Filmbewertungen von Ninjatune666

„Ein ganzes Leben“ (2023) ist eine visuell überwältigende Hommage an die Unbeugsamkeit des menschlichen Geistes vor der Kulisse der österreichischen Alpen.

Der Film nutzt die alpine Landschaft, das stille Monument nicht bloß als Hintergrund, sondern als eigenständigen, oft unbarmherzigen Charakter.
Die Dreharbeiten fanden maßgeblich in Osttirol statt, vor allem in der Umgebung von Matrei (Gruben). Diese Schauplätze verleihen dem Film eine erdige, physische Schwere.
Kameramann Armin Franzen fängt die raue Schönheit der Berge in Bildern ein, die zwischen idyllischer Stille und der zerstörerischen Gewalt der Natur (wie der schicksalhaften Lawine) schwanken.
Die Darstellung des aufkommenden Seilbahnbaus und der Modernisierung des entlegenen Tals ist detailgetreu und macht den historischen Umbruch und die Kommerzialisierung im 20. Jahrhundert physisch greifbar.

Aber es ist natürlich auch der Cast, der authentisch gewählt wurde. Die Besetzung trägt die emotionale Last der Geschichte mit einer bemerkenswerten Glaubhaftigkeit.
Zum Beispiel Stefan Gorski. Als junger Andreas Egger liefert er eine physische und wortkarge Performance ab, für die er unter anderem mit dem Bayerischen Filmpreis ausgezeichnet wurde. Seine Darstellung der stillen Liebe zu Marie (Julia Franz Richter) bildet das emotionale Herzstück.
Oder August Zirner. Er spielt den gealterten Egger mit einer staunenden Melancholie und gibt dem Film die nötige Reflexionsebene am Ende eines entbehrungsreichen Lebens.
Weitere hochkarätige Akteure wie Andreas Lust (als brutaler Ziehvater Kranzstocker) und Marianne Sägebrecht runden das Bild einer Dorfgemeinschaft ab, die von Härte und Tradition geprägt ist.

„Ein ganzes Leben“ ist eine gelungene Literaturverfilmung, die den Mut zur Langsamkeit und Stille besitzt. Der Film zeigt hochwertige Bilder, die sich vor Hollywood und Co. nicht verstecken brauchen und die das Publikum tief in die karge Welt des 20. Jahrhunderts hineinziehen. Ein Muss für Liebhaber des Heimatfilms in seiner modernsten, anspruchsvollsten Form.
Uns hat dieses hochwertig inszenierte und entschleunigte Heimatfilmdrama vor heimischer Alpenkulisse überraschend gut gefallen.

Die Farben kommen sehr saturiert daher und tendieren ins Orange, was sehr hochwertig wirkt. Details gibts Unmengen zu entdecken und auch der Schwarzwert passt.

Akustisch gibts einen wunderbar melancholischen Score, der auch raumfüllend ausfällt. 

In seiner 2005 erschienenen Verfilmung der Memoiren von Anthony Swofford liefert Regisseur Sam Mendes („1917“, „Skyfall“) eine unkonventionelle Perspektive auf den Golfkrieg, die auch 2025 noch hervorragend funktioniert. Der Film bricht mit den Erwartungen an das Genre, indem er statt klassischer Schlachten die psychologische Belastung durch quälendes Warten und Langeweile in den Fokus rückt.
Auch die beeindruckende fast schon monochrome Wüstenlandschaft trägt dazu ihnen Teil dazu bei.

Jake Gyllenhaal trägt den Film als Anthony Swofford mit einer starken Leistung. Er schafft es spielend, die Wandlung vom orientierungslosen Rekruten zum psychisch erschöpften Marine glaubhaft darzustellen. Anstatt auf klassisches Heldentum zu setzen, zeigt Gyllenhaal eine verletzliche, fast teilnahmslose Seite, die den Zuschauer zum Beobachter des Wahnsinns macht - Parallelen zu „Apocalypse Now“ und „Platoon“ sind da sicher nicht zufällig.

Der Soundtrack ist ein auffällig zentrales Element, um die surreale Atmosphäre der Wüste einzufangen:
einerseits gibts einen sphärischen, elektronischen und industriellen Score von Thomas Newman („Skyfall“, „Die Verurteilten“) und andererseits Pop- und Rocksongs, die ironisch eingesetzt werden.
Da hätten wir zum Beispiel:
Bobby McFerrin – „Don't Worry, Be Happy“: Untermalt die Absurdität des harten Drills.
Nirvana – „Something in the Way“: Spiegelt die Melancholie und innere Leere von Swofford wider.
Public Enemy – „Fight the Power“: Steht für die Aggressivität und den Zeitgeist der frühen 90er.
T. Rex – „Get It On (Bang a Gong)“ sowie Songs von Naughty by Nature und Tom Waits ergänzen das vielfältige Klangbild. Insgesamt ein cooler Soundtrack.

„Jarhead“ wird oft als „Kriegsfilm ohne Krieg“ bezeichnet. Während einige die fehlende Action als Kritik sehen könnten, sehe ich darin eine realistische Darstellung der modernen Kriegsführung.

Für Fans von psychologischen Dramen bleibt „Jarhead“ ein Paradebeispiel, das durch seinen einzigartigen Soundtrack und von Jake Gyllenhaals intensiver Darstellung lebt und noch Tage oder wochenlang im Gedächtnis bleibt. Wer es allerdings bleihaltiger mag, sollte auf Genrekollegen wie „Black Hawk Down“ zugreifen.

Die 4K UHD liefert eine spürbare Steigerung gegenüber der alten Blu-ray. Die native 4K-Auflösung bringt die feinen Texturen des Wüstensandes und die Schweißtropfen oder die kurz geschorenen Haare auf den Köpfen der Marines deutlich besser zur Geltung.
Dank HDR10 und Dolby Vision gewinnen die oft extrem hellen, überbelichteten Wüstenszenen an Tiefe. Die Schwarzwerte zB in den nächtlichen Ölfeld-Szenen sind deutlich satter und feiner abgestuft - hier gibts viel mehr Farben zu bestaunen. - allerdings auch hin und wieder versumpfte Details.
Filmkorn wird sehr fein wiedergegeben und trägt zum dreckigen Look ordentlich bei.
Spitzlichter halten sich in Grenzen.
Insgesamt eine tolle UHD mit Luft nach oben. Upgrade lohnt sich.

Während die englische sprachfassung Dolby Atmos spendiert bekam, bekommen wir immerhin eine starke DTS 5.1 Tonspur. Hier ist es aber nicht die Dynamik, sondern viel mehr die stillen Momenten, die Gänsehaut erzeugen. Etwa beim zusammensitzen in den brennenden Ölfeldern oder wenn Wüstensand auf Gyllenhaal fällt. Wenn aber mal geschossen wird, fühlt man sich mittendrin. Auch die hinteren Lautsprecher und der Subwoofer dürfen dann voll mitmischen.
Schüsse aus dem Scharfschützengewehr entfalten eine realistische Druckwelle mit Nachhall.

Deutsche Extras sind ebenfalls auf der Single UHD Disc enthalten. 

Wie so viele Filme aus diesem Genre, hat auch „The Core“ mit dem ein oder anderen Logikfehler zu kämpfen, all zu schlimm wie öfters zu lesen, fand ich es bei erneuter Sichtung aber dann auch nicht.
Wobei…Auf der Seite „Insultingly Stupid Movie Physics“ (‚Beleidigend dumme Filmphysik'), die die physikalische Richtigkeit von Kinofilmen untersucht, belegt „The Core“ den Ehrenplatz als „schlechtester Physik-Film aller Zeiten“.

Der Cast rund um Aaron Eckhart, Hilary Swank und Stanley Tucci macht seine Sache mehr als ordentlich und auch die Spannung passt, obwohl er eine Laufzeit von über 2h hat. Man fiebert mit der Crew im Schiff als auch den übrigen Darstellern mit, begleitet sie auf ihrer faszinierenden Reise ins Erdinnere und darf dabei sein, wie spontane Probleme auftauchen und gelöst werden.
Blöd für den Film war sicherlich die Tatsache, dass kurz davor Armageddon und Deep Impact im Kino einschlugen, und die Nachfrage für „The Core“ nicht mehr in dem Ausmaß da war, obwohl der spannende Abenteuerfilm wesentlich unterhaltsamer ist, als es sein schlechter Ruf prophezeit. Ich, als Genrefan jedenfalls, mag den Film immer noch.
Lediglich die CGI Effekte, die bereits 2003 nicht mehr State of the Art waren, sehen jetzt, 20 Jahre später, noch viel übler aus und lassen sich leider immer als solche ausmachen, da sie viel weicher und simpler als der Rest des Filmmaterials daherkommen.

Das Bild der UHD weiß dank Dolby Vision zu gefallen, auch wenn noch Luft nach oben herrscht. Hier haben „Red Eye“ und „Doppelmord“, ebenso aus dem Hause Paramount, mehr zu bieten, Die Bitrate ist erstaunlich tief und liegt durchschnittlich so bei 20-40 Mbit/S, was für eine UHD Disc nicht wirklich hoch ist. Klar, Details lassen sich viele ausmachen, auch die Farben kommen warm und gut saturiert daher. Auch der Schwarzwert bietet tiefes Schwarz und tolle Kontraste, aber bei den hellen Spitzlichtern hätte die UHD mehr heraus holen können.
Kurzum, das Bild ist definitiv besser als das der Blu Ray, bessere 4K Neuauflagen (siehe oben) hat es aber auch schon gegeben.

Auch hier mag der 5.1 Dolby Digital Ton am Papier übel und veraltet daher kommen, in der Praxis bekommt man aber wuchtige und dynamische Töne aus den Speakern. Immer wieder werden glasklare Sounds durch den Raum gefeiert und man bekommt ein tolles mittendrin-Gefühl. Auch der Subwoofer kommt gerne mal in tiefere Gefilde und bringt satten Bass. Auch so kann eine (komprimierte) DD5.1 Spur klingen, wenn es denn die Soundtechniker können und zulassen. :) Klar wäre eine 3D Unterstützung in Form von Dolby Atmos oder DTS: X klasse gewesen, weiß auch zum Film gepasst hätte, aber auch so lässt sich der Ton sehr gut hören. Achja, eine klasse Dialogverständlichkeit ist auch immer gegeben, hier könnten sich aktuelle Produktionen eine Scheibe davon abschneiden. 

Maddie (Kate Siegel) ist eine taubstumme Autorin, was den entscheidenden „Kniff“ des Films darstellt. Der Film nutzt dieses Element jedoch nicht als billiges Gimmick, sondern als treibende Kraft für die Spannung. Das Sounddesign ist hier der eigentliche Star: Es wechselt meisterhaft zwischen der absoluten Stille von Maddies Perspektive und den verstörenden Umgebungsgeräuschen des Killers.

Mike Flanagans („Before I Wake“, „Dr. Sleep“) „Hush“ aus dem Jahr 2016 ist kein Film, der versucht, die Regeln des Home-Invasion-Thrillers zu brechen. Er nutzt die klassischen Zutaten: ein abgelegenes Haus im Wald, eine wehrlose Protagonistin und ein psychopathischer Killer ohne klares Motiv. Doch während viele Genre-Kollegen an logischen Lücken scheitern, glänzt „Hush“ meistens durch eine fast mathematische Effizienz. Nur dass eine taubstumme Frau alleine in einem Waldhaus leben muss, fand ich von Anfang an etwas doof - ist aber meine persönliche Meinung.

Eines der größten Probleme von Home-Invasion-Filmen sind Charaktere, die unlogisch handeln. Maddie hingegen nutzt ihre Sinne und ihre Umgebung klug. Jede Handlung fühlt sich verdient an.
John Gallagher Jr. spielt den Killer nicht als übernatürliches Monster, sondern als sadistischen, aber sterblichen Menschen. Dass er schon früh seine Maske abnimmt, nimmt dem Film das Mysterium, erhöht aber den psychologischen Druck: Es ist kein Geist, sondern ein Mann, der es einfach nur genießen will, sie sterben zu sehen.
Nur Katie Siegel spielt ihre Rolle als Madsie noch glaubwürdiger.
Auch die knackige Laufzeit von gerade einmal 80 Minuten lässt keine Längen zu.

Wer aber nach tiefgreifender Innovation sucht, wird enttäuscht. „Hush“ bleibt innerhalb der Grenzen dessen, was Filme wie zB. „The Strangers“vorgegeben haben. Das Finale verfällt zudem in einige typische Slasher-Klischees, die etwas von der zuvor aufgebauten Raffinesse rauben. Auch die Ausgangsposition der taubstummen Single Frau im Waldhaus ist genauso schwach wie die ungelösten Beweggründe des Killers. Daher reicht uns auch eine einmalige Sichtung.

„Hush“ bietet Genrefans genau das, was sie verlangen und verfällt nicht in gängige Klischees. Für einen unterhaltsamen Home Invasion Abend kann ich ihn schon empfehlen.

Das Bild der UHD ist gar nicht so leicht zu bewerten, da der halbe Film im dunkeln spielt. Hier kann HDR mit dem erweiterten Farbraum natürlich nicht punkten, wenn die Hauptfarben schwarz und blau sind. Bei den gut ausgeleuchteten Szenen gibt es solide schärfewerte mit einer hohen Bitrate auf der Disc zu bewundern. Hautporen, einzelne Härchen,… alles genauestens zu erkennen. Der Schwarzwert ist ok, könnte aber satter sein. Auch die Durchzeichnung hat oft mit fehlenden Details im Dunkeln kämpfen. Immer wieder verschwinden Details im Schwarz - vor allem im Gesicht und manchen Hintergründen.
Spitzlichter gibt’s nur ganz selten in Form von einer Taschenlampe oder Blaulichter der Einsatzfahrzeuge im Finale. Ich denke, dass hier, bei so einem dunklen Film, kein Upgrade notwendig ist und die Blu Ray reicht.

Der deutsche DTS-HD Ton ist in Ordnung, aber auch nichts besonderes. Klar, die wenigen Dialoge werden klar und präzise wiedergegeben. Das Sounddesign ist, wie oben genannt, aber klasse, da immer wieder gekonnt zwischen der Stille und „gefährlichen und bedrohlichen“ Geräuschen hin und her geschalten wird. Der Subwoofer bekommt wenig Futter und auch die hinteren Lautsprecher bekommen leider storybedingt wenig zu tun.

Als Bonusmaterial gibt es noch eine dritte vollgepackte Blu Ray Disc mit allerhand Extras im Gepäck. Sogar eine schwarz weiß Fassung (Shush Cut) mit alternativer Tonmischung, die 2024 über Shout! Studios veröffentlicht wurde, darf man auswählen. 

Ich mag diesen Genre Mix - eine gelungene Balance aus Comedy, Horror, Fantasy und Thriller, die eventuell zu gewagt für reine Komödien-Fans oder zu lustig für reine Horror-Fans ist.
Der Humor ist dunkel, frech und oft auf die Spitze getrieben. Die Dialoge zwischen Frank und seinen Geistern sind zuweilen richtig witzig.

Auch die Effekte aus dem Jahr 1996 können sich meistens noch sehen lassen… auch wenn man ihnen natürlich das Alter ansieht. Damals waren sie aber richtig hochwertig - ähnlich wie bei „Starship Troopers“.

In der Hauptrollen sieht man Michael J. Fox, der ein paar Jahre nach „Zurück in die Zukunft“ seine vielleicht charismatischste und witzigste Rolle spielt. Aber auch der restliche Cast, wie Jake Busy als Killer oder Jeffrey Combs als pedantischer FBI Agent Milton Dammers, der mehr Macken als Freunde hat sind immer wieder unterhaltsam. Natürlich darf auch Regisseur Peter Jackson selbst mal wieder überraschend durchs Bild flitzen.

Die einzigen wirklichen Kritikpunkte sind die etwas überladene Handlung, für die man für eine dunkle Komödie fast zu viel „aufpassen“ muss und dem minimal zu lang geratenen letzten Drittel, welches leider nicht das vorangegangene Tempo halten kann.

„The Frighteners“ ist eine unterschätzte, clevere, düstere Horrorkomödie aus der Feder von Peter Jackson und seiner Frau Fran Walsh mit einem starken Michael J. Fox in der Hauptrolle. Die Mischung aus makaberen Humor, soliden Effekten und Charme überzeugt nach wie vor, auch wenn die Story manchmal etwas überladen wirkt.

Nun zum Bild:
Die Restaurierung basiert auf einem nativen 4K-Transfer vom Originalnegativ und wurde persönlich von Peter Jackson abgenommen. Im Vergleich zur alten Universal Blu Ray merkt man sofort einen besseren Kontrast, mehr Tiefe und höhere Helligkeitswerte. Anfangs ist die Qualität noch etwas wechselhaft, was vermutlich dem schmuddeligem und bewölkten Wetter geschuldet ist. Auch das Intro selbst, als der Geist durch das Haus spukt, wirkt blass und flach. Das ändert sich Gottseidank nach
einigen Minuten und man bekommt eine tolle Schärfe spendiert, die Muster und Details offenbart, die man früher nicht erkennen konnte. Hautstrukturen und Textilien lassen sich genauestens erkennen- sogar bis in die hinteren Bildbereiche.
Der Schwarzwert ist sehr satt und dunkel, kann dafür gelegentlich Details verschlucken - bleib aber alles im Rahmen, keine Sorge.
Das sehr feine Filmkorn bleibt organisch erhalten, ohne störende Rauschunterdrückung oder digitale Artefakte.
Farben sind meist eher kühl gehalten, können aber auch richtig warm daherkommen. Gerade Hautfarben wechseln sich oft ab. Immerhin sind die restlichen Farben natürlich gehalten und vor allem Rot, gut zu sehen bei Mrs. Bradley Innenbeleuchtung oder bei Blut, kommt in unzähligen Facetten daher.
Trotz des Alters der frühen CGI-Effekte fügen sich diese durch das neue Mastering (fast) harmonisch in das scharfe Gesamtbild ein.
Insgesamt eine starke UHD, die den Film in neuem Licht erstrahlen lässt. Upgrade lohnt.

Auch beim Ton hat Turbine bei dieser Veröffentlichung alles richtig gemacht. Bereits zu Beginn darf man schon den coolen Dolby Atmos Trailer bestaunen. Sowohl die deutsche als auch die englische Tonspur liegen in einem neu erstellten Dolby Atmos Mix vor. Der Mix nutzt die Höhenkanäle effektiv für die zahlreichen Geistererscheinungen und Umgebungsgeräusche, was die räumliche Immersion massiv steigert. Egal ob Regen, das Knarzen vom Holz, die Schießereien im letzten Drittel, fast im Minutentakt kommen dynamische und glasklare Effekte „von oben“ daher“ und man fühlt sich dank der ebenfalls gelungenen 2D Soundebene mittendrin.
Apropos Dynamik: auch der Subwoofer bekommt bei den vielen Fantasyelementen viel zu tun und lässt ab und zu das heimische Kino richtig erbeben. Und das bei glasklaren Dialogen.
Auch der Soundtrack von Danny Elfman entfaltet sich schön im ganzen Raum. Und natürlich muss ich auch den coolen End-Credit Song „Don‘t Fear the reaper“ von The Mutton Birds erwähnen.
Der Ton bekommt daher die volle Punktezahl, da mich das Gesamtbild des Sounddesigns richtig positiv überrascht hat.

Das Set enthält den Film sowohl als Kino- als auch in der Directors Cut Fassung auf UHD. Die dritte Disc ist eine Blu Ray mit dem kompletten Bonusmaterial. 

Der Film glänzt durch seinen düsteren Humor und scharfe Gesellschaftskritik. Verhoeven (später bekannt für "Total Recall" und meinen Alltime-Fvoriten "Starship Troopers") nutzt überzogene, grafische Gewalt nicht nur zur Schockwirkung, sondern als Mittel zur Hervorhebung des urbanen Verfalls und der Abstumpfung der Gesellschaft. Eingestreute, satirische Fernsehwerbungen und Nachrichtenbeiträge (wie das atomare Brettspiel "Nuke 'Em") kommentieren zynisch den Konsumwahn und die Ängste der Zeit rund um den Kalten Krieg.
Im Kern ist "Robocop" jedoch eine Tragödie über die Suche nach der eigenen Menschlichkeit. Trotz seiner Programmierung und seines Titanlegierungskörpers kämpft Murphy mit eindringlichen Erinnerungsfetzen an sein früheres Leben, seine Frau und seinen Sohn. Diese emotionale Tiefe, die über das typische Action-Genre hinausgeht, verleiht dem Film seine Seele.

Paul Verhoevens Regiearbeit ist erneut stark. Er schafft eine glaubwürdige, dreckige Dystopie und inszeniert Action-Sequenzen mit rasanter Intensität. Die praktischen Effekte, insbesondere das Design des Robocop-Anzugs von Rob Bottin, sind wegweisend und tragen zur zeitlosen Ästhetik des Films bei. Die Darstellung der OCP-Bösewichte, angeführt von Ronny Cox, Kurtwood Smith und Miguel Ferrer, bietet ein perfektes Schurken-Gegenstück zum wortkargen Helden.

Basil Poledouris' Filmmusik ist, wie in vielen Verhoeven-Filmen, ein wesentlicher Bestandteil des Erfolgs. Der markante, martialische Hauptmarsch von "Robocop" ist sofort erkennbar und gilt als einer der klassischen Action-Soundtracks der 80er Jahre. Poledouris mischt geschickt orchestrale Elemente mit Synthesizer-Klängen. Die Musik untermalt sowohl die heldenhaften Momente als auch die emotionalen Tiefpunkte, wie Murphys qualvolle Erinnerungen.

Paul Verhoevens Science-Fiction-Action-Klassik er "Robocop" aus dem Jahr 1987 ist weit mehr als ein bloßer Actionfilm. Er ist eine bissige, überraschend intelligente Satire auf den Kapitalismus der Reagan-Ära, Medienmanipulation und die Militarisierung der Polizei. In Kombination mit Basil Poledouris ikonischem, martialischem Soundtrack und Peter Wellers nuancierter Darstellung bleibt der Film auch Jahrzehnte nach seiner Veröffentlichung ein unvergessliches Sci-Fi-Meisterwerk.

Der Transfer basiert auf einem nativen 4K-Scan des Original-Kameranegativs und bietet eine deutliche Verbesserung gegenüber früheren MGM Blu-ray. Die 4K-Auflösung bringt Texturen, Gesichtsdetails und die metallische Rüstung von Robocop besser zur Geltung. Das Filmkorn bleibt erhalten und sorgt für ein authentisches, filmisches Bild - stört allerdings in einigen wenigen Szenen mit einem stärkeren Kornaufkommen .
Die Integration von Dolby Vision (oder HDR10) ist der größte Vorteil. Sie sorgt für tiefere Schwarzwerte ohne Details absaufen zu lassen, verbesserte Kontraste und lebendigere Farben. Besonders die Rot- und Blautöne, das grelle Licht in Wissenschaftsszenen und Blutspritzer wirken intensiver und nuancierter.
Filmtypische optische Effekte der 80er Jahre (wie die Stop-Motion-Szenen mit ED-209 oder TV-Übertragungen) wirken naturgemäß weicher und heben sich vom ansonsten schärferen Bild ab, was jedoch eine Einschränkung des Quellmaterials ist und nicht des Transfers.
Insgesamt bietet die UHD ein schöneres, authentischeres und schärferes Bild als die alte Blu-Ray - dennoch herrscht etwas Luft nach oben.

Beim deutschen Ton darf man zwischen DTS-HD MA 5.1 und PCM 2.0 Ton wählen, während Originaltongucker Dolby Atmos spendiert bekommen. Im Grunde schenken sich die zwei deutschen Spuren nicht viel. Beide bieten klare Dialoge und nette Stereo-Effekte, haben aber insgesamt zu wenig Wumms. Beim DTS-HD Ton gibt´s noch ein paar Effekte von hinten, zB. bei den Schießereien oder wenn man Murphy in der Ego-Perspektive sieht. Ich bleibe beim 2.0 Ton, da dieser am authentischsten klingt. Aber auch der englische Atmos Ton ist jetzt nicht wirklich dynamischer, keine Sorge.

Extras gibt´s auf der beiliegenden Blu-Ray, denn auf der UHD sind lediglich Trailer und ein Audiokommentar enthalten. 

Legacy-Fortsetzungen sind seit dem 2018er „Halloween“ im Trend. Einige (zB „Evil Dead Rise“) haben es zwar geschafft, gelungene Fortsetzungen zu sein, aber die meisten (zB „Scream 5,6“) fühlen sich wie seelenlose Auftragsarbeiten zum Abkassieren an. Sie wollen mit Nostalgie blenden, in der Hoffnung, dass man ihren Mangel an Qualität nicht merkt. Und angesichts der Tatsache, dass die „Ich weiß, was du letzten Sommer getan hast“-Serie nie mehr als ein Slasher war, der versucht, im Fahrwasser von „Scream“ zu angeln, waren meine Erwartungen an die Neuauflage/Fortsetzung nicht hoch.

„Ich weiß, was du letzten Sommer getan hast (2025)“ folgt genau der gleichen Formel, die wir bereits 1997 gesehen haben: eine Gruppe junger Erwachsener lässt (erneut) jemanden zum Sterben zurück (wenn man es so nennen kann), vertuscht es und dann lässt jemand sie ein Jahr später dafür bezahlen. Ich habe ja nichts dagegen, die Handlungsstruktur zu wiederholen, besonders wenn es um Horror geht, aber wie oft kann das einer Person in derselben Stadt passieren?! Naja…

Der junge Cast spielt zwischen ok und fürchterlich schlecht. Es gibt klare Parallelen zwischen diesen Charakteren und denen aus dem ersten Film. Aber keiner von ihnen ist so sympathisch wie Freddy Prince Jr., Jennifer Love Hewitt und Co. Im Gegenteil: man wünscht sich für sie einen raschen Tod, sobald sie den Mund öffnen. Von daher wird auch mit niemandem jemals mitgefiebert.

Jeder Slasher kann aber eine simple Story und einen schlechten Cast mit seinen Kills noch vor dem Totalausfall retten. Das gelingt hier leider nur so halb. Die Kills waren zwar anständig genug, aber sie sind mit Ausnahme des „Wichtigsten“, leider wieder blitzschnell vorbei. Der FSK16 Flatschen passt aber schon. Etwas mehr Mut bei bestimmten Kills und deren Auswirkungen hätten die Macher aber schon haben können.
Die Killer-Enthüllung ist eines der heikelsten Dinge in einem modernen Slasher. Jeder versierte Zuschauer wird es hier aber wahrscheinlich ziemlich leicht erraten, aber das macht es nicht weniger idiotisch. Es gibt Cameos, die mich mit den Augen rollen ließen, und einige der dümmsten Killermotivationen, die ich je erlebt habe - „Scream VI“ lässt grüßen.

So sehr ich dieses Franchise immer als gelungen angesehen habe, war ich doch schockiert darüber, wie tief es mit diesem Film aus dem Jahr 2025 heruntergemacht wird. Er ruiniert im Wesentlichen den ersten Film, was man erst einmal schaffen muss. Die austauschbaren Schauspieler spielen schlecht, die Geschichte ist unsinnig, der Soundtrack generisch und die Dialoge fühlen sich an, als wäre er von jemandem geschrieben worden, der noch nie Menschen sprechen gehört hat. Dazu ziehen sich die 2h wie Kaugummi… und als ob das nicht reicht, zieht sich sogar das lahme Finale NOCH MEHR. Hoffentlich bleibt dem Franchise eine weitere lächerliche Legacy-Fortsetzung erspart.
Apropos erspart: lasst den Film am besten aus und schaut euch lieber nochmal die ersten beiden Teile an.

Zum Bild: ja es ist knackig scharf und dank Dolby Vision/ HDR10 auch mit tollen Farben versehen, leider wirkt das Gezeigt sehr matt und eigentlich schon langweilig. Meiner Meinung nach wurde hier hässliche Farbfilter verwendet und alles sieht nur noch künstlich aus.

Der deutsche DTS-HD Ton ist aber dynamisch und effektvoll, wie es sein muss. 

Die Stärke des Films liegt in seiner düsteren, feuchten und bedrohlichen Atmosphäre. Regisseur Rob Cohen („Dragon: Die Bruce Lee Story“, „The Fast and the Furious“) sorgt durch eindringendes Wasser, Gaslecks und weitere Einstürze für durchgehende Spannung. Die praktischen Effekte und das Set-Design sind auch heute noch beeindruckend und tragen zur Glaubwürdigkeit der Katastrophe bei. Alle Charaktere schwitzen, sind dreckig und nass - so soll es auch sein.

Wie bei Katastrophenfilmen üblich, besteht die Gruppe der Überlebenden aus stereotypen Charakteren – vom Hitzkopf über das streitende Ehepaar bis hin zur angehenden Autorin (Amy Brenneman). Ihre Interaktionen sind oft formelhaft und das Drehbuch bietet wenig Tiefgang. Dialoge wirken manchmal kitschig und die Entwicklung der Charaktere bleibt meist oberflächlich.
Trotz dieser Schwächen funktioniert der Film als rasante, actiongeladene Unterhaltung.

Stallone liefert eine solide Leistung als selbstloser, wenn auch gequälter Held. Die Spannung wird durch die Aneinanderreihung von Hindernissen (sehr cool die Szene in den Ventilatoren!) aufrechterhalten, was die zwei Stunden Laufzeit wie im Flug vergehen lässt.
Naja fast, denn der Aufbau des Films in der ersten Hälfte gefällt mir wesentlich besser als die vor (unnötig) hysterischem Gekreische getränkte zweite Hälfte.

"Daylight" erfand 1996 das Rad des Katastrophengenres nicht neu, aber er ist immer noch ein kompetent inszenierter, unterhaltsamer Action-Thriller. Wer einen anspruchslosen aber visuell starken Film mit viel Adrenalin sucht, wird hier fündig. Es ist ein Paradebeispiel für das 90er-Jahre-Kino – laut, explosiv und mit einem klaren Fokus auf den Überlebenskampf.

Nun zum Dolby Vision Bild, welches im Vollbild Ansichtsformat 1,85:1 auf die UHD gepresst wurde und mit fast konstanten 90Mbit/s Datenrate daherkommt.
Gleich zu Beginn gibts zuerst einmal ein schmuddeliges Regenwetter mit passenden grauen Wolken - dieser neutralen Flächen zeigen schon mal etwas Filmkorn was auch zeigt, dass hier keine bis wenig Rauschfilter verwendet wurden. Feinst aufgelöstes Korn bietet einen filmischen Look.
Danach gibt es viele Gesichtsdetails wie Hautporen, Kleidungstexturen und beeindruckende praktische Set-Designs zu bestaunen. Maserungen und Kanten sind messerscharf. Auch Karo Muster, egal ob auf Sakkos oder Damenröcken, sind nun bis ganz weit hinten im Bild genauestens auszumachen.
Auch der Schwarzwert ist nun wesentlich satter als noch bei der Blu Ray und lässt obendrein auch keine Details absaugen. Das Bild wirkt dadurch auch wesentlich plastischer. Hautfarben kommen auch natürlich daher. Dank Dolby Vision erstrahlen Orange und Rottöne in neuem Glanz - gerade die anfänglichen Explosionen sehen nun noch dramatischer aus. Aber auch Spitzlichter in Form von glänzendem Wasser, funkeln in den Augen, Explosionen, Blaulichtern, chromatische Gegenstände, Scheinwerfern, Taschenlampen, Reklametafeln und ganz besonders von Funken gibts immer wieder zu sehen - hier ist die Kontrastdynamik genau ausbalanciert, wie ich finde.
Lediglich gegen Ende im Fluss, bei den Unterwasser Szenen und bei wenig beleuchteten Szenen wirken einige Aufnahmen und Tricks etwas rauer und nicht sehr scharf. Insgesamt ist das Bild für das Alter wirklich sehr wichtig ausgefallen.

Mehr als nur sehr gut fällt auch der deutsche Dolby Atmos Ton aus. Bereits zu Filmbeginn bekommt man einen coolen Dolby Atmos Trailer zu sehen bzw. Hören.
Aber auch dann, nach einer kurzen Einleitung von Regisseur Rob Cohen, beginnt der Film schon bei den Credits dynamisch. Dialoge sind glasklar und immer wieder gibt es von allen Seiten tolle Umgebungsgeräusche zu hören. Wenn dann die Explosion im Tunnel losgeht, freut sich das potente Heimkino. Ein druckvoller Bass verteilt sich im ganzen Raum und dank Atmos-Effekte fühlt man sich richtig mittendrin. Egal ob Explosionen, Hubschrauberblätter, gebrochene Wasserrohre, herabfallende Erdbrocken und Betonteile oder ganz cool - brutzelnde Stromkabel, alles ist genauestens von oben zu orten. Gerade das offengelegte Stromkabel schwingt über dem Zuschauer wirkungsvoll und brutzelnd hin und her. Der Film bietet unzählige richtige 3D Sounds von oben und macht die Disc schon fast zur Referenz- und herzeige Disk für Dolby Atmos Systeme. Aber auch die normale 2D Soundebene macht richtig Laune es gibt einfach immer wieder mal was aufs Ohr. Richtig richtig stark!

Aber auch Extras wie ein Making of, ein umgeschnittenes Ende, Regisseur Interviews, Featurette oder ein Musikvideo gibts bereits auf der UHD zu finden. 

„Die Rosenschlacht“ ist ein Remake des 1989 von Danny DeVito inszenierten „Rosenkrieg“, mit Michael Douglas und Kathleen Turner in der Hauptrolle, welchen ich aber nicht gesehen habe. Ich sah nur den Trailer vom aktuellen Film und fand ihn interessant sowie lustig. Dass auch noch Jay Roach („Austin Powers“, „Meine Braut, ihr Vater und ich“) am Regiestuhl Platz nahm, fand ich dann noch mal interessanter.

Man folgt während des größten Teils des 105 minütigen Films einer ziemlich konventionellen Rom-Com-Formel und dieser liefert nur in den letzten 15 Minuten die verrückte Prämisse, die der Trailer des Films versprochen hat. Die verbalen Anfeindungen , die durch den Raum geworfen werden, sind brutal und machen schon Spaß. Aber nicht alle Gags zünden es gibt ein paar Aspekte, die nicht ganz zusammenpassen mögen. Es gibt eine Charakterentwicklung der Kinder, die nicht ganz funktioniert und der Film braucht einfach zu lange, um die Feindseligkeit aufzubauen - was es ein wenig schwer zu verdauen macht, weil wir wollen, dass dieses Paar es wieder schafft.

Der Hauptgrund, warum dieser Film aber halbwegs funktioniert, ist, dass Colman und Cumberbatch einfach gute Schauspieler sind, so dass sie einige der größten Probleme im Drehbuch überspielen können. Sie haben eine großartige Chemie und wenn sich die Sache aufheizt, kauft man es ihnen auch ab. Es schadet nicht, dass sie von einer wirklich soliden Besetzung von Komikern umgeben sind.Andy Samberg („Brooklyn Nine Nine“) und Kate McKinnon („Ghostbusters 2016“) spielen ihre besten Freunde und sind sehr lustig - der Rest ist austauschbar.

Leider habe ich auch ein Problem mit dem Grundton des Films. Komödie oder doch Drama? Hier wird einfach zu schnell und zu oft das Genre gewechselt, was dem Film schadet.

Das allergrößte Problem dieses Films ist das Tempo. Nicht unbedingt das Gefühl, zu lang zu sein, sondern mit der Art und Weise, wie sich der Film entfaltet. Es ist schwer, die gegenseitige Zerstörung der beiden Figuren zu feiern, wenn man den größten Teil des Films damit verbracht hat, die Familie ins Herz zu schließen.
Auch war ich durch den Trailer auf eine reine Komödie eingestellt. Tja, leider trifft dies nur auf die Hälfte des Films zu. Die andere Hälfte teilen sich eben Drama und Rom-Com, was sehr bedauerlich ist. Ich hatte auf eine Feel Good Komödie gehofft und bekam mit „Die Rosenschlacht“ nur etwas halbherziges. Nicht Fisch und nicht Fleisch sozusagen und daher ist er auch sehr schwer einzuordnen bzw. zu bewerten. Uns hat aber die einmalige Sichtung gereicht. 

Ich habe nur den Trailer gesehen, fand ihn sehr interessant, vermied weitere Infos und versuchte mein Glück mit einem Blindkauf des Indie-Films, der bereits 2022 entstand.

Die Grundidee von "The Immaculate Room", was so viel wie "Unbefleckter Raum" heißt, ist ja wie erwähnt sehr interessant, aber die Ausführung ist leider inkonsistent geraten. Der Film schafft es nicht, das volle Potenzial der Idee auszuschöpfen und verliert sich in Vorhersehbarkeit. Trotz des Potenzials für intensiven Psychoterror fehlt es dem Film oft an echtem Nervenkitzel oder kreativen Ideen, sei es auch nur eine originelle Kameraführung, um die Spannung aufrechtzuerhalten.
Das Finale kommt dann leider auch zu überstürzt und unbefriedigend daher. Die tiefgründigen Themen wie Isolation, Gier und die Zerbrechlichkeit menschlicher Beziehungen werden zwar angesprochen, aber nicht konsequent zu Ende gedacht.
Schade, denn bei so einem Setting, der coolen Grundidee und einer knackigen Laufzeit von gerade einmal 90 Minuten (die sich wesentlich länger anfühlen!) hatte ich mir einfach mehr erhofft. Am Ende war ich dann froh, als dann endlich der Abspann lief.

Lichtblick des Films sind die Leistungen von Kate Bosworth ("Barbarian", "Before I Wake") und Emile Hirsch ("Into the wild", "The Autopsy of Jane Doe"). Sie geben ihr Bestes, um die die flach geschriebenen Charaktere mit Leben zu füllen.

"The Immaculate Room" ist ein Film für Fans von Kammerspielen und psychologischen Experimenten. Er bietet solide schauspielerische Leistungen, kann aber die Erwartungen an eine innovative und fesselnde Handlung nicht erfüllen. Er ist möglicherweise einen Blick wert, wenn man ihn mal im Stream findet, aber kein Muss für die Sammlung. Der Film fliegt bei mir wieder raus.

Bild und Ton sind für eine aktuelle Produktion in Ordnung. Ein audiovisuelles Feuerwerk wird ohnehin nicht abgefeuert.
Die Schärfe geht in Ordnung, lediglich bei dunklen Szenen zeigen sich blockähnliche Artefakte im Schwarz, was natürlich nicht schön ist. Auch der Schwarzwert selbst ist nicht optimal und bietet höchstens ein dunkelgrau.

Dialoge sind klar verständlich und die hinteren Lautsprecher haben lediglich bei den kurzen Songs und den Durchsagen ihren Auftritt. Ansonsten, wie auch beim Bild, relativ unspektakulär.

Als Extra gibt´s lediglich einen deutschen und englischen Trailer und ein Wendecover ohne FSK12 Flatschen. 

Der Film, der 1997 von Jerry Bruckheimer produziert wurde, liefert teilweise eine wilde Orgie aus brutalen Effekten, Tönen und Explosionen. Die Action ist auch fast 30 Jahre später atemlos und rasant inszeniert.
Aber auch das beeindruckende Ensemble, das dem Film trotz der eher einfachen Handlung Tiefe verleiht, weiß zu überzeugen. Nicolas Cage als ehrenhafter Ex-Army Ranger Cameron Poe, John Malkovich als psychopathischer Mastermind Cyrus "The Virus" Grissom und John Cusack als U.S. Marshal Vince Larkin werden oft hervorgehoben. Schön, Cusack auch mal in einer richtig coolen Rolle aufleben zu sehen. Auch Nebendarsteller wie Steve Buscemi (als Serienkiller Garland Greene), Danny Trejo und Ving Rhames tragen zur Qualität bei.

Natürlich muss man bei "Con Air", wie bei so vielen Actionfilmen, die Logik beiseite lassen. Der Film nimmt sich selbst nicht zu ernst und ist ein Paradebeispiel für Blockbuster-Action, bei dem es vor allem um Spaß und Over-the-Top-Momente geht. Trotzdem trüben einige Logiklöcher und Klischees mal wieder den Filmspaß und auch die erste Hälfte ist insgesamt etwas interessanter geraten, während es in der zweiten Hälfte trotz satter und mehr an Action einige Längen (zu generisch, zu vorhersehbar) gibt.

"Con Air" hat das Action-Genre der 90er maßgeblich mitgeprägt und kann in einem Atemzug mit anderen Action-Hits dieser Zeit wie "The Rock" und "Face/Off" genannt werden. Insgesamt ist "Con Air" ein äußerst unterhaltsamer, wenn auch inhaltlich wenig tiefgründiger, Action-Reißer der sich im Laufe der Jahre einen Kultstatus erarbeitet hat, der vor allem durch seine prominente Besetzung und die visuelle Inszenierung überzeugt.

Das Bild der Blu Ray hat immer noch gut saturierte Farben (vorwiegend Orange und gelb), genügend Details und einen soliden Schwarzwert.
Aber auch der Ton kann nach all den Jahren noch mit seiner Dynamik, Räumlichkeit und Klarheit überzeugen. Top. 

Die ungleiche Paarung von Nicolas Cage als nervösem, brillanten Chemiewaffenexperten Dr. Stanley Goodspeed und Sean Connery als abgebrühten, charismatischen Ex-Spion John Patrick Mason ist das Highlight des Films. Ihre Dialoge sind witzig und das Zusammenspiel funktioniert jederzeit hervorragend. Nur schade, dass Sean Connery in der zweiten Filmhälfte wenig(er) Screentime hat.
Ed Harris liefert eine überzeugende Leistung als General Francis X. Hummel, dessen Motive für die Geiselnahme (eine Entschädigung für im Geheimen gefallene und vergessene Soldaten) verständlich sind, was der Handlung Tiefe verleiht. Aber auch die Nebenrollen sind mit John Spencer, David Morse, Michael Biehn, John C. McGinley oder Tony Todd namhaft besetzt.

Der Film bietet hochenergetische, rasante Actionsequenzen und Verfolgungsjagden, die für das Genre wegweisend waren. Die Inszenierung ist packend und lässt dem Zuschauer kaum Zeit zum Luftholen.
Das Setting ist natürlich einmalig, denn die Nutzung der Gefängnisinsel Alcatraz als zentraler Schauplatz bietet eine atmosphärische und ikonische Kulisse für den Thriller.
Auch die Filmmusik von Hans Zimmer, Nick Glennie-Smith und Harry Gregson-Williams wird oft als herausragend und stimmungsfördernd beschrieben. Schwächen des Films
Michael Bays charakteristischer Regiestil mit exzessiven Explosionen und schneller Schnittfolge (Videoclip-Ästhetik) kann zwar von einigen als überladen oder zu hektisch empfunden werden - ich finde es aber für diese Art Film, die so leider eh nicht mehr gedreht werden (können), genau richtig.

Einzig die damals gängigen Hollywood-Klischees, konstruierte Zufälle und das vorhersehbare Action-Muster habe ich zu bemängeln. Und wenn mans genau nimmt, vielleicht auch die ersten verzichtbaren 15 Minuten des Films.

Insgesamt ist "The Rock" auch fast 30 Jahre später ein solider, äußerst unterhaltsamer Action-Thriller, der seine Schwächen durch eine energiegeladene Inszenierung und ein brillantes Schauspiel-Ensemble wettmacht. Er ist immer noch einer der besten 90er-Jahre-Action-Blockbuster und vielleicht sogar Michael Bays bestes Werk.

Das Bild der Blu Ray hat immer noch gut saturierte Farben, genügend Details und einen soliden Schwarzwert.
Aber auch der Ton kann nach all den Jahren noch mit seiner Dynamik, Räumlichkeit und Klarheit überzeugen. Top. 

Der Film aus dem Jahr 2018 ist ein Fest für die Augen. Die CGI-Welten der OASIS sind detailreich und kreativ gestaltet. Die Actionsequenzen sind dynamisch inszeniert und nutzen das Medium Virtual Reality voll aus.
Für Fans der 70er- und 80er-Jahre sowie der allgemeinen Nerd-Kultur ist der Film eine einzige Schatzsuche. Vom "Zurück in die Zukunft"-DeLorean über den Giganten aus dem All bis hin zu einer ganzen Sequenz im Stil von Stanley Kubricks "Shining" sind unzählige Anspielungen nahtlos in die Handlung integriert.
Steven Spielberg beweist hiermit erneut sein Talent für zeitloses Abenteuerkino. Er schafft es, die Balance zwischen rasanter Unterhaltung und den ruhigeren Momenten in der realen Welt zu finden, was dem Film eine solide Grundlage verleiht.

Die Geschichte ist im Kern eine klassische Heldenreise, die wenig überraschende Wendungen bietet. Für Zuschauer, die eine tiefgründige oder innovative Erzählung erwarten, könnte der Film daher enttäuschend sein. Auch bei meiner zweiten Sichtung gestern ließen sich schon Abnutzungserscheinungen erkennen, da mir dieses OASIS, also diese bombastische virtuelle Welt nicht wirklich fesseln kann.
Während die Hauptdarsteller Tye Sheridan ("Mud") und Olivia Cooke ("Bates Motel") ganz solide Leistungen zeigen und den Film erden, bleiben die restlichen Charaktere insgesamt relativ flach und leider auch voller Klischees.
Ebenso kommt mir vor, dass die schiere Menge an Referenzen manchmal wie Dekoration wirkt und von der eigentlichen sowie simplen Geschichte ablenkt.

"Ready Player One" ist ein gelungener Science-Fiction-Bl ockbuster, der den Zuschauer vor allem durch seine technische Brillanz und seinen Charme unterhält. Obwohl er erzählerische Schwächen hat und die Charaktere arg klischeebeladen sind, ist er dennoch eine spaßige, visuell beeindruckende Achterbahnfahrt, die sich für einen unterhaltsamen Filmabend absolut lohnt.

Nun zum 4k UHD Bild. Der Film wurde zwar nur in 2.8K gedreht und in 2K gemastert (Digital Intermediate), aber für die UHD-Veröffentlichung auf 4K hochskaliert. Trotzdem ist ein sichtbarer Detailzuwachs und eine größere Tiefenwirkung, besonders in den CGI-lastigen OASIS-Szenen, erkennbar.
Die Unterstützung von HDR10 sorgt für beeindruckende Kontraste und lebendige, kräftige Farben. Die knallbunte virtuelle Welt der OASIS profitiert enorm von der erweiterten Farbdarstellung im Vergleich zu den bewusst trist gehaltenen Realwelt-Szenen, die auch noch feines (künstliches?) Filmkorn zeigt. Bei der Realwelt kam mir der Kontrast bei hellen Flächen etwas zu grell vor. Der Schwarzwert ist schön tief und verschluckt auch keine Details in den dunklen Szenen. Insgesamt ein starkes (hochgerechnetes) 4K UHD Bild mit etwas Luft nach oben.

Der deutsche Dolby Atmos Ton ist fast schon referenzwürdig. Er liefert ein dynamisches, präzise verortetes 3D-Klangbild. Besonders Actionszenen wie das Eröffnungsrennen oder auch das schießwütige Finale nutzen die Höhenkanäle eindrucksvoll. Dazu gibt´s ein hervorragendes Surround-Klangerlebnis mit wuchtigem Bass und klarer Dialogverständlichkeit. Insgesamt ein starker Ton, der das Heimkino zwar beben lässt, aber nicht ganz an die Referenztitel wie "Godzilla 2: King of the Monsters" oder "Deepwater Horizon" herankommt. Ganz oben darf aber auch "Ready Player One" mitmischen. 

Für Fans wie mich, die die Reise der Warrens von Anfang an verfolgt haben, fühlt sich „Das letzte Kapitel“ wie eine liebevolle Hommage an die früheren Filme an. Er nimmt sich viel Zeit, die Geschichte abzuschließen und bietet einen klaren Sinn für Finalität. Regisseur Michael Chaves („Conjuring 3“, „Lloronas Fluch“) schafft es, die Geschichte der Warrens zu einem passenden Ende zu führen, was für eine langlebige Horror-Reihe keine Selbstverständlichkeit ist.

„The Conjuring - The Last Rite“, wie er im Original heißt, das mit Spannung erwartete Finale der Hauptreihe und liefert genau das, was sich langjährige Fans erhoffen: einen emotional tiefgründigen und würdigen Abschied von Ed und Lorraine Warren. Während der Film vielleicht nicht die Originalität des ersten Teils erreicht, glänzt er durch die unschlagbare Chemie seiner Hauptdarsteller und einen berührenden Fokus auf das Vermächtnis der Warrens.

Der absolute Höhepunkt des Films ist wieder einmal das Zusammenspiel von Patrick Wilson und Vera Farmiga. Ihre Darbietungen als Ed und Lorraine Warren sind erneut makellos und tragen das Herz des gesamten Franchise. In diesem letzten Kapitel rückt die persönliche Ebene der Charaktere stärker in den Vordergrund, insbesondere die Beziehung zu ihrer Tochter Judy (ebenfalls stark gespielt von Mia Tomlinson) und die Auseinandersetzung mit dem Ende ihrer Karriere als Paranormal-Ermittler. Diese emotionale Tiefe verleiht dem Horror eine seltene, menschliche Resonanz und macht den Abschied umso wirkungsvoller.

Obwohl die Jump Scares sehr vorhersehbar sind und der Grusel selbst etwas nachgelassen hat, schafft es der Film, eine konstante, unheimliche Atmosphäre aufzubauen, die an die Ästhetik der ersten Filme erinnert. Die Inszenierung ist solide und es gibt einige effektiv umgesetzte, spannende sowie unerwartete Momente, die den Zuschauer fesseln. Der Horror dient hier eher als Kulisse für das Drama der Familie, was dem Film eine einzigartige Note innerhalb des Conjuring-Universums verleiht.
Für meinen Geschmack zelebriert der Film das Conjuring-Finale aber etwas zu sehr, was sich auch an der zu lange geratenen Laufzeit von 135 Minuten widerspiegelt. Hier hätte ich mir ein etwas strafferes Pacing und mehr Horror gewünscht. Auch der ein oder andere Logikfehler (gleich zu Beginn) stört.

Zwei weitere (persönlicher) Kritikpunkte sind der Wechsel des Bildformates vom klassischen 2,39:1 Bild zum bildschirmfüllenden 1,78:1 Vollbild, welches sich immer wieder bei den Gruselszenen ankündigt. Das nimmt die Überraschung von vornherein weg.
Auch mag ich die gelbgoldene Farbgebung nicht immer. Klar, bei den Szenen, die in den 60er Jahren spielen passt es noch, aber im Jahr 1984 wirkt das gelbe Bild nicht stimmig. Komischerweise verschwindet dieses „Gelb“ im letzten Drittel. Hier hat wohl jemand beim Produktionsdesign geschlafen. Kurzum: bei Farben und deren Verwendung bin ich eben sehr pingelig - womöglich fällt das anderen gar nicht auf.

„The Conjuring - Das letzte Kapitel“ mag inhaltlich keine Revolution sein, aber er ist ein befriedigender und herzlicher Abschied von zwei der ikonischsten Figuren des modernen Horrorkinos. Dank der überragenden Leistungen von Farmiga und Wilson und einem starken Fokus auf das emotionale Ende der Saga ist es ein würdiger letzter Ritt, der Fans mit einem guten Gefühl aus dem Kino entlässt. An den Erstling kommt auch dieser Teil nicht heran.

Das 4K UHD Bild sieht insgesamt fantastisch aus und bietet eine saubere, scharfe und reich detaillierte Präsentation von Anfang bis Ende, die keine nennenswerten Probleme zeigt. Farben kommen sehr warm daher. Details gibt es unzählige bei Charakteren (zb sieht man bei der Tochter der Warrens jedes einzelne Pünktchen bei ihrem gepunkteten Kleid), Einstellungen der Umgebungen und den unheimlicheren Elementen, während Dolby Vision und HDR verschiedene Teile verbessert, einschließlich Kleidung und helle Hintergründe. Alles verstärkt durch tiefe, satte und problemlose Schwarzstufen, die auch in den immens dunklen Momenten keine Details verschlucken. Spitzlichter halten sich in Grenzen und werden wohldosiert in Form von Taschenlampen, Scheinwerfern oder Lampenschirmen eingesetzt. Insgesamt ein klasse 4K UHD Bild.

Auch der deutsche Dolby Atmos Ton zeigt bereits in den ersten Minuten was er kann- und zwar in Form von Dynamischen Effekten (auch von oben!) und einen starken Subwoofer Einsatz. Danach wirds storybedingt mal etwas ruhiger aber im späteren Verlauf hört man dann glasklare Dialoge und immer wieder bei den Gruselszenen lautes Knarzen, Brummen und poltern. Wenn Regen auf das Dach prasselt hört man das genau so gut wie unheilvolle genauso ortbare Geräusche von oben. Da freut sich das Heimkino-Audio Herz! Wie auch beim Bild gibt’s beim Atmos Ton Topwerte. 

Der Film spielt an Bord des amerikanischen Atom-U-Boots USS Alabama, das während einer politischen Krise mit russischen Nationalisten in Alarmbereitschaft versetzt wird. Als ein Befehl zum Abschuss von Nuklearraketen eingeht, wird die Übermittlung eines zweiten, möglicherweise den ersten widerrufenden Funkspruchs, unterbrochen. Dies führt zu einem erbitterten Machtkampf zwischen dem altgedienten, instinktgetriebenen Captain Frank Ramsey und seinem disziplinierten, protokollbewussten Ersten Offizier Ron Hunter.

Regisseur Tony Scott („Top Gun“) inszenierte 1995 einen visuell dichten und actiongeladenen Film, der die psychologische Intensität in den Vordergrund stellt. Die schnellen Schnitte und die nahen Kamerabilder verstärken das Gefühl der Dringlichkeit und des Chaos an Bord. Obwohl, oder gerade WEIL die Handlung im beengten Raum eines U-Boots spielt, gelingt es Scott, den Zuschauer durchgehend zu fesseln.

Der absolute Kern des Films sind die brillanten Darstellerleistungen der beiden Hauptprotagonisten. Denzel Washington verkörpert den intelligenten, Prinzipien folgenden Offizier, während Gene Hackman den "Hardliner" und erfahrenen Kommandanten spielt. Ich hatte schon ganz vergessen, wie gut Hackman spielen konnte. Ihr intelligenter Dialog, an dem Gerüchten zufolge Quentin Tarantino ungenannt mitgeschrieben haben soll, und ihr Kampf der Willen sind ebenso fesselnd wie die Actionsequenzen. Das moralische Dilemma, welches sich aus dem Konflikt zwischen Gehorsam, Pflicht und eigenem Urteilsvermögen ergibt, verleiht dem Thriller Tiefe.

Einzig Hans Zimmers Score mag für mich nicht ganz passen, da er mich oft an seine "Fluch der Karibik"-Arbeit erinnerte und mich kurzzeitig aus dem Geschehen warf - aber vielleicht ging es nur mir so.
Ach ja, auch die (überraschende) Charakterentwicklung von Captain Ramsey war mir ein Dorn im Auge, da sie so gar nicht zu ihm passen mag. Allerdings ist dies Jammern auf hohem Niveau.

"Crimson Tide" ist dennoch ein starker Beitrag des 90er Jahre Spannungskinos, das Action, Drama und moralische Fragen geschickt miteinander verbindet. Es ist ein Paradebeispiel dafür, wie herausragende schauspielerische Leistungen und eine dichte Inszenierung einen militärischen Thriller zu einem zeitlosen Erlebnis machen können. Wer packende, intelligente Unterhaltung schätzt, wird diesen Film garantiert genießen.

Bild und Ton bieten Top Werte. 

Regisseur Rob Reiner ("Stand By Me", "Die Braut des Prinzen") inszenierte 1990 den Film als intensives Kammerspiel, das fast ausschließlich von der Dynamik zwischen den beiden Hauptfiguren lebt. Die Isolation und Pauls Hilflosigkeit erzeugen eine durchgehende, beklemmende Spannung, die an Hitchcock-Klassiker erinnert. "Misery" behandelt tiefgründige Themen wie Obsession, Macht und die komplexe Beziehung zwischen Künstler und Konsument. Er dient auch als Metapher für Sucht und Kontrolle, wobei Annie Wilkes die Rolle des überwältigenden, zerstörerischen Suchtmittels einnimmt.

Der Film lebt von seinen Darstellern. James Caan ("Rollerball", "Der Pate") überzeugt als verletzlicher, gefangener Autor und spielt hier wirklich stark den Genesenden, aber es ist Kathy Bates ("Dolores", "Titanic"), die als unberechenbare, psychopathische Annie Wilkes Filmgeschichte schreibt. Ihre Darstellung wechselt nahtlos zwischen mütterlicher Fürsorge und erschreckender Grausamkeit und wurde zurecht 1991 mit einem Oscar als Beste Hauptdarstellerin ausgezeichnet. Interessanterweise hielt Stephen King selbst die Verfilmung für gelungener als sein eigenes Buch, was nicht zuletzt an der perfekten Besetzung lag. Und ja, der Film ist gelungen, aber nicht frei von Fehlern.

Ich habe zwar das Buch nie gelesen, finde es aber schade, dass im Film die Polizeiarbeit von Sherriff Buster kein zufriedenstellendes Ende erfahren durfte. Ja, er findet den schwarzen Mustang aber mit Paul´s Befreiung (die leider Off-Screen stattfindet) hatte er rein gar nichts am Hut. Auch wird im Film keine Zeitspanne genannt, wie lange Paul gepflegt wurde. Klar, spielt "Misery" in den Wintermonaten aber kleine Zeitangaben (Datum, Wochentage oder dergleichen) hätten mir als Zuschauer ein besseres Zeitgefühl gegeben, wie lange Pauls Leiden schon andauert. Das I-Tüpfelchen wäre noch etwas mehr Hintergrundstory von Annie gewesen.

So oder so ist "Misery" ein Meisterwerk des Psychohorrors, das durch seine straffe Inszenierung, seinen Nervenkitzel und insbesondere durch die herausragende Performance von Kathy Bates besticht. Ein absolutes Muss für Fans des Genres und eine der besten Stephen-King-Adaptionen überhaupt.

Das Bild im Vollbild Ansichtsformat 1,85:1 zeigt feines natürliches Filmkorn, eine angenehme Schärfe und natürliche Farben. Der Schwarzwert ist solide und die Durchzeichnung passt.
Der DTS 5.1 Ton ist recht frontlastig, bietet aber klare Dialoge und einige wenige nette Umgebungs-Effekte. 

"Virus" nimmt sich selbst nicht allzu ernst und liefert genau das, was er verspricht: eine rasante Achterbahnfahrt der Unterhaltung. Die Handlung ist einfach gehalten – eine Schlepper-Crew trifft auf ein verlassenes russisches Forschungsschiff, das von einer feindseligen KI übernommen wurde – was dem Film ein schnelles Tempo verleiht. Es gibt kaum Leerlauf; stattdessen reiht sich eine intensive Action-Sequenz an die nächste, untermalt von viel Krach und Explosionen. Er ist ein Paradebeispiel für kurzweiliges Popcorn-Kino der 90er Jahre.

Obwohl "Virus" bei seiner Veröffentlichung im Jahr 1999 von Kritikern oft zerrissen wurde, hat der Film von Regisseur John Bruno (Effekte-Spezialist für "Titanic", "Abyss") eine treue Fangemeinde gefunden, die seine Stärken als geradliniger, actiongeladener B-Movie zu schätzen weiß. Wer sich auf einen unterhaltsamen Mix aus "Deep Rising", "The Thing" und "Aliens" einlässt, wird hier bestens bedient.

Einer der größten Pluspunkte des Films sind die spektakulären Spezialeffekte und das einzigartige Kreaturendesign. Die Mischung aus Animatronik und CGI ist für die damalige Zeit beeindruckend und verleiht den Cyborg-Monstern eine creepy, mechanische Ästhetik. (Trekkies nennen sie "Borg") Die Art und Weise, wie die außerirdische Intelligenz Maschinen und menschliche Körper zu kybernetischen Horrorkreationen verschmilzt, sorgt für einige schaurige Momente, die Fans des Body-Horrors begeistern dürften. Der hohe Produktionswert ist durchweg spürbar und lässt den Film teurer aussehen, als viele seiner Genre-Pendants.

Der Cast, angeführt von Scream-Queen Jamie Lee Curtis als taffe und einfallsreiche Heldin und einem herrlich überzogenen Donald Sutherland als exzentrischem Captain, trägt maßgeblich zum Charme bei. Sutherland scheint sichtlich Spaß an seiner Rolle zu haben und sorgt mit seinem schrägen Overacting für den einen oder anderen (unfreiwillig) komischen Moment, der perfekt zur "Guilty Pleasure"-Atmosphäre des Films passt.

"Virus" ist beileibe kein Meisterwerk, hat sogar einige große Logiklöcher (wenn Wasser ein Schwachpunkt ist, warum dann nicht einsetzen? usw.) und erfindet das Genre-Rad sicher nicht neu, aber er ist ein solider, unterhaltsamer Sci-Fi-Horror-Thriller, der besser ist als sein Ruf. Mit seinen kreativen sowie handgemachten Kreatureneffekten, der soliden Action und dem charmanten B-Movie-Flair ist er ein Tipp für alle, die Lust auf einen unkomplizierten, spannenden Filmabend haben. Für Fans von Monsterfilmen dieser Ära ist ein Blick definitiv lohnenswert.
Da der Film GENAU in mein Beuteschema fällt, bekommt er noch den einen Extra Fan-Punkt von mir.

Das Blu Ray Bild ist für das Alter ordentlich - lediglich der Ton hätte etwas mehr Dynamik vertragen können. 

Ich erinnere mich noch gut an „28 Days Later“, als Jim, gespielt von Cillian Murphy, aus seinem Krankenhausbett aufsteht und durch die leeren Straßen Londons wandert. Quer durch die Stadt, über die Themse, vorbei an der St. Paul's Cathedral und zu sehen gibt es kaum mehr als Müll und verlassene Fahrzeuge. Ein umgestürzter Doppeldeckerbus ist der einzige wirkliche Hinweis auf eine frühere Katastrophe. Während Jim einige Betonstufen erklimmt, schnappt er sich einen Haufen verlorenes Bargeld und stopft die Geldscheine in einen Plastiksack. Er ist sich noch nicht bewusst, wie nutzlos diese Zettel geworden sind. Der genredefinierende frühe Zombiefilm von Regisseur Danny Boyle und Autor Alex Garland war reich an diesen sparsamen und effizienten Bildern. Ein Mann, der inmitten der Apokalypse Geld aufschaufelt, enthält so viele Kommentare über die Natur der modernen Gesellschaft, den Kapitalismus, die ultimative Sinnlosigkeit der Währung. All dies ohne Dialoge und lange bevor wir einen der fleischfressenden Infizierten treffen, die das Dilemma des Films vorantreiben.

Jetzt haben sich Boyle und Garland für ihre lang erwartete Fortsetzung „28 Years Later“ nochmals zusammengesetzt und heraus kam ein gut gemeintes chaotisches Wirrwarr. Ohne die polierte Grausamkeit von „28 Weeks Later“ aus dem Jahr 2007 (unter der Regie von Juan Carlos Fresnadillo) und ohne die rohe Energie und emotionale Tiefe des Originals ist „28 Years Later“ tonal, visuell und dramatisch sowas von inkohärent. Er versucht einige Gedankenspiele über Sterblichkeit, elterliche Liebe und vielleicht sogar eine Prise „Brexit“ aber bleibt nie am Ball, da Boyle und Garland ständig einen Handlungsfaden aufgeben, nur um billige Reaktionen vom Zuschauer zu ergattern oder einen neuen genetischen Stamm des Monsters einzuführen. Während „28 Days Later“menschliches Versagen, instinktive Gewalt und eine gefundene Familie behandelte, hat „28 Years Later“eine dünne Story gespuckt mit schwammigen Themen. Die Filmemacher scheinen sich nur zu fragen: Was wäre, wenn es immer noch Zombies gäbe? Fast nichts in der Eröffnungspassage dieses Films macht Sinn. Warum muss ein kleiner 12-Jähriger Zombies töten, die sicher von seinem Dorf getrennt sind? Warum riskiert sein Vater ihr Leben, ohne zumindest zu planen, Vorräte mitzunehmen? Warum haben sie nicht mehr Pfeile mitgebracht? Gut geschriebene Charaktere dürfen natürlich Fehler machen, aber hier sind sie dann doch so entgegengesetzt und unlogisch, nur um die Story voranzutreiben. Welche Story? Hm, ich glaube Boyle wollte nur neue Zombie-Varianten salonfähig machen. Das wars dann auch schon, glaube ich.

Eine Sache, die „28 Days Later“ von anderen Filmen im Untoten-Genre abheben ließ , war die Geschwindigkeit und Wildheit, die seine Zombies antrieb, ganz im Gegensatz zu den schäbigen Leichen in Romeros „Night of the Living Dead“. Jetzt stellt Boyle eine Rasse von matschigen, langsam bewegenden Infizierten sowie einen Alpha vor, der "großer und klüger" ist als die normalen Zombies, wie Jamie Spike bei ihrem Ausflug erklärt. Für einen Moment fragte ich mich, ob Boyle die Idee der Evolution erforschte... oder eine Kreatur, die wir als monströs ansehen, die mehr wie wir wird... oder die Ausgleichung von Raubtier und Beute. Nein. Er ist einfach größer, klüger und rennt herum. Mehr wird’s nicht. Ab und zu hat man das Gefühl, dass Garland und Boyle an der Oberfläche von etwas kratzen, nur um dann wieder komplett was anderes weiter zu verfolgen. Es wirkt von Beginn an chaotisch, stressig und sehr wechselhaft. Wir wurden beim Schauen nie wirklich abgeholt. Klar handwerklich wurde gut gearbeitet: Schnitt, Maske, Locations,… aber auch da fand ich den Score und den Soundtrack oft unpassend.

Dann gibt´s zusätzlich Charaktere, die so schlecht durchdacht waren. Zum Beispiel Eric, der Marine. Mehr als für einen (zugegeben gelungenen) gesellschaftskritischen Seitenhieb (das Foto seiner Schönheitsoperierten Freundin am Handy, welche von Spike nicht so recht erkannt wurde) langte es dann nicht. Oder Ralph Fiennes als Dr. Kelson, der immer wieder mal Chancen hatte, einen Alpha zu töten und machte es aber nie. Warum?? Oder auch die kranke Mutter- hat sie nächtlich ihren Sohn gerettet oder war das nur ein Traum? Vieles sollte man am besten gar nicht hinterfragen - es ergibt eh keinen Sinn. Und von der im Finale auftauchenden blonden „Jimmy Gang“ hülle ich lieben den Mantel des Schweigens, denn die schießt dann endgültig den Vogel ab.

Insgesamt macht „28 Years Later“ viel mehr falsch als richtig und als großer Fan des genialen Erstlings tut es mir fast weh, was aus der langerwarteten Fortsetzung schlussendlich gemacht wurde: ein handwerklich gut umgesetzter aber inkohärenter, unlogischer, uninspirierter und teilweise langweiliger Zombiefilm, der vermutlich viel zu viel von sich selbst erwartet hat. Bleibt eigentlich nur eine berechtigte Frage: Wer ist nun blöder? Ich, weil ich den Film vermutlich nicht verstanden habe oder der Film selbst…? 

Was passiert, wenn du stirbst? Gibt es ein helles Licht, einen Tunnel oder reist man zu einem himmlischen oder höllischen Ziel? Oder lässt man sein ganzes Leben filmisch vor den Augen ablaufen, bis man seinem Schöpfer gegenüber steht? Es gibt nur wenige tiefgründigere Fragen in der ganzen Philosophie und Religion als das Geheimnis des Lebens nach dem Tod. Kein Wunder, dass viele Filme gedreht wurden, die sich mit diesem Thema befassen, darunter ein lebhafter Horrorthriller von Joel Schumacher („Falling Down“) aus 1990 namens „Flatliners“.

Mit einer Besetzung aufstrebender Schauspieler wie Kiefer Sutherland, Kevin Bacon und Julia Roberts, erzählte das Original die Geschichte einer Gruppe von Medizinstudenten, die vom Leben nach dem Tod besessen wurden und freiwillig für 1, 2, 3 oder sogar 4 oder mehr Minuten starben, bevor ihre Klassenkameraden sie wiederbelebten, damit sie ihre Visionen und Erfahrungen teilen konnten. Es stellte sich heraus, dass böswillige Kräfte am Werk waren und jeder wurde von jemandem aus seiner Vergangenheit heimgesucht - jemandem, dem sie Unrecht getan hatten. Es scheint, dass es bei dem Tod um ungelöstes Karma geht.

Das 2017 veröffentlichte Flatliners-Remake bleibt bei der gleichen grundlegenden Geschichte: Medizinstudenten, die bereitwillig ihre Herzen anhalten, damit sie ins Jenseits abtauchen können. Natürlich alles etwas „polierter“ und moderner. Anfangs war ich vom recht unbekannten Cast (unter anderem Ellen bzw. Elliot Page oder der aus „Rogue One“ stammende Diego Luna) etwas abgeschreckt, da sie alle eher oberflächlich wirkten. Dieses erste Bild besserte sich aber schlagartig, weil man merkt, wie diese Clique füreinander einsteht und sich jeder bis aufs äußerste für den anderen kämpft. Diese Chemie gefiel mir. Auch das Setting des Krankenhauses bzw. dessen Notfall-Keller zum Experimentieren.

Dabei geht dieses Remake in Punkto Grusel sogar noch einen Schritt weiter als das Original und punktet erfreulicherweise mit ein paar gut getimten Jump Scares. Gerade im letzten Drittel kommen immer mehr Dämonen aus vergangenen Tagen zum Vorschein.

Mich hat der Film bis zum Ende hin gepackt und er gefällt mir, unabhängig vom Erstling, richtig gut. Gebraucht hat es ihn nicht aber dennoch haben Genrefans ihre Freude daran. Die knapp 100 Minuten haben ein schnelles Pacing - gelegentlich Hänger bzw. „sich im Kreis drehen“ gibts nur gegen Ende hin. Der Cast passt, ja sogar der im Original Mitwirkende Kiefer Sutherland erhielt eine kleine Rolle und auch sonst ist „Flatliners“ (2017) handwerklich gut inszeniert. Audiovisuell sehr hochwertig und spannend.

Es ist eine Schande, wenn man im Internet so viel schlechtes über den Film lesen muss, nur weil es ein unnötiges Remake sein soll. Das finde ich nämlich ganz und gar nicht: ich habe mit dem Original UND dem Remake Spaß - ganz unabhängig voneinander.

Bild und Ton sind Sony typisch richtig gut. 

“Zoomania“ ist ein wunderschön realisierter Film, in dem viel darüber nachgedacht wurde, wie so viele verschiedene Tierarten auf funktionale und produktive Weise koexistieren könnten. Es ist nicht nur logisch, sondern auch sehr witzig: Judy kann in einer Szene von Elefanten und Giraffen in den Schatten gestellt werden und in der nächsten über eine Nachbarschaft von Mäusen ragen. Diese Art von Designarbeit ist der größte Vorteil des Films und die Quelle vieler seiner stärksten Witze.

Der Film bringt eine verständlich ausgedrückte Botschaft über Rassismus und kulturelle Harmonie und es ist ebenso erfrischend zu sehen, wie er es offen zugibt, dass eine solche Harmonie schwierig ist und wahrscheinlich unvollkommen bleibt. Es ist eine etwas erwachsenere Art von Botschaft, als man normalerweise in einem Familienfilm sieht. Es gibt mehr als ein paar Elemente im Film, die unerwartet aber gelungen ein älteres Publikum ansprechen, darunter ein Tier-Labor voller „Breaking Bad“ Anspielungen. Es ist die Art von Popkultur-Referenz, die ich gerne sehe.

Der Disney Film landete dank meiner Kids früher öfter mal im Player. Aber auch gestern fiel mir auf, dass die FSK 0 Einstufung mal wieder so gar nicht passt, denn „Zoomania“ ist mit seiner Krimi-Geschichte einfach viel zu komplex für unter 6-8 jährige, trotz teilweiser knuddeloptik.

Dennoch ist es einer der besseren Disney Titel, da die Message aber auch die Technik stimmt. Lediglich am Beginn des letzten Drittels zieht sich der Film etwas - und das fällt mir bei jeder Sichtung auf.

Das Bild ist sehr plastisch, scharf, detailreich und bunt gehalten.

Der DTS-HD 7.1 Ton bietet auch genügend Dynamik und direktionale Effekte. 

Ich habe schon einige Horrorfilme gesehen, die in einem Häuschen im Wald spielen. „The Cabin in the Woods“, „Tanz der Teufel“, „Misery“,… kommen mir in den Sinn, wenn ich an dieses Subgenre der Horrorfilme denke. Ein aktueller Film in diesem Subgenre ist „Never Let Go“ aus dem Jahr 2024y Er stammt vom Regisseur hinter dem gelungenen „Crawl“, Alexandre Aja. Er weiß eigentlich, wie man Spannung in dieser Art von Film aufbaut. Er konnte immerhin einen Hurrikan mit blutrünstigen Alligatoren kombinieren.

Hier schaffen er und die Autoren KC Coughlin und Ryan Grassby eine Geschichte, die zwar etwas seltsam ist, mich aber vor und während dieses Films interessiert hat. Ein unsichtbares "Böses" wird manchmal als tote Menschen in den Augen von Berrys Charakter visualisiert. Sie sind verstorbene Familienmitglieder. Es ist ein bisschen verwirrend, was mit ihnen passiert ist. Sie sind nur eine der Bedrohungen, die das "Böse" für die Jungen und ihre Mutter darstellt. Als alter Horrofan wusste ich leider schon früh im Film, wohin die Reise geht. Aber auch anderen Zuschauern wird es recht schnell auffallen.

Die technischen Aspekte des Films sind ziemlich gut. Die Kameraführung, die Kostüme, das Make-up und das Styling sind einige der positiven Teile des Films. Es gibt viele Szenen der Wälder, von denen das Haus umgeben ist, die ziemlich gruselig aussehen, wenn Geister erscheinen, die ziemlich böse aussehen. Besonders eine Figur, die als die Mutter von Berrys Charakter beschrieben wird. Die Kostüme sind das, was man von einer Familie erwarten würde, die viele Jahre lang außerhalb der Zivilisation lebt. Die Kinder tragen selbst angepasste Kleidung von ihrem verstorbenen Vater. Die Kostüme passen zu den Charakteren und der Stimmung des Films.

Da dies ein Horrorthriller ist, muss der Film etwas besonderes haben, das die Zuschauer dazu bringt, in die Geschichte einzutauchen. Da hat mich der Film ein bisschen verloren. Nach der Hälfte des Films war es für mich etwas schwierig, hinter die Geschichte zu kommen. Es gibt keinen großen Aha-Moment, der die Komplexität dieses Films erklärt. Mir kam dann auch vor, dass „Never Let Go“ selbst nicht weiß, in welche Richtung er gegen Ende hin steuern soll. Manche Ideen verpuffen einfach und das (für mich) überraschungsarme Finale holen den Film leider auch nicht aus dem Einheitsbrei heraus.

„Never Let Go“ ist am Papier ein interessanter Titel. Ich wollte ich den Film und die drei Hauptfiguren mögen aber ich habe einfach den Glauben an die Geschichte und alles, was Aja und die Autoren taten, verloren. Die Besetzung und die technischen Aspekte waren gut, aber die Geschichte war nicht packend genug. Es gab ein paar beängstigende Momente, aber nicht genug, um mich die ganze Zeit zu unterhalten. Die Wendung hat mich leider wenig überrascht und mit Oscarpreisträgerin Halle Berry als Produzentin war dies offensichtlich ein Leidenschaftsprojekt für sie - nur hat es leider nicht auf allen Ebenen funktioniert.
Kann man als interessierter schauen - muss man aber nicht.

Immerhin war das Bild UND der deutsche Ton Top.
Man sieht jedes Detail - in dunklen wie in hellen Szenen.

Der Ton ist schön dynamisch und räumlich. Dialoge sind glasklar. Top. 

Ja, die frühen 2000er Jahre. „Shaun of the Dead“, „The Ring“, „Final Destination“, „The Others“ und wie sie alle heißen sorgten für Schlagzeilen und perfekte Unterhaltung. Aber es gab auch einen Jason im Weltraum und einen Busta Rhymes, der gegen Michael Myers kämpft. Jeder Film bekam nun eine Fortsetzung spendiert. Diese Zeit wird auch gerne mal „Post-Scream-Ära“ genannt. Nicht, weil jeder Film das Bedürfnis verspürte, einen Meta-Kommentar zum Genre zu haben sondern weil anscheinend niemand wusste, wie ein Franchise weitergehen soll.

2003 kam dann „Wrong Turn“ mit einer einfachen, unkomplizierten Geschichte in die Kinos. Er ging keine Risiken ein und wollte genau das sein was er schlussendlich ist: ein geradliniger und simpler „backwood slasher“ oder besser gesagt eine „Kannibalen-Monster-Jagd“. Dabei wird sogar noch fleißig bei Genregrößen wie „Texas Chainsaw Massacre“ oder „The Hills Have Eyes“ geklaut um am Ende dennoch eine Eigenständigkeit zu besitzen, welche bis jetzt fünf Nachfolger hervorbrachte.

Der damalige Kritikpunkt war, dass „Wrong Turn“ wenig Charakter hätte und wenig einprägsam sei. Kann man so stehen lassen. Aber im Gegensatz zu mancher Konkurrenz, bei der CGI Masken und Blut zum Tragen kamen, ist „Wring Turn“ wesentlich besser gealtert und hat die Zeit recht gut überstanden.
Natürlich gibts austauschbare, blutjunge und hübsche Klischee Teenies und natürlich weiß man sofort, wer überlebt und wer nicht (meist sogar in der richtigen Reihenfolge) aber der Weg dorthin wurde mit einigen spannenden und blutigen Szenen geschmückt. Alles von Stan Winston handgemacht versteht sich - und das funktioniert fast 25 Jahre später immer noch hervorragend. Kills sind schön saftig aber nie übertrieben - also nicht wie bei „Art - Dem Clown“. Außerdem ist die Nettospielzeit von knapp 80 Minuten genau richtig gewählt.

Das flotte Pacing steht dem Film auch heute noch gut und Hänger gibts eigentlich keine. Das Katz- und Maus Spiel durch den Wald von West Virginia bietet tolle Schnitte (haha Wortspiel) und unterhält durchgehend.
„Wrong Turn“ versucht nicht, das Rad neu zu erfinden, sondern konzentriert seine Bemühungen auf einen spannenden Überlebenskampf gegen Inzüchtlern mit Heimvorteil. Er tut, was es versucht, gut genug, um auch heute noch unterhaltsam zu sein und ich kann ihn jedem Genrefan empfehlen. Für mich war er sowieso immer schon klasse.

Das Bild der UHD ist gegenüber der alten Blu Ray schon auf den ersten Blick besser. Vorbei sind die schwache Farben und der trübe Look. Körnig und rau bleibt der Look zwar nach wie vor, Filmkorn wird aber sehr fein aufgelöst und filmisch wiedergegeben. Farben kommen dank HDR etwas satter daher - vor allem Blut glänzt nun saftig tiefrot. Der Schwarzwert bietet sattes Schwarz, lässt aber nur in ganz dunklen Szenen, wie in der Holzhütte oder in den Baumkronen, Details schwerer erkennen. Ansonsten gibts Details, die früher nicht zu sehen waren. Egal ob Falten,
Hauporen oder Muster auf Textilien- man kann alles gut und dank tollem Kontrast, leicht erkennen. Natürlich darf ein günstig produzierter Slasher aus dem Jahr 2003 nicht mit aktuellen Produktionen verglichen werden, aber dank einer soliden Bitrate im gehobenen mittleren Bereich, bekommt man doch ein gutes 4K UHD Bild im bildschirmfüllenden Ansichtsverhältnis 1,78:1 zu sehen. Upgrade lohnt.

Auch der deutsche DTS-HD MA 5.1, welcher bereits auf der alten Blu Ray zu finden war, ist immer noch dynamisch und raumfüllend genug. Waldgeräusche wie das Zwitschern der Vögel kann man durchgehend aus allen Lautsprechern ausmachen. Auch Dialoge sind jederzeit gut verständlich. Lediglich eine Synchronsprecherin wirkt etwas „unbeholfen“. Dynamik kommt in den spannenden Szenen auch auf und insgesamt macht die Tonspur schon Laune.

Extras hat die UHD bis auf den Trailer keine zu bieten. Dafür gibts auf der beiliegenden Blu Ray einen ganzen Batzen Bonusmaterial, welches man aber schon kennen dürfte. 

Der Film spielt in den 1960er Jahren und nutzt diesen Retro-Futurismus-Stil (ähnlich wie bei den "Jetsons" Cartoons), um sich optisch und atmosphärisch von anderen MCU-Produktionen abzuheben. Die Geschichte konzentriert sich auf die Ursprünge des Teams – Reed Richards (Pedro Pascal), Sue Storm (Vanessa Kirby), Johnny Storm (Joseph Quinn) und Ben Grimm (Ebon Moss-Bachrach) – und ihre Verwandlung nach einem kosmischen Vorfall. Anstatt sich sofort in gigantische Schlachten zu stürzen, nimmt sich der Film Zeit für die Charakterentwicklung und die Dynamik innerhalb der Gruppe - und das tut dem Film gut und lässt den Zuschauer auch mehr mitfühlen.

Im Kern ist es ein Film über Familie, wichtigen Entscheidungen und Menschlichkeit. Dieser emotionale Fokus, kombiniert mit dem "Comicfilm mit Herz"-Ansatz, funktioniert und unterscheidet ihn von vielen anderen generischeren Superheldenfilmen.
Übrigens funktioniert der Film recht gut als eigenständiges Werk, ohne übermäßig viele MCU-Querverweise zu benötigen, was mir persönlich sehr gefallen hat.

Der Cast wurde gut gewählt und harmoniert untereinander. Besonders die Geschwisterdynamik zwischen Vanessa Kirby und Joseph Quinn sowie die emotionale Tiefe, die Pedro Pascal und Kirby als Paar einbringen fühlen sich echt und herzlich an.
Ja, das Retro-Design der 60er Jahre ist ein großer Pluspunkt, allerdings könnten, und das ist mir bei aktuelleren Superheldenfilmen schon oft aufgefallen, die Effekte besser aussehen und nicht als solche hervorstechen. Egal ob Feuer, Explosionen oder Materialschlachten im Finale: alles wirkt zu künstlich. Irgendwie hat sich die CGI Technik oder der Wille zur perfekten Umsetzung derer in den letzten 10-15 Jahren nicht wirklich weiterentwickelt.
Ein weiterer Kritikpunkt ist der schwache Mittelteil. Nach den wirklich genialen Weltraumabschnitt (der gerne länger dauern hätte dürfen) plätschert der Film gute 20 Minuten vor sich hin, ehe das Finale eingeläutet wird. Immerhin sind alle Szenen mit dem Schurken Galactus unterhaltsam.

"The Fantastic Four: First Steps" ist der bisher beste Leinwandauftritt der "Ersten Familie" und ein charmanter Start in eine neue Ära. Er liefert eine solide Grundlage, die Lust auf mehr macht - auch wenn er nicht ganz perfekt ist. Fans der Charaktere dürften größtenteils zufrieden sein mit dieser herzlichen, visuell ansprechenden Interpretation. Mir hat die einmalige Sichtung gereicht. 

Der Film basiert auf einem gefälschten Trailer von Regisseur Jon Watts („Spider Man: Homecoming“), der zum Spaß Eli Roths Namen als dessen Produzent verwendete. Eli Roth sah den Trailer und mochte ihn so sehr, dass er sich dachte, warum nicht wirklich eine Version in Spielfilmlänge produzieren. So wurde das Horrordrama „Clown“ geboren.

„Clown“ fängt ziemlich vielversprechend an und wirft sogar etwas Humor ein, um die Stimmung ein wenig aufzuhellen. Es ist der Anfang des Films, den ich am meisten genossen habe, als die Hauptfigur im Film, Kent (Andy Powers), das Clown-Outfit für seinen Sohn anzieht und er das verdammte Ding nicht mehr los bekommt. Kent muss in dem Outfit zur Arbeit gehen (inklusive bunten Haaren und einer falschen Nase) und beginnt in Panik zu geraten, als es so aussieht, als ob das bunte Haar sein eigenes wird und die Clownsnase mit seinem Gesicht verschmolzen ist.

Kent rennt vor seiner Familie davon und versucht herauszufinden, was genau er tun soll. Nach einem ungewöhnlichen Selbstmordversuch wird der Hunger nach Kindern zu groß und die Gewalt beginnt sich zu entwickeln, Word aber nie übertrieben dargestellt. Als Kent anfängt, sich zu verändern, entfernen wir uns vom Anfang und von dem gruseligen Clown und bekommen einen fiesen Dämon (gespielt von Eli Roth), der erst ganz am Ende des Films wirklich auftaucht. In der Zwischenzeit, bzw. ab der zweiten Hälfte, verbringen wir einige Zeit mit Kents Frau Meg. Sie versucht herauszufinden, wie sie ihrem Mann helfen und ihr Kind schützen kann. Das bedeutet gleichzeitig aber leider viel investigatives Herumlaufen und wenig Horror.

Der körperliche und psychische Zerfall von Kent war zwar ganz nett und handwerklich gut gemacht, erreicht aber nie die Liga eines Jeff Goldblums in „Die Fliege“. Hier und auch bei den Kills hätte ich mir etwas „mehr“ erwartet.
„Clown“ unterhält zumindest in der ersten , spannenden Hälfte sehr gut, während in der zweiten Hälfte zu wenig Grusel, Drama und schauwerte geboten werden. Schade, denn der ernste Ansatz einer doch merkwürdigen Idee gefiel mir ganz gut. Eine einmalige Sichtung reicht hier.

Bild und Ton sind solide. 

Regisseur Peter Segal (Nackte Kanone 33 1/3, Die Wutprobe) inszenierte eine nette 90er Jahre Komödie mit dem viel zu früh verstorbenen SNL Comedian Chris Farley. An seine Seite stellte man den ebenfalls aus SNL bekannten David Spade und schickte sie auf einen roadtrip, um die Firma zu retten.
Nette Gags und seichte Kost… eine echte 90er Jahre Komödie eben. Der kleine Running Gag mit dem Auto, welches immer mehr Schaden im Verlauf des Filmes nimmt erinnerte mich oft an den ersten „Jumanji“ oder an „Ein Ticket für zwei“.
Der Score von David Newman muss wieder einmal gelobt werden, wie auch Rob Lowe als Bösewicht, der hier einen Überraschungsauftritt hat- ohne in den Credits erwähnt zu werden.

Das 4K UHD Bild im Vollbild Ansichtsformat 1,85:1 ist wirklich gelungen. Wir deutschsprachigen Filmfans haben von dem Film bislang ja nur eine DVD spendiert bekommen, während andere Länder sogar eine Blu Ray aufwarten können. Na immerhin gibts nun eine Ultra HD und die bietet einige tolle 4K Wow Bilder, die sich immer wieder wieder mit ordentlichen Blu Ray Bildern mischen. Soll heißen, dass die Bildqualität von Szene zu Szene unterschiedlich ausfällt, aber immer im gehobenen Niveau bleibt. Ich glaube auch, dass hier mit nachschärfefiltern gearbeitet wurde, bin mir aber nicht ganz sicher, denn das Filmkorn wird sehr fein aufgelöst wiedergegeben und auch Haare und Sakkomuster sind nun detailliert auszumachen.
Farben kommen natürlich und gut saturiert daher. Gesichtsfarben wirken gesund und auch der Schwarzwert ist für eine Komödie aus dem Jahr 1995 mehr als ordentlich.
Helligkeitsspitze n bleiben aus aber liefern immerhin helle neutrale Flächen ohne zu überstrahlen. HDR10 und Dolby Vision schenken sich hier wenig - Dolby Vision bietet bei genauerem Hinschauen vielleicht etwas mehr Helligkeit und Strahlkraft. Chromatische Elemente glänzen sehr hell und strahlend und auch Objekte, die weiter hinten zu sehen sind, werden oft genug noch scharf wiedergegeben. Wenn da nicht die wechselhafte Qualität von UHD auf Blu Ray wäre, könnte ich definitiv eine hohe Note fürs Bild geben - so bleibts eben bei einer guten Bewertung für ein Bild, welches wir für diesen Film so noch nie gesehen haben. Upgrade (von DVD auf UHD) lohnt!

Der deutsche Dolby Digital 2.0 Ton ist natürlich sehr frontlastig - für eine Komödie aber ausreichend. Mein Denon Verstärker holte sogar ab und zu nette Surround Effekte wie Verkehrs-, Stadt- und Partylärm von hinten heraus und sorgte so für ein nettes mittendringefühl.
Dialoge sind jederzeit klar verständlich und auch sonst gibts nette Stereoeffekte. Solide und zweckmäßig trifft es ganz gut.

Extras gibt es leider keine - nicht mal ein schnöder Trailer. Da es eine Single UHD Veröffentlichung ist, gibts auch keine zweite Disc mit Bonusmaterial im Set dazu. Sehr schade.