Filmbewertungen von N1ghtM4r3

Ein Flugzeug wird zur Arena eines Konflikts, die Passagiere und Besatzung geraten in eine gefährliche Situation und irgendwo muss jemand den Helden spielen.
Zu allererst sind die Schauspieler unterirdisch. Dolph Lundgren und Denise Richards, 2 große Namen und eigentlich noch sehr gute B Schauspieler, spielen hier wie in einer Z Liga.
Das konnte man sich nicht ansehen. Es fehlte an Charisma, Coolness, Ausstrahlung.
Die Action war ebenfalls eine Katastrophe. Alles wirkte billig und ohne Wucht.
Von der Logik mal ganz zu schweigen. Was alles passierte, war völliger Humbug.
Selbst die Dialoge waren ziemlich plump. Diese Gespräche konnte man sich nicht anhören.
Man kann sagen, das man Stirb Langsam kopieren wollten und kläglich versagte.
Ich habe den Film nach knapp 45 Minuten abgebrochen.
Gesehen im HD TV. 

Ein gigantischer Tunnelbau wird durch eine unerwartete Naturkatastrophe zur tödlichen Gefahr für eine ganze Region. Während sich die Situation immer weiter zuspitzt, versuchen verschiedene Personen, aus dem Katastrophengebiet zu entkommen.
Besonders wichtig ist dabei die Beziehung zwischen dem Vater und seinem Sohn. Der Vater ist erfahren, entschlossen und bereit, enorme Risiken einzugehen, um seinen Sohn zu retten. Der Sohn wiederum muss sich in einer Situation behaupten, auf die er überhaupt nicht vorbereitet ist.
Cloudy Mountain fällt besonders in der Action auf.
Der Film bietet zahlreiche spektakuläre Szenen. Einstürzende Gebäude, riesige Gesteinsmassen, zerstörte Straßen und gefährliche Tunnel. Teilweise wirkt die Zerstörung enorm und vermittelt durchaus das Gefühl, dass die Figuren gegen eine überwältigende Naturgewalt kämpfen.
Die Kamera hält ständig drauf, um die Dimension der Katastrophe zu zeigen. Dadurch bekommt man ein Gefühl dafür, welche Bedrohung man vor sich hat.
Allerdings ist die Glaubwürdigkeit nicht immer vorhanden. Einige Situationen wirken sehr übertrieben. Eine realistische Physik darf man nicht erwarten.
Was Cloudy Mountain gut gelingt, ist der Aufbau von der Gefahr. Sobald die Katastrophe richtig losgeht, gibt es kaum Zeit zum Durchatmen.
Auch optisch hat der Film einiges zu bieten. Die Zerstörung der Landschaft und die gewaltigen Naturereignisse werden mit zahlreichen digitalen Effekten dargestellt. Besonders die großen Panoramaaufnahmen vermitteln die Größenordnung der Katastrophe.
Einige CGI Aufnahmen wirken deutlich künstlich. Gerade in Szenarien, in denen die Schauspieler direkt mit digitalen Elementen interagieren, fällt gelegentlich auf, dass die Szene nicht vollständig natürlich aussieht.
Trotzdem sind die Effekte insgesamt gut gelungen. Man bekommt ein großes Spektakel und genau das soll man auch.
Cloudy Mountain ist ein solider Katastrophenfilm mit einigen beeindruckenden Actionsequenzen, einer packenden emotionalen Vater Sohn Geschichte und einer Menge Zerstörung. Besonders die visuellen Dimensionen der Katastrophe können überzeugen. Einige schwache CGI Effekte, die Gluabwürdigkeit und zu viel Patriotismus sind negative Punkte. 

Nick Morton entdeckt gemeinsam mit seinem Partner Chris Vail ein altes ägyptisches Grab. Dort wird die Mumie der Prinzessin Ahmanet gefunden. Sie wurde vor Jahrhunderten lebendig mumifiziert, nachdem sie sich gegen ihre Familie gewendet und einen Pakt mit dem Gott Seth geschlossen hatte. Durch ihre Befreiung wird eine gefährliche Kraft entfesselt, die nun versucht, die Welt nach ihren Vorstellungen zu verändern.
Tom Cruise liefert als Nick Morton eine solide Leistung ab. Er ist ohne Zweifel ein charismatischer Hauptdarsteller und kann Actionsequenzen wie kaum ein anderer. Allerdings wirkt seine Figur irgendwie nicht besonders interessant. Nick ist eher ein typischer draufgängerischer Abenteurer, der in gefährliche Situationen gerät und sich daraus irgendwie wieder befreien muss. Seine Figur ist 0815.
Jenny Halsey, gespielt von Annabelle Wallis, ist zwar eine wichtige Figur für die Geschichte, bekommt aber kaum genug Entwicklung spendiert. Russell Crowe als Dr. Henry Jekyll ist wiederum eine interessante Ergänzung, allerdings wirkte er ziemlich lustlos. Auch die Einführung ins Dark Universe misslingte und seine Rolle war eigentlich nutzlos.
Visuell kann der Film aber durchaus punkten. Die Effekte sind größtenteils gelungen und sorgen für einige spektakuläre Bilder. Die Mumie selbst wurde überzeugend umgesetzt. Auch die Actionsequenzen können unterhalten.
Als Horrorfilm ist der Film allerdings weniger überzeugend. Zwar gibt es einige düstere Szenen, Zombies, Leichen und übernatürliche Erscheinungen, doch echter Horror entsteht nur selten. Der Film setzt eher auf Action und spektakuläre Effekte
Ein weiteres Problem ist die Grundstimmung. Die Mumie möchte gleichzeitig düster, gruselig, spektakulär und humorvoll sein. Diese Mischung funktioniert teilweise, aber nicht immer. Einige Szenen wirken ernst und bedrohlich, während kurz darauf ein lockerer Spruch folgt. Dadurch geht ein Teil der aufgebauten Spannung wieder verloren. Auch der Humor ist stellenweise zu plump.
Unterm Strich ist Die Mumie ein durchschnittlicher Blockbuster, mit guten Spezialeffekten und überzeugenden Hauptdarstellern mit Tom Cruise und Sofia Boutella. Gleichzeitig leidet der Film unter einer unausgereiften Handlung, einem uneinheitlichen Ton und dem Versuch, gleichzeitig der Startpunkt eines größeren Universums zu sein.
Gesehen im HD TV. 

Die Geschichte handelt von einem Jungen, der nach dem Tod seiner Eltern zu seiner Großmutter zieht. Seine Großmutter erzählt ihm von Hexen, die Kinder verabscheuen und einen Plan verfolgen, um möglichst viele Kinder in Mäuse zu verwandeln. Als der Junge schließlich selbst auf eine Gruppe Hexen trifft, wird er in eine Maus verwandelt. Gemeinsam mit seiner Großmutter versucht er anschließend, den Plan der Hexen zu verhindern.
Eine Welt voller Hexen, die sich als normale Frauen tarnen und ein Junge, der nach seiner Verwandlung in eine Maus gegen sie kämpfen muss, bietet eigentlich viele Möglichkeiten für spannende und kreative Situationen. Leider schafft es das Remake, diese Idee schlechter umzusetzen, als das Original.
Die Handlung stellt ein großes Problem dar. Sie wirkt an vielen Stellen sehr vorhersehbar und gleichzeitig teilweise sehr hektisch. Sobald der Plan der Hexen erklärt wird, gibt es kaum noch große Überraschungen. Die Handlung bewegt sich ziemlich geradlinig auf das erwartbare Finale zu. Dadurch entsteht leider zu wenig Spannung.
Auch die Figuren konnten mich nicht wirklich überzeugen. Die Beziehung zwischen dem Jungen und seiner Großmutter ist zwar grundsätzlich gut und soll das grundlegende Zentrum im Film bilden, aber mir fehlte häufig die Verbundenheit. Die Großmutter ist grundsätzlich sympathisch und fürsorglich, aber man lernt sehr wenig von ihr.
Der Junge als Hauptfigur funktioniert ebenfalls nur teilweise. Man kann seine Situation nachvollziehen und hat natürlich Mitleid mit ihm, nachdem er seine Eltern verloren hat und anschließend auch noch in eine Maus verwandelt wird. Trotzdem bleibt er für mich relativ blass.
Eine der auffälligsten Figuren ist natürlich die von Anne Hathaway gespielte Oberhexe. Ihre Darstellung ist sehr übertrieben und offensichtlich darauf ausgelegt, besonders verrückt und auffällig zu wirken. Einerseits kann das unterhaltsam sein, andererseits hat es bei mir eher den Eindruck hinterlassen, dass die Figur ständig versucht, möglichst extravagant zu wirken.
Teilweise versucht Hexen hexen, eine lustige Fantasy Komödie für Kinder zu sein. Gleichzeitig gibt es einige ziemlich unheimliche und groteske Elemente.
Die Spezialeffekte lassen ebenfalls zu wünschen übrig. Die Mäuse und die Hexen wurden mit moderner Computertechnik umgesetzt. Allerdings wirken manche Effekte für mich etwas künstlich. Gerade bei den Mäusen fehlt manchmal das Gefühl, dass sie wirklich Teil der Umgebung sind. Stattdessen erkennt man häufig, dass hier digitale Effekte verwendet wurden.
Was allerdings sehr gut umgesetzt wurde, ist die Atmosphäre. Der Film besitzt durchaus einige schöne visuelle Szenen. Die Hotelszenen und die Darstellung der Hexenwelt haben teilweise einen interessanten Stil. Die Kostüme und die Ausstattung passen grundsätzlich zur märchenhaften Geschichte. Man merkt, dass viel Wert darauf gelegt wurde, eine fantastische Welt zu erschaffen.
Besonders schade finde ich, dass der Film im Vergleich zu seiner Vorlage und zur älteren Verfilmung nicht den Eindruck vermittelt, eine wirklich notwendige Neuinterpretation zu sein. Stattdessen wirkt die Neuverfilmung für mich teilweise wie eine technisch aufwendigere Version der bereits bekannten Geschichte aus dem Film von 1990.
Insgesamt ist Hexen hexen für mich deshalb eine ziemlich enttäuschende Neuverfilmung. Lieber das Original von 1990.
Gesehen im HD TV. 

Der Film basiert lose auf dem berühmten Stanford Prison Experiment und erzählt von einer Gruppe von Männern, die sich im Rahmen eines wissenschaftlichen Experiments freiwillig bereit erklärt, für mehrere Tage die Rollen von Gefangenen und Wärtern zu übernehmen. Was zunächst wie ein kontrolliertes psychologisches Experiment beginnt, entwickelt sich zunehmend zu einer Situation, die langsam außer Kontrolle gerät.
Im Mittelpunkt steht Tarek Fahd, gespielt von Moritz Bleibtreu.
Tarek ist Journalist und nimmt an dem Experiment nicht ausschließlich aus wissenschaftlichem Interesse teil. Er verfolgt gleichzeitig eigene Ziele und versucht, Material für eine Geschichte zu sammeln.
Er spielt diese Entwicklung insgesamt überzeugend.
Justus von Dohnányi als Berus ist ebenfalls eine zentrale Figur.
Berus ist nicht von Anfang an als besonders aggressiver Charakter angelegt. Seine Entwicklung zeigt vielmehr, wie Gruppendruck und die Dynamik innerhalb der Wärtergruppe einen Menschen beeinflussen können.
Er spielt diese Unsicherheit überzeugend und wird im weiteren Verlauf einen kompletten Wechsel seines Charackteres vornehmen. Er spielt diese Entwicklung zunehmend aggressiv und selbstbewusst.
Der restliche Cast rund um Andrea Sawatzki, Christian Berkel und Wotan Wilke Möhring machen ihre Sache gut.
Die Atmosphäre ist gut getroffen worden.
Der Film schafft es, aus einem relativ einfachen Schauplatz, eine zunehmend bedrückende Umgebung zu machen. Auch die Kulissen und Konstüme haben den Stil gut getroffen.
Auch der psychologische Aspekt spielt hier eine zentrale Rolle. Es ist faszinierend zu beobachten, wie sich normale Menschen innerhalb kürzester Zeit verändern.
Während der erste Teil noch relativ ruhig aufgebaut ist, wird die Handlung im weiteren Verlauf zunehmend intensiver.
Die Konflikte zwischen Gefangenen und Wärtern verschärfen sich. Und die Grenzen werden überschritten. Diese Entwicklung funktioniert grundsätzlich gut.
Auch die Gewalt und die Brutalität wird sehr intensiv gezeigt.
Die Ereignisse sind intensiv und hinterlassen einen gewissen Eindruck.
Das Ende ist konsequent ausgerichtet.
Das Experiment ist ein beklemmender und interessanter Psychothriller, mit einem starken Konzept und einer überzeugenden Atmosphäre. Die Darstellung von Macht und Gruppendynamik funktioniert gut und auch einige Schauspieler können überzeugen.
Inszenierung und Machtverhältnisse sind zu stark konstruiert.
Gesehen im HD TV. 

Im Mittelpunkt steht Robert Franklin Stroud, ein zu lebenslanger Haft verurteilter Gefangener, der während seiner langen Gefängniszeit eine außergewöhnliche Leidenschaft für Vögel und deren Pflege entwickelt. Ausgerechnet hinter den Mauern eines der berüchtigtsten Gefängnisse der Vereinigten Staaten entsteht damit eine Geschichte über die Suche nach einem Sinn im Leben.
Der Gefangene von Alcatraz lebt allein von der Leistung Burt Lancasters.
Zu Beginn wird ein Mann gezeigt, der gewalttätig, aggressiv und schwierig ist.
Stroud entdeckt später seine Faszination für Vögel und beginnt, sich intensiv mit deren Pflege und später auch mit Krankheiten und Behandlungsmöglichkeiten auseinanderzusetzen.
Aus einem gewalttätigen Gefangenen wird ein Mann, der sich Wissen aneignet und eine Verantwortung übernimmt. Er spielt diesen Mann dabei ruhig, aber auch mit einer kleinen Ernsthaftigkeit.
Je mehr er sich mit ihnen beschäftigt, desto stärker entwickelt sich seine Fähigkeit, Verantwortung zu übernehmen.
Die Atmosphäre wirkt sehr glaubwürdig. Alles besitzt eine düstere, teilweise bedrückende Grundstimmung. Die Gefängnismauern, die strengen Abläufe und die ständige Überwachung erzeugen ein Gefühl von Kontrolle und Hoffnungslosigkeit.
Bei der Spannung ist es etwas wechselhaft. Der Film nimmt sich sehr viel Zeit für den Aufbau und konzentriert sich stärker auf die Atmosphäre und die Figuren. Für mich funktioniert das überwiegend gut, allerdings hätten einige Szenen kürzer ausfallen können.
Man merkt dem Film seine Entstehungszeit an, was sich unter anderem in der Kameraführung und den Dialogen zeigt.
Der Film lässt Situationen teilweise bewusst länger stehen. Aus heutiger Sicht mag das vielen nicht mehr so gefallen, aber das sorgt für einen ruhigeren Erzählstil, verleiht dem Film aber auch eine gewisse Ernsthaftigkeit und Charme.
Dabei wirkt die Inszenierung angenehm zurückhaltend und ist eher klassisch gehalten.
Im späteren Verlauf rückt aber seine Vogelzucht in den Hintergrund, da die Verlegung in ein anderes Gefängnis bevorsteht und dies dort nicht erlaubt ist. Aber auch diese Passage zeigt den weiteren Verlauf ganz gut und bringt etwas Vielseitigkeit mit rein.
Natürlich sind einige Eckdaten wahr und andere wiederum Fiktion, aber dennoch gut umgesetzt worden.
Der echte Robert Stroud konnte den Film leider nie sehen, da er 1963 starb und der Film 1964 ins Kino kam.
Der Gefangene von Alcatraz ist ein ruhiges, atmosphärisches und ungewöhnliches Gefängnisdrama, das vor allem durch Burt Lancaster und die Entwicklung seiner Hauptfigur getragen wird und auf der Suche nach sich selbst ist.
Das Tempo ist teilweise langsam und die Inszenierung eigenartig. Dennoch eine beeindruckende und rührende Geschichte.
Gesehen im HD TV. 

Ein mysteriöser Mann taucht in einem Restaurant auf und behauptet, aus der Zukunft zu kommen. Er warnt die Anwesenden vor einer drohenden Katastrophe und versucht, sie davon zu überzeugen, gemeinsam eine bestimmte Person zu finden. Was zunächst wie eine völlig verrückte Geschichte klingt, entwickelt sich nach und nach zu einem größeren Szenario. Gerade der Anfang sorgt dafür, dass man wissen möchte, wohin die Geschichte führt.
Das größte Plus von Good Luck, Have Fun, Don’t Die ist definitiv das Konzept. Der Film hat einen gewissen Einfallsreichtum. Die Handlung konzentriert sich zunächst auf eine relativ begrenzte Situation.
Dadurch entsteht eine interessante Dynamik zwischen den Figuren. Besonders die Frage, ob man dem Fremden aus der Zukunft überhaupt glauben soll.
Auch der Humor funktioniert stellenweise ziemlich gut. Einige Dialoge sind völlig absurd und passen dadurch zum ungewöhnlichen Stil im Film. Es gibt Augenblicke, in denen die Mischung aus Ernsthaftigkeit und völligem Irrsinn tatsächlich unterhaltsam ist.
Das Problem ist allerdings, dass diese Balance nicht immer gehalten werden kann.
Der mysteriöse Besucher aus der Zukunft, gespielt von Sam Rockwell, ist dabei die interessanteste Figur, weil seine Aussagen und seine Vergangenheit immer wieder neue Fragen aufwerfen. Gleichzeitig bleibt seine Figur bis zum Ende rätselhaft.
Der restliche Cast spielt dagegen solide. Hier sticht sonst keiner wirklich hervor. Selbst eine Zazie Beetz oder ein Michael Peña haben hier stark verschenkte Rollen.
Das Erzähltempo leider auch ein wenig. Der Film startet relativ interessant und schafft es zunächst, Neugier aufzubauen. Man möchte wissen, was hinter der Geschichte steckt und wie die einzelnen Ereignisse zusammenhängen.
Mit zunehmender Laufzeit wirkt die Handlung jedoch stellenweise etwas zerfahren.
Wenn der Film endlich Fahrt aufnimmt, wird die Szene durch eine Einführung eines Charackteres unterbrochen und die Dynamik wird wieder ausgebremst. Das passiert leider zu häufig.
Auch das Thema Technologie und Intelligenz wird hier expliziet hervorgehoben. Der Film übt scharfe und direkte Gesellschaftskritik an der permanenten Smartphone Nutzung. Auch zeigt man deutlich eine Gesellschaft, die sich in digitale Parallelwelten und oberflächliche virtuelle Ablenkungen flüchtet, anstatt echt miteinander zu kommunizieren.
Auch die unaufhaltsame Technik und die Abhängigkeit von KI rückt hier stärker in den Fokus.
Diese Probleme sieht man auch in der heutigen Zeit sehr deutlich.
Die Actioneinlagen können sich sehen lassen. Diese sind ganz gut inszeniert und zeigen eine gewisse Härte.
Ein Highlight war für mich die Pferdekatze. Ein absoluter Eyecatcher und mal was völlig beklopptes.
Good Luck, Have Fun, Don’t Die ist ein ungewöhnlicher Science Fiction Beitrag, der durch seine kreative Idee und seinen teilweise absurden Humor Spaß macht. Das Tempo schwankt und einige Figuren hätten mehr Tiefe vertragen können. Auch der Humor trifft nicht immer ins Schwarze.
Ein guter Film, der durchaus einen Unterhaltungswert bietet, jedoch hätte besser sein können.
Das Bild wirkt sauber, stabil und insgesamt zeitgemäß. Die 4K profitiert vor allem von einer besseren Feinzeichnung und einer insgesamt plastischeren Darstellung. Das Detailniveau schwankt teilweise. Einige Einstellungen wirken sehr scharf und präzise, während andere etwas weicher erscheinen. Besonders bei dunkleren Szenen macht sich dieser Unterschied bemerkbar.
Feine Details sind in vielen Szenen gut sichtbar. Besonders bei Nahaufnahmen lassen sich Hautstrukturen und kleinere Details in der Kleidung angenehm erkennen. Auch bei Umgebungen und Kulissen gibt es immer wieder schöne Feinheiten zu entdecken.
In hellen Szenen sorgen Lichtquellen und Kontraste für einen sichtbar erweiterten Dynamikumfang. Helle Bereiche können deutlich intensiver wirken, während gleichzeitig genügend Zeichnung in den übrigen Bildbereichen vorhanden bleibt.
Dunkle Bereiche können schön tief wirken und sorgen für eine passende Atmosphäre.
Allerdings gibt es auch Szenen, in denen der Schwarzwert nicht ganz die gewünschte Tiefe erreicht. In sehr dunklen Einstellungen wirken einzelne Bereiche teilweise etwas flacher, während feine Details in den Schatten nicht immer optimal erhalten bleiben.
Bei der Farbwiedergabe zeigt ide 4K ein angenehm natürliches Bild. Hauttöne wirken überwiegend glaubwürdig und die Farbpalette ist insgesamt ausgewogen. Gleichzeitig können kräftigere Farben und Lichtquellen durch den erweiterten Farbraum etwas mehr Präsenz entwickeln.
Der Ton ist auch nicht immer perfekt. Die Dialoge sind klar verständlich und sauber im Raum positioniert. Stimmen besitzen ausreichend Präsenz und gehen auch dann nicht vollständig unter, wenn gleichzeitig Musik und Effekte zu hören sind.
Umgebungsgeräusche werden auf die verschiedenen Lautsprecher verteilt und sorgen dadurch für eine gewisse Atmosphäre. Besonders in Szenen mit mehreren gleichzeitig stattfindenden Geräuschen entsteht ein angenehmes Raumgefühl. Die hinteren Kanäle werden zwar eingesetzt, aber der Ton nutzt nicht immer das gesamte moderne Heimkinos aus. Gerade bei Actionsequenzen hätte ich mir eine aggressivere und deutlichere Nutzung der Surroundkanäle gewünscht.
Tieffrequente Effekte sind vorhanden und können durchaus Druck erzeugen. Ein guter Subwoofer bekommt also durchaus etwas zu tun.
Allerdings fehlt es einigen Effekten an dem letzten Nachdruck.
Die Soundeffekte werden sauber wiedergegeben und lassen sich grundsätzlich gut im Raum positionieren.
Schüsse, Bewegungen, Geräusche aus der Umgebung und andere Effekte sorgen für eine gewisse Räumlichkeit.
Allerdings fehlt es teilweise an der letzten Präzision und Wucht und könnten wesentlich kräftiger wirken.
Die Extras hingegen sind nicht sehr vielseitig.
Die Edition kommt mit einer Slipbox, in der die Amaray Platz findet. Die Cover sind cool gestaltet. Die 3 Artcards sind nett, aber für mich eher unnötig. Ein Booklet wäre mir lieber gewesen. 

Ein Familienvater steigt mit seinen Kindern ins Auto, doch plötzlich erhält er einen mysteriösen Anruf. Eine unbekannte Stimme teilt ihm mit, dass sich eine Bombe in seinem Fahrzeug befindet. Sobald er aussteigt oder bestimmte Anweisungen nicht befolgt, könnte die Situation eskalieren. Was folgt, ist eine rasante Fahrt durch Berlin, bei der der Protagonist versucht herauszufinden, wer hinter dem Anschlag steckt und warum ausgerechnet er zum Ziel geworden ist.
Schon nach wenigen Minuten befindet sich die Hauptfigur in einer Extremsituation und der Film versucht, den Zuschauer gemeinsam mit ihr im Unklaren darüber zu lassen, wer die Fäden im Hintergrund zieht.
Liam Neeson passt grundsätzlich gut in die Rolle. Wie schon in zahlreichen anderen Action- und Thrillern verkörpert er einen Mann, der zunächst relativ normal wirkt und durch außergewöhnliche Umstände gezwungen wird, über sich hinauszuwachsen. Neeson bringt die nötige Präsenz mit, um auch vergleichsweise einfache Dialoge glaubwürdig wirken zu lassen.
Allerdings merkt man wieder, das man diese Rolle bereits mehrfach gesehen hat. Neeson spielt erneut den verzweifelten Familienvater, der unter enormem Druck steht und versucht, eine gefährliche Situation unter Kontrolle zu bringen. Das Konzept nutzt sich leider stark ab.
Ein Großteil der Handlung spielt sich im Auto ab, wodurch automatisch ein Gefühl der Enge entsteht. Der Protagonist kann nicht einfach davonlaufen oder sich zurückziehen. Gleichzeitig weiß er nicht, woher die Gefahr kommt und wem er überhaupt vertrauen kann.
Diese eingeschränkte Umgebung hätte zu einem wirklich intensiven Kammerspiel führen können. Teilweise funktioniert das auch. Besonders in den Szenen, in denen die Hauptfigur mit der Stimme am Telefon konfrontiert wird und gleichzeitig versucht, ihre Kinder zu beruhigen, entsteht eine gewisse Spannung.
Doch mit zunehmender Laufzeit wird das Konzept vorhersehbarer. Der Film wiederholt seine Abläufe immer wieder...Neue Anweisung, neue Gefahr, neue Panik, nächster Hinweis. Dadurch entsteht irgendwann ein etwas schematischer Ablauf.
Interessant ist außerdem, das Berlin als Schauplatz verwendet wird. Die Stadt bietet natürlich eine abwechslungsreiche Kulisse für eine Verfolgungsjagd.
Die Action Szenen sind grundsätzlich ordentlich umgesetzt. Autos, Explosionen, Verfolgungsjagden und gefährliche Verkehrssituationen sorgen für die nötige Dynamik.
Unterm Strich ist Retribution eine solide Standardkost. Die Laufzeit ist angenehm, Liam Neeson liefert seine einheitliche Performance ab, Action und Spannung halten sich aber in Grenzen.
Gesehen im HD TV. 

Die Handlung dreht sich um den US-Soldaten Sergeant John Kinley, der gemeinsam mit seinem Team in Afghanistan unterwegs ist. Für seine Einsätze ist er unter anderem auf den afghanischen Übersetzer Ahmed angewiesen. Zwischen den beiden entwickelt sich zunächst keine klassische Freundschaft. Vielmehr herrscht ein professionelles Verhältnis.
Das ändert sich, als eine Mission vollkommen außer Kontrolle gerät. Kinleys Einheit wird angegriffen und plötzlich hängt sein Leben von Ahmed ab. Der Übersetzer riskiert alles, um den schwer verletzten Kinley durch feindliches Gebiet zu bringen. Damit entsteht der zentrale „Pakt“, der dem Film seinen Namen gibt. Kinley fühlt sich Ahmed gegenüber verpflichtet und will ihm und seiner Familie später helfen.
Jake Gyllenhaal spielt John Kinley angenehm zurückhaltend. Er wirkt nicht wie der typische Held, sondern wie ein Soldat, der zunehmend mit den Konsequenzen seiner Erlebnisse konfrontiert wird. Gerade diese Verletzlichkeit macht seine Figur glaubwürdiger. Dar Salim kann meiner Meinung nach sogar noch stärker überzeugen. Ahmed wird nicht lediglich als Nebenfigur dargestellt, die den amerikanischen Soldaten unterstützt. Der Film gibt ihm eine eigene Motivation und zeigt, welche Gefahren auch für ihn und seine Familie bestehen.
Vor allem in den ruhigeren Momenten funktioniert diese Dynamik hervorragend. Der Film zeigt, dass Loyalität nicht unbedingt daraus entsteht, dass zwei Menschen dieselbe Herkunft oder dieselben Überzeugungen haben. Sie kann auch durch gemeinsame Erfahrungen und gegenseitiges Vertrauen entstehen.
Die Inszenierung der Action ist absolut stark. Guy Ritchie verzichtet hier weitgehend auf seinen sonst typischen, teilweise übertriebenen Stil und erzählt die Geschichte vergleichsweise geradlinig. Die Gefechte fühlen sich dadurch deutlich härter und unmittelbarer an. Explosionen und Schießereien werden nicht nur als spektakuläre Unterhaltung eingesetzt, sondern vermitteln auch ein Gefühl für die Gefahr, in der sich die Soldaten befinden.
Sie sind spannend, brutal und gleichzeitig emotional. Man versteht sofort, wie aussichtslos die Situation eigentlich ist. Ahmeds Entscheidung, trotzdem weiterzumachen, bildet gleichzeitig das Fundament für den späteren Konflikt.
Auch die Landschaften Afghanistans werden beeindruckend eingefangen. Die karge Umgebung passt hervorragend zur Atmosphäre. Viele Szenen wirken dadurch beinahe bedrückend. Es gibt wenig Ablenkung von der eigentlichen Geschichte, wodurch der Fokus stärker auf den Figuren und ihrer Situation liegt.
Die Geschichte ist zwar spannend, aber an einigen Stellen ziemlich vorhersehbar. Ein Soldat, der eine Schuld begleichen möchte, ein zurückgelassener Verbündeter und ein Versprechen, das unbedingt eingehalten werden muss.
Auch die Darstellung des Afghanistan Krieges bleibt relativ stark auf die Perspektive der beiden Hauptfiguren konzentriert. Das funktioniert für die persönliche Geschichte, bedeutet aber gleichzeitig, dass der größere politische und gesellschaftliche Kontext nur begrenzt behandelt wird.
Trotzdem hat mich der Film emotional erreicht. Besonders interessant ist die Frage nach Verantwortung und Loyalität. Kinley könnte Ahmed nach seiner Rettung theoretisch als jemanden betrachten, dem er einfach etwas schuldet. Stattdessen wird aus dieser Schuld zunehmend eine persönliche Verpflichtung. Er möchte nicht einfach seine Dankbarkeit ausdrücken, sondern tatsächlich etwas zurückgeben.
Dadurch bekommt der Titel „Der Pakt“ eine größere Bedeutung. Es geht nicht nur um ein Versprechen zwischen zwei Menschen, sondern auch um die Frage, wie weit man bereit ist zu gehen, um ein gegebenes Versprechen einzuhalten.
Insgesamt ist „Der Pakt“ für mich ein sehr guter und emotionaler Kriegsfilm, der vor allem durch seine beiden Hauptdarsteller, die Actionsequenzen und die Beziehung zwischen Kinley und Ahmed überzeugt. Er ist sicherlich nicht der komplexeste oder innovativste Film über den Krieg in Afghanistan, aber er weiß ziemlich genau, welche Geschichte er erzählen möchte.
Gesehen im HD TV. 

Ein Familienvater, der normalerweise ein eher unscheinbares und normales Leben führt, wird plötzlich dazu gezwungen, Dinge zu tun, für die er überhaupt nicht vorbereitet ist, um seine Familie zu retten. John muss sich innerhalb kürzester Zeit Wissen aneignen, Kontakte knüpfen und einen detaillierten Fluchtplan entwickeln.
Russell Crowe macht seine Sache grundsätzlich gut. Er spielt John Brennan als verzweifelten Ehemann, der zunehmend unter dem Druck der Situation zusammenbricht. Gerade seine Unsicherheit und Überforderung wirken an einigen Stellen glaubwürdig. John ist kein klassischer Actionheld, sondern ein gewöhnlicher Mann, der sich in eine Situation hineinmanövriert, die seine Fähigkeiten eigentlich deutlich übersteigt.
Auch die Beziehung zwischen John und Lara hätte meiner Meinung nach stärker ausgearbeitet werden müssen. Der gesamte Film basiert schließlich darauf, dass John bereit ist, alles für seine Frau zu riskieren. Trotzdem bekommt man vergleichsweise wenig Einblick darin, warum ihre Beziehung so außergewöhnlich wichtig für ihn ist. Dadurch funktioniert die emotionale Ebene nicht immer so stark.
Die erste Hälfte des Films ist dabei noch besonders interessant. John versucht zunächst, auf legalem Weg zu helfen. Er recherchiert den Fall, spricht mit Anwälten und versucht, die Zweifel an der Verurteilung seiner Frau zu beseitigen. Als diese Möglichkeiten scheitern, beginnt er schließlich, selbst einen Gefängnisausbruch zu planen.
Im letzten Drittel wird 72 Stunden dann deutlich actionreicher. Die Flucht selbst bietet einige spannende Momente und erzeugt immer wieder Zeitdruck. Wenn John improvisieren muss und sein gesamter Plan Gefahr läuft aufzufliegen, funktioniert der Film durchaus gut.
Visuell ist der Film solide, aber ebenfalls nichts Außergewöhnliches. Die Inszenierung ist professionell und einige Verfolgungssequenzen sind ordentlich umgesetzt. Die Atmosphäre wirkt stellenweise angenehm düster und angespannt.
Trotz einer Laufzeit von über zwei Stunden wird der Film nicht ständig langweilig. Es gibt immer wieder neue Probleme, die John lösen muss und gerade die Vorbereitung des Ausbruchs hält die Handlung einigermaßen spannend.
Aber die Spannung funktioniert nicht immer gleich gut. Es gibt durchaus Situationen, in denen man mit John mitfiebert und wissen möchte, ob sein Plan funktioniert. Gleichzeitig ist die Handlung an manchen Stellen so vorhersehbar, dass die Spannung wieder etwas verloren geht.
Ein solider Thriller für einen Abend, den man sich durchaus anschauen kann.
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Der Agrarchemiekonzern U-North steht vor einer milliardenschweren Sammelklage von Menschen, die durch ein giftiges Unkrautvernichtungsmittel schwer erkrankt sind. Arthur Edens soll den Konzern verteidigen
Michael Clayton selbst in schon eine sehr interessante Figur. Er wird hier als kein typischer Held dargestellt. Vielmehr befindet er sich in einer persönlichen und beruflichen Krise. Er arbeitet für eine Kanzlei, obwohl er deren Vorgehensweisen teilweise kritisch gegenübersteht und verdient sein Geld damit, die Probleme anderer Menschen zu beseitigen.
George Clooney spielt diese Rolle sehr zurückhaltend. Besonders überzeugend ist, dass Clayton nicht als besonders charismatischer oder überlebensgroßer Held dargestellt wird. Er wirkt erschöpft, unter Druck und teilweise orientierungslos. Dadurch bekommt die Figur eine gewisse Glaubwürdigkeit.
Gleichzeiti g hätte ich mir gewünscht, dass der Film emotional stärker auf Clayton eingeht. Man erfährt zwar einiges über seine Vergangenheit und seine Probleme, aber vieles davon wird relativ schwach erläutert.
Neben George Clooney überzeugt vor allem Tilda Swinton als Karen Crowder. Ihre Figur ist eine äußerst wichtige Gegenspielerin und verkörpert die enormen Anforderungen, die innerhalb der Konzernwelt herrschen. Swinton spielt sie kontrolliert und gleichzeitig zunehmend verzweifelt.
Auch Tom Wilkinson hinterlässt als Arthur Edens einen sehr guten Eindruck. Seine Figur bringt eine andere, deutlich chaotischere Energie in den Film. Gerade das Zusammenspiel mit Clayton ist da schon interessant.
Der Film zeigt eine Welt, in der moralische Entscheidungen häufig hinter finanziellen Interessen zurückstehen müssen. Besonders interessant ist dabei die Frage, ob ein einzelner Mensch innerhalb eines solchen Systems überhaupt etwas verändern kann.
Viele Gespräche drehen sich um juristische und wirtschaftliche Zusammenhänge und nicht jede Information ist sofort verständlich.
Die Inszenierung klappt auch ganz gut. Die Kameraarbeit und die Musik sorgen für eine angespannte Atmosphäre. Besonders gelungen ist die nüchterne Darstellung der Geschäftswelt. Büros, Konferenzräume und Hotels wirken beinahe kalt und anonym.
Das funktioniert häufig gut, aber nicht immer. Vor allem in der ersten Hälfte zieht sich die Handlung teilweise ziemlich. Einige Dialoge wirken unnötig kompliziert und manche Szenen hätte man meiner Meinung nach kürzer ausfallen können.
Auch das Tempo ist nicht immer optimal. Der Film nimmt sich sehr viel Zeit, seine Geschichte zu erzählen. Hier führt die langsame Erzählweise allerdings dazu, dass manche Passagen unnötig lang wirken.
Die Spannung funktioniert hier eher in der Geschichte selbst. Man möchte herausfinden, was tatsächlich passiert ist und welche Rolle die einzelnen Figuren spielen. Dafür muss man allerdings aufmerksam bleiben.
Wenn man zwischendurch nicht ganz konzentriert ist, kann es leicht passieren, dass man den Überblick verliert.
Im letzten Drittel nimmt der Film deutlich an Fahrt auf. Die verschiedenen Handlungsstränge werden zusammengeführt und die Geschichte bekommt eine klarere Richtung.
Das Ende passt grundsätzlich gut zum Film, ist aber für mich nicht die perfekte Auflösung.
Michael Clayton ist ein solider und intelligent geschriebener Thriller, der vor allem durch seine Themen, seine Schauspieler und seine Atmosphäre überzeugt. George Clooney liefert eine überzeugende Darstellung ab, der sich zwischen beruflichen Verpflichtungen, persönlichen Problemen und moralischen Fragen befindet. Die Handlung ist aber teilweise unnötig kompliziert und das Tempo stellenweise sehr langsam.
Gesehen im HD TV. 

Im Mittelpunkt stehen die Oakland Athletics, ein Baseballteam mit deutlich weniger finanziellen Möglichkeiten als viele Konkurrenten. Nachdem einige wichtige Spieler den Verein verlassen haben, steht Billy Beane vor der schwierigen Aufgabe, die Mannschaft neu zusammenzustellen. Dabei stößt er auf die üblichen Probleme des Profisports. Spieler sind teuer, etablierte Methoden bestimmen die Entscheidungen und viele Verantwortliche verlassen sich stark auf Erfahrung und ihr Bauchgefühl.
Beane entscheidet sich jedoch für einen ungewöhnlichen Weg. Gemeinsam mit dem jungen Statistiker Peter Brand, gespielt von Jonah Hill, beginnt er, Spieler nicht danach zu beurteilen, wie berühmt sie sind oder welchen Eindruck sie auf Scouts machen, sondern anhand von statistischen Daten. Dabei geht es vor allem darum, unterschätzte Spieler zu finden, die für relativ wenig Geld bestimmte Eigenschaften mitbringen, die für den Erfolg der Mannschaft wichtig sind.
Brad Pitt trägt den Film mit einer überzeugenden und vergleichsweise zurückhaltenden Darstellung. Billy Beane wird nicht als unfehlbarer Supermanager dargestellt. Stattdessen wirkt er häufig frustriert, unsicher und unter großem Druck. Besonders interessant ist, dass der Film seine Vergangenheit immer wieder andeutet. Durch Rückblenden wird erklärt, dass Beane selbst einst als großes Baseballtalent galt, seine Spielerkarriere aber nicht den Erwartungen entsprach. Dadurch bekommt seine Besessenheit, Spieler richtig einzuschätzen, eine zusätzliche persönliche Ebene.
Jonah Hill funktioniert hervorragend als Gegenpol zu Brad Pitt. Seine Figur Peter Brand ist deutlich ruhiger und analytischer. Während Beane stärker aus Erfahrung und Instinkt heraus handelt, vertraut Brand auf Zahlen und Wahrscheinlichkeiten. Die Dynamik zwischen den beiden gehört zu den besten Elementen des Films. Ihre Gespräche sind teilweise humorvoll, gleichzeitig vermitteln sie die zentrale Idee des Films, ohne dass die Handlung ständig mit komplizierten Statistiken überladen wird.
Besonders gelungen ist die Art, wie Moneyball komplizierte wirtschaftliche und statistische Zusammenhänge verständlich macht. Der Film verlangt vom Zuschauer kein umfangreiches Wissen über Baseball. Auch wer mit dem Sport wenig anfangen kann, versteht relativ schnell, worum es geht. Die eigentliche Spannung entsteht nicht nur durch die Spiele, sondern durch die Auseinandersetzungen innerhalb des Vereins. Beane muss sich gegen Scouts, Trainer und andere Verantwortliche durchsetzen, die seine Methoden skeptisch betrachten.
Dabei zeigt der Film sehr deutlich den Konflikt zwischen Tradition und Innovation. Die klassischen Scouts beurteilen Spieler beispielsweise anhand ihres Auftretens, ihrer körperlichen Erscheinung oder ihres scheinbaren Talents. Beane und Brand versuchen dagegen, messbare Werte in den Vordergrund zu stellen. Interessant ist, dass der Film dabei keine vollkommen einfache Lösung präsentiert. Statistiken können helfen, Entscheidungen zu verbessern, aber sie nehmen dem Sport nicht seine Unberechenbarkeit.
Auch die Inszenierung trägt dazu bei, dass der Film trotz seines eher trockenen Themas unterhaltsam bleibt. Der Film setzt nicht auf spektakuläre Sportaufnahmen. Stattdessen ist Moneyball relativ ruhig erzählt. Viele Szenen spielen in Büros, Besprechungsräumen oder während Gesprächen am Telefon. Trotzdem entsteht eine konstante Spannung, weil jede Entscheidung Konsequenzen für das Team haben kann. Trptzdem hätte ich mir gerne ein paar mehr Spielaufnahmen gewünscht. Das kommt leider zu kurz rüber.
Außerdem kann der Film stellenweise etwas langsam wirken. Die Geschichte nimmt sich viel Zeit um die Denkweise von Beane und Brand zu erklären. Das könnte für viele ziemlich trocken werden.
Was Moneyball letztlich besonders macht, ist seine Fähigkeit, Spannung aus Entscheidungen entstehen zu lassen. Es reicht, wenn Beane einen Spieler verpflichtet, einen anderen verkauft oder sich gegen die Meinung seines Umfelds stellt. Dadurch entsteht eine ungewöhnliche Form von Spannung, die eher aus Strategie entsteht.
Moneyball ist ein intelligenter, gut gespielter und überraschend spannender Sportfilm, der weit über das Thema Baseball hinausgeht. Brad Pitt liefert als Billy Beane eine starke Hauptrolle, während Jonah Hill als Peter Brand einen gelungenen Kontrast bildet. Besonders überzeugend sind das Drehbuch, die Dialoge und die zentrale Idee, traditionelle Denkweisen durch statistische Analysen infrage zu stellen.
Das Bild weiß zu überzeugen. Auffällig ist zunächst die natürliche und teilweise bewusst zurückhaltende Bildgestaltung. Stattdessen wirkt das Bild häufig etwas körnig und teilweise sogar leicht verschmutzt. Gerade dieser Look passt allerdings hervorragend zur Atmosphäre des Films.Bei der Schärfe kann die Blu-ray ebenfalls überzeugen. Besonders in Nahaufnahmen sind viele feine Details sichtbar. Gesichter, Hautstrukturen, Kleidung und kleinere Gegenstände werden sauber dargestellt. Auch die Baseballstadien profitieren von der guten Detailzeichnung. Gerade die großen Totalen des Spielfeldes vermitteln eine schöne räumliche Wirkung. In einigen Einstellungen fällt die Schärfe allerdings etwas weicher aus, insbesondere bei dunkleren Szenen oder weiter entfernten Einstellungen.
Die Farben wirken natürlich und werden nicht künstlich übersättigt. Besonders die grünen Baseballfelder stechen dabei positiv hervor. Auch die blauen Himmel und die Farben der Trikots kommen gut zur Geltung. Gleichzeitig bleibt der Film seinem eher gedeckten visuellen Stil treu. Die Farbgebung unterstützt damit den realistischen Charakter der Geschichte.
Der Schwarzwert ist ebenfalls ordentlich. Dunkle Szenen besitzen eine gute Tiefe, ohne dass dabei sämtliche Details im Schwarz verschwinden.
Negativ fällt lediglich auf, dass das Bild nicht durchgehend die gleiche Schärfe erreicht. Einige Einstellungen wirken etwas weicher und das Filmkorn kann stellenweise stärker auffallen.
Der Ton kann ebenfalls punkten. Der Schwerpunkt liegt eindeutig auf den Dialogen.
Diese werden sehr klar und verständlich wiedergegeben. Stimmen sind sauber vom restlichen Klangbild getrennt und bleiben auch bei Hintergrundgeräuschen problemlos verständlich. Gerade bei den zahlreichen Gesprächen in Büros, Umkleidekabinen und Stadien funktioniert die Abmischung sehr gut.
Interessanter wird es bei den Baseballszenen. Hier kann die Surround Anlage deutlich stärker aufspielen. Die Geräusche des Publikums verteilen sich über die verschiedenen Lautsprecher und erzeugen eine angenehme Stadionatmosphäre. Der Schlag des Baseballschlägers besitzt einen schönen räumlichen Charakter, während sich die Zuschauergeräusche weit im Raum verteilen.
Der Subwoofer wird dagegen nur relativ selten gefordert. Große Bassattacken gibt es kaum. Die Musik und einzelne Stadionsequenzen sorgen gelegentlich für etwas mehr Dynamik, insgesamt bleibt die Tonspur aber eher zurückhaltend.
Besonders gelungen ist der Score von Mychael Danna. Die Musik fügt sich sehr harmonisch in das Klangbild ein und unterstützt die emotionalen Momente, ohne sich in den Vordergrund zu drängen. Gerade bei den späteren Baseballsequenzen entsteht dadurch eine schöne Atmosphäre.
Die Extras sind unter Durchschnitt. 

Eine abgelegene Hütte, eine kleine Gruppe von Menschen, eine rätselhafte Bedrohung und eine Entscheidung, von der angeblich das Schicksal der gesamten Menschheit abhängt.
Die Geschichte wirft zwar viele interessante Fragen auf, aber nicht immer genauso überzeugende Antworten darauf findet.
Die abgelegene Hütte erzeugt sofort eine unangenehme Atmosphäre. Man weiß nicht, wer die Fremden sind, was sie wirklich wollen und ob ihre Aussagen überhaupt stimmen.
Man weiß ungefähr genauso wenig wie die Familie in der Hütte. Dadurch entsteht ein Gefühl der Isolation. Niemand kann einfach Hilfe holen und gleichzeitig ist völlig unklar, wem man überhaupt vertrauen kann.
Die Situation wird außerdem dadurch verschärft, dass die Eindringlinge nicht einfach nur Gewalt anwenden wollen. Sie stellen der Familie eine moralische Entscheidung. Die Familie soll angeblich ein Mitglied opfern, um eine globale Katastrophe zu verhindern.
Damit beschäftigt sich der Film nicht nur mit Horror, sondern auch mit moralischen Fragen. Was wäre man bereit zu tun, um Millionen fremder Menschen zu retten? Kann man eine solche Entscheidung überhaupt treffen? Und wie viel Vertrauen kann man in Menschen haben, die behaupten, die Zukunft zu kennen?
Nach dem starken Anfang wiederholen sich bestimmte Abläufe relativ häufig. Die Familie wird mit den Eindringlingen konfrontiert, es gibt Diskussionen, neue Informationen werden enthüllt und anschließend verändert sich die Situation erneut.
Anfangs ist das spannend. Mit zunehmender Laufzeit entsteht jedoch ein gewisser Wiederholungseffekt.
Das liegt auch daran, dass der Film seine Handlung relativ stark auf einen einzigen Schauplatz konzentriert.
Eine der interessantesten Leistungen liefert Dave Bautista als Leonard.
Leonard wirkt zunächst bedrohlich, gleichzeitig aber erstaunlich ruhig und höflich. Genau dieser Gegensatz macht die Figur so geheimnisvoll.
Er ist körperlich einschüchternd, verhält sich aber häufig beinahe sanft. Dadurch weiß man als Zuschauer nie genau, wie man ihn einschätzen soll.
Bautista spielt diese Unsicherheit überzeugend. Gerade seine ruhige Art macht Leonard teilweise noch unheimlicher.
Auch Jonathan Groff und Ben Aldridge leisten solide Arbeit als Eric und Andrew, das Paar, das gemeinsam mit ihrer Tochter Wen in der Hütte lebt.
Ihre Figuren funktionieren vor allem über ihre Beziehung zueinander. Der Film versucht zu zeigen, wie eine Familie unter extremem Druck reagiert.
Eric ist dabei stärker von der Situation emotional betroffen, während Andrew skeptischer und misstrauischer gegenüber den Eindringlingen ist.
Wen ist ebenfalls eine wichtige Figur. Die Tatsache, dass ein Kind im Mittelpunkt dieser Extremsituation steht, erhöht automatisch den emotionalen Druck.
Kristen Cui spielt die Rolle überzeugend und schafft es, die Unsicherheit und Angst ihrer Figur glaubwürdig darzustellen.
Die Familie steht vor einer Entscheidung, bei der es keine wirklich gute Möglichkeit gibt. Wenn sie nichts tut, könnten Millionen Menschen sterben. Wenn sie ein Familienmitglied opfert, könnte die Welt gerettet werden.
Der Film stellt damit Fragen über Liebe, Opferbereitschaft und Vertrauen. Besonders interessant ist die Frage, ob es überhaupt moralisch vertretbar wäre, einen Menschen zu opfern, wenn dadurch viele andere gerettet werden könnten.
Ohne konkrete Spoiler zu nennen, lässt sich sagen, dass der Film einige Entscheidungen trifft, die zwar konsequent zur aufgebauten Handlung passen, aber nicht unbedingt die befriedigendste Auflösung darstellen.
Das Ende wirkt stellenweise etwas zu direkt. Nach einer langen Phase der Unsicherheit hätte man sich eine vielleicht sogar bessere Auflösung wünschen können.
Von der Atrmosphäre her macht der Film eigentlich alles richtig. Die Hütte mitten im Wald ist ein hervorragender Schauplatz. Sie vermittelt Isolation und lässt die Familie gleichzeitig gefangen wirken.
Auch die Bedrohung von außen wird effektiv inszeniert.
Dabei setzt der Film weniger auf klassischen Horror, als auf psychologischen Druck. Vielmehr entsteht die Spannung aus der Frage, was als Nächstes passieren wird.
Unterm Strich ist Knock at the Cabin deshalb für mich ein solider Mystery Thriller, der mich vor allem durch seine interessante Ausgangssituation und einige starke schauspielerische Leistungen unterhalten hat. Für einen wirklich herausragenden Film fehlt jedoch die notwendige Tiefe und Konsequenz.
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Was gut funktioniert, ist die Atmosphäre. Der Film versucht, eine märchenhafte und leicht geheimnisvolle Stimmung aufzubauen und das gelingt zumindest stellenweise. Die fantastischen Elemente verleihen der Geschichte einen gewissen Charme. Es gibt einige Szenen, die tatsächlich eine angenehme Mischung aus Magie und Alltag erzeugen.
Allerdings hätte man aus dieser fantastischen Welt deutlich mehr machen können. Die Magie ist zwar ein wichtiger Bestandteil der Geschichte, wird aber nicht immer so kreativ eingesetzt, wie man es sich wünschen würde. Vieles bleibt relativ harmlos und vorhersehbar.
Auch die Geschichte selbst hat Licht und Schatten. Der grundlegende Konflikt funktioniert durchaus, weil familiäre Beziehungen immer genügend Stoff für emotionale Geschichten bieten. Die Beziehung zwischen den Schwestern ist interessant genug, um den Film zu tragen. Man merkt, dass unterschiedliche Persönlichkeiten und Vorstellungen aufeinanderprallen und dass hinter den Konflikten eine gemeinsame Vergangenheit steckt.
Die beiden Hauptfiguren machen ihre Sache ebenfalls ganz gut.
Sandra Bullock spielt Sally Owens, die deutlich zurückhaltendere und bodenständigere der beiden Schwestern. Sally möchte mit der Magie und dem Fluch ihrer Familie möglichst wenig zu tun haben. Sie sehnt sich nach einem normalen Leben und nach einer stabilen Familie. Damit bildet sie einen starken Kontrast zu ihrer Schwester Gillian, die ihre außergewöhnlichen Fähigkeiten wesentlich selbstbewusster auslebt.
Nicole Kidman übernimmt als Gillian Owens die wesentlich auffälligere Rolle. Gillian ist selbstbewusster, experimentierfreudiger und deutlich weniger bereit, sich den Regeln anderer zu unterwerfen. Sie genießt ihre magischen Fähigkeiten und hat eine wesentlich unkompliziertere Einstellung zu Beziehungen und Männern.
Kidman bringt eine starke Präsenz in diese Rolle. Während Bullock ihre Figur eher zurückhaltend spielt, wirkt Kidman von Beginn an selbstbewusst und charismatisch. Gillian fällt auf, und genau das soll sie auch.
Beim Humor ist der Film ebenfalls durchwachsen. Einige humorvolle Szenen funktionieren und lockern die Handlung angenehm auf. Besonders dann, wenn der Humor aus den unterschiedlichen Persönlichkeiten der Figuren entsteht, wirkt er natürlich.
Die romantischen Elemente funktionieren ähnlich. Sie sind grundsätzlich passend zur Geschichte, wirken aber stellenweise etwas zu einfach. Beziehungen brauchen Zeit, damit das Publikum wirklich nachvollziehen kann, warum bestimmte Figuren einander wichtig sind.
Ein weiterer Punkt ist das Erzähltempo. Besonders in der Mitte entsteht gelegentlich der Eindruck, dass die Handlung nicht recht weiß, welchen Weg sie als Nächstes einschlagen soll.
Auch visuell ist der Film solide, aber nicht außergewöhnlich. Die fantastischen Elemente werden ordentlich präsentiert, doch es fehlen Bilder oder Szenen, die wirklich wirken. Der Film sieht keineswegs schlecht aus, besitzt aber auch keine besonders markante visuelle Identität.
Zauberhafte Schwestern ist ein durchschnittlicher Fantasyfilm mit einer durchaus interessanten Story und 2 guten hauptdarstellerinnen Er bietet einige charmante Momente und kann vor allem dann funktionieren, wenn man eine leichte Mischung aus Familiengeschichte, Romantik und Fantasy sucht. Allerdings hat mir eine einmalige Sichtung gereicht.
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Die Geschichte beginnt mit Joe Flood, einem professionellen Auftragskiller, der erfährt, dass er an einer schweren Krankheit leidet. Weil er davon ausgeht, nicht mehr lange zu leben, beschließt er, einen Auftrag auf sich selbst zu erteilen. Sein Ziel ist es, andere Auftragskiller dazu zu bringen, ihn zu töten, bevor seine Krankheit es tut. Doch dann stellt sich heraus, dass seine Diagnose beziehungsweise seine Situation nicht so eindeutig ist, wie er zunächst dachte. Plötzlich muss Joe gegen zahlreiche Killer kämpfen, die er selbst auf sich angesetzt hat.
Sie schafft sofort einen ungewöhnlichen Konflikt, weil der Hauptcharakter gleichzeitig Jäger und Gejagter ist. Joe weiß, dass die Gegner kommen werden und muss sich gegen eine ganze Reihe professioneller Killer behaupten.
Dave Bautista passt grundsätzlich sehr gut in die Rolle des wortkargen Actionhelden. Seine körperliche Präsenz ist ein großer Vorteil. Bautista kann glaubwürdig vermitteln, dass Joe ein äußerst gefährlicher Mann ist, ohne dafür ständig große Reden halten zu müssen. Gerade in den Kampfszenen funktioniert er deshalb überzeugend.
Bautistas Figur bekommt nicht besonders viel Tiefe. Joe soll zwar einen inneren Konflikt durchmachen und über sein Leben nachdenken, doch vieles kratzt nur an der Oberfläche. Man versteht, was ihn antreibt, aber die emotionale Entwicklung wird nicht immer überzeugend vermittelt.
Die Beziehung zu seiner Partnerin spielt dabei eine wichtige Rolle. Der Film versucht, neben der Action auch eine romantische und emotionale Ebene aufzubauen. Allerdings wirkt diese Beziehung teilweise zu einfach.
Interessanter sind teilweise die verschiedenen Killer, die Joe verfolgen. Hier schafft es der Film, unterschiedliche Charaktere und Kampfstile einzubauen. Dadurch entsteht zumindest etwas Abwechslung. Manche Gegner sind eher ernst, andere werden deutlich übertriebener dargestellt. Gerade dadurch kommt der schwarze Humor des Films zum Vorschein.
Allerdings ist auch dieser Humor nicht immer treffsicher. Killers Game möchte gleichzeitig brutal, cool und lustig sein. Hier schwankt der Film jedoch teilweise zwischen ernstem Actionthriller und überdrehter Actionkomödie.
Die Action selbst ist ganz gut geworden. Der Film hat keine Angst davor, seine Gewalt deutlich zu zeigen. Gegner werden teilweise auf sehr kreative und übertriebene Weise ausgeschaltet.
Auch die Nebenfiguren bleiben teilweise hinter ihren Möglichkeiten zurück. Terry Crews beispielsweise bringt viel Energie und eine gewisse komödiantische Präsenz mit. Seine Figur sorgt für einige unterhaltsame Momente, bleibt aber ebenfalls eher eine überzeichnete Actionfigur.
Sofia Boutella bekommt ebenfalls interessante Szenen, aber ihre Rolle könnte stärker in die Geschichte eingebunden sein. Gerade weil ihre Beziehung zu Joe einen emotionalen Kern des Films darstellen soll, wäre es wichtig gewesen, diese Verbindung ausführlicher zu entwickeln.
Viele Elemente erinnern an andere Actionfilme. Der wortkarge Killer mit Vergangenheit, die übertriebene Gewalt, skurrile Gegner und schwarzer Humor. Allerdings sieht das schon sehr nach John Wick Manier aus. Hier hat man wohl etwas "geklaut".
Die übertriebene Darstellung der Gewalt passt durchaus zum Konzept. Wenn man akzeptiert, dass hier vieles nicht realistisch sein soll, funktionieren einige der absurderen Szenen deutlich besser. Der Film möchte in erster Linie unterhalten. Allerdings sehen die CGI Effekte absolut billig aus.
Killers Game ist ein durchschnittlicher Actionfilm, der druchaus Spaß macht, auch wenn nicht komplett. Vielmehr handelt es sich um solide Genrekost. Er bietet aber einige gelungene Kampfszenen und einem überzeugenden Dave Bautista in der Hauptrolle. Besonders die Mischung aus Auftragskiller, schwarzem Humor und übertriebener Gewalt kann stellenweise unterhalten.
Der Humor funktioniert aber nicht durchgehend und die vielen Actionsequenzen beginnen nach einer gewissen Zeit, sich zu wiederholen.
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Eine Kleinstadt wird von einer gewaltigen Überschwemmung heimgesucht, während gleichzeitig ein Geldtransporter mit einer großen Summe Bargeld unterwegs ist.
Gelungen ist hier die Atmosphäre. Der permanente Regen und die überflutete Stadt verleihen dem Film ein ungewöhnliches Erscheinungsbild. Straßen stehen unter Wasser, Gebäude werden nach und nach unzugänglich und die Figuren müssen sich teilweise mit Booten oder schwimmend fortbewegen. Dadurch entsteht eine gewisse klaustrophobische Stimmung, obwohl die Handlung eigentlich in einer relativ offenen Umgebung spielt. Der Regen ist dabei nicht nur Kulisse, sondern wird zu einem wichtigen Bestandteil der Handlung.
Visuell funktioniert das überraschend gut. Die Wassermassen sorgen für einige spektakuläre Szenen und verleihen selbst einfachen Verfolgungsjagden eine besondere Dynamik. Wo ein normaler Actionfilm vielleicht eine Autoverfolgung auf einer Straße zeigen würde, lässt Hard Rain Fahrzeuge durch überflutete Straßen fahren und Menschen durch Gebäude kämpfen, während überall Wasser eindringt.
Christian Slater spielt Tom, einen jungen Fahrer eines Geldtransporters, der während der Überschwemmung in die Ereignisse hineingezogen wird. Slater ist grundsätzlich passend für die Rolle, doch seine Figur bleibt relativ einfach. Er ist im Grunde der klassische Actionheld, der versucht, das Richtige zu tun und dabei immer wieder in gefährliche Situationen gerät.
Interessanter ist Morgan Freeman als Jim, der Anführer der Gruppe von Kriminellen. Freeman besitzt die nötige Ausstrahlung, um die Figur glaubwürdig bedrohlich wirken zu lassen. Gleichzeitig ist auch seine Rolle nicht besonders komplex geschrieben. Freeman kann mit seiner Präsenz einiges zeigen.
Der Film ist schnell erzählt und verliert sich nicht unnötig in langen Erklärungen. Es gibt regelmäßig Action, Verfolgungen und gefährliche Situationen.
Allerdings führt genau dieses ständige Spektakel auch dazu, dass die Glaubwürdigkeit zunehmend auf der Strecke bleibt. Manche Situationen sind einfach nicht realistisch.
Stattdessen akzeptiert man einfach, dass die Figuren wieder einmal irgendwie überleben werden.
Der Sound und die Musik passen wiederum gut zum Stil der Zeit. Alles wirkt typisch für einen Actionfilm der späten 90ziger.
Hard Rain sieht gut aus, hat einige unterhaltsame Szenen und besitzt mit der überfluteten Stadt ein ungewöhnliches Setting. Dem gegenüber stehen eine eher vorhersehbare Handlung, wenig ausgearbeitete Charaktere und eine gewisse Übertreibung, die mit zunehmender Laufzeit stärker auffällt.
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Im Mittelpunkt steht Jack Ryan, gespielt von Harrison Ford. Ryan arbeitet innerhalb der amerikanischen Regierung und wird zunehmend in einen Konflikt hineingezogen, der wesentlich größer ist, als er zunächst erwartet. Nachdem der Präsident der Vereinigten Staaten persönlich betroffen ist, wird Ryan mit einer Situation konfrontiert, bei der politische Interessen, Drogenhandel und verdeckte militärische Aktionen miteinander verbunden sind.
Ryan wird nicht als der einfach typische Actionheld dargestellt, der mit einer Waffe in der Hand jedes Problem löst. Er ist in erster Linie ein Analyst und Regierungsmitarbeiter. Harrison Ford spielt diese Rolle entsprechend relativ zurückhaltend. Er verkörpert Ryan eher als vernünftigen Menschen, der versucht, innerhalb eines immer undurchsichtigeren politischen Systems die Wahrheit herauszufinden.
Ford spielt dabei sher gut, aber nicht herausragend. Er verleiht Jack Ryan Glaubwürdigkeit und sorgt dafür, dass man seiner Figur gerne folgt. Gleichzeitig hätte ich mir stellenweise etwas mehr emotionale Tiefe gewünscht. Ryan wird mit Situationen konfrontiert, die eigentlich enorme Konsequenzen für ihn haben müssten, doch der Film bleibt häufig sehr sachlich. Das passt zwar zum politischen Thriller, verhindert aber auch, dass die Geschichte emotional wirklich mitreißt.
Der Film beschäftigt sich mit der Frage, wie weit eine Regierung gehen darf, wenn sie glaubt, einen besonders gefährlichen Gegner bekämpfen zu müssen. Dabei werden geheime Operationen durchgeführt, Informationen zurückgehalten und Entscheidungen getroffen, die nicht unbedingt mit den offiziellen politischen Aussagen übereinstimmen.
Die Geschichte ist teilweise ziemlich kompliziert und das ist ein Problem Es gibt zahlreiche Figuren, Organisationen und politische Zusammenhänge. Wer nicht aufmerksam bleibt, kann relativ schnell den Überblick verlieren. Das kann sehr schwerfällig werden und das mag nicht jedem gefallen.
Besonders in der ersten Hälfte nimmt sich Das Kartell sehr viel Zeit, um seine Handlung aufzubauen. Allerdings dauert es teilweise zu lange, bis die Geschichte wirklich Fahrt aufnimmt.
Wenn der Film später stärker auf die geheimen Operationen und militärischen Aktionen setzt, wird er deutlich packender. Hier zeigt sich dann die Qualität der Inszenierung. Die Actionszenen sind nicht ausschließlich auf Explosionen und Schießereien ausgelegt, sondern versuchen, eine gewisse taktische Spannung aufzubauen. Besonders die Operationen in Kolumbien ist sehr gut umgesetzt worden.
Die Action ist insgesamt solide umgesetzt. Aus heutiger Sicht wirken manche Szenen natürlich etwas altmodischer. Gleichzeitig hat gerade diese klassische Inszenierung ihren eigenen Charme. Der Film verlässt sich weniger auf digitale Effekte und versucht stattdessen, seine Spannung über Schauplätze, Schauspieler und praktische Action aufzubauen.
Trotzdem sind nicht alle Actionszenen gleich überzeugend. Der Film braucht teilweise sehr lange, um auf einen Höhepunkt hinzuarbeiten. Wenn es dann tatsächlich zur Action kommt, funktioniert sie zwar meistens gut, aber der Weg dorthin ist nicht immer besonders kurzweilig.
Die Atmosphäre des Films gefällt mir dagegen ziemlich gut. Das Kartell vermittelt ein realistisches und teilweise düsteres Bild von internationalen politischen Konflikten. Die Schauplätze und die Inszenierung tragen dazu bei, dass die Handlung zumindest teilweise glaubwürdig wirkt.
Was den Film ebenfalls etwas schwächer macht, ist seine Länge. Mit einer Laufzeit von deutlich über zwei Stunden verlangt er vom Zuschauer einiges an Geduld. Bei einem Film mit einer derart komplexen Handlung kann eine längere Laufzeit durchaus sinnvoll sein, doch hier hätte man meiner Meinung nach einige Szenen kürzen können.
Dadurch wäre die Geschichte wahrscheinlich deutlich dynamischer geworden.
Das Kartell ist ein solider Polit- und Actionthriller geworden. Besonders Harrison Ford trägt den Film und macht Jack Ryan zu einer sympathischen und glaubwürdigen Hauptfigur. Der Film bietet einige spannende Actionsequenzen und beschäftigt sich mit durchaus interessanten Fragen rund um Macht, Geheimoperationen und politische Verantwortung.
Gleichzeitig ist die Handlung stellenweise unnötig kompliziert und die lange Laufzeit macht sich besonders in den ruhigeren Passagen bemerkbar.
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Ray Breslin und sein Team werden damit beauftragt, sie aus einer scheinbar unüberwindbaren Gefängnisanlage zu befreien. Dabei geht es natürlich nicht nur um die Rettung der Gefangenen, sondern auch um Vergeltung und persönliche Motive.
Das Problem ist allerdings, dass die Geschichte relativ vorhersehbar bleibt. Viele Entwicklungen lassen sich bereits früh erahnen und wirkliche Überraschungen gibt es nur wenige. Während der erste Escape Plan noch mit seinem Gefängniskonzept und der Frage, wie Breslin aus seiner Umgebung entkommen kann, für Spannung sorgen konnte, konzentriert sich der dritte Teil wesentlich stärker auf klassische Action. Dadurch geht ein großer Teil dessen verloren, was die Reihe ursprünglich interessant gemacht hat.
Sylvester Stallone macht als Ray Breslin grundsätzlich eine solide Figur. Er verkörpert die Rolle weiterhin mit der für ihn typischen körperlichen Ausstrahlung und seinem eher wortkargen Auftreten. Allerdings bekommt seine Figur nicht besonders viel neues Material. Breslin wirkt stellenweise mehr wie eine bekannte Action Ikone. Für Fans von Stallone dürfte seine Anwesenheit trotzdem einer der Hauptgründe sein, den Film anzusehen.
Auch Dave Bautista sorgt für einige interessante Momente. Seine körperliche Präsenz passt hervorragend zu einem Film dieser Art und gerade in den härteren Actionszenen kann er überzeugen.
Die Action selbst ist in dem Film das wohl stärkste Argument für den Film. Escape Plan 3 ist deutlich brutaler und direkter. Es gibt zahlreiche Schießereien, Explosionen, Verfolgungen und Nahkämpfe. Einige Kämpfe sind durchaus ordentlich choreografiert und können unterhalten.
Manche Szenen sehen etwas billig aus und die Inszenierung erreicht nur selten eine gute Qualität. Besonders bei den visuellen Effekten merkt man dem Film an, dass das einfach nicht gut aussieht.
Auffälig dürfte sein, dass das eigentliche Gefängnis nicht mehr den gleichen Stellenwert besitzt, wie im ersten Film. Die Idee, ein scheinbar perfektes Gefängnis zu analysieren und Schwachstellen zu finden, war damals noch der zentrale Reiz. In The Extractors wirkt die Gefängniskulisse dagegen teilweise eher wie eine Kulisse für Schießereien und Nahkämpfe. Das Grundkonzept wird hier kaum genutzt.
Auch als Abschluss einer Trilogie hinterlässt der Film deshalb einen eher durchwachsenen Eindruck. Es gibt genug Action und bekannte Gesichter, um Fans des Genres bei Laune zu halten, aber zu wenig Eigenständigkeit, Spannung und erzählerische Qualität, um wirklich zu überzeugen. Aber immerhin ist Escape Plan: The Extractors besser als Escape Plan: Hades.
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Der Film versammelt eine Gruppe von Freunden und Familienmitgliedern zu einem gemeinsamen Abendessen, das zunächst ganz harmlos beginnt. Doch als die Frage nach dem Namen eines ungeborenen Kindes aufkommt, entwickelt sich der Abend zunehmend zu einer Mischung aus Streit, persönlichen Angriffen und längst verdrängten Konflikten.
Der Film versucht zu zeigen, wie schnell eine scheinbar harmlose Unterhaltung eskalieren kann, wenn Menschen unterschiedliche politische, gesellschaftliche und persönliche Ansichten haben. Gleichzeitig werden nach und nach Geheimnisse und alte Konflikte zwischen den Figuren enthüllt.
Für mich ist Der Vorname vor allem ein Film, der viel redet, aber relativ wenig daraus macht. Die Dialoge stehen ganz klar im Mittelpunkt. Allerdings fehlt es vielen Gesprächen an der nötigen Natürlichkeit. Teilweise hatte ich eher das Gefühl, Figuren beim Vortragen von Theaterdialogen zuzusehen, anstatt einer echten Unterhaltung beizuwohnen.
Gerade am Anfang zieht sich der Film meiner Meinung nach ziemlich. Die Figuren werden vorgestellt, man bekommt einen Eindruck von ihren Beziehungen zueinander und schließlich kommt das Thema des Vornamens auf. Die Reaktionen darauf sollen zunächst lustig und provokant wirken. Tatsächlich fand ich viele dieser Szenen aber eher vorhersehbar.
Die Figuren diskutieren, beleidigen sich und enthüllen Geheimnisse.
Besonders problematisch finde ich, dass viele Figuren teilweise sehr stark auf bestimmte Eigenschaften reduziert werden. Jeder Charakter scheint eine bestimmte Rolle innerhalb der Diskussion erfüllen zu müssen.
Die Schauspieler machen ihre Sache aber grundsätzlich ordentlich. Vor allem Christoph Maria Herbst ist in seiner Rolle als Thomas sehr präsent. Seine Figur ist selbstbewusst, provokant und offensichtlich darauf aus, andere mit seinen Aussagen zu reizen. Herbst spielt diese Eigenschaften überzeugend und hat ein gutes Gespür für Timing. Allerdings hat seine Figur auch das Problem, dass sie über längere Zeit ziemlich unsympathisch wirkt.
Auch Florian David Fitz, Caroline Peters und Justus von Dohnányi liefern solide Leistungen ab. Die Besetzung ist insgesamt durchaus gut.
Der Humor ist für mich ebenfalls ein Negativpunkt. Der Vorname wird als Komödie verkauft, doch wirklich laut lachen musste ich nur selten. Es gibt durchaus einige witzige Situationen und schlagfertige Kommentare, aber vieles ist eher auf Streit und Provokation aufgebaut. Der Film scheint häufig davon auszugehen, dass ein aggressiver Wortwechsel automatisch lustig ist. Das funktioniert aber nicht für mich.
Auch die gesellschaftlichen Themen werden meiner Meinung nach nicht immer optimal genutzt. Der Film spricht unter anderem über politische Einstellungen, Vorurteile, soziale Unterschiede und die Frage, wie tolerant Menschen wirklich sind. Das sind interessante Themen, die aber kaum in Szene gesetzt werden.
Unterm Strich ist Der Vorname für mich eine durchschnittliche bis enttäuschende Komödie. Der Film besitzt einige Iinteressante Themen und eine hervorragende Besetzung, schafft es aber nicht, dies zu nutzen. Die Dialoge sind teilweise clever, aber ebenso häufig zu konstruiert. Und obwohl der Film als Komödie funktioniert, sind viele Szenen eher anstrengend als wirklich lustig.
Deutsche Komödien bleiben auch bei mir weiterhin unter Durchschnitt. Und es wird wohl nie besser werden. Ein Versuch war es aber leider nicht wert.
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Im Mittelpunkt steht der erfolgreiche und reiche Selfmade Millionär Mike Regan, der mit seiner Familie in einer ultra modernen, voll vernetzten High Tech Villa lebt. Als es zu technischen Problemen mit dem Netzwerk kommt, lernt er den jungen, brillanten IT Techniker Ed Porter kennen.
Pierce Brosnan spielt seine Rolle routiniert und holt das Beste aus dem dünnen Drehbuch heraus. Der rest des Castes spielt hier nur solide.
Die Inszenierung der hochmodernen Villa und das Gefühl, dass die unsichtbare Technologie um einen herum plötzlich ein Eigenleben entwickelt, erzeugen eine unheimliche Grundstimmung.
Sobald der Konflikt jedoch eskaliert, verliert der Film zunehmend an Glaubwürdigkeit. Statt psychologischer Raffinesse setzt der Film auf plumpe Genrekonditionen und konstruierte Wendungen. Die Bedrohung durch den Stalker wirkt oft steril. Die Figuren bleiben seltsam distanziert, wodurch man als Zuschauer kaum echtes Mitgefühl oder Anspannung aufbaut.
Der größte Kritikpunkt ist, das IT-Spezialisten und TechnikNerds bei dem Film die Hände über dem Kopf zusammenschlagen werden. Das "Hacken" wird hier wie pure Magie dargestellt, bei der man innerhalb von Sekunden absolut jedes System der Welt übernehmen kann. Ed hackt sich in absolut jedes System, verändere Passwörter im Sekundentakt und übernimmt komplexe Infrastrukturen so mühelos, als würde er Lieder auf einem Smartphone überspringen. Jegliche Realitätsnähe geht hier komplett verloren.
Die Handlungen der Figuren sind oft schwer nachvollziehbar. Trotz massiver Bedrohungen und digitaler Übergriffe werden grundlegende Sicherheitsmaßnahmen wie das vollständige Trennen der Strom- oder Internetverbindung des Hauses entweder ignoriert oder als unmöglich dargestellt.
Viele Entscheidungen der Figuren wirken daher unlogisch.
Zwar besitzt der Film ein paar ganz nette, spannende Momente und profitiert von seiner kurzen Laufzeit, die gröberen Schwächen im Drehbuch und die unrealistische Darstellung von Cyberkriminalität ziehen das Gesamterlebnis jedoch stark nach unten.
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Ein Footballspieler namens Flash Gordon gerät in das Raumschiff des exzentrischen Wissenschaftlers Dr. Hans Zarkov und wird direkt in das fremde Sternenreich Mongo katapultiert. Dort herrscht der tyrannische Imperator Ming, der die Erde zerstören will.
Flash Gordon wird von Sam J. Jones zwar als athletischer Schönling verkörpert, er besitzt jedoch exakt null schauspielerische Tiefe. Er ist kein Held, mit dem man mitfiebert, sondern eine leblose Marionette, die stoisch von einer Kulisse zur nächsten stolpert. Es gibt keine Charakterentwicklung, keine inneren Konflikte und keinen spürbaren Antrieb.
Max von Sydow müht sich redlich ab, dem Schurken Ming wenigstens etwas Würde zu verleihen, scheitert aber auch. Und das für so einen tollen Schauspieler.
Visuell ist der Film eine Katastrophe. Die Kostüme und Kulissen aus grellen Farben, knallbunten Kostümen und Pappmaché Kulissen wirken heute ziemlich albern. Auch die Spezialeffekte sind grausam. Wenn man überlegt, das Star Wars von 1977 einen Meilenstein gesetzt hat und sich Flash Gorodn aus 1980 ansieht, ist das schon zum Fremdschämen.
Auch die Dialoge klingen furchtbar. Sie sind hölzern und oft unfreiwillig komisch.
Und obwohl es um die Rettung der Erde geht, kommt zu keinem Zeitpunkt echte Spannung auf und das auf knapp 2 Stunden verteilt.
Einzig und allein der Soundtrack von Queen war geil. Wenn die E Gitarren einsetzen und Freddie Mercurys Stimme ertönt, gibt es eine Energie. Aber das reicht bei weitem nicht aus, um den Film auch nur einen Hauch besser zu machen.
Leider bleibt am Ende nicht viel mehr als eine laute, ermüdende und dramaturgisch schwache Aneinanderreihung von Absurditäten.
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Mit Maleficent: Mächte der Finsternis versucht Disney, die Geschichte rund um eine der bekanntesten Schurkinnen aus dem eigenen Märchenuniversum weiterzuführen. Nach dem Erfolg des ersten Films war eine Fortsetzung eigentlich keine große Überraschung. Wieder stehen Maleficent und Aurora im Mittelpunkt, wieder geht es um eine Mischung aus Fantasy, Märchen und großen Konflikten und wieder setzt der Film stark auf beeindruckende Bilder und eine märchenhafte Atmosphäre.
Was man dem Film zugutehalten muss, ist die visuelle Gestaltung. Der Film sieht an vielen Stellen einfach wunderschön aus. Die fantastischen Landschaften, die Kostüme, die verschiedenen Kreaturen und die märchenhaften Schauplätze vermitteln das Gefühl einer großen Fantasy Welt. Besonders die Szenen rund um die Heimat der Feen und magischen Wesen sind atmosphärisch und zeigen, dass das Produktgesign hervorragend umgesetzt wurde.
Auch die visuellen Effekte können sich größtenteils sehen lassen. Gerade wenn Maleficent ihre Kräfte einsetzt oder die verschiedenen magischen Wesen zu sehen sind, entwickelt der Film einen beeindruckenden visuellen Stil. Es gibt viele Szenen, in denen man sich einfach zurücklehnen und die Bilder genießen kann.
Die Handlung wirkt über weite Strecken ziemlich vorhersehbar. Zwar versucht der Film, die Geschichte des ersten Teils weiterzuentwickeln und neue Konflikte einzubauen, aber vieles fühlt sich so an, als hätte man kaum neue Ideen eingebracht. Es gibt politische Intrigen, Missverständnisse, eine drohende Hochzeit, familiäre Konflikte und schließlich einen großen Krieg zwischen verschiedenen Gruppen.
Allerdings versuchte man, verschieden Geschichten einzubauen. Einerseits soll die Beziehung zwischen Maleficent und Aurora weiterentwickelt werden. Andererseits wird eine größere Geschichte über verschiedene Feen- und Menschenvölker eingeführt. Gleichzeitig gibt es eine politische Ebene rund um Auroras Hochzeit und ihre zukünftige Rolle. Dazu kommen noch Intrigen und die Frage, welche Figuren eigentlich welche Absichten verfolgen. Das wirkt einfach zu überladen. Es fehlte der Fokus.
Die Beziehung zwischen Maleficent und Aurora bleibt zwar das emotionale Zentrum der Geschichte, funktioniert für mich aber nicht immer so gut wie im ersten Teil. Die Dynamik zwischen den beiden ist grundsätzlich interessant, weil Maleficent eine Art ungewöhnliche Mutterrolle für Aurora übernommen hat. Gleichzeitig wird dieser Konflikt im zweiten Teil teilweise unnötig dramatisiert. Viele Probleme könnten wahrscheinlich durch ein paar ehrliche Gespräche verhindert werden, stattdessen entstehen Missverständnisse, die die Handlung künstlich vorantreiben.
Vom Cast her ist Angelina Jolie dabei weiterhin ein großer Faktor. Sie passt einfach hervorragend in die Rolle der Maleficent. Allein durch ihre Erscheinung besitzt sie eine enorme Aura. Kostüm, Make-up und ihre charakteristische Ausstrahlung machen sie zu einer Figur, die sofort auffällt. Jolie schafft es außerdem, Maleficent gleichzeitig gefährlich, mächtig und verletzlich wirken zu lassen.
Auch Elle Fanning macht als Aurora einen guten Job. Ihre Figur wirkt sympathisch und emotional, wobei ich auch hier das Gefühl hatte, das man nicht alles au ihr rausgeholt hat. Aurora steht zwischen verschiedenen Welten und könnte eigentlich eine sehr interessante Figur sein, weil sie versucht, Menschen und magische Wesen miteinander zu verbinden. Dieser Aspekt ist durchaus vorhanden, wird aber nicht konsequent genutzt.
Auch die Figut von Michelle Pfeiffer, Königin Ingrith, ist stark umgesetzt worden. Pfeiffer spielt die Rolle mit sichtbarer Freude daran, eine klassische Antagonistin darzustellen. Sie ist manipulativ, kontrollierend und teilweise herrlich übertrieben.
Die Inszenierung ist groß, die Musik unterstützt die märchenhafte Atmosphäre und die Effekte sind aufwendig. Trotzdem hatte ich während vieler Szenen nicht das Gefühl, wirklich emotional in die Geschichte hineingezogen zu werden.
Auch der Humor funktioniert nicht immer. Es gibt einige lockere und charmante Momente, die den Film angenehm auflockern. Gleichzeitig wirken manche humorvollen Szenen etwas gezwungen. Besonders wenn die Geschichte gerade versucht, dramatisch oder episch zu sein, können bestimmte Gags eher störend wirken.
Auch das Tempo ist ordentlich. Trotz seiner relativ umfangreichen Handlung kommt nur selten das Gefühl auf, dass überhaupt nichts passiert. Es gibt regelmäßig neue Schauplätze, Konflikte oder Figuren.
Im Vergleich zum ersten Film fehlt mir außerdem etwas von dessen Besonderheit. Der erste Film hatte die interessante Idee, eine bekannte Disney Bösewichtin neu zu interpretieren und ihre Geschichte aus einer anderen Perspektive zu erzählen. Dadurch hatte die Figur eine gewisse Tragik und Tiefe. Die Fortsetzung versucht zwar, darauf aufzubauen, aber sie fühlt sich stärker wie ein "normaler" Fantasy Abenteuerfilm an.
Die Bilder sind schön, Angelina Jolie ist als Maleficent weiterhin hervorragend, Michelle Pfeiffer sorgt für eine unterhaltsame Gegenspielerin, optisch eine Wucht und die Welt des Films bietet genügend Fantasy Flair.
Er ist solide und stellenweise unterhaltsam, aber gleichzeitig zu vorhersehbar und oberflächlich.
Das war der erste Teil noch deutlich besser.
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Eine militärische Einheit unter der Führung von Captain Artemis, gespielt von Milla Jovovich, wird während eines Einsatzes in eine mysteriöse andere Welt transportiert. Dort angekommen, stellt die Gruppe schnell fest, dass sie es nicht mit einer gewöhnlichen Landschaft zu tun hat. Die neue Welt wird von riesigen und gefährlichen Monstern bevölkert, die für die Soldaten eine völlig neue Bedrohung darstellen.
Monster Hunter punktet eindeutig mit seiner Action. Der Film verschwendet nicht allzu viel Zeit damit, große Monster möglichst spektakulär in Szene zu setzen. Besonders die Kämpfe zwischen Menschen und Kreaturen gehören zu den Stärken des Films.
Die Monster sehen teilweise beeindruckend aus und vermitteln ein gutes Gefühl für ihre Größe und Gefährlichkeit. Auch die Kämpfe sind teilweise überraschend körperlich und intensiv. Milla Jovovich darf sich durch zahlreiche Szenen kämpfen, schießen, ausweichen und mit riesigen Waffen auf Monster losgehen.
Dabei merkt man allerdings auch, dass der Film sehr stark auf seine visuellen Effekte angewiesen ist. Nicht jeder Effekt wirkt gleichermaßen überzeugend. Während einige Monster durchaus beeindruckend aussehen, gibt es andere Szenen, in denen die digitale Umsetzung etwas künstlich wirkt.
Das Universum der Monster Hunter Spiele bietet eine Vielzahl an Kreaturen, Waffen, Schauplätzen und Geschichten. Der Film nutzt davon zwar einiges, kratzt aber häufig nur an der Oberfläche.
Abgesehen von Artemis und dem Hunter bekommt man nur wenig Gelegenheit, die Charaktere wirklich kennenzulernen. Einige Nebenfiguren sind kaum mehr als 10 Minuten auf der Bildfläche und sterben recht früh.
Milla Jovovich ist als Artemis eine nachvollziehbare Besetzung für diesen Film. Sie bringt die notwendige Intelligenz mit und wirkt glaubwürdig, wenn sie sich gegen überdimensionierte Kreaturen behaupten muss. Ihre Rolle erinnert allerdings stark an andere Actionfiguren, die Jovovich bereits in früheren Filmen gespielt hat.
Dennoch wirkt sie kompetent, mutig und kämpferisch.
Tony Jaa ist ebenfalls eine interessante Ergänzung. Seine körperlichen Fähigkeiten kommen in den Kampfszenen gut zur Geltung und seine Figur bringt etwas Abwechslung mit sich. Die Chemie zwischen ihm und Jovovich funktioniert besser, als man zunächst erwarten könnte.
Für Zuschauer, die mit den Monster Hunter Spielen vertraut sind, gibt es einige Anspielungen und Elemente, die den Film interessanter machen. Waffen, Monster und bestimmte Details erinnern immer wieder an die Vorlage. Gleichzeitig ist der Film keine besonders genaue Umsetzung der Spielwelt, sondern nimmt sich einige Freiheiten.
Das größte Problem von Monster Hunter ist aber letztendlich, dass der Film zwar durchaus Spaß machen kann, aber nur wenig hinterlässt. Während des Anschauens gibt es Monsterkämpfe, Explosionen, Schießereien und einige durchaus gelungene Actionsequenzen.
Am Ende bleibt ein Film, der für Fans von Monster- und Actionfilmen durchaus unterhaltsam sein kann.
Wer die Spiele gespielt hat, erkennt einige Elemente daraus, die aber nur Ansatzweise angekratzt werden. Der Film kommt kaum über das grundlegende Konzept solcher Filme hinaus.
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Zwei Brüder geraten in der Wildnis in eine gefährliche Situation und bekommen es mit einem gewaltigen Grizzly zu tun. Der Bär wird dabei als nahezu unaufhaltsame Naturgewalt dargestellt.
Ein Mensch gegen einen Bären ist schließlich ein Szenario, bei dem die Kräfteverhältnisse von Anfang an klar sind. Der Mensch ist körperlich unterlegen und kann sich nicht einfach auf seine Stärke verlassen.
Statt eines konsequenten Survival Thrillers bekommt man immer wieder längere Passagen, in denen die Handlung kaum vorankommt. Die Figuren reden, bewegen sich durch die Landschaft und versuchen, ihre Probleme zu lösen. Doch die Bedrohung durch den Bären wird dabei immer wieder unterbrochen.
Dadurch entsteht kein durchgehend spannender Kampf ums Überleben.
Die beiden Brüder wirken über weite Strecken ziemlich blass.
Es gibt zwar familiäre Spannungen und persönliche Probleme, doch vieles davon fühlt sich für diesen Film einfach nicht richtig an.
Sobald der Bär aber ins Spiel kommt, hat der Film zumindest ein klares Zentrum. Dieses Tier ist groß, gefährlich und unberechenbar. Schon allein seine Präsenz reicht aus, um einige Szenen wenigstens etwas spannend zu machen.
Man bekommt immer wieder Momente, in denen der Bär durchaus bedrohlich wirkt. Doch anstatt diese Spannung weiter aufzubauen, nimmt der Film anschließend wieder das Tempo heraus.
Die abgelegene Natur passt hervorragend zur Geschichte. Wälder, Berge und die weitläufige Landschaft vermitteln grundsätzlich das Gefühl, dass die Figuren komplett von der Außenwelt abgeschnitten sind.
Allerdings bleibt bei Red Machine die Wildnis dagegen teilweise einfach eine schöne Hintergrundkulisse.
Red Machine hat einen starken Gegner, schwache Figuren und eine passende Kulisse, aber leider kein Film, der diese Zutaten wirklich zu einem packenden Survival Erlebnis verbindet. Der Bär hätte mehr verdient. Der Zuschauer dementsprechend auch. Lohnt sich überhaupt nicht.
Gesehen im HD TV. 

Die Gruppe entdeckt das Wrack der USS Charlotte, eines Kriegsschiffs aus dem Zweiten Weltkrieg und begibt sich auf eine Tauchmission. Was zunächst wie ein Abenteuer beginnt, entwickelt sich zum Überlebenskampf, als die Figuren feststellen müssen, dass sie unter Wasser nicht alleine sind.
Das große Manko am Film ist für mich das Tempo. Der Film braucht eine gefühlte Ewigkeit, bis überhaupt so etwas wie Spannung entsteht. Gerade bei einem Film mit einer Laufzeit von rund 90 Minuten ist das besonders ärgerlich.
Der Anfang besteht aus viel Vorbereitung, Gesprächen und Taucherei, ohne dass die Handlung wirklich vorankommt. Die Figuren werden vorgestellt, ihre Beziehungen angedeutet und das Abenteuer vorbereitet.
Man bekommt stattdessen eine Gruppe von Figuren präsentiert, die größtenteils wie typische Genre Schablonen wirken. Es gibt den erfahrenen Taucher, den enthusiastischen jungen Mann, die verschiedenen Freunde und natürlich die üblichen Spannungen innerhalb der Gruppe. Sowas kennt man zu viel.
Auch die Entscheidungen der Figuren wirken nicht immer besonders nachvollziehbar. Gerade in einem Film, dessen zentrale Spannung auf Sauerstoffmangel, Orientierungslosigkeit und einer lebensgefährlichen Umgebung basiert, sollten die Charaktere möglichst glaubwürdig handeln. Stattdessen treffen sie immer wieder Entscheidungen, die vollkommen sinnlos sind.
Die Effekte sind teilweise deutlich als digitale Effekte erkennbar. Gerade in den Angriffsszenen fehlt dadurch die Echtheit.
Die Unterwasseraufnahmen können aber durchaus Atmosphäre erzeugen. Das Wrack vermittelt stellenweise ein Gefühl von Enge und Orientierungslosigkeit und gerade die Vorstellung, durch ein jahrzehntelang auf dem Meeresboden liegendes Kriegsschiff zu tauchen, besitzt einen gewissen Reiz.
Einige der spannenderen Szenen befinden sich erst im letzten Drittel des Films. Dort nimmt das Tempo tatsächlich zu und der Survival Aspekt funktioniert deutlich besser. Sobald die Figuren wirklich ums Überleben kämpfen müssen, entwickelt Escape from the Deep zumindest zeitweise einen gewissen Unterhaltungswert.
Escape from the Deep ist einfach ein schlechter Film. Das Schiffswrack ist interessanter als die Figuren darin, der Hai kommt zu spät und die Spannung bleibt über weite Strecken auf Tauchstation.
Gesehen im HD TV.