Filmbewertungen von Vincent_vega84

The Wolf of Wall Street ist ein Film wie ein dreistündiger Fiebertraum, der zwar eindeutig zu lang geraten ist, es aber trotzdem erstaunlich gut schafft, sein faszinierendes Tempo fast über die gesamte Laufzeit zu halten. Was soll ich da nur sagen, dieser Film ist einfach extrem unterhaltsam und zeigt gleichzeitig eine derart übertriebene und skrupellose Seite des Kapitalismus, dass einem das Lachen manchmal im Halse stecken bleibt. Bei mir zündet der Humor jedenfalls bis heute und bei vielen Szenen muss ich einfach immer noch lachen. Wie viel von dem, was im Film passiert, tatsächlich genauso passiert ist, sei mal dahingestellt, aber die Geschichte rund um Jordan Belfort ist so absurd und masslos, dass man teilweise kaum glauben kann, was man da gerade sieht. Meiner Meinung nach liefert Leonardo DiCaprio hier eine seiner stärksten Leistungen überhaupt ab und verkörpert Belforts Charme, Grössenwahn und Skrupellosigkeit einfach perfekt. Umso bedauerlicher finde ich es, dass er für diese Rolle keinen Oscar bekommen hat, denn auch wenn der Oscar später noch nachgeholt wurde, hätte er ihn für diese Leistung meiner Meinung nach deutlich mehr verdient gehabt. Auch der restliche Cast ist richtig stark aufgestellt, wobei vor allem Margot Robbie und Jonah Hill mit ihren herausragenden und teilweise völlig verrückten Auftritten besonders hervorstechen. Die Story ist absoluter Wahnsinn und das gilt auch für die Inszenierung, denn Martin Scorsese schafft es meisterhaft, diesen Wahnsinn auf die Leinwand zu bringen und den Zuschauer direkt in Belforts ausschweifendes Leben hineinzuziehen. Dazu kommen eine grossartige Kameraarbeit, ein hervorragender Schnitt und ein Soundtrack, der perfekt zur Atmosphäre des Films passt. Gleichzeitig gelingt es Scorsese trotz all des Humors und der Unterhaltung, auch die dunkle Seite dieser Welt zu zeigen und deutlich zu machen, wie zerstörerisch Gier, Macht und ein Leben ohne Grenzen sein können. Wenn The Wolf of Wall Street ein wenig knackiger erzählt und an einigen Stellen gekürzt worden wäre, wäre er für mich ein absolut perfekter Film. Aber auch so bleibt das ein Film, den ich einfach liebe und immer wieder gerne anschaue, mit so vielen legendären Szenen, dass man hier meiner Meinung nach definitiv das Wort Kult verwenden darf. 

Mit ihrem Langfilmdebüt Blood Simple liessen die Coen-Brüder bereits erahnen, dass in Zukunft noch einiges von ihnen zu erwarten sein würde und lieferten einen wirklich interessanten Thriller ab. Besonders überzeugt der Film für mich durch seine raffinierte Geschichte, die sich aus Missverständnissen, Zufällen und jeder Menge Pech entwickelt und dadurch immer wieder neue Wendungen bereithält. Trotz der relativ kurzen Laufzeit von gerade einmal 90 Minuten wird die Handlung dabei nie langweilig, sondern bleibt durchgehend spannend und unterhaltsam. Diese Art des Geschichtenerzählens, bei der sich eine eigentlich einfache Situation immer weiter zuspitzt und ins Chaos stürzt, sollte später zu einem typischen Merkmal vieler Werke der Coen-Brüder werden und findet hier bereits einen gelungenen Anfang. Auch die Inszenierung kann überzeugen, wobei die vielen nächtlichen Szenen dem Film eine düstere und bedrückende Atmosphäre verleihen, ihn stellenweise aber auch etwas eintönig wirken lassen. Besonders gelungen ist zudem, wie die Coens mit den Erwartungen des Zuschauers spielen und Informationen gezielt zurückhalten, wodurch man sich immer wieder fragt, wer eigentlich wen hintergeht. Weniger überzeugend fand ich dagegen die Dialoge, die teilweise etwas trocken und emotionslos wirken und noch nicht die besondere Mischung aus skurrilem Humor und markanten Gesprächen besitzen, für die die Coen-Brüder später bekannt wurden. Gerade etwas mehr schwarzer Humor hätte dem Film meiner Meinung nach gutgetan und hätte die ansonsten sehr düstere Geschichte zusätzlich aufgelockert. Insgesamt ist Blood Simple für mich trotzdem ein gelungenes Langfilmdebüt, was mit einer raffinierten Geschichte, einer starken Atmosphäre und einer spannenden Inszenierung überzeugt und bereits deutlich zeigt, welches Potenzial in den Coen-Brüdern steckt. 

The Mandalorian war für mich hinter Andor lange das interessanteste Star Wars Projekt auf Disney+, zumindest in den ersten beiden Staffeln, während sich in der dritten Staffel bereits eine gewisse Ermüdung bemerkbar machte. Trotzdem hätte ich mich auf eine vierte Staffel durchaus gefreut, die nun allerdings ausblieb und stattdessen durch den Kinofilm The Mandalorian and Grogu ersetzt wurde. Genau an diesem Punkt scheitert der Film für mich jedoch bereits, denn zu keinem Zeitpunkt fühlt er sich wirklich wie ein Kinofilm an, sondern eher wie zwei bis drei etwas hochwertiger produzierte Episoden der Serie. Zwar bietet der Film solide Unterhaltung und einige ordentlich inszenierte Actionszenen, besonders die Eröffnung mit den AT-ATs sorgt dabei für einen gelungenen Einstieg. Die eigentliche Geschichte konnte mich dagegen kaum fesseln, da sie weder besonders spannend noch überraschend erzählt wird und zudem einige Entscheidungen für das Star Wars Universum, etwa im Umgang mit den Hutten, etwas fragwürdig wirken. Auch visuell bleibt der Film hinter seinen Möglichkeiten zurück, da viele Szenen erneut stark nach The Volume aussehen und die teilweise sehr engen Settings mit deutlich erkennbaren digitalen Hintergründen wenig Kinofeeling aufkommen lassen. Insgesamt wirkt die Inszenierung dadurch erstaunlich trist und stellenweise sehr künstlich, obwohl gerade ein Star Wars Kinofilm eigentlich von grossen Bildern und einem Gefühl von Abenteuer leben sollte. Positiv bleibt, dass Pedro Pascal als Din Djarin und Grogu weiterhin gut funktionieren und der Film zumindest kurzweilige Unterhaltung bietet, ohne jemals wirklich schlecht zu werden. Am Ende bleibt jedoch ein Star Wars Film, der nie wirklich enttäuscht, aber eben auch kaum begeistert und deshalb vermutlich genauso schnell wieder vergessen sein wird, für ein so grosses Franchise ist das meiner Meinung nach deutlich zu wenig. 

Mrs. Doubtfire ist einer dieser Filme, die ich als Kind geliebt habe und der erstaunlicherweise auch heute noch sehr gut funktioniert. Während früher vor allem die klamaukigen und überdrehten Szenen im Vordergrund standen, entfaltet der Film mit heutiger Sicht vor allem auf emotionaler und psychologischer Ebene seine grösste Stärke. Die Geschichte eines Vaters, der aus purer Verzweiflung extreme Entscheidungen trifft, wirkt dabei überraschend ernst und vielschichtig. Besonders die Gerichtsszene, in der Daniel selbst zugibt, geisteskrank zu sein, bekommt rückblickend eine fast schon verstörende Tiefe. Betrachtet man sein Verhalten nüchtern, ist dieser Gedanke tatsächlich nicht ganz von der Hand zu weisen. Getragen wird der Film dabei nahezu vollständig von Robin Williams, der hier schlicht Weltklasse spielt. Seine charmante Art, seine Energie und sein komödiantisches Timing sind ansteckend und machen jede Szene sehenswert. Gleichzeitig verleiht er der Figur eine Verletzlichkeit, die den Film emotional erdet. Gegen Ende ist Mrs. Doubtfire für meinen Geschmack etwas zu lang geraten und zieht sein Finale unnötig in die Länge. Trotzdem macht der Film auch heute noch richtig Spass und stimmt zugleich traurig, weil Robin Williams nicht mehr unter uns ist. 

Ganze 13 Jahre liess die Fortsetzung zu Finding Nemo auf sich warten, was eine wirklich lange Zeit ist, aber zum Glück hat sich das Warten gelohnt. Was sofort auffällt, ist die Qualität der Animationen, denn in diesen Jahren hat sich technisch sehr viel getan und Finding Dory sieht dadurch nochmals deutlich besser aus als sein Vorgänger. Die Unterwasserwelt ist wunderschön gestaltet und steckt voller kleiner Details, wodurch der Film auch optisch sehr beeindruckend ist. Die Figuren bleiben genauso liebenswert wie im ersten Teil und besonders die Entscheidung, Dorie diesmal in den Mittelpunkt zu stellen, fand ich sehr gelungen. Die Macher schaffen es dabei, ihre Geschichte so zu erzählen, dass der Fokus auf Dorie nie erzwungen oder fehl am Platz wirkt. Auch die neuen Charaktere passen gut in die Geschichte und sorgen für einige lustige und unterhaltsame Momente. Wie schon Finding Nemo ist Finding Dory ein toller Abenteuerfilm für Gross und Klein, der mit einer emotionalen und spannenden Geschichte wunderbar unterhält. Besonders gut gefällt mir, dass der Film neben Humor und Action auch wichtige Themen wie Familie, Freundschaft und den Umgang mit seinen eigenen Schwächen vermittelt. Für mich ist die Fortsetzung trotzdem etwas schwächer als der erste Teil, was hauptsächlich am grossen Finale liegt. Dort wird meiner Meinung nach bei der Action und den Ausmassen etwas zu stark übertrieben, wodurch das Finale für mich wie ein Fremdkörper in einem ansonsten liebevoll erzählten Film wirkt. Trotzdem gehört Finding Dory zu meinen liebsten Pixar-Filmen und wird von mir bis heute eigentlich immer zusammen mit Finding Nemo angeschaut. 

Als Finding Nemo damals erschienen ist, war Pixar gerade ganz gross im kommen und für mich persönlich gehört der Film bis heute zu den stärksten Werken des Studios. Im Kern ist Finding Nemo eine wunderschöne Abenteuergeschichte, in der die Figuren über sich hinauswachsen, ihre Ängste überwinden und am Ende eine schöne und wichtige Botschaft vermittelt wird. Besonders die Figuren sind wunderbar sympathisch, wobei vor allem das Zusammenspiel zwischen Marlin und Dorie den Film über weite Strecken trägt. Die beiden könnten unterschiedlicher kaum sein, ergänzen sich aber gerade deshalb perfekt und sorgen für viele witzige, aber auch emotionale Momente. Auch bei den Animationen hat Pixar damals alle Register gezogen und eine faszinierende Unterwasserwelt mit einem ganz besonderen Look erschaffen. Zwar merkt man dem Film an einigen Stellen sein Alter inzwischen etwas an, trotzdem sieht Finding Nemo auch für heutige Verhältnisse noch richtig gut aus. Einige Szenen sind für meinen Geschmack zwar etwas zu lang geraten und hätten etwas kürzer ausfallen können, ansonsten überzeugt der Film aber mit seinem Humor, seinen liebenswerten Charakteren und seiner emotionalen Geschichte. Besonders schön ist, dass der Film nicht nur unterhält, sondern auch wichtige Themen wie Familie, Vertrauen und das Überwinden von Ängsten vermittelt. Für mich bleibt Finding Nemo deshalb bis heute einer der stärksten Animationsfilme aller Zeiten, der wunderschön aussieht, witzig ist und eine tolle Geschichte erzählt, die sowohl für Kinder als auch für Erwachsene funktioniert. 

Nach Obsession war Backrooms der nächste Überraschungshit im Horror-Genre dieses Jahr und beweist einmal mehr, dass es nicht immer riesige Budgets braucht, sondern vor allem talentierte Leute mit einer guten Idee und ein Studio, dass an diese glaubt. Das Konzept der Liminal Spaces war mir zwar bereits vorher bekannt und ich wusste auch, dass Regisseur Kane Parsons mit seinen Backrooms-Clips auf YouTube grosse Erfolge feiern konnte, wirklich interessiert hatte mich das Ganze bisher allerdings nie. Verpackt in einen psychologischen Horrorfilm sieht die Sache jedoch ganz anders aus, denn besonders in der ersten Hälfte hat Backrooms für mich hervorragend funktioniert. Eine Grundvoraussetzung dafür, dass der Film seine volle Wirkung entfalten kann, ist vermutlich, dass diese seltsamen, endlos wirkenden und menschenleeren Räume beim Zuschauer tatsächlich ein Gefühl von Unbehagen auslösen. Bei mir war das definitiv der Fall, denn diese unwirkliche Atmosphäre hat mich von Beginn an fasziniert und gleichzeitig dafür gesorgt, dass ich mich nie wirklich sicher gefühlt habe. Besonders gut gefallen hat mir dabei die Mischung aus klassischen Aufnahmen und Found-Footage Elementen, durch die ich teilweise wirklich wie auf heissen Kohlen sass. Allgemein ist der Film äusserst clever inszeniert und auch die Kombination aus echten Sets und CGI funktioniert so nahtlos, dass mir die Effekte zu keinem Zeitpunkt negativ aufgefallen sind. Schauspielerisch gibt es ebenfalls wenig zu bemängeln, denn sowohl Chiwetel Ejiofor als auch Renate Reinsve liefern starke und vor allem glaubwürdige Leistungen ab. Leider verliert der Film für mich in der zweiten Hälfte zunehmend an Faszination, da das Mysterium immer weiter erklärt wird und damit ein grosser Teil des zuvor so wirkungsvollen Unbekannten verschwindet. Gleichzeitig entwickelt sich Backrooms dadurch immer stärker in Richtung eines klassischen Horrorfilms und büsst etwas von der Eigenständigkeit ein, die den Beginn für mich so besonders gemacht hat. Trotzdem bleibt am Ende ein erfrischendes und atmosphärisch starkes Horrorerlebnis, mit dem ich eine wirklich gute Zeit hatte, auch wenn für mich ganz klar die erste Hälfte heraussticht. Einen zweiten Teil hätte ich persönlich zwar nicht unbedingt gebraucht, anschauen werde ich ihn mir nach diesem gelungenen ersten Ausflug in die Backrooms aber natürlich trotzdem. 

Interview with the Vampire: The Vampire Chronicles bleibt für mich auch heute noch einer der interessantesten Beiträge des Vampir-Genres, was vor allem an der Geschichte liegt, die sich über rund 200 Jahre erstreckt und durch ihre verschiedenen Stationen einiges an Abwechslung bereithält. Das Thema Vampirismus besitzt für mich ohnehin eine ganz eigene Faszination und genau diese wird durch die melancholische und teilweise bedrückende Atmosphäre des Films hervorragend transportiert. Natürlich ist dabei nicht jedes Kapitel gleichermassen spannend und gerade im Mittelteil gibt es einige Passagen, die sich für meinen Geschmack etwas zu sehr in die Länge ziehen. Insgesamt ist aber definitiv genügend Unterhaltung geboten und besonders die Entwicklung der Figuren sowie ihr Umgang mit der Unsterblichkeit verleihen der Geschichte eine interessante zusätzliche Ebene. Mit Tom Cruise, Brad Pitt und Antonio Banderas ist der Cast natürlich extrem hochwertig besetzt und alle drei liefern starke Leistungen ab. Ein kleines Highlight ist für mich allerdings Kirsten Dunst, die bereits in jungen Jahren eine erstaunlich eindrucksvolle und teilweise ziemlich krasse Performance abliefert. Ebenfalls überzeugen können die aufwendige Ausstattung und die Kostüme, durch die die verschiedenen Epochen glaubwürdig zum Leben erweckt werden, sowie die starke Maskenarbeit, die auch heute noch hervorragend funktioniert. Weniger gut gefällt mir dagegen der Look des Films, da das Bild häufig sehr dunkel und leicht unscharf wirkt und es für meinen Geschmack beim Filmkorn etwas übertrieben wurde. Das schmälert den Gesamteindruck zwar ein wenig, kann der besonderen Atmosphäre und der Faszination dieser ungewöhnlichen Vampirgeschichte aber letztlich nicht allzu viel anhaben. Auch über 30 Jahre nach seiner Veröffentlichung bleibt Interview with the Vampire: The Vampire Chronicles für mich daher eine klare Empfehlung innerhalb des Genres und ein Film, den ich nach wie vor richtig gerne mag. 

Mit Pig hatte Regisseur Michael Sarnoski bereits einen richtig starken Film abgeliefert, der mich damals vor allem emotional voll erreichen konnte. Mit A Quiet Place: Day One folgte für mich dagegen eher eine Auftragsarbeit, die mich leider kaum überzeugen konnte, doch mit der A24 Produktion The Death of Robin Hood findet Sarnoski zumindest teilweise zu alter Stärke zurück. Besonders spannend finde ich die grundlegende Idee, Robin Hood nicht als strahlenden Volkshelden, sondern als skrupellosen und verbitterten Gesetzlosen zu zeigen, der in seinem Leben grausam gemordet und geplündert hat und nun mit den Konsequenzen seiner Taten leben muss. Gerade die ersten 30 Minuten sind fantastisch und präsentieren eine rohe, brutale Welt, in der Hugh Jackman einen unglaublich intensiven Robin Hood verkörpert, der mich nicht selten an seine Rolle in Logan erinnert hat. Auch inszenatorisch macht der Film von Beginn an einiges her, denn die auf 35mm in Nordirland gedrehten und häufig mit natürlichem Licht eingefangenen Bilder sehen schlicht grossartig aus. Zusammen mit dem starken und passend eingesetzten Score entsteht dadurch eine düstere und beinahe greifbare Atmosphäre, die für mich zu den grössten Stärken des Films gehört. Nach den fulminanten ersten 30 Minuten nimmt Sarnoski das Tempo allerdings fast vollständig heraus und verwandelt den Film zunehmend in ein ruhiges und melancholisches Charakterdrama. Darauf muss man sich definitiv einlassen können, denn wer nach dem starken Auftakt ein brutales und temporeiches Robin Hood Abenteuer erwartet, dürfte spätestens hier verloren sein. Grundsätzlich mag ich solche langsamen und nachdenklichen Filme durchaus, weshalb ich auch die innere Entwicklung von Robin Hood und seinen Umgang mit der eigenen Vergangenheit interessant fand. Dabei beschäftigt sich der Film intensiv mit Schuld, Sühne, den Konsequenzen des eigenen Handelns und Trauma und greift damit einige wirklich spannende Themen auf. Allerdings gelingt es ihm für mich nicht immer, diese Themen auch wirklich fesselnd zu transportieren, wodurch sich gerade der Mittelteil stellenweise ziemlich zieht. Neben Jackman ist vor allem Jodie Comer als Schwester Brigid hervorzuheben, die mit ihrer starken Präsenz den Film zusätzlich bereichert und einige seiner besten Momente mitträgt. Am Ende bleibt The Death of Robin Hood für mich ein visuell beeindruckender und hervorragend gespielter Film, dessen ungewöhnliche Interpretation der bekannten Legende deutlich interessanter ist als ein weiteres klassisches Robin Hood Abenteuer. Gleichzeitig verlangt die sehr langsame und melancholische Erzählweise dem Zuschauer einiges ab, weshalb es für mich zwar ein interessantes und stellenweise grossartiges Seherlebnis war, was ich aber definitiv nicht uneingeschränkt empfehlen kann. 

Nachdem mich Superman als Auftakt des neuen DCU zwar ordentlich unterhalten, aber insgesamt doch etwas enttäuscht hatte, waren meine Erwartungen an Supergirl entsprechend verhalten. Der zweite Film des neuen DCU macht seine Sache zwar nicht unbedingt schlechter, wirkt auf mich aber erstaunlich mutlos und gleichzeitig wie ein typischer James Gunn Film, obwohl Gunn hier gar nicht selbst Regie geführt hat. Milly Alcock erweist sich dabei als sehr gute Wahl für Supergirl, denn bereits in House of the Dragon hat sie gezeigt, was sie schauspielerisch auf dem Kasten hat und auch optisch passt sie für mich hervorragend in die Rolle. Cool fand ich ausserdem den Auftritt von Jason Momoa als Lobo, auch wenn diese Figur vermutlich einen deutlich härteren Film mit höherer Altersfreigabe bräuchte, um ihr volles Potenzial entfalten zu können. Matthias Schoenaerts hätte als Gegenspieler ebenfalls durchaus funktionieren können, bekommt vom Drehbuch allerdings kaum Tiefe spendiert und bleibt dadurch letztlich nur das austauschbare Abziehbild eines Bösewichts. Ähnlich einfallslos präsentiert sich die Geschichte, die im Kern nicht viel mehr als eine klassische Rachestory zu bieten hat und nur selten wirklich überrascht. Mit der Vergiftung von Krypto versucht der Film zwar zusätzliche Emotionen zu erzeugen, bei mir funktioniert das allerdings kaum, weil ich letztlich doch nur einen CGI-Hund vor mir sehe, zu dem ich keine wirkliche Bindung aufbauen konnte. Auch optisch merkt man Supergirl leider deutlich an, dass es sich um eine Studioproduktion handelt, denn besonders bei weitläufigeren Szenen wirken die vollständig digitalen Hintergründe oftmals künstlich. Immerhin können sich die Effekte während der zahlreichen Actionszenen grösstenteils sehen lassen, auch wenn sich hier und da ein paar deutlich schwächere Momente eingeschlichen haben. Trotz all dieser Kritikpunkte wurde ich über die Laufzeit erstaunlich ordentlich unterhalten, was vor allem daran liegt, dass der Film kaum stillsteht und eigentlich immer irgendetwas passiert. Genau diese Kurzweiligkeit rettet Supergirl für mich davor, zu einer wirklichen Enttäuschung zu werden, kann aber gleichzeitig nicht darüber hinwegtäuschen, dass dem Film eine eigene Identität und der Mut zu wirklich besonderen Ideen fehlen. Am Ende ist Supergirl für mich weder Fisch noch Fleisch und setzt für das noch junge DCU kein wirkliches Ausrufezeichen, funktioniert als kurzweilige und actionreiche Unterhaltung für zwischendurch aber dennoch ganz ordentlich. 

Steven Spielberg hat im Laufe seiner Karriere zahlreiche herausragende Filme abgeliefert, aber auch gelegentlich danebengegriffen und leider gehört Disclosure Day für mich zu seinen bislang schwächsten Werken. Damit hätte ich im Vorfeld wirklich nicht gerechnet, zumal die Voraussetzungen für einen packenden Science-Fiction-Film eigentlich hervorragend waren. Auf der positiven Seite steht ganz klar die hohe Produktionsqualität, denn abgesehen von einigen missratenen CGI-Tieren sieht der Film durchgehend hochwertig und aufwendig inszeniert aus. Spielbergs Stammkameramann Janusz Kamiński liefert einmal mehr starke Bilder und beeindruckt mit einigen technisch anspruchsvollen und visuell hervorragend umgesetzten Aufnahmen. Auch schauspielerisch bleiben kaum Wünsche offen, denn Emily Blunt und Josh O’Connor überzeugen als Hauptfiguren, während Colman Domingo selbst in einer kleineren Rolle einen bleibenden Eindruck hinterlässt. Colin Firth wäre als Gegenspieler ebenfalls eine spannende Wahl gewesen, wird vom Drehbuch allerdings derart blass gezeichnet, dass seine Figur kaum Wirkung entfalten kann. Mein mit Abstand grösstes Problem mit Disclosure Day ist jedoch, dass der Film über weite Strecken schlicht stinklangweilig ist, uninspiriert vor sich hinplätschert und dabei kaum Spannung oder echtes Mysterium entwickelt. Hinzu kommt eine völlig überzogene Laufzeit, denn meiner Meinung nach hätte man den Film problemlos um mindestens 45 Minuten kürzen können, ohne dabei etwas Wesentliches zu verlieren. Erst in den letzten rund 25 Minuten habe ich endlich den Film bekommen, den ich mir von Anfang an erhofft hatte, denn hier zieht das Tempo deutlich an und Spielberg zeigt plötzlich, wie spannend das Ganze hätte sein können. Dieser starke Schlussspurt konnte bei mir zwar noch einmal ordentlich punkten, kommt aber viel zu spät, um die zähen Minuten davor vergessen zu machen oder im Science-Fiction-Genre wirklich einen bleibenden Eindruck zu hinterlassen. Am Ende ist Disclosure Day für mich zwar keine komplette Katastrophe und besitzt durchaus einige Qualitäten, aufgrund meiner deutlich höheren Erwartungen ist er aber trotzdem eine der grössten filmischen Enttäuschungen des Jahres. 

Auf Obsession war ich im Vorfeld richtig gespannt, denn der Film entwickelte sich nicht nur zu einem überraschenden Erfolg und erhielt starke Kritiken, sondern fällt auch genau in die Kategorie des Elevated Horrors, für die ich eine grosse Schwäche habe. Und tatsächlich hat Obsession für mich weitgehend gehalten, was er versprochen hat und mich am Ende sogar richtig begeistert. Mit den ersten 20 Minuten hatte ich allerdings noch etwas Mühe, da die Geschichte zunächst recht holprig erzählt wird und auch die Dialoge auf mich nicht besonders überzeugend wirkten. Danach hat mich der Film jedoch komplett in seinen Bann gezogen und bis zum starken Finale nicht mehr losgelassen. Die eigentliche Storyidee mag auf den ersten Blick nicht besonders aussergewöhnlich sein, entwickelt aber zunehmend interessante moralische Fragen und bietet gerade hinsichtlich der Frage, wer hier eigentlich Täter und wer Opfer ist, einiges an Diskussionsstoff. Seine grösste Stärke entfaltet Obsession für mich allerdings in seiner fantastischen und zunehmend beklemmenden Atmosphäre. Durch den cleveren Einsatz von Kamera, Licht und Schatten entsteht immer wieder ein enormes Unbehagen, ohne dass der Film dafür ständig auf offensichtliche Schockmomente zurückgreifen muss. Auch die Geräuschkulisse und der starke Score tragen entscheidend zum Horror bei und sorgen dafür, dass sich die bedrohliche Stimmung immer weiter zuspitzt. Was hier mit einem vergleichsweise kleinen Budget auf die Beine gestellt wurde, ist beeindruckend und zeigt einmal mehr, dass Talent, Kreativität und eine klare Vision oftmals wichtiger sind als riesige finanzielle Mittel. Ein absolutes Highlight ist zudem Inde Navarrette als Nikki, die mich mit der Intensität und Bandbreite ihres Spiels komplett umgehauen hat, während Michael Johnston zwar nicht ganz mit ihr mithalten kann, aber dennoch eine solide Leistung abliefert. Besonders auf psychologischer Ebene funktioniert Obsession hervorragend, scheut sich gleichzeitig aber auch nicht vor einigen gelungenen Härten, wodurch sich für mich ein erstaunlich rundes Gesamtbild ergibt. Trotz kleiner Schwächen zu Beginn ist Obsession für mich deshalb einer der besten Horrorfilme der letzten zehn Jahre und besitzt definitiv das Potenzial, sich langfristig zu einem modernen Klassiker des Genres zu entwickeln. 

To Live and Die in L.A. ist alles andere als ein typisches Polizeidrama und fühlt sich durch einige ungewöhnliche Entscheidungen auch heute noch angenehm erfrischend an. Ein wesentlicher Grund dafür ist die von William Petersen stark verkörperte Hauptfigur Richard Chance, die zunehmend von Rache und Obsession getrieben wird. Besonders spannend ist dabei seine negative Entwicklung, denn im Laufe der Handlung überschreitet Chance immer mehr moralische und gesetzliche Grenzen und wird schliesslich selbst kriminell. Auch Willem Dafoe überzeugt als skrupelloser Geldfälscher Eric Masters, da er solche zwielichtigen und bedrohlichen Figuren mit einer beeindruckenden Leichtigkeit verkörpern kann. Sehr gelungen ist ausserdem die Mischung aus Action, Dialogen und Ermittlungs- beziehungsweise Spionagearbeit, wodurch der Film trotz seines Alters noch immer einiges zu bieten hat. Besonders die berühmte Verfolgungsjagd sowie die atmosphärische Inszenierung sorgen dabei für einige denkwürdige Momente. Das Setting von Los Angeles wird hervorragend eingefangen und ist mit seinen Strassen, seiner düsteren Atmosphäre und seinem besonderen Look beinahe selbst ein Teil der Handlung. Zwar hat der Film zwischendurch einige Pacing-Probleme und hätte an der einen oder anderen Stelle etwas gestrafft werden können, dafür überrascht das für Hollywood-Verhältnisse sehr untypische und schockierende Finale umso mehr. Insgesamt mag ich To Live and Die in L.A. trotz seines Alters noch immer sehr gerne, da ihn vor allem seine kompromisslosen Figuren und ungewöhnlichen Storyentscheidungen zu einem sehenswerten und überraschend zeitlosen Thriller machen. 

Dieses sehr gut besetzte Biopic hatte ich tatsächlich bis jetzt noch nie gesehen und nun endlich mal nachgeholt und Ron Howard hat hier wirklich einen sehenswerten und interessanten Film erschaffen. Auf die Story möchte ich gar nicht gross eingehen, da der Film durchaus einige Überraschungen bereithält, aber grundsätzlich sieht man Russell Crowe dabei zu, wie seine Figur immer mehr den Bezug zur Realität verliert und zwischen Genialität und Wahnsinn schwankt. Das Ganze ist richtig stark von Crowe gespielt und gleichzeitig ist es erstaunlich, dass diese Rolle nur ein Jahr nach Gladiator folgte, denn die beiden Figuren könnten kaum unterschiedlicher sein und zeigen eindrucksvoll, wie wandelbar Crowe zu dieser Zeit war. Absolut ebenbürtig ist Jennifer Connelly, die als Alicia den beschwerlichen Weg mit John Nash bestreitet und dabei ebenfalls sehr differenziert und emotional aufspielt, wofür sie letztlich auch mit dem Oscar ausgezeichnet wurde. Auch die Nebenrollen sind mit Paul Bettany, Ed Harris und Christopher Plummer hervorragend besetzt und runden das starke Ensemble gelungen ab. Das Pacing des Films funktioniert grundsätzlich wirklich gut und gerade die erste Hälfte schafft es, die Geschichte spannend aufzubauen und gleichzeitig immer wieder einige überraschend humorvolle Momente einzustreuen. Gegen Ende fehlte mir dann allerdings etwas die Spannung, da die Geschichte zunehmend ruhiger wird und insgesamt nicht besonders viel Spektakuläres passiert. Auch den Look empfand ich als eher unspektakulär, denn die Bilder sind ziemlich konservativ gehalten und visuell bleibt der Film dadurch nur selten wirklich im Gedächtnis. Dafür funktioniert die emotionale Seite umso besser, denn besonders der Umgang mit Nashs Realitätsverlust und dessen Auswirkungen auf seine Ehe und sein gesamtes Leben sorgen für einige starke Momente. Am Ende war A Beautiful Mind für mich ein interessanter und sehenswerter Film, aus dem ich mal wieder etwas gelernt habe, der besonders auf der schauspielerischen Ebene punkten kann und mich dank seiner emotionalen, aber auch humorvollen Momente wirklich gut unterhalten hat. 

Eigentlich dachte ich, dass ich den besten Film des Jahres bereits gesehen hätte, doch dann kam I Swear und hat mich eines Besseren belehrt. Der Film kommt zwar vollkommen ohne Bombast und grosse Bilder aus, bietet dafür aber ganz andere Qualitäten, die mich umso mehr beeindruckt haben. Allein die wahre Geschichte von John Davidson ist unglaublich interessant, wobei ich besonders spannend fand, wie wenig bekannt das Tourette-Syndrom in den 1980er-Jahren noch war und wie gering dementsprechend die Akzeptanz in der Gesellschaft ausfiel. Doch was macht I Swear für mich zu einem so aussergewöhnlichen Film? Der wichtigste Punkt ist ganz klar das Schauspiel, allen voran Robert Aramayo, der mich komplett begeistern konnte und für mich eine der besten schauspielerischen Leistungen zeigt, die ich je gesehen habe. Er spielt seine Rolle mit enorm viel Gefühl und schafft es gleichzeitig, die Krankheit und ihre Auswirkungen unglaublich glaubhaft zu vermitteln, ohne seine Figur jemals darauf zu reduzieren. Auch der restliche Cast ist hervorragend ausgewählt, sodass selbst die Nebenfiguren ihre ganz eigenen Momente bekommen und im Gedächtnis bleiben. Eine weitere grosse Stärke ist für mich die fantastische Mischung aus Humor und Ernsthaftigkeit. Ich kann mich kaum an einen anderen Film erinnern, bei dem ich so viel lachen musste und gleichzeitig regelmässig Tränen in den Augen hatte, in einer Szene sogar beides zur selben Zeit. Genau diese Balance zwischen schwarzem Humor und emotionalem Drama funktioniert für mich hervorragend, weil sich die beiden Seiten nie gegenseitig im Weg stehen, sondern vielmehr ergänzen. Dadurch war ich über die gesamte Laufzeit vollkommen in der Geschichte gefangen und die Zeit verging wie im Flug. Am Ende ist I Swear für mich ein Film, der mich emotional komplett erreicht und persönlich keine wirkliche Schwäche gezeigt hat. Es ist ein berührendes Drama und gleichzeitig eine grossartige schwarze Komödie über einen Menschen, der es alles andere als einfach hatte, aber das Beste aus seinem Leben machte und schliesslich sogar der Queen persönlich die Hand schütteln durfte, nachdem er sie zuvor krankheitsbedingt beleidigt hatte. Für mich ist I Swear deshalb eine ganz klare Empfehlung und einer dieser seltenen Filme, die mich zum Lachen gebracht, zu Tränen gerührt und auch nach dem Abspann nicht mehr losgelassen haben. 

Mit Barbarian ist Regisseur Zach Cregger erstmals so richtig auf der Bildfläche erschienen und auch wenn der Film für mich nicht ganz an seinen späteren Erfolg Weapons herankommt, lässt sich sein Talent für das Horror-Genre bereits deutlich erkennen. Gerade die ersten 45 Minuten sind für mich nahezu perfekt, denn Handlung und Setting werden hervorragend aufgebaut, während sich gleichzeitig eine unglaublich dichte und unangenehme Atmosphäre entwickelt, die mich sofort in ihren Bann gezogen hat. Zach Cregger versteht es dabei ausgezeichnet, mit den Erwartungen des Zuschauers zu spielen und die Spannung immer weiter anzuziehen, ohne zu früh zu verraten, wohin die Reise eigentlich geht. Leider folgt nach diesem starken ersten Abschnitt ein ziemlich harter Schnitt, bei dem eine neue Figur eingeführt wird und sich für mich auch die Tonalität des Films spürbar verändert. Dadurch verliert Barbarian etwas von der zuvor so konsequent aufgebauten Spannung und Atmosphäre, weshalb mich der Mittelteil deutlich weniger überzeugen konnte. Sehenswert bleibt der Film trotzdem, zumal er sich gegen Ende wieder fängt und schliesslich ein durchaus befriedigendes und passend verrücktes Finale abliefert. Besonders stark präsentiert sich Barbarian auf technischer Ebene, denn sowohl die Kameraarbeit als auch das Sounddesign tragen enorm zur bedrückenden Stimmung des Films bei. Auch der starke Einsatz praktischer Effekte ist lobenswert und sorgt dafür, dass viele der unangenehmen und grotesken Momente wesentlich greifbarer wirken. Schon hier merkt man deutlich, dass Zach Cregger ein ausgesprochen gutes Gespür für Atmosphäre, Timing und das gezielte Brechen von Erwartungen besitzt. Für mich ist Barbarian am Ende zwar noch nicht der ganz grosse Wurf, aber trotz seiner Schwächen ein kreativer und eigenständiger Horrorfilm, der sich angenehm vom üblichen Genre-Einheitsbrei abhebt. 

There's Something About Mary ist eine richtig klassische 90er Jahre Komödie und stilistisch ganz typisch für die Farrelly-Brothers zu dieser Zeit. Der Film setzt auf eine Mischung aus romantischer Komödie, derbem Humor und völlig überdrehten Situationen, die ihm einen ganz eigenen Charme verleiht. Ich muss allerdings zugeben, dass ich den Film etwas lustiger in Erinnerung hatte, als er mir bei der erneuten Sichtung erschienen ist. Trotzdem musste ich hier noch deutlich häufiger lachen als bei vielen aktuellen Produktionen aus diesem Genre. Es gibt allerdings auch einige Gags, die für mich überhaupt nicht mehr gezündet haben und teilweise sogar für unangenehme Fremdscham sorgen. Gleichzeitig merkt man dem Film eine gewisse Leichtigkeit und Freiheit beim Humor an, wodurch selbst einige härtere und geschmacklosere Gags erstaunlich gut funktionieren. Dabei hat man nie das Gefühl, dass der Film seinen Humor grossartig rechtfertigen möchte, sondern er zieht seine verrückten Ideen einfach konsequent durch. Besonders die teilweise herrlich absurden Situationen sorgen dafür, dass der Film trotz einiger gealterter Elemente noch immer einen hohen Unterhaltungswert besitzt. Einen grossen Anteil daran hat auch der schön gewählte Cast, bei dem vor allem Ben Stiller und Cameron Diaz unglaublich sympathisch spielen und hervorragend miteinander harmonieren. Aber auch der restliche Cast macht einen guten Job und trägt mit seinen schrägen Figuren viel zum Charme des Films bei. Unter dem Strich gehört There's Something About Mary für mich immer noch zu den besseren Komödien dieses Genres, auch wenn die Zeit an dem Film und seinem Humor deutlich ihre Spuren hinterlassen hat. 

Im Städtchen Sleepy Hollow sorgt eine Reihe grausamer Morde, bei denen die Opfer enthauptet wurden, für Angst und Schrecken. Der junge Kriminologe Ichabod Crane (Johnny Depp) wird aus New York entsandt, um den Fall mit wissenschaftlichen Methoden aufzuklären. Doch als die Legende eines kopflosen Reiters immer realer erscheint, gerät selbst der überzeugte Realist an seine Grenzen.

Mit Sleepy Hollow bekommt man die Kombination aus Johnny Depp und Tim Burton, die einfach wunderbar zusammenpasst und dem Film seinen ganz eigenen Charakter verleiht. Für mich bleibt der Film ein sehr unterhaltsamer und stimmungsvoller Horror-Fantasy-Spass, der zwar häufig deutlich nach Studioproduktion aussieht und einige mittlerweile eher schwache CGI-Effekte bietet, dadurch aber kaum von seinem besonderen Charme verliert. Vor allem die düstere, neblige Atmosphäre funktioniert hervorragend und sorgt zusammen mit den teilweise morbiden Bildern für eine wunderschöne Gothic-Optik. Schauspielerisch punktet natürlich besonders Johnny Depp, der für eine solch schrullige und leicht überzeichnete Rolle wie geschaffen ist und für mich die perfekte Wahl für Ichabod Crane darstellt. Aber auch die Nebenrollen sind mit bekannten Gesichtern hervorragend besetzt, wobei Christopher Walken als furchteinflössender kopfloser Reiter eine besonders coole Wahl ist. Die Geschichte rund um die geheimnisvollen Morde und das Mysterium von Sleepy Hollow gefällt mir über weite Strecken ebenfalls sehr gut und verbindet Krimi, Fantasy und Horror auf unterhaltsame Weise miteinander. Lediglich gegen Ende verliert die Handlung für mich etwas von ihrem Reiz, wodurch sich der Film stellenweise ein wenig zieht und nicht mehr ganz so rund wirkt wie zuvor. Dafür können die herrlich düsteren Bilder, die selbst in ihrer Trostlosigkeit eine gewisse Schönheit entwickeln, sowie Danny Elfmans grossartiger und perfekt zur Atmosphäre passender Score durchgehend überzeugen. Insgesamt ist Sleepy Hollow für mich auch heute noch eine klare Empfehlung und ein wunderbar morbides Gothic-Märchen, dass trotz kleinerer Schwächen jede Menge Atmosphäre, Charme und Unterhaltungswert bietet. 

An den genialen ersten Teil kommt RoboCop 2 zwar bei Weitem nicht heran, denn dafür fehlt der Fortsetzung vor allem die perfekte Balance aus kompromissloser Action und kluger Gesellschaftssatire. Trotzdem ist der Film meiner Meinung nach eine solide Fortsetzung, die durchaus ihre Qualitäten besitzt und sich nicht wie ein liebloser Cashgrab anfühlt. Besonders schön ist, dass Peter Weller und Nancy Allen wieder mit dabei sind und auch einige andere bekannte Gesichter aus dem Vorgänger zurückkehren. Mit Tom Noonan bekommt RoboCop ausserdem einen richtig charismatischen Gegenspieler, der vor allem in seiner menschlichen Form hervorragend funktioniert. Bemerkenswert ist auch Gabriel Damon als skrupelloser Junge Hob, denn eine derart heftige Kinderrolle würde man in einem grossen Actionfilm heutzutage wohl nur noch selten zu sehen bekommen. Der Film beginnt äusserst vielversprechend und versucht zunächst erfolgreich, sowohl bei der brutalen Action als auch beim schwarzen Humor an den Klassiker anzuknüpfen. Im Mittelteil bekommt die Handlung allerdings zunehmend Probleme und RoboCop selbst wird teilweise so sehr ins Lächerliche gezogen, dass es für mich nicht mehr richtig zum ansonsten ernsten und düsteren Ton des Films passt. Gegen Ende fängt sich RoboCop 2 zum Glück wieder und liefert jede Menge harte und teilweise überraschend brutale Action. Weniger gut gealtert sind dabei die zahlreichen Stop-Motion-Effekte, die zur damaligen Zeit sicherlich beeindruckend waren, heute aber teilweise ziemlich offensichtlich und unfreiwillig komisch wirken. Am Ende ist RoboCop 2 sicherlich kein Meisterwerk und steht deutlich im Schatten seines überragenden Vorgängers, bleibt für Fans des ersten Teils aber eine durchaus sehenswerte und unterhaltsame Fortsetzung. 

Ich mag Boxfilme wirklich sehr gerne, habe Martin Scorseses Raging Bull bisher aber tatsächlich noch nie gesehen und diese Lücke nun endlich geschlossen. Gleich zu Beginn muss ich allerdings sagen, dass jemand, der hier einen klassischen Boxfilm erwartet, wahrscheinlich ziemlich enttäuscht sein wird. Es gibt zwar einige Kämpfe zu sehen, diese sind meistens recht kurz gehalten und konnten mich persönlich weder durch ihre Spannung noch durch ihre Inszenierung wirklich überzeugen. Zwar geht es im Ring durchaus brutal zur Sache, doch gerade bei den Schlägen sieht man für meinen Geschmack zu häufig, dass diese überhaupt nicht richtig treffen, wodurch den Kämpfen eine gewisse Wucht fehlt. Auf der Ebene des Boxsports konnte mich Raging Bull also nicht wirklich abholen, trotzdem ist der Film auf einer ganz anderen Ebene äusserst interessant. Im Kern ist Scorseses Werk nämlich weniger ein Sportfilm als vielmehr eine intensive Charakterstudie über einen zutiefst problematischen und selbstzerstörerischen Menschen. Toxische Männlichkeit, Gewalt, unkontrollierbarer Zorn, Missbrauch, Eifersucht, Unsicherheit und Wahnvorstellungen vereinen sich in Jake LaMotta und entladen sich nicht nur im Boxring, sondern vor allem in seinem Privatleben. Gerade diese Abgründe machen den Film teilweise äusserst unangenehm anzusehen, gleichzeitig aber auch faszinierend und erschreckend glaubwürdig. Einen gewaltigen Anteil daran hat Robert De Niro, der Jake LaMotta mit einer unglaublichen Intensität verkörpert und für mich eine fantastische Leistung abliefert. Auch der restliche Cast, allen voran Joe Pesci und Cathy Moriarty, überzeugt, doch am Ende bleibt Raging Bull vor allem De Niros grosse One-Man-Show, für die er völlig verdient mit dem Oscar als bester Hauptdarsteller ausgezeichnet wurde. Optisch hat der Film ebenfalls einiges zu bieten, wobei mir besonders die Entscheidung für Schwarz/Weiss gefallen hat, da dadurch die Atmosphäre der 1940er- und 1950er-Jahre hervorragend transportiert wird. Am Ende habe ich mit Raging Bull zwar einen völlig anderen Film bekommen als erwartet, der mir etwas zu lang geraten ist und mich als Boxfilm kaum überzeugen konnte, als düstere Charakterstudie aber definitiv sehenswert ist. 

The Ugly Stepsister konnte auf diversen Festivals bereits einige positive Stimmen einfahren und wurde sogar in der Kategorie „Bestes Make-up und Hairstyling“ für den Oscar nominiert, weshalb ich dem Film nun ebenfalls eine Chance geben wollte und vorweg kann ich sagen, dass ich die Sichtung definitiv nicht bereut habe. Die Grundidee, die bekannte Aschenputtel-Geschichte aus der Perspektive der vermeintlich “bösen“ Stiefschwester zu erzählen, finde ich richtig klasse und angenehm erfrischend. Besonders interessant ist dabei der Ansatz, dass Elvira vielleicht gar nicht wirklich böse, sondern vielmehr missverstanden ist und durch den gesellschaftlichen Schönheitsdruck immer stärker dazu getrieben wird, ihren eigenen Körper zu verändern. Das diese Thematik zusätzlich mit teils drastischen Body-Horror-Elementen kombiniert wird, funktioniert überraschend gut und hat mich aufgrund des starken Fokus auf Schönheit und Selbstoptimierung stellenweise unweigerlich an The Substance erinnert. Einige Szenen fallen dabei tatsächlich ziemlich unangenehm und drastisch aus, sodass selbst ich an der einen oder anderen Stelle leicht zusammenzucken musste. Schauspielerisch ist das Ganze ebenfalls solide, auch wenn mich der Cast insgesamt nicht vollständig überzeugen konnte, wobei Lea Myren mit ihrem enormen Körpereinsatz und einer engagierten Performance klar heraussticht. Sehr gelungen sind ausserdem die Ausstattung und die verschiedenen Settings, durch die der Film einen hochwertigen und gleichzeitig eigenständigen Look bekommt. Generell schafft es der Film ziemlich gut, die märchenhafte Atmosphäre mit grotesken und verstörenden Bildern zu verbinden, wodurch er sich deutlich von klassischen Aschenputtel-Adaptionen abhebt. Für meinen Geschmack hätte die Geschichte allerdings etwas straffer erzählt werden können, denn gerade im Mittelteil verliert der Film ein wenig an Tempo und zieht sich stellenweise unnötig. Insgesamt hat sich die Sichtung für mich dennoch gelohnt, denn The Ugly Stepsister bietet eine kreative Neuinterpretation eines bekannten Märchens, interessante Themen und wirkungsvollen Body-Horror und fühlt sich dadurch erfreulich frisch an. 

Vor kurzem habe ich House of Flying Daggers mal wieder gesehen, den ich nach wie vor sehr sehenswert finde, doch im Wuxia-Genre liegt Hero für mich persönlich noch eine Spur vorne. Besonders gut gefällt mir die ungewöhnliche Erzählstruktur, bei der die Geschichte aus verschiedenen Perspektiven erzählt wird und man nie genau weiss, welcher Version man tatsächlich glauben kann. Eine grossartige Idee ist ausserdem, dass sich der von Jet Li gespielte namenlose Schwertkämpfer nach jeder seiner Erzählungen dem König weiter nähern darf, wodurch die Spannung kontinuierlich gesteigert wird. Ein weiteres Highlight sind die zahlreichen Rückblenden, die nicht nur wunderschöne Bilder liefern, sondern auch einige unglaublich elegant inszenierte Kämpfe zu bieten haben. Überhaupt ist Hero optisch ein beeindruckender Film, der mit kräftigen Farben, grossartigen Landschaftsaufnahmen und einer teilweise fast schon gemäldeartigen Bildsprache begeistert. Auch die aufwendigen Kostüme und die eindrucksvolle Ausstattung tragen dazu bei, dass die gesamte Produktion ausgesprochen hochwertig wirkt. Mit Jet Li, Tony Leung, Maggie Cheung, Zhang Ziyi und Donnie Yen ist zudem ein hervorragender Cast vertreten, dessen wichtigste Darsteller reichlich Erfahrung mit diesem Genre und seinen Kampfszenen mitbringen. Gerade die Kombination aus starken Darstellern, emotionalen Momenten und kunstvoll choreografierten Kämpfen sorgt dafür, dass der Film weit mehr zu bieten hat als reine Action. Gegen Ende nimmt die Handlung für meinen Geschmack allerdings ein paar Abzweigungen zu viel und wirkt dadurch etwas unrund, während einige CGI-Effekte inzwischen ebenfalls sichtbar gealtert sind. Trotz dieser kleineren Schwächen bleibt Hero für mich einer der sehenswertesten Vertreter des Wuxia-Genres und ein bildgewaltiger Film, der vor allem mit seinen wunderschönen Bildern, seiner besonderen Erzählweise und seinen fantastischen Kämpfen begeistert. 

Wo der erste Teil für mich auch heute noch wunderbar funktioniert, sieht es bei Taken 2 leider deutlich schwächer aus, auch wenn der Film insgesamt noch ganz ordentlich unterhält. Besonders störend finde ich, dass Bryans Tochter Kim dieses Mal deutlich mehr in den Fokus rückt und dabei Dinge vollbringt, die für mich teilweise überhaupt nicht mehr glaubwürdig erscheinen. Allgemein tischt der Film einige Situationen auf, bei denen ich aufgrund ihrer Absurdität teilweise fast schon ein wenig fassungslos war. Sobald jedoch Liam Neeson wieder im Mittelpunkt steht und Bryan Mills seine besonderen Fähigkeiten ausspielen darf, funktioniert der Film für mich direkt deutlich besser. An das hervorragende Pacing des Vorgängers kommt Taken 2 allerdings nie heran, wodurch sich die Handlung trotz der kurzen Laufzeit stellenweise weniger packend anfühlt. Auch die Action ist erneut ziemlich hektisch geschnitten, was zwar bereits im ersten Teil ein Problem war, hier für meinen Geschmack aber noch stärker auffällt. Zusätzlich bleibt der Gegenspieler äusserst blass, denn abgesehen von seinem Wunsch nach Rache erhält er kaum Persönlichkeit oder interessante Motive. Unter dem Strich ist Taken 2 für mich deshalb deutlich schwächer als sein Vorgänger, bietet aber dennoch genügend Spannung und einige wirklich gute Momente, um insgesamt noch ordentlich zu unterhalten. 

Als Taken 2008 erschienen ist, fühlte sich der Film erstaunlich frisch an, obwohl er sich im Grunde vieler bekannter Elemente des Action-Genres bedient. Sicherlich gibt es bessere und anspruchsvollere Actionfilme, doch für mich besitzt Taken bis heute einen ganz eigenen Charme und macht auch nach mehreren Sichtungen noch richtig viel Spass. Liam Neeson überzeugt als kompromissloser Bryan Mills und verleiht seiner Figur mit seiner ruhigen, aber bedrohlichen Art eine starke Präsenz. Auch die Action kann sich grösstenteils sehen lassen, obwohl gerade bei den Kämpfen deutlich mit schnellen Schnitten gearbeitet wird, um vermutlich die eine oder andere Schwäche zu kaschieren. Dadurch wirken einige Actionszenen ziemlich hektisch und teilweise etwas unübersichtlich, bleiben für meinen Geschmack aber noch in einem akzeptablen Rahmen. Die Geschichte rund um Menschenhandel greift grundsätzlich ein ernstes und relevantes Thema auf, behandelt dieses jedoch sehr oberflächlich und wird spätestens bei Bryans erstaunlich einfacher Spurensuche zunehmend unglaubwürdig. Seine grösste Stärke hat Taken für mich ohnehin in seinem hervorragenden Tempo und Pacing, denn der Film verschwendet kaum Zeit und treibt die Handlung konsequent voran. Die rund 90 Minuten vergehen dadurch wie im Flug, sodass Taken trotz seiner offensichtlichen Schwächen für mich auch heute noch ein äusserst unterhaltsamer Actionfilm ist, den ich immer wieder gerne anschaue. 

Mit dem ersten Teil konnte ich einigermassen gut leben, auch wenn der schon einige Probleme mit sich herumgeschleppt hat, doch überraschenderweise schafft es Mortal Kombat II sogar, noch eine Schippe Enttäuschung draufzulegen. Immerhin hat man sich zwei der grössten Kritikpunkte zu Herzen genommen. Endlich gibt es tatsächlich ein Turnier und Cole Young, den es in den Spielen sowieso nie gab, muss nicht mehr im Mittelpunkt stehen. Neu dabei ist Karl Urban als Johnny Cage und so sehr ich ihn normalerweise mag, so sehr frage ich mich hier, wer ihn ernsthaft für die perfekte Besetzung gehalten hat. Vor allem in den Kampfszenen merkt man ihm die fehlende Kampfsporterfahrung deutlich an und wenn der Wechsel zum Stuntdouble gefühlt schon von Weitem angekündigt wird, ist es mit der Immersion schnell vorbei. Ausgerechnet die Kämpfe, die bei einem Mortal Kombat Film eigentlich das absolute Highlight sein sollten, enttäuschen bis auf eine wirklich gelungene Sequenz auf ganzer Linie. Viel zu hektisch geschnitten, teilweise hölzern choreografiert und mit jeder Menge CGI-Blut zugekleistert, fehlt ihnen genau die Wucht und Körperlichkeit, die ich von Mortal Kombat eigentlich erwarte. Auch optisch macht es der Film nicht besser, denn über weite Strecken hatte ich das Gefühl, einer ziemlich teuren StageCraft-Demo zuzuschauen, bei der die künstlichen Hintergründe leider viel zu oft genau danach aussehen. Zumindest beim Fanservice hat man seine Hausaufgaben gemacht und serviert bekannte Arenen, einige gute Sprüche und diverse Anspielungen, bei denen zumindest kurzzeitig echtes Mortal Kombat Feeling aufkommt. Ein paar herrlich übertriebene Härtespitzen konnten mir ebenfalls ein Grinsen entlocken, doch insgesamt ist das einfach zu wenig, weshalb Mortal Kombat II für mich tatsächlich noch hinter dem ohnehin nicht perfekten Vorgänger landet. Einen halben Bonuspunkt gibt es aber für die Credits, denn da wurde die Nostalgiekeule mit voller Wucht ausgepackt und die hat bei mir funktioniert.