der Kontrast zwischen den beiden Trainingsmethoden. Drago verfügt über hochmoderne Geräte, Wissenschaftler und medizinische Überwachung, während Rocky scheinbar hauptsächlich mit Baumstämmen, Schnee und einfachen Trainingsmethoden arbeitet. Menschlicher Wille und Leidenschaft sollen stärker sein, als Technik und wissenschaftliche Perfektion.
Auch Dolph Lundgren ist als Ivan Drago durchaus effektiv. Seine körperliche Präsenz macht ihn zu einem glaubwürdigen Gegner. Man muss allerdings unterscheiden zwischen einer guten Darstellung als Antagonist und einer guten Charakterzeichnung. Als Bösewicht funktioniert Drago, als eigenständige Figur ist er sehr schwach geschrieben.
Die Inszenierung des Boxkampfes selbst ist ebenfalls beeindruckend. Die Kämpfe sind intensiv und spektakulär choreografiert. Gleichzeitig sind die Treffer und Verletzungen teilweise so übertrieben, dass man sich irgendwann fragt, wie die beiden überhaupt noch stehen können. Realismus ist definitiv nicht vorhanden.
Dazu kommt, dass die Handlung ziemlich vorhersehbar ist. Es bleibt der selbe Ablauf, wie in den anderen Filmen zuvor. Rocky bekommt einen scheinbar unbesiegbaren Gegner, trainiert hart, zweifelt kurz, tritt trotzdem an und wächst über sich hinaus. Leider kommt nix neues dabei raus.
Aus Apollos Tod hätte man ein wesentlich emotionaleres Drama machen können. Ivan Drago hätte als Figur mehr Tiefe bekommen können. Die politische Situation hätte differenzierter behandelt werden können.
Die Musik, die Trainingssequenzen und die spektakulären Boxkämpfe sind unterhaltsam und teilweise unvergesslich.
Der Soundtrack ist großartig, die Trainingsmontagen sind legendär und die Konfrontation zwischen Rocky und Drago besitzt eine enorme filmische Energie.
Leider sind die Charaktere eindimensional, die politische Botschaft sehr platt und die Handlung bietet kaum neues.
Gesehen im HD TV. 

Am Anfang funktioniert der Film noch recht gut. Er nimmt sich Zeit, seine Atmosphäre aufzubauen und vermittelt relativ schnell das Gefühl, dass jederzeit etwas passieren könnte. Die Bedrohung wirkt zunächst interessant und sorgt dafür, dass man wissen möchte, wie sich die Geschichte weiterentwickelt. Allerdings merkt man mit zunehmender Laufzeit, dass die Spannung nicht konstant gehalten werden kann.
Die Handlung ist grundsätzlich interessant, aber viele Entscheidungen fühlen sich sehr vorhersehbar an.
Punkten können aber die beiden Hauptcharacktere. Hassie Harrison spiwlt Zephyr, die junge Surferin, die plötzlich in eine lebensgefährliche Situation gerät. Sie wirkt zunächst wie eine relativ normale junge Frau, entwickelt sich im Laufe der Handlung aber zu einer deutlich entschlosseneren und kämpferischeren Figur. Sie hat Angst und gerät immer wieder an ihre Grenzen, versucht aber trotzdem, nicht aufzugeben. Dadurch kann man grundsätzlich mit ihr mitfiebern.
Tucker, gespielt von Jai Courtney, ist dagegen eine deutlich düsterere Figur. Er sorgt für einen großen Teil der Bedrohung im Film und ist als Gegenspieler wesentlich unberechenbarer. Seine Persönlichkeit macht ihn teilweise interessanter als die eigentliche Handlung, weil man nie genau weiß, wie weit er gehen wird.
Besonders die Atmosphäre funktioniert in einigen Szenen überraschend gut. Wenn der Film seine Bedrohung nicht zu offensichtlich zeigt, entsteht eine gewisse Spannung und man wartet tatsächlich darauf, was als Nächstes passieren wird. Einige Sequenzen sind außerdem ordentlich inszeniert und können durchaus für Nervenkitzel sorgen.
Visuell macht der Film ebenfalls einen akzeptablen Eindruck. Die Umgebung wird teilweise effektiv genutzt, um ein Gefühl von Isolation und Gefahr zu erzeugen. Gerade wenn wenig passiert, kann die Atmosphäre manchmal stärker wirken. Allerdings bietet die Kulisse leider wenig Raum dafür und die bleibt etwas auf der Strecke.
Die Goreszenen sind aber sehr gut. Alles schöne Handarbeit, ohne CGI. Das hat mir gefallen.
Das Tempo ist auch nicht immer optimal. Während einige Passagen durchaus spannend sind, bewirken andere Szenen eher das Gegenteil. Gerade bei einem Thriller sollte die Spannung möglichst kontinuierlich aufgebaut werden, damit man als Zuschauer nicht zwischendurch aus der Geschichte herausgerissen wird.
Ein solider, stellenweise düsterer Film, mit guter Atmosphäre und 2 guten schauspielerischen Leistungen. Handlung aber zu vorhersehbar und stellenweise wenig spannend. Mehr Eigenständigkeit und ein besseres Drehbuch wären besser gewesen.
Gesehen auf Netflix. 

Der Film erzählt die Geschichte von Beca, einer eher zurückgezogenen Studentin, die eigentlich davon träumt, Musik zu produzieren, statt sich in das typische College Leben einzufügen. Durch verschiedene Umstände landet sie schließlich bei den „Bellas“, einer A cappella Gruppe, die nach einigen Rückschlägen versucht, wieder an frühere Erfolge anzuknüpfen. Gemeinsam mit ihren neuen Teammitgliedern nimmt Beca an verschiedenen Wettbewerben teil und versucht gleichzeitig, mit den unterschiedlichen Persönlichkeiten innerhalb der Gruppe klarzukommen.
Pitch Perfect hat eine ziemlich einfache und vorhersehbare Handlung. Man weiß schon sehr früh, in welche Richtung sich die Geschichte entwickeln wird. Die Gruppe muss sich zusammenraufen, interne Probleme überwinden, besser zusammenarbeiten und am Ende bei einem großen Wettbewerb beweisen, was sie kann. Wirklich überraschend ist dabei nur wenig.
Besonders gelkungen sind die musikalischen Einlagen. Die A cappella Auftritte sind definitiv das Highlight und machen richtig Spaß. Die verschiedenen Songs werden kreativ miteinander kombiniert und teilweise so arrangiert, dass bekannte Lieder einen ganz neuen Charakter bekommen. Auch die Choreografien und die Energie während der Auftritte funktionieren meistens sehr gut. Man merkt, dass der Film großen Wert darauf legt, die Musik nicht nur als Hintergrund zu verwenden, sondern sie zu einem zentralen Bestandteil der Geschichte zu machen.
Auch die Schauspielerinnen und Schauspieler tragen viel dazu bei, dass der Film trotz seiner vorhersehbaren Handlung unterhaltsam bleibt. Anna Kendrick funktioniert als Beca besonders gut, weil ihre Figur einen guten Kontrast zu den teilweise sehr überdrehten Mitgliedern der Gruppe bildet. Ihre Entwicklung von einer eher distanzierten Einzelgängerin zu einem wichtigen Teil der Gruppe ist zwar nicht besonders originell, wird aber sympathisch dargestellt.
Auch Rebel Wilson kann als "Szenendiebin" punkten, das sie die Rampensau ist. Allerdings bin ich kein großer Fan von ihr, aber dennoch macht sie ihre Sache ordentlich.
Anna Camp spielt die zickige Anführerin. Skylar Astin spielt das Love Interest.
Ein weiterer großer Pluspunkt sind die Nebenfiguren. Einige von ihnen sind zwar extrem überzeichnet, sorgen dadurch aber für einen Großteil des Humors. Besonders die teilweise völlig absurden Kommentare und Situationen machen Pitch Perfect zu einer typischen College Komödie. Allerdings muss man diese Art von Humor mögen. Einige Witze wirken ziemlich plump nicht jeder Gag funktioniert gleichermaßen gut.
Pitch Perfect versucht teilweise sehr stark, möglichst viele unterschiedliche Arten von Humor unterzubringen. Neben romantischen Momenten gibt es Slapstick, peinliche Situationen, Beleidigungen, sexuelle Witze und teilweise ziemlich absurden Humor. Dadurch wirkt der Film stellenweise etwas überladen.
Die Liebesgeschichte zwischen Beca und Jesse ist ebenfalls ziemlich klassisch aufgebaut. Sie funktioniert grundsätzlich und passt zur Geschichte, wirkt aber teilweise wie ein zusätzlicher Handlungsstrang, der unbedingt in solch einer Geschichte eingebaut werden musste. Die Beziehung ist nicht schlecht umgesetzt, aber auch nicht besonders außergewöhnlich. Man bekommt genau die typischen Konflikte.
Trotzdem schafft es Pitch Perfect, eine angenehme Atmosphäre aufzubauen. Der Film vermittelt ein Gefühl von Freundschaft und Zusammenhalt, ohne dabei zu ernst zu werden. Besonders die Entwicklung der Bellas ist interessant, weil die Gruppe zunächst aus sehr unterschiedlichen Menschen besteht, die nicht unbedingt gut miteinander klarkommen. Im Laufe der Geschichte lernen sie jedoch, ihre Unterschiede zu akzeptieren und als Team zu funktionieren.
Insgesamt ist Pitch Perfect für mich ein solider und unterhaltsamer Film, der vor allem durch seine Musik und einige sympathische Charaktere überzeugt. Die Handlung ist allerdings sehr vorhersehbar. Dazu kommen einige eher flache Witze und Figuren, die nicht ganz gut funktionieren.
Gesehen im HD TV. 

Im Mittelpunkt steht Matilda, ein sehr kluges und wissbegieriges Mädchen. Schon früh merkt man, dass sie anders ist als ihre Familie. Während Matilda gerne liest und Neues lernt, interessieren sich ihre Eltern hauptsächlich für Geld, Fernsehen und oberflächliche Dinge. Besonders ihr Vater behandelt sie oft respektlos und macht sich über ihre Interessen lustig.
Die Hauptfigur selbst ist eine große Stärke des Films. Matilda ist intelligent, mutig und gleichzeitig sympathisch. Besonders interessant ist, dass sie sich nicht einfach damit abfindet, schlecht behandelt zu werden. Sie versucht, sich gegen ihre Familie und später auch gegen die strenge Schulleiterin zu wehren. Dadurch bekommt die Geschichte eine klare Botschaft. Auch wenn man klein oder machtlos erscheint, kann man etwas verändern und für sich selbst einstehen.
Sehr gelungen finde ich außerdem die kreative Darstellung der Welt. Der Film ist nicht realistisch, sondern bewusst übertrieben. Viele Situationen wirken wie aus einem Märchen oder einer schwarzen Komödie. Das passt gut zur Geschichte, weil Matildas außergewöhnliche Fähigkeiten dadurch glaubwürdig in die Handlung eingebaut werden. Gleichzeitig hat der Film einen ganz eigenen visuellen Stil, der ihn von vielen anderen Kinderfilmen unterscheidet.
Auch der Humor funktioniert an vielen Stellen gut. Vor allem die übertriebenen Charaktere sorgen für einige lustige Momente. Matildas Eltern sind beispielsweise so egoistisch und ignorant dargestellt, dass ihre Reaktionen teilweise schon absurd wirken. Auch die Schulszenen können unterhaltsam sein. Allerdings ist genau diese Übertreibung für mich ein wenig zu weit hergeholt.
Viele Figuren sind nämlich sehr stark in Gut und Böse eingeteilt. Matilda ist fast durchgehend das intelligente und sympathische Kind, während ihre Eltern extrem unsympathisch dargestellt werden. Noch deutlicher ist dies bei der Schulleiterin. Sie wirkt teilweise so grausam und übertrieben, dass ihre Figur wie aus einer Satire stammt.
Besonders die Beziehung zwischen Matilda und ihrer Lehrerin ist schön dargestellt. Hier bekommt Matilda endlich die Anerkennung und Aufmerksamkeit, die sie von ihrer eigenen Familie nicht erhält. Die Lehrerin nimmt Matilda ernst und erkennt ihre besonderen Fähigkeiten. Diese Beziehung bildet meiner Meinung nach einen schönen Kontrast zur sonstigen Situation.
Was mir weniger gefallen hat, ist der teilweise sehr düstere Ton. Obwohl Matilda eindeutig als Kinderfilm gedacht ist, gibt es einige Szenen, die überraschend brutal oder beängstigend wirken können und das passt aber nicht immer zu den humorvollen und teilweise sehr kindlichen Elementen. Der Film schwankt dadurch zwischen lustiger Familienkomödie, Fantasygeschichte und teilweise ziemlich düsterem Märchen.
Auch hat der Film eine wichtige Botschaft. Matilda zeigt, wie wichtig Bildung, Bücher und Selbstständigkeit sein können. Gleichzeitig macht der Film deutlich, dass Erwachsene nicht automatisch recht haben, nur weil sie älter oder mächtiger sind. Matilda muss lernen, für sich selbst einzustehen, und genau diese Entwicklung macht die Geschichte interessant.
Insgesamt ist Matilda für mich ein unterhaltsamer und kreativer Film mit einer sympathischen Hauptfigur und einigen wirklich gelungenen Ideen. Besonders der ungewöhnliche Stil, der Humor und die Beziehung zwischen Matilda und ihrer Lehrerin bleiben im Gedächtnis. Gleichzeitig ist mir die Geschichte teilweise zu übertrieben bzw. vorhersehbar und einige Charaktere wirken zu schräg. Auch der Wechsel zwischen humorvollen, fantasievollen und sehr düsteren Szenen ist nicht immer ganz ausgewogen.
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Ein Ehepaar, das sich gegenseitig liebt, gleichzeitig aber jahrelang Geheimnisse voreinander hat und irgendwann feststellen muss, dass beide für verschiedene Organisationen als Killer arbeiten und die Entwicklung seinen Lauf nimmt.
Die Chemie zwischen Brad Pitt und Angelina Jolie ist das Highlight. Beide funktionieren als Paar auf der Leinwand sehr gut. Ihre Dialoge haben teilweise einen schönen trockenen Humor und gerade die Szenen, in denen sie sich gegenseitig provozieren oder versuchen, ihre Beziehung vor anderen zu verbergen, gehören zu den unterhaltsameren Augenblicken im Film.
Brad Pitt spielt John mit seiner typischen Mischung aus Coolness und Humor. Er wirkt selten wirklich überfordert und hat immer noch einen lockeren Spruch auf Lager. Angelina Jolie passt hervorragend als Gegenpart dazu. Jane ist kontrollierter, härter und teilweise deutlich kompromissloser. Beide Figuren ergänzen sich dadurch ziemlich gut.
Trotzdem hatte ich häufig das Gefühl, dass der Film viel stärker auf die beiden Hauptdarsteller, als auf eine wirklich gute Geschichte vertraut. Brad Pitt und Angelina Jolie sind zweifellos charismatisch, aber Charisma ist nicht alles.
Besonders die Ehe der beiden hätte meiner Meinung nach viel interessanter dargestellt werden können. Am Anfang wird deutlich, dass ihre Beziehung nicht mehr besonders gut läuft. Sie haben sich auseinandergelebt, führen Gespräche nur noch oberflächlich und scheinen kaum noch wirklich miteinander zu kommunizieren.
Statt die Beziehung wirklich detailliert zu untersuchen, entscheidet sich der Film immer wieder dafür, die beiden in möglichst spektakuläre Situationen zu werfen. Dadurch bleibt die emotionale Entwicklung der Figuren eher rar.
Stattdessen bekommt man sehr viel Action. Und die ist durchaus unterhaltsam. Es gibt Schießereien, Explosionen, Verfolgungsjagden und zahlreiche übertriebene Kampfszenen. Der Film nimmt sich dabei selbst nicht besonders ernst, was grundsätzlich gut funktioniert. Gerade wenn man einen lockeren Actionfilm erwartet, kann man mit einigen dieser Szenen durchaus Spaß haben.
Das Problem ist allerdings, dass die Action irgendwann so übertrieben wird, dass die ohnehin schon geringe Glaubwürdigkeit komplett verschwindet. Die beiden Hauptfiguren überleben Situationen, die für normale Menschen völlig unmöglich wären. Autos werden zerstört, Gebäude werden durchsiebt und es wird aus allen möglichen Positionen geschossen, ohne dass die Figuren ernsthafte Konsequenzen davontragen.
Aber selbst innerhalb seiner eigenen Regeln wirkt Mr. & Mrs. Smith manchmal zu absurd.
Auch die Organisationen, für die John und Jane arbeiten, bleiben ziemlich uninteressant. Man erfährt relativ wenig darüber, wie diese Welt überhaupt funktioniert. Da bleiben sehr viele Fragen offen.
Mr. & Mrs. Smith ist ein unterhaltsamer Actionfilm, der vor allem von der starken Chemie zwischen Brad Pitt und Angelina Jolie lebt. Die Grundidee ist interessant, die Action teilweise übertrieben und die Geschichte recht oberflächlich. Aber der Humnor funktioniert herrlich gut.
Solide, mehr aber nicht.
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Ich kenne die Vorgägner nicht und da fehlt es an Wissen für diesen Film.
Before Midnight ist der dritte Teil von Richard Linklaters „Before“-Trilogie und gleichzeitig der Film, bei dem die romantische Leichtigkeit der Vorgänger deutlich in den Hintergrund rückt. Während Before Sunrise und Before Sunset vor allem von der Faszination zweier Menschen lebten, die sich durch Gespräche immer näherkommen, beschäftigt sich Before Midnight mit einer wesentlich unangenehmeren Frage: Was passiert, wenn aus einer großen Liebe irgendwann Alltag wird?
Der Film begleitet Jesse und Céline einige Jahre nach ihrer Wiederbegegnung. Mittlerweile sind sie ein Paar, haben Kinder und führen ein gemeinsames Leben. Auf den ersten Blick scheint ihre Beziehung stabil und glücklich zu sein. Sie verbringen einen Sommer in Griechenland, unterhalten sich mit Freunden und Bekannten und genießen die gemeinsame Zeit. Doch schon früh wird deutlich, dass unter der scheinbar entspannten Oberfläche Spannungen vorhanden sind. Aus den romantischen Gesprächen der früheren Filme werden zunehmend Diskussionen über Verantwortung, Karriere, Familie, Alter und die Frage, ob beide mit ihrem gemeinsamen Leben wirklich zufrieden sind.
Before Midnight ist sehr realistisch, teilweise sogar unangenehm realistisch. Die Dialoge wirken nicht wie typische Filmsätze, sondern wie Gespräche, die man tatsächlich zwischen zwei Menschen beobachten könnte. Jesse und Céline reden über alles Mögliche, springen von einem Thema zum nächsten und versuchen ständig, ihre eigene Position zu verteidigen. Das wirkt authentisch und zeigt, wie komplex eine langjährige Beziehung sein kann.
Der Film nimmt sich extrem viel Zeit für seine Gespräche und lässt seinen Figuren nur wenig Raum für andere Formen der Handlung. Für mich persönlich wurde es aber stellenweise zu anstrengend. Einige Dialoge fühlen sich eher wie philosophische Diskussionen als wie natürliche Unterhaltungen an.
Before Sunrise war geprägt von Neugier, Aufregung und der Möglichkeit einer gemeinsamen Zukunft. Before Sunset hatte bereits eine gewisse Melancholie, weil beide Figuren erkennen mussten, dass sie einen wichtigen Teil ihres Lebens miteinander verpasst hatten. Before Midnight geht noch einen Schritt weiter. Jetzt geht es nicht mehr darum, ob zwei Menschen zueinanderfinden, sondern darum, ob sie langfristig miteinander glücklich bleiben können.
Der Film zeigt Liebe nicht als romantisches Endziel, sondern als etwas, an dem ständig gearbeitet werden muss. Jesse und Céline kennen sich inzwischen sehr gut und genau dieses Wissen führt teilweise zu Problemen.
Ethan Hawke und Julie Delpy liefern dabei erneut sehr überzeugende Leistungen ab. Beide Schauspieler schaffen es, ihre Figuren glaubwürdig älter und erfahrener wirken zu lassen. Jesse ist weiterhin charmant, selbstironisch und manchmal etwas egoistisch. Céline wirkt dagegen selbstbewusster und entschlossener, gleichzeitig aber auch zunehmend frustriert. Ihre Beziehung fühlt sich deshalb nicht wie eine perfekte Hollywood Romanze an, sondern wie eine Partnerschaft, mit echten Problemen.
Die zentrale Auseinandersetzung zwischen den beiden ist meiner Meinung nach stark. Hier verschwindet die romantische Atmosphäre fast vollständig und wird durch Wut, Enttäuschung und gegenseitige Vorwürfe ersetzt. Das ist teilweise unangenehm anzusehen, funktioniert aber gerade deshalb so gut.
Die griechische Kulisse passt dagegen hervorragend zur Stimmung. Die Landschaften und die warme Atmosphäre stehen in einem interessanten Kontrast zu den Problemen zwischen Jesse und Céline. Alles sieht entspannt und beinahe idyllisch aus, während sich zwischen den beiden immer größere Spannungen entwickeln. Dadurch bekommt der Film eine gewisse melancholische Qualität.
Allerdings glaube ich, dass der Film besonders stark davon abhängig ist, wie viel man mit den vorherigen Teilen verbindet. Ohne Before Sunrise und Before Sunset verliert vieles an Bedeutung. Die Geschichte lebt stark von der gemeinsamen Vergangenheit der Figuren. Deshalb würde ich den Film definitiv nicht als eigenständigen Einstieg empfehlen und vorher lieber die beiden Vorgänger anschauen.
Insgesamt ist Before Midnight ein ambitionierter und handwerklich sehr gut gemachter Film, der eine ungewöhnlich realistische Seite einer langjährigen Beziehung zeigt. Besonders die schauspielerischen Leistungen und die authentischen Konflikte sind überzeugend. Gleichzeitig sind die langen Dialogpassagen für mich teilweise zu Übertrieben und wirken gelegentlich etwas künstlich.
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Nachdem Batman Forever bereits einen deutlichen Schritt weg von der düsteren Atmosphäre der früheren Batman Filme gemacht hatte, geht Batman & Robin noch einmal mehrere Schritte weiter. Alles ist größer, bunter, lauter und übertriebener.
Gotham City ist nicht mehr die düstere, bedrohliche Metropole, die man aus den früheren Filmen kennt. Stattdessen präsentiert uns Regisseur Joel Schumacher eine riesige Neonwelt voller greller Farben, gigantischer Statuen und vollkommen übertriebener Architektur.
George Clooney übernimmt diesmal die Rolle von Batman und ist meiner Meinung nach eigentlich eine interessante Besetzung. Clooney besitzt Charisma und wirkt als Bruce Wayne durchaus überzeugend. Er hat die Ausstrahlung eines reichen, selbstbewussten Playboys und kann das durchaus glaubhaft vermitteln. Als Batman fehlt ihm allerdings etwas die mysteriöse Präsenz, die beispielsweise Michael Keaton in den früheren Filmen hatte.
Arnold Schwarzenegger spielt Mr. Freeze und ist vermutlich das beste Beispiel dafür, was ziemlich schieflaufen kann. Schwarzenegger ist als Schauspieler natürlich eine Ikone und besitzt eine enorme Leinwandpräsenz. Aber Mr. Freeze wird hier fast ausschließlich als wandelndes Eis Wortspiel dargestellt. Kaum vergeht eine Szene, ohne dass Freeze irgendeinen Spruch über Eis, Kälte oder Frieren macht. Das wirkt ernüchternd.
Schwarzenegger selbst scheint den Film allerdings mit voller Überzeugung zu spielen. Seine Performance ist so übertrieben, dass sie schon wieder unterhaltsam sein kann.
Dann wäre da noch Poison Ivy, gespielt von Uma Thurman. Ivy könnte eine interessante Gegenspielerin sein, weil sie eine Mischung aus Umweltaktivistin, Wissenschaftlerin und manipulativer Verführerin darstellt. In diesem Film wird sie jedoch ebenfalls stark überzeichnet.
Uma Thurman spielt Ivy mit einer unglaublichen Theatralik. Sie gestikuliert ständig, spricht extrem dramatisch und wirkt, als würde sie in einem völlig anderen Film mitspielen.
Besonders auffällig ist, wie stark der Film die weiblichen Figuren sexualisiert. Poison Ivy wird beinahe ausschließlich über ihre äußere Erscheinung und ihre Fähigkeit dargestellt, Männer zu verführen.
Alicia Silverstone als Batgirl ist dabei nicht grundsätzlich schlecht. Sie bringt sympathische Energie in die Rolle und hat durchaus einige gute Momente. Das Problem ist eher, dass der Film ihr nicht genug Raum gibt, um wirklich eine eigenständige Figur zu werden.
Auch die Action überzeugt mich nur teilweise. Der Film besitzt zweifellos einige spektakuläre Szenen. Gleichzeitig wirkt vieles künstlich und übertrieben. Die Kämpfe haben teilweise eher die Ästhetik eines Videospiels.
Auch der Humor ist stellenweise unterirdisch. Es gibt ständig Wortspiele, One Liner und absurde Situationen. Dadurch wird es schwierig, irgendeine Szene wirklich ernst zu nehmen.
Für mich ist Batman & Robin damit ein Film, bei dem man durchaus seinen Spaß haben kann. Allerdings eher wegen seiner absurden Momente.
Er ist bunt, laut und teilweise unfreiwillig komisch, aber als Batman Film leider viel zu oberflächlich und überladen.
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Die Handlung dreht sich diesmal wieder um Bruce Wayne beziehungsweise Batman, der es mit zwei neuen Gegenspielern zu tun bekommt. Two-Face und dem Riddler. Gleichzeitig tritt Dick Grayson als neuer Charakter in Bruces Leben und wird schließlich zu Robin. Dazu kommt die Psychologin Dr. Chase Meridian, die sich für Bruce Wayne interessiert und versucht, hinter seine Fassade zu blicken.
Batman Forever ist ein Film, bei dem man schon nach wenigen Minuten merkt, dass sich die Reihe unter der Regie von Joel Schumacher deutlich verändert hat. Während Tim Burtons Batman und Batmans Rückkehr noch eine düstere, geheimnisvolle und teilweise fast schon gotische Atmosphäre besaßen, setzt Batman Forever auf knallige Farben, übertriebene Kostüme und hektische Action.
Tommy Lee Jones ist zweifellos ein hervorragender Schauspieler, aber seine Version der Figur wirkt teilweise wie eine Karikatur. Two-Face ist eigentlich ein tragischer Charakter, dessen gespaltene Persönlichkeit und Vergangenheit durchaus emotional erzählt werden könnte. Hier wird daraus jedoch hauptsächlich ein lauter, hysterischer Bösewicht, der ständig herumalbert. Dadurch verliert die Figur viel von ihrer Bedrohlichkeit. Statt Angst oder Spannung erzeugt Two-Face häufig eher den Eindruck, als wäre er aus einer überdrehten Kinderserie entsprungen.
Noch extremer finde ich Jim Carrey als Riddler. Carrey spielt seine Rolle mit enormer Energie und offensichtlich viel Spaß. Der Riddler ist kaum noch eine geheimnisvolle Figur, sondern vor allem eine Plattform für Jim Carreys typische Grimassen, Schreie und Comedy. Es gibt Momente, in denen das durchaus unterhaltsam ist, aber auf Dauer wird es anstrengend.
Auch Val Kilmer als Batman kann mich nicht überzeugen. Er ist keineswegs ein schlechter Batman und teilweise funktioniert seine Darstellung sogar überraschend gut. Kilmer besitzt die nötige Ausstrahlung. Trotzdem fehlt ihm meiner Meinung nach die Präsenz, die Michael Keaton in den vorherigen Filmen hatte. Bei Keaton hatte man stärker das Gefühl, dass hinter der Maske eine geheimnisvolle und fast unberechenbare Person steckt. Kilmer wirkt dagegen deutlich gewöhnlicher.
Chris O'Donnell alias Robin bringt Energie in die Rolle und seine Figur hat eine nachvollziehbare Motivation. Der Verlust seiner Familie gibt ihm einen persönlichen Grund, gegen das Verbrechen kämpfen zu wollen. Gleichzeitig entsteht zwischen ihm und Bruce ein interessanter Konflikt.
Nicole Kidman als Dr. Chase Meridian ist ebenfalls ein interessanter, wenn auch etwas merkwürdiger Bestandteil im Film. Ihre Figur soll gleichzeitig kompetente Psychologin, Love Interest und Teil der Handlung sein. Ihre Szenen funktionieren teilweise, aber insgesamt bleibt ihre Figur doch eher blass.
Batman Forever sieht zwar beeindruckend aus, aber gleichzeitig fühlt sich Gotham City kaum noch wie dieselbe Stadt aus den vorherigen Filmen an. Alles ist riesig, bunt und mit Neonlichtern überladen. Die Architektur ist teilweise spektakulär, aber sie wirkt eher wie ein riesiger Vergnügungspark.
Auch die Dialoge sind häufig nicht besonders einfallsreich. Der Film nimmt sich selbst nicht besonders ernst. Allerdings wechseln sich ernst gemeinte Szenen und alberne Momente teilweise so schnell ab, das das den Fluß im Film stört.
Was die Action betrifft, nagt der Film stark an der Zeit. Man merkt ihm die schlechte Qualität heute sehr deutlich an.
Auch das berühmte Batmobil darf nicht feheln. Das Design ist zweifellos kreativ und auffällig, aber es passt für mich nicht ganz in den Film rein. Dafür sieht es zu sehr nach "Zukunftstechnik" aus.
Unterm Strich bleibt für mich dieser Batman Film weit unter dem von Burton. Die übertriebene Inszenierung, die teilweise albernen Bösewichte und die fehlende düstere Atmosphäre sind Punkte, die mir negativ aufgefallen sind, trotz einer starken Besetzung.
Als schrille, überdrehte Comic Unterhaltung kann der Film aber durchaus funktionieren.
Gesehen im HD TV.