Filmbewertungen von Vincent_vega84

Harry Potter and the Philosopher's Stone ist ein durchaus gelungener Start in eine der berühmtesten Filmreihen überhaupt, auch wenn ich bis heute nicht der grösste Fan dieses Films bin. Besonders positiv fällt für mich das Casting auf, denn gerade die älteren Schauspieler sind hervorragend ausgewählt und überzeugen eigentlich durch die Bank. Mein persönliches Highlight ist Alan Rickman als Professor Snape, der selbst in seinen wenigen Szenen immer eine besondere Präsenz ausstrahlt. Ebenfalls sehr gelungen finde ich das Worldbuilding, da bereits hier ein einzigartiger Stil geschaffen wird und Hogwarts wirklich beeindruckend und greifbar wirkt. Auch die magische Welt mit ihren verschiedenen Kreaturen, Orten und Regeln macht neugierig auf die folgenden Filme. Mit dem Schauspiel der Kinder habe ich dagegen teilweise noch meine Probleme, da ihre Darstellungen an einigen Stellen etwas hölzern und unerfahren wirken. Dabei merkt man allerdings, dass viele von ihnen gut ausgewählt wurden, was sich besonders in den späteren Teilen zeigt. Ein weiterer Kritikpunkt ist für mich das CGI, dass leider nicht besonders gut gealtert ist und an einigen Stellen deutlich negativ auffällt. Trotzdem schafft es der Film, eine unterhaltsame und teilweise sehr atmosphärische Geschichte zu erzählen, die den Grundstein für die gesamte Reihe legt. Als Einstieg ist Harry Potter and the Philosopher's Stone deshalb definitiv gelungen, auch wenn mir persönlich die ernstere und düsterere Richtung der späteren Teile noch etwas besser gefällt. 

Saving Private Ryan ist für mich bis heute einer der besten Kriegsfilme, die je gedreht wurden, auch wenn der Film im Mittelteil einige Durchhänger hat und die Geschichte teilweise etwas auf der Stelle tritt. Steven Spielberg liefert bereits mit der Ankunft am D-Day eine der intensivsten, spektakulärsten und gleichzeitig niederschmetterndsten Sequenzen, die ich je in einem Film gesehen habe. Durch die extrem nahe Kamera und die hektische Inszenierung fühlt sich die Schlacht unglaublich unmittelbar und realistisch an, wodurch der Schrecken des Krieges so greifbar wird wie nur selten zuvor. Doch auch abseits dieses beeindruckenden Auftakts hat der Film einiges zu bieten, besonders in Bezug auf seine hervorragenden Schauspieler. Der hochkarätige und breit aufgestellte Cast überzeugt durchgehend, wobei Tom Hanks als Captain Miller für mich ganz klar heraussticht. Er verkörpert seine Figur gleichzeitig ruhig, menschlich und emotional und liefert damit eine Leistung ab, die auch lange nach dem Film im Gedächtnis bleibt. Auch optisch ist Saving Private Ryan bis heute beeindruckend, was vor allem am entsättigten, körnigen und bewusst schmutzigen Look liegt. Dadurch wirkt der Film nicht künstlich glatt, sondern beinahe dokumentarisch und verstärkt den Eindruck, mitten im Kriegsgeschehen zu sein. Zusätzlich sorgen das gewaltige Sounddesign und der passende Score dafür, dass die ohnehin schon intensive Atmosphäre noch stärker zur Geltung kommt. Leider hat der Film für mich gerade im Mittelteil einige Pacing-Probleme und wirkt dort stellenweise etwas unrund, wodurch die Spannung zeitweise nachlässt. Gegen Ende fängt sich der Film jedoch wieder und liefert mit seinem intensiven Finale einen weiteren Höhepunkt, bei dem Spielberg noch einmal alle Register zieht und dank der handgemachten Inszenierung alles unglaublich greifbar wirkt. Saving Private Ryan bleibt deshalb trotz kleiner Schwächen ein herausragender und beeindruckender Film, den ich auch heute noch jederzeit gerne erneut anschaue. 

Oft sieht man in Filmen dieser Art Figuren dabei zu, wie sie verschiedene Hindernisse und Schikanen überwinden müssen, um am Ende ihr Ziel zu erreichen. Die Coen-Brüder verfolgen mit Inside Llewyn Davis jedoch einen ganz anderen Ansatz und zeigen eine Figur, die am Ende des Films eigentlich keinen Schritt weitergekommen ist. Genau daraus entsteht eine gewisse Tragik, denn Llewyn Davis weigert sich, Kompromisse einzugehen oder sich an den Wandel der Musikindustrie anzupassen und bleibt stattdessen stur seinen Vorstellungen treu. Dadurch verpasst er immer wieder Chancen und verliert zunehmend den Anschluss, ohne wirklich etwas an seiner Situation verändern zu können. Der Film funktioniert deshalb vor allem als Charakterstudie über einen Mann, der durch zahlreiche seltsame Situationen stolpert und dabei auf mindestens genauso merkwürdige und skurrile Personen trifft. Besonders die Dialoge machen dabei viel Spass und zeigen den typischen trockenen und teilweise absurden Humor der Coen-Brüder. Ein weiteres Highlight sind die zahlreichen Musikeinlagen, die allesamt live am Set aufgenommen wurden und dadurch besonders authentisch wirken, wobei Oscar Isaac nicht nur mit seiner beeindruckenden Stimme, sondern auch mit einer starken und nuancierten schauspielerischen Leistung überzeugt. Auch optisch passt der Film sehr gut zu seiner Geschichte, da die triste und trübe Farbgebung die melancholische Stimmung und Llewyns scheinbar aussichtslose Situation zusätzlich unterstreicht. Durch seine spezielle Ausrichtung ist Inside Llewyn Davis sicherlich kein Film, der jeden Zuschauer durchgehend unterhalten wird, da die melancholische und teilweise langsame Erzählweise dafür sorgt, dass die Unterhaltung zwischendurch etwas auf der Strecke bleibt. Trotzdem war der Film für mich gerade wegen seiner ungewöhnlichen Hauptfigur, der starken Musik und der eigenwilligen Atmosphäre ein wirklich interessanter Film, der noch lange nach dem Abspann zum Nachdenken anregt. 

Bei A24 bin ich immer besonders gespannt, denn auch wenn mich längst nicht alle Filme des Independent-Labels überzeugen können, haben selbst die schwächeren Werke oft interessante Ideen zu bieten. Das trifft definitiv auch auf Eternity zu, denn die Grundidee ist ausgesprochen spannend und erinnert stellenweise an Pixars Soul, während sie gleichzeitig einige interessante Fragen über Liebe, Verlust und die eigene Vorstellung vom perfekten Leben aufwirft. Leider konnte mich der Film trotz dieses vielversprechenden Konzepts am Ende nicht vollständig überzeugen, was angesichts des vorhandenen Potenzials durchaus schade ist. Mein grösstes Problem war die Chemie zwischen den drei Hauptdarstellern, die für meinen Geschmack nicht stark genug war, um die emotionale Geschichte wirklich zu tragen. Dabei sind alle drei Schauspieler für sich genommen überzeugend, doch zwischen ihnen wollte der entscheidende Funke einfach nicht überspringen. Auch Joans grosses Dilemma empfand ich letztlich als weniger spannend, als der Film es gerne dargestellt hätte, da für mich bereits nach kurzer Überlegung feststand, wie ich mich an ihrer Stelle entscheiden würde. Dadurch wirkte der Umweg, den der Film bis zu seiner letztendlichen Entscheidung nimmt, stellenweise unnötig kompliziert und etwas in die Länge gezogen. Auf der anderen Seite hat Eternity durchaus einiges zu bieten, insbesondere die kreativen Einfälle, den humorvollen Ton und das fantasievolle Setting, was immer wieder für unterhaltsame Momente sorgt. Ein besonderes Highlight war für mich Da’Vine Joy Randolph, die in ihrer Nebenrolle mit einigen gelungenen Gags für zusätzliche Leichtigkeit sorgt. Am Ende ist Eternity für mich eine solide romantische Komödie mit einer wirklich starken Ausgangsidee, die mich emotional allerdings nicht so erreichen konnte, wie sie es mit etwas mehr Chemie und erzählerischer Konsequenz durchaus hätte schaffen können. 

Mit Minions & Monsters bekommt man genau den gewohnten Minions-Humor geliefert und wer dafür empfänglich ist, dürfte auch diesmal seinen Spass haben. Mein persönlicher Humor wird von den kleinen gelben Chaoten meistens ganz gut getroffen, weshalb ich auch diesen Teil insgesamt ordentlich unterhaltsam fand. Besonders stark ist der Film für mich in den ersten 40 Minuten, die überraschend viel Charme versprühen und mit einer kleinen Hommage an das alte Hollywood punkten. Dabei werden sogar Filme und Anspielungen aufgegriffen, die jüngere Zuschauer vermutlich kaum kennen dürften, wodurch dieser Abschnitt fast schon stärker auf ein älteres Publikum zugeschnitten wirkt. Leider verliert der Film anschliessend deutlich an Qualität, vor allem sobald die titelgebenden Monster ins Spiel kommen und die Handlung für mich spürbar an Fahrt und Charme verliert. Die Geschichte wird dadurch zunehmend vorhersehbarer und erreicht nicht mehr ganz das Niveau, was sie zu Beginn noch versprochen hat. Trotzdem wurde ich bis zum Ende ganz ordentlich unterhalten, wobei vor allem die gewohnt hochwertige Animation von Illumination dafür sorgt, dass es auch optisch immer etwas zu bestaunen gibt. Insgesamt ist Minions & Monsters ein solider und kurzweiliger Animationsfilm, der vor allem Fans des typischen Minions-Humors zufriedenstellen dürfte, sein überraschend starkes erstes Drittel aber leider nicht über die gesamte Laufzeit halten kann. 

Mit The Furious habe ich endlich wieder einen Martial-Arts-Film gesehen, der mich ähnlich begeistert hat wie die legendären The Raid Filme. Für mich gelten diese beiden Filme seit Jahren als Massstab des Genres und lange Zeit schien nichts an ihre Qualität heranzureichen. The Furious schafft es jedoch, sich auf Augenhöhe mit diesen Klassikern zu bewegen und hat mir von Anfang bis Ende enorm viel Spass gemacht. Die Geschichte ist dabei sicherlich nicht die grösste Stärke des Films, denn sie dient in erster Linie dazu, die beiden Hauptfiguren von einer Actionszene zur nächsten zu führen. Auch das Schauspiel überzeugt in den ernsteren Momenten nicht immer und wirkt stellenweise etwas hölzern. Hinzu kommt, dass die Gore-Effekte häufig auf CGI setzen, was den brutalen Szenen etwas von ihrer Wirkung nimmt. Der Soundtrack konnte mich ebenfalls nicht vollständig überzeugen und wirkt gelegentlich unpassend zu den gezeigten Ereignissen. Diese Schwächen fallen jedoch kaum ins Gewicht, weil der Film seinen Fokus klar auf die Action legt. Die Kampfsequenzen sind schlichtweg spektakulär und gehören zum Besten, was das Genre in den letzten Jahren hervorgebracht hat. Die Choreografien sind kreativ, abwechslungsreich und vermitteln eine beeindruckende Härte. Besonders hervorzuheben sind die langen Takes, die dafür sorgen, dass die Übersicht jederzeit erhalten bleibt und die Kämpfe klar nachvollziehbar sind. Die Kameraarbeit erreicht zwar nicht ganz die Dynamik der Raid-Filme und ist manchmal etwas zu nah am Geschehen, doch das ist Kritik auf sehr hohem Niveau. Schliesslich bekommt man heutzutage nur selten derart sauber inszenierte Martial-Arts-Action zu sehen. Auch der Schnitt funktioniert hervorragend und unterstützt die Wucht der Kämpfe mit beeindruckender Präzision. Der Aufbau des Films erinnert dabei an ein Videospiel, bei dem sich die Figuren von einem Level zum nächsten kämpfen, bis sie schliesslich den Endkampf erreichen. Der abschliessende Showdown ist atemberaubend inszeniert und zählt für mich zu den besten Finalkämpfen, die das Genre je hervorgebracht hat. Ob The Furious die The Raid Filme tatsächlich übertrifft, kann ich noch nicht abschliessend sagen, doch er ist ihnen mindestens ebenbürtig und setzt im Martial-Arts-Genre ein Ausrufezeichen, an dem sich zukünftige Produktionen messen lassen müssen. 

Ernest & Célestine ist ein französischer Animationsfilm, der mit einer raffinierten Geschichte und einer aussergewöhnlichen Aquarell-Optik auffällt. Besonders interessant ist das Worldbuilding, was zwei völlig unterschiedliche Gesellschaften zeigt und dabei Themen wie Vorurteile, Feindbilder, autoritäre Systeme und sogar Kapitalismus behandelt. Für die ganz kleinen Zuschauer sind diese Themen vermutlich etwas schwer zugänglich, während ältere Kinder und Erwachsene darin durchaus interessante Botschaften entdecken können. Für meinen Geschmack hätte der Film etwas mehr Humor vertragen können, denn obwohl es gegen Ende einige wirklich witzige Szenen gibt, hätte ich mir solche Momente bereits früher im Film gewünscht. Auch bei der Optik bin ich zwiegespalten, da die bewusst unperfekten Aquarellbilder zwar wunderschön aussehen, durch den Detailmangel in den Gesichtern aber nur wenig Raum für ausdrucksstarke Mimik lassen. Dafür überzeugt der Film mit seinen liebenswerten Figuren, allen voran Ernest und Célestine, deren ungewöhnliche Freundschaft sehr sympathisch dargestellt wird. Das Ende ist grundsätzlich zufriedenstellend, wirkt für mich aber etwas zu einfach gelöst und hätte durchaus noch etwas mehr Tiefe vertragen können. Insgesamt bewegt sich Ernest & Célestine weit ausserhalb des Mainstreams und ist deshalb vielleicht nicht für jeden Geschmack geeignet, bietet aber gerade dadurch eine erfrischende Abwechslung. Wer sich für ungewöhnliche Animationsfilme abseits des Mainstreams interessiert, sollte dem Film trotz seiner kleinen Schwächen eine Chance geben, zumal sich die überschaubare Laufzeit von rund 80 Minuten gut dafür eignet. 

The Wolf of Wall Street ist ein Film wie ein dreistündiger Fiebertraum, der zwar eindeutig zu lang geraten ist, es aber trotzdem erstaunlich gut schafft, sein faszinierendes Tempo fast über die gesamte Laufzeit zu halten. Was soll ich da nur sagen, dieser Film ist einfach extrem unterhaltsam und zeigt gleichzeitig eine derart übertriebene und skrupellose Seite des Kapitalismus, dass einem das Lachen manchmal im Halse stecken bleibt. Bei mir zündet der Humor jedenfalls bis heute und bei vielen Szenen muss ich einfach immer noch lachen. Wie viel von dem, was im Film passiert, tatsächlich genauso passiert ist, sei mal dahingestellt, aber die Geschichte rund um Jordan Belfort ist so absurd und masslos, dass man teilweise kaum glauben kann, was man da gerade sieht. Meiner Meinung nach liefert Leonardo DiCaprio hier eine seiner stärksten Leistungen überhaupt ab und verkörpert Belforts Charme, Grössenwahn und Skrupellosigkeit einfach perfekt. Umso bedauerlicher finde ich es, dass er für diese Rolle keinen Oscar bekommen hat, denn auch wenn der Oscar später noch nachgeholt wurde, hätte er ihn für diese Leistung meiner Meinung nach deutlich mehr verdient gehabt. Auch der restliche Cast ist richtig stark aufgestellt, wobei vor allem Margot Robbie und Jonah Hill mit ihren herausragenden und teilweise völlig verrückten Auftritten besonders hervorstechen. Die Story ist absoluter Wahnsinn und das gilt auch für die Inszenierung, denn Martin Scorsese schafft es meisterhaft, diesen Wahnsinn auf die Leinwand zu bringen und den Zuschauer direkt in Belforts ausschweifendes Leben hineinzuziehen. Dazu kommen eine grossartige Kameraarbeit, ein hervorragender Schnitt und ein Soundtrack, der perfekt zur Atmosphäre des Films passt. Gleichzeitig gelingt es Scorsese trotz all des Humors und der Unterhaltung, auch die dunkle Seite dieser Welt zu zeigen und deutlich zu machen, wie zerstörerisch Gier, Macht und ein Leben ohne Grenzen sein können. Wenn The Wolf of Wall Street ein wenig knackiger erzählt und an einigen Stellen gekürzt worden wäre, wäre er für mich ein absolut perfekter Film. Aber auch so bleibt das ein Film, den ich einfach liebe und immer wieder gerne anschaue, mit so vielen legendären Szenen, dass man hier meiner Meinung nach definitiv das Wort Kult verwenden darf. 

Mit ihrem Langfilmdebüt Blood Simple liessen die Coen-Brüder bereits erahnen, dass in Zukunft noch einiges von ihnen zu erwarten sein würde und lieferten einen wirklich interessanten Thriller ab. Besonders überzeugt der Film für mich durch seine raffinierte Geschichte, die sich aus Missverständnissen, Zufällen und jeder Menge Pech entwickelt und dadurch immer wieder neue Wendungen bereithält. Trotz der relativ kurzen Laufzeit von gerade einmal 90 Minuten wird die Handlung dabei nie langweilig, sondern bleibt durchgehend spannend und unterhaltsam. Diese Art des Geschichtenerzählens, bei der sich eine eigentlich einfache Situation immer weiter zuspitzt und ins Chaos stürzt, sollte später zu einem typischen Merkmal vieler Werke der Coen-Brüder werden und findet hier bereits einen gelungenen Anfang. Auch die Inszenierung kann überzeugen, wobei die vielen nächtlichen Szenen dem Film eine düstere und bedrückende Atmosphäre verleihen, ihn stellenweise aber auch etwas eintönig wirken lassen. Besonders gelungen ist zudem, wie die Coens mit den Erwartungen des Zuschauers spielen und Informationen gezielt zurückhalten, wodurch man sich immer wieder fragt, wer eigentlich wen hintergeht. Weniger überzeugend fand ich dagegen die Dialoge, die teilweise etwas trocken und emotionslos wirken und noch nicht die besondere Mischung aus skurrilem Humor und markanten Gesprächen besitzen, für die die Coen-Brüder später bekannt wurden. Gerade etwas mehr schwarzer Humor hätte dem Film meiner Meinung nach gutgetan und hätte die ansonsten sehr düstere Geschichte zusätzlich aufgelockert. Insgesamt ist Blood Simple für mich trotzdem ein gelungenes Langfilmdebüt, was mit einer raffinierten Geschichte, einer starken Atmosphäre und einer spannenden Inszenierung überzeugt und bereits deutlich zeigt, welches Potenzial in den Coen-Brüdern steckt. 

The Mandalorian war für mich hinter Andor lange das interessanteste Star Wars Projekt auf Disney+, zumindest in den ersten beiden Staffeln, während sich in der dritten Staffel bereits eine gewisse Ermüdung bemerkbar machte. Trotzdem hätte ich mich auf eine vierte Staffel durchaus gefreut, die nun allerdings ausblieb und stattdessen durch den Kinofilm The Mandalorian and Grogu ersetzt wurde. Genau an diesem Punkt scheitert der Film für mich jedoch bereits, denn zu keinem Zeitpunkt fühlt er sich wirklich wie ein Kinofilm an, sondern eher wie zwei bis drei etwas hochwertiger produzierte Episoden der Serie. Zwar bietet der Film solide Unterhaltung und einige ordentlich inszenierte Actionszenen, besonders die Eröffnung mit den AT-ATs sorgt dabei für einen gelungenen Einstieg. Die eigentliche Geschichte konnte mich dagegen kaum fesseln, da sie weder besonders spannend noch überraschend erzählt wird und zudem einige Entscheidungen für das Star Wars Universum, etwa im Umgang mit den Hutten, etwas fragwürdig wirken. Auch visuell bleibt der Film hinter seinen Möglichkeiten zurück, da viele Szenen erneut stark nach The Volume aussehen und die teilweise sehr engen Settings mit deutlich erkennbaren digitalen Hintergründen wenig Kinofeeling aufkommen lassen. Insgesamt wirkt die Inszenierung dadurch erstaunlich trist und stellenweise sehr künstlich, obwohl gerade ein Star Wars Kinofilm eigentlich von grossen Bildern und einem Gefühl von Abenteuer leben sollte. Positiv bleibt, dass Pedro Pascal als Din Djarin und Grogu weiterhin gut funktionieren und der Film zumindest kurzweilige Unterhaltung bietet, ohne jemals wirklich schlecht zu werden. Am Ende bleibt jedoch ein Star Wars Film, der nie wirklich enttäuscht, aber eben auch kaum begeistert und deshalb vermutlich genauso schnell wieder vergessen sein wird, für ein so grosses Franchise ist das meiner Meinung nach deutlich zu wenig. 

Mrs. Doubtfire ist einer dieser Filme, die ich als Kind geliebt habe und der erstaunlicherweise auch heute noch sehr gut funktioniert. Während früher vor allem die klamaukigen und überdrehten Szenen im Vordergrund standen, entfaltet der Film mit heutiger Sicht vor allem auf emotionaler und psychologischer Ebene seine grösste Stärke. Die Geschichte eines Vaters, der aus purer Verzweiflung extreme Entscheidungen trifft, wirkt dabei überraschend ernst und vielschichtig. Besonders die Gerichtsszene, in der Daniel selbst zugibt, geisteskrank zu sein, bekommt rückblickend eine fast schon verstörende Tiefe. Betrachtet man sein Verhalten nüchtern, ist dieser Gedanke tatsächlich nicht ganz von der Hand zu weisen. Getragen wird der Film dabei nahezu vollständig von Robin Williams, der hier schlicht Weltklasse spielt. Seine charmante Art, seine Energie und sein komödiantisches Timing sind ansteckend und machen jede Szene sehenswert. Gleichzeitig verleiht er der Figur eine Verletzlichkeit, die den Film emotional erdet. Gegen Ende ist Mrs. Doubtfire für meinen Geschmack etwas zu lang geraten und zieht sein Finale unnötig in die Länge. Trotzdem macht der Film auch heute noch richtig Spass und stimmt zugleich traurig, weil Robin Williams nicht mehr unter uns ist. 

Ganze 13 Jahre liess die Fortsetzung zu Finding Nemo auf sich warten, was eine wirklich lange Zeit ist, aber zum Glück hat sich das Warten gelohnt. Was sofort auffällt, ist die Qualität der Animationen, denn in diesen Jahren hat sich technisch sehr viel getan und Finding Dory sieht dadurch nochmals deutlich besser aus als sein Vorgänger. Die Unterwasserwelt ist wunderschön gestaltet und steckt voller kleiner Details, wodurch der Film auch optisch sehr beeindruckend ist. Die Figuren bleiben genauso liebenswert wie im ersten Teil und besonders die Entscheidung, Dorie diesmal in den Mittelpunkt zu stellen, fand ich sehr gelungen. Die Macher schaffen es dabei, ihre Geschichte so zu erzählen, dass der Fokus auf Dorie nie erzwungen oder fehl am Platz wirkt. Auch die neuen Charaktere passen gut in die Geschichte und sorgen für einige lustige und unterhaltsame Momente. Wie schon Finding Nemo ist Finding Dory ein toller Abenteuerfilm für Gross und Klein, der mit einer emotionalen und spannenden Geschichte wunderbar unterhält. Besonders gut gefällt mir, dass der Film neben Humor und Action auch wichtige Themen wie Familie, Freundschaft und den Umgang mit seinen eigenen Schwächen vermittelt. Für mich ist die Fortsetzung trotzdem etwas schwächer als der erste Teil, was hauptsächlich am grossen Finale liegt. Dort wird meiner Meinung nach bei der Action und den Ausmassen etwas zu stark übertrieben, wodurch das Finale für mich wie ein Fremdkörper in einem ansonsten liebevoll erzählten Film wirkt. Trotzdem gehört Finding Dory zu meinen liebsten Pixar-Filmen und wird von mir bis heute eigentlich immer zusammen mit Finding Nemo angeschaut. 

Als Finding Nemo damals erschienen ist, war Pixar gerade ganz gross im kommen und für mich persönlich gehört der Film bis heute zu den stärksten Werken des Studios. Im Kern ist Finding Nemo eine wunderschöne Abenteuergeschichte, in der die Figuren über sich hinauswachsen, ihre Ängste überwinden und am Ende eine schöne und wichtige Botschaft vermittelt wird. Besonders die Figuren sind wunderbar sympathisch, wobei vor allem das Zusammenspiel zwischen Marlin und Dorie den Film über weite Strecken trägt. Die beiden könnten unterschiedlicher kaum sein, ergänzen sich aber gerade deshalb perfekt und sorgen für viele witzige, aber auch emotionale Momente. Auch bei den Animationen hat Pixar damals alle Register gezogen und eine faszinierende Unterwasserwelt mit einem ganz besonderen Look erschaffen. Zwar merkt man dem Film an einigen Stellen sein Alter inzwischen etwas an, trotzdem sieht Finding Nemo auch für heutige Verhältnisse noch richtig gut aus. Einige Szenen sind für meinen Geschmack zwar etwas zu lang geraten und hätten etwas kürzer ausfallen können, ansonsten überzeugt der Film aber mit seinem Humor, seinen liebenswerten Charakteren und seiner emotionalen Geschichte. Besonders schön ist, dass der Film nicht nur unterhält, sondern auch wichtige Themen wie Familie, Vertrauen und das Überwinden von Ängsten vermittelt. Für mich bleibt Finding Nemo deshalb bis heute einer der stärksten Animationsfilme aller Zeiten, der wunderschön aussieht, witzig ist und eine tolle Geschichte erzählt, die sowohl für Kinder als auch für Erwachsene funktioniert. 

Nach Obsession war Backrooms der nächste Überraschungshit im Horror-Genre dieses Jahr und beweist einmal mehr, dass es nicht immer riesige Budgets braucht, sondern vor allem talentierte Leute mit einer guten Idee und ein Studio, dass an diese glaubt. Das Konzept der Liminal Spaces war mir zwar bereits vorher bekannt und ich wusste auch, dass Regisseur Kane Parsons mit seinen Backrooms-Clips auf YouTube grosse Erfolge feiern konnte, wirklich interessiert hatte mich das Ganze bisher allerdings nie. Verpackt in einen psychologischen Horrorfilm sieht die Sache jedoch ganz anders aus, denn besonders in der ersten Hälfte hat Backrooms für mich hervorragend funktioniert. Eine Grundvoraussetzung dafür, dass der Film seine volle Wirkung entfalten kann, ist vermutlich, dass diese seltsamen, endlos wirkenden und menschenleeren Räume beim Zuschauer tatsächlich ein Gefühl von Unbehagen auslösen. Bei mir war das definitiv der Fall, denn diese unwirkliche Atmosphäre hat mich von Beginn an fasziniert und gleichzeitig dafür gesorgt, dass ich mich nie wirklich sicher gefühlt habe. Besonders gut gefallen hat mir dabei die Mischung aus klassischen Aufnahmen und Found-Footage Elementen, durch die ich teilweise wirklich wie auf heissen Kohlen sass. Allgemein ist der Film äusserst clever inszeniert und auch die Kombination aus echten Sets und CGI funktioniert so nahtlos, dass mir die Effekte zu keinem Zeitpunkt negativ aufgefallen sind. Schauspielerisch gibt es ebenfalls wenig zu bemängeln, denn sowohl Chiwetel Ejiofor als auch Renate Reinsve liefern starke und vor allem glaubwürdige Leistungen ab. Leider verliert der Film für mich in der zweiten Hälfte zunehmend an Faszination, da das Mysterium immer weiter erklärt wird und damit ein grosser Teil des zuvor so wirkungsvollen Unbekannten verschwindet. Gleichzeitig entwickelt sich Backrooms dadurch immer stärker in Richtung eines klassischen Horrorfilms und büsst etwas von der Eigenständigkeit ein, die den Beginn für mich so besonders gemacht hat. Trotzdem bleibt am Ende ein erfrischendes und atmosphärisch starkes Horrorerlebnis, mit dem ich eine wirklich gute Zeit hatte, auch wenn für mich ganz klar die erste Hälfte heraussticht. Einen zweiten Teil hätte ich persönlich zwar nicht unbedingt gebraucht, anschauen werde ich ihn mir nach diesem gelungenen ersten Ausflug in die Backrooms aber natürlich trotzdem. 

Interview with the Vampire: The Vampire Chronicles bleibt für mich auch heute noch einer der interessantesten Beiträge des Vampir-Genres, was vor allem an der Geschichte liegt, die sich über rund 200 Jahre erstreckt und durch ihre verschiedenen Stationen einiges an Abwechslung bereithält. Das Thema Vampirismus besitzt für mich ohnehin eine ganz eigene Faszination und genau diese wird durch die melancholische und teilweise bedrückende Atmosphäre des Films hervorragend transportiert. Natürlich ist dabei nicht jedes Kapitel gleichermassen spannend und gerade im Mittelteil gibt es einige Passagen, die sich für meinen Geschmack etwas zu sehr in die Länge ziehen. Insgesamt ist aber definitiv genügend Unterhaltung geboten und besonders die Entwicklung der Figuren sowie ihr Umgang mit der Unsterblichkeit verleihen der Geschichte eine interessante zusätzliche Ebene. Mit Tom Cruise, Brad Pitt und Antonio Banderas ist der Cast natürlich extrem hochwertig besetzt und alle drei liefern starke Leistungen ab. Ein kleines Highlight ist für mich allerdings Kirsten Dunst, die bereits in jungen Jahren eine erstaunlich eindrucksvolle und teilweise ziemlich krasse Performance abliefert. Ebenfalls überzeugen können die aufwendige Ausstattung und die Kostüme, durch die die verschiedenen Epochen glaubwürdig zum Leben erweckt werden, sowie die starke Maskenarbeit, die auch heute noch hervorragend funktioniert. Weniger gut gefällt mir dagegen der Look des Films, da das Bild häufig sehr dunkel und leicht unscharf wirkt und es für meinen Geschmack beim Filmkorn etwas übertrieben wurde. Das schmälert den Gesamteindruck zwar ein wenig, kann der besonderen Atmosphäre und der Faszination dieser ungewöhnlichen Vampirgeschichte aber letztlich nicht allzu viel anhaben. Auch über 30 Jahre nach seiner Veröffentlichung bleibt Interview with the Vampire: The Vampire Chronicles für mich daher eine klare Empfehlung innerhalb des Genres und ein Film, den ich nach wie vor richtig gerne mag. 

Mit Pig hatte Regisseur Michael Sarnoski bereits einen richtig starken Film abgeliefert, der mich damals vor allem emotional voll erreichen konnte. Mit A Quiet Place: Day One folgte für mich dagegen eher eine Auftragsarbeit, die mich leider kaum überzeugen konnte, doch mit der A24 Produktion The Death of Robin Hood findet Sarnoski zumindest teilweise zu alter Stärke zurück. Besonders spannend finde ich die grundlegende Idee, Robin Hood nicht als strahlenden Volkshelden, sondern als skrupellosen und verbitterten Gesetzlosen zu zeigen, der in seinem Leben grausam gemordet und geplündert hat und nun mit den Konsequenzen seiner Taten leben muss. Gerade die ersten 30 Minuten sind fantastisch und präsentieren eine rohe, brutale Welt, in der Hugh Jackman einen unglaublich intensiven Robin Hood verkörpert, der mich nicht selten an seine Rolle in Logan erinnert hat. Auch inszenatorisch macht der Film von Beginn an einiges her, denn die auf 35mm in Nordirland gedrehten und häufig mit natürlichem Licht eingefangenen Bilder sehen schlicht grossartig aus. Zusammen mit dem starken und passend eingesetzten Score entsteht dadurch eine düstere und beinahe greifbare Atmosphäre, die für mich zu den grössten Stärken des Films gehört. Nach den fulminanten ersten 30 Minuten nimmt Sarnoski das Tempo allerdings fast vollständig heraus und verwandelt den Film zunehmend in ein ruhiges und melancholisches Charakterdrama. Darauf muss man sich definitiv einlassen können, denn wer nach dem starken Auftakt ein brutales und temporeiches Robin Hood Abenteuer erwartet, dürfte spätestens hier verloren sein. Grundsätzlich mag ich solche langsamen und nachdenklichen Filme durchaus, weshalb ich auch die innere Entwicklung von Robin Hood und seinen Umgang mit der eigenen Vergangenheit interessant fand. Dabei beschäftigt sich der Film intensiv mit Schuld, Sühne, den Konsequenzen des eigenen Handelns und Trauma und greift damit einige wirklich spannende Themen auf. Allerdings gelingt es ihm für mich nicht immer, diese Themen auch wirklich fesselnd zu transportieren, wodurch sich gerade der Mittelteil stellenweise ziemlich zieht. Neben Jackman ist vor allem Jodie Comer als Schwester Brigid hervorzuheben, die mit ihrer starken Präsenz den Film zusätzlich bereichert und einige seiner besten Momente mitträgt. Am Ende bleibt The Death of Robin Hood für mich ein visuell beeindruckender und hervorragend gespielter Film, dessen ungewöhnliche Interpretation der bekannten Legende deutlich interessanter ist als ein weiteres klassisches Robin Hood Abenteuer. Gleichzeitig verlangt die sehr langsame und melancholische Erzählweise dem Zuschauer einiges ab, weshalb es für mich zwar ein interessantes und stellenweise grossartiges Seherlebnis war, was ich aber definitiv nicht uneingeschränkt empfehlen kann. 

Nachdem mich Superman als Auftakt des neuen DCU zwar ordentlich unterhalten, aber insgesamt doch etwas enttäuscht hatte, waren meine Erwartungen an Supergirl entsprechend verhalten. Der zweite Film des neuen DCU macht seine Sache zwar nicht unbedingt schlechter, wirkt auf mich aber erstaunlich mutlos und gleichzeitig wie ein typischer James Gunn Film, obwohl Gunn hier gar nicht selbst Regie geführt hat. Milly Alcock erweist sich dabei als sehr gute Wahl für Supergirl, denn bereits in House of the Dragon hat sie gezeigt, was sie schauspielerisch auf dem Kasten hat und auch optisch passt sie für mich hervorragend in die Rolle. Cool fand ich ausserdem den Auftritt von Jason Momoa als Lobo, auch wenn diese Figur vermutlich einen deutlich härteren Film mit höherer Altersfreigabe bräuchte, um ihr volles Potenzial entfalten zu können. Matthias Schoenaerts hätte als Gegenspieler ebenfalls durchaus funktionieren können, bekommt vom Drehbuch allerdings kaum Tiefe spendiert und bleibt dadurch letztlich nur das austauschbare Abziehbild eines Bösewichts. Ähnlich einfallslos präsentiert sich die Geschichte, die im Kern nicht viel mehr als eine klassische Rachestory zu bieten hat und nur selten wirklich überrascht. Mit der Vergiftung von Krypto versucht der Film zwar zusätzliche Emotionen zu erzeugen, bei mir funktioniert das allerdings kaum, weil ich letztlich doch nur einen CGI-Hund vor mir sehe, zu dem ich keine wirkliche Bindung aufbauen konnte. Auch optisch merkt man Supergirl leider deutlich an, dass es sich um eine Studioproduktion handelt, denn besonders bei weitläufigeren Szenen wirken die vollständig digitalen Hintergründe oftmals künstlich. Immerhin können sich die Effekte während der zahlreichen Actionszenen grösstenteils sehen lassen, auch wenn sich hier und da ein paar deutlich schwächere Momente eingeschlichen haben. Trotz all dieser Kritikpunkte wurde ich über die Laufzeit erstaunlich ordentlich unterhalten, was vor allem daran liegt, dass der Film kaum stillsteht und eigentlich immer irgendetwas passiert. Genau diese Kurzweiligkeit rettet Supergirl für mich davor, zu einer wirklichen Enttäuschung zu werden, kann aber gleichzeitig nicht darüber hinwegtäuschen, dass dem Film eine eigene Identität und der Mut zu wirklich besonderen Ideen fehlen. Am Ende ist Supergirl für mich weder Fisch noch Fleisch und setzt für das noch junge DCU kein wirkliches Ausrufezeichen, funktioniert als kurzweilige und actionreiche Unterhaltung für zwischendurch aber dennoch ganz ordentlich. 

Steven Spielberg hat im Laufe seiner Karriere zahlreiche herausragende Filme abgeliefert, aber auch gelegentlich danebengegriffen und leider gehört Disclosure Day für mich zu seinen bislang schwächsten Werken. Damit hätte ich im Vorfeld wirklich nicht gerechnet, zumal die Voraussetzungen für einen packenden Science-Fiction-Film eigentlich hervorragend waren. Auf der positiven Seite steht ganz klar die hohe Produktionsqualität, denn abgesehen von einigen missratenen CGI-Tieren sieht der Film durchgehend hochwertig und aufwendig inszeniert aus. Spielbergs Stammkameramann Janusz Kamiński liefert einmal mehr starke Bilder und beeindruckt mit einigen technisch anspruchsvollen und visuell hervorragend umgesetzten Aufnahmen. Auch schauspielerisch bleiben kaum Wünsche offen, denn Emily Blunt und Josh O’Connor überzeugen als Hauptfiguren, während Colman Domingo selbst in einer kleineren Rolle einen bleibenden Eindruck hinterlässt. Colin Firth wäre als Gegenspieler ebenfalls eine spannende Wahl gewesen, wird vom Drehbuch allerdings derart blass gezeichnet, dass seine Figur kaum Wirkung entfalten kann. Mein mit Abstand grösstes Problem mit Disclosure Day ist jedoch, dass der Film über weite Strecken schlicht stinklangweilig ist, uninspiriert vor sich hinplätschert und dabei kaum Spannung oder echtes Mysterium entwickelt. Hinzu kommt eine völlig überzogene Laufzeit, denn meiner Meinung nach hätte man den Film problemlos um mindestens 45 Minuten kürzen können, ohne dabei etwas Wesentliches zu verlieren. Erst in den letzten rund 25 Minuten habe ich endlich den Film bekommen, den ich mir von Anfang an erhofft hatte, denn hier zieht das Tempo deutlich an und Spielberg zeigt plötzlich, wie spannend das Ganze hätte sein können. Dieser starke Schlussspurt konnte bei mir zwar noch einmal ordentlich punkten, kommt aber viel zu spät, um die zähen Minuten davor vergessen zu machen oder im Science-Fiction-Genre wirklich einen bleibenden Eindruck zu hinterlassen. Am Ende ist Disclosure Day für mich zwar keine komplette Katastrophe und besitzt durchaus einige Qualitäten, aufgrund meiner deutlich höheren Erwartungen ist er aber trotzdem eine der grössten filmischen Enttäuschungen des Jahres. 

Auf Obsession war ich im Vorfeld richtig gespannt, denn der Film entwickelte sich nicht nur zu einem überraschenden Erfolg und erhielt starke Kritiken, sondern fällt auch genau in die Kategorie des Elevated Horrors, für die ich eine grosse Schwäche habe. Und tatsächlich hat Obsession für mich weitgehend gehalten, was er versprochen hat und mich am Ende sogar richtig begeistert. Mit den ersten 20 Minuten hatte ich allerdings noch etwas Mühe, da die Geschichte zunächst recht holprig erzählt wird und auch die Dialoge auf mich nicht besonders überzeugend wirkten. Danach hat mich der Film jedoch komplett in seinen Bann gezogen und bis zum starken Finale nicht mehr losgelassen. Die eigentliche Storyidee mag auf den ersten Blick nicht besonders aussergewöhnlich sein, entwickelt aber zunehmend interessante moralische Fragen und bietet gerade hinsichtlich der Frage, wer hier eigentlich Täter und wer Opfer ist, einiges an Diskussionsstoff. Seine grösste Stärke entfaltet Obsession für mich allerdings in seiner fantastischen und zunehmend beklemmenden Atmosphäre. Durch den cleveren Einsatz von Kamera, Licht und Schatten entsteht immer wieder ein enormes Unbehagen, ohne dass der Film dafür ständig auf offensichtliche Schockmomente zurückgreifen muss. Auch die Geräuschkulisse und der starke Score tragen entscheidend zum Horror bei und sorgen dafür, dass sich die bedrohliche Stimmung immer weiter zuspitzt. Was hier mit einem vergleichsweise kleinen Budget auf die Beine gestellt wurde, ist beeindruckend und zeigt einmal mehr, dass Talent, Kreativität und eine klare Vision oftmals wichtiger sind als riesige finanzielle Mittel. Ein absolutes Highlight ist zudem Inde Navarrette als Nikki, die mich mit der Intensität und Bandbreite ihres Spiels komplett umgehauen hat, während Michael Johnston zwar nicht ganz mit ihr mithalten kann, aber dennoch eine solide Leistung abliefert. Besonders auf psychologischer Ebene funktioniert Obsession hervorragend, scheut sich gleichzeitig aber auch nicht vor einigen gelungenen Härten, wodurch sich für mich ein erstaunlich rundes Gesamtbild ergibt. Trotz kleiner Schwächen zu Beginn ist Obsession für mich deshalb einer der besten Horrorfilme der letzten zehn Jahre und besitzt definitiv das Potenzial, sich langfristig zu einem modernen Klassiker des Genres zu entwickeln. 

To Live and Die in L.A. ist alles andere als ein typisches Polizeidrama und fühlt sich durch einige ungewöhnliche Entscheidungen auch heute noch angenehm erfrischend an. Ein wesentlicher Grund dafür ist die von William Petersen stark verkörperte Hauptfigur Richard Chance, die zunehmend von Rache und Obsession getrieben wird. Besonders spannend ist dabei seine negative Entwicklung, denn im Laufe der Handlung überschreitet Chance immer mehr moralische und gesetzliche Grenzen und wird schliesslich selbst kriminell. Auch Willem Dafoe überzeugt als skrupelloser Geldfälscher Eric Masters, da er solche zwielichtigen und bedrohlichen Figuren mit einer beeindruckenden Leichtigkeit verkörpern kann. Sehr gelungen ist ausserdem die Mischung aus Action, Dialogen und Ermittlungs- beziehungsweise Spionagearbeit, wodurch der Film trotz seines Alters noch immer einiges zu bieten hat. Besonders die berühmte Verfolgungsjagd sowie die atmosphärische Inszenierung sorgen dabei für einige denkwürdige Momente. Das Setting von Los Angeles wird hervorragend eingefangen und ist mit seinen Strassen, seiner düsteren Atmosphäre und seinem besonderen Look beinahe selbst ein Teil der Handlung. Zwar hat der Film zwischendurch einige Pacing-Probleme und hätte an der einen oder anderen Stelle etwas gestrafft werden können, dafür überrascht das für Hollywood-Verhältnisse sehr untypische und schockierende Finale umso mehr. Insgesamt mag ich To Live and Die in L.A. trotz seines Alters noch immer sehr gerne, da ihn vor allem seine kompromisslosen Figuren und ungewöhnlichen Storyentscheidungen zu einem sehenswerten und überraschend zeitlosen Thriller machen. 

Dieses sehr gut besetzte Biopic hatte ich tatsächlich bis jetzt noch nie gesehen und nun endlich mal nachgeholt und Ron Howard hat hier wirklich einen sehenswerten und interessanten Film erschaffen. Auf die Story möchte ich gar nicht gross eingehen, da der Film durchaus einige Überraschungen bereithält, aber grundsätzlich sieht man Russell Crowe dabei zu, wie seine Figur immer mehr den Bezug zur Realität verliert und zwischen Genialität und Wahnsinn schwankt. Das Ganze ist richtig stark von Crowe gespielt und gleichzeitig ist es erstaunlich, dass diese Rolle nur ein Jahr nach Gladiator folgte, denn die beiden Figuren könnten kaum unterschiedlicher sein und zeigen eindrucksvoll, wie wandelbar Crowe zu dieser Zeit war. Absolut ebenbürtig ist Jennifer Connelly, die als Alicia den beschwerlichen Weg mit John Nash bestreitet und dabei ebenfalls sehr differenziert und emotional aufspielt, wofür sie letztlich auch mit dem Oscar ausgezeichnet wurde. Auch die Nebenrollen sind mit Paul Bettany, Ed Harris und Christopher Plummer hervorragend besetzt und runden das starke Ensemble gelungen ab. Das Pacing des Films funktioniert grundsätzlich wirklich gut und gerade die erste Hälfte schafft es, die Geschichte spannend aufzubauen und gleichzeitig immer wieder einige überraschend humorvolle Momente einzustreuen. Gegen Ende fehlte mir dann allerdings etwas die Spannung, da die Geschichte zunehmend ruhiger wird und insgesamt nicht besonders viel Spektakuläres passiert. Auch den Look empfand ich als eher unspektakulär, denn die Bilder sind ziemlich konservativ gehalten und visuell bleibt der Film dadurch nur selten wirklich im Gedächtnis. Dafür funktioniert die emotionale Seite umso besser, denn besonders der Umgang mit Nashs Realitätsverlust und dessen Auswirkungen auf seine Ehe und sein gesamtes Leben sorgen für einige starke Momente. Am Ende war A Beautiful Mind für mich ein interessanter und sehenswerter Film, aus dem ich mal wieder etwas gelernt habe, der besonders auf der schauspielerischen Ebene punkten kann und mich dank seiner emotionalen, aber auch humorvollen Momente wirklich gut unterhalten hat. 

Eigentlich dachte ich, dass ich den besten Film des Jahres bereits gesehen hätte, doch dann kam I Swear und hat mich eines Besseren belehrt. Der Film kommt zwar vollkommen ohne Bombast und grosse Bilder aus, bietet dafür aber ganz andere Qualitäten, die mich umso mehr beeindruckt haben. Allein die wahre Geschichte von John Davidson ist unglaublich interessant, wobei ich besonders spannend fand, wie wenig bekannt das Tourette-Syndrom in den 1980er-Jahren noch war und wie gering dementsprechend die Akzeptanz in der Gesellschaft ausfiel. Doch was macht I Swear für mich zu einem so aussergewöhnlichen Film? Der wichtigste Punkt ist ganz klar das Schauspiel, allen voran Robert Aramayo, der mich komplett begeistern konnte und für mich eine der besten schauspielerischen Leistungen zeigt, die ich je gesehen habe. Er spielt seine Rolle mit enorm viel Gefühl und schafft es gleichzeitig, die Krankheit und ihre Auswirkungen unglaublich glaubhaft zu vermitteln, ohne seine Figur jemals darauf zu reduzieren. Auch der restliche Cast ist hervorragend ausgewählt, sodass selbst die Nebenfiguren ihre ganz eigenen Momente bekommen und im Gedächtnis bleiben. Eine weitere grosse Stärke ist für mich die fantastische Mischung aus Humor und Ernsthaftigkeit. Ich kann mich kaum an einen anderen Film erinnern, bei dem ich so viel lachen musste und gleichzeitig regelmässig Tränen in den Augen hatte, in einer Szene sogar beides zur selben Zeit. Genau diese Balance zwischen schwarzem Humor und emotionalem Drama funktioniert für mich hervorragend, weil sich die beiden Seiten nie gegenseitig im Weg stehen, sondern vielmehr ergänzen. Dadurch war ich über die gesamte Laufzeit vollkommen in der Geschichte gefangen und die Zeit verging wie im Flug. Am Ende ist I Swear für mich ein Film, der mich emotional komplett erreicht und persönlich keine wirkliche Schwäche gezeigt hat. Es ist ein berührendes Drama und gleichzeitig eine grossartige schwarze Komödie über einen Menschen, der es alles andere als einfach hatte, aber das Beste aus seinem Leben machte und schliesslich sogar der Queen persönlich die Hand schütteln durfte, nachdem er sie zuvor krankheitsbedingt beleidigt hatte. Für mich ist I Swear deshalb eine ganz klare Empfehlung und einer dieser seltenen Filme, die mich zum Lachen gebracht, zu Tränen gerührt und auch nach dem Abspann nicht mehr losgelassen haben. 

Mit Barbarian ist Regisseur Zach Cregger erstmals so richtig auf der Bildfläche erschienen und auch wenn der Film für mich nicht ganz an seinen späteren Erfolg Weapons herankommt, lässt sich sein Talent für das Horror-Genre bereits deutlich erkennen. Gerade die ersten 45 Minuten sind für mich nahezu perfekt, denn Handlung und Setting werden hervorragend aufgebaut, während sich gleichzeitig eine unglaublich dichte und unangenehme Atmosphäre entwickelt, die mich sofort in ihren Bann gezogen hat. Zach Cregger versteht es dabei ausgezeichnet, mit den Erwartungen des Zuschauers zu spielen und die Spannung immer weiter anzuziehen, ohne zu früh zu verraten, wohin die Reise eigentlich geht. Leider folgt nach diesem starken ersten Abschnitt ein ziemlich harter Schnitt, bei dem eine neue Figur eingeführt wird und sich für mich auch die Tonalität des Films spürbar verändert. Dadurch verliert Barbarian etwas von der zuvor so konsequent aufgebauten Spannung und Atmosphäre, weshalb mich der Mittelteil deutlich weniger überzeugen konnte. Sehenswert bleibt der Film trotzdem, zumal er sich gegen Ende wieder fängt und schliesslich ein durchaus befriedigendes und passend verrücktes Finale abliefert. Besonders stark präsentiert sich Barbarian auf technischer Ebene, denn sowohl die Kameraarbeit als auch das Sounddesign tragen enorm zur bedrückenden Stimmung des Films bei. Auch der starke Einsatz praktischer Effekte ist lobenswert und sorgt dafür, dass viele der unangenehmen und grotesken Momente wesentlich greifbarer wirken. Schon hier merkt man deutlich, dass Zach Cregger ein ausgesprochen gutes Gespür für Atmosphäre, Timing und das gezielte Brechen von Erwartungen besitzt. Für mich ist Barbarian am Ende zwar noch nicht der ganz grosse Wurf, aber trotz seiner Schwächen ein kreativer und eigenständiger Horrorfilm, der sich angenehm vom üblichen Genre-Einheitsbrei abhebt. 

There's Something About Mary ist eine richtig klassische 90er Jahre Komödie und stilistisch ganz typisch für die Farrelly-Brothers zu dieser Zeit. Der Film setzt auf eine Mischung aus romantischer Komödie, derbem Humor und völlig überdrehten Situationen, die ihm einen ganz eigenen Charme verleiht. Ich muss allerdings zugeben, dass ich den Film etwas lustiger in Erinnerung hatte, als er mir bei der erneuten Sichtung erschienen ist. Trotzdem musste ich hier noch deutlich häufiger lachen als bei vielen aktuellen Produktionen aus diesem Genre. Es gibt allerdings auch einige Gags, die für mich überhaupt nicht mehr gezündet haben und teilweise sogar für unangenehme Fremdscham sorgen. Gleichzeitig merkt man dem Film eine gewisse Leichtigkeit und Freiheit beim Humor an, wodurch selbst einige härtere und geschmacklosere Gags erstaunlich gut funktionieren. Dabei hat man nie das Gefühl, dass der Film seinen Humor grossartig rechtfertigen möchte, sondern er zieht seine verrückten Ideen einfach konsequent durch. Besonders die teilweise herrlich absurden Situationen sorgen dafür, dass der Film trotz einiger gealterter Elemente noch immer einen hohen Unterhaltungswert besitzt. Einen grossen Anteil daran hat auch der schön gewählte Cast, bei dem vor allem Ben Stiller und Cameron Diaz unglaublich sympathisch spielen und hervorragend miteinander harmonieren. Aber auch der restliche Cast macht einen guten Job und trägt mit seinen schrägen Figuren viel zum Charme des Films bei. Unter dem Strich gehört There's Something About Mary für mich immer noch zu den besseren Komödien dieses Genres, auch wenn die Zeit an dem Film und seinem Humor deutlich ihre Spuren hinterlassen hat. 

Im Städtchen Sleepy Hollow sorgt eine Reihe grausamer Morde, bei denen die Opfer enthauptet wurden, für Angst und Schrecken. Der junge Kriminologe Ichabod Crane (Johnny Depp) wird aus New York entsandt, um den Fall mit wissenschaftlichen Methoden aufzuklären. Doch als die Legende eines kopflosen Reiters immer realer erscheint, gerät selbst der überzeugte Realist an seine Grenzen.

Mit Sleepy Hollow bekommt man die Kombination aus Johnny Depp und Tim Burton, die einfach wunderbar zusammenpasst und dem Film seinen ganz eigenen Charakter verleiht. Für mich bleibt der Film ein sehr unterhaltsamer und stimmungsvoller Horror-Fantasy-Spass, der zwar häufig deutlich nach Studioproduktion aussieht und einige mittlerweile eher schwache CGI-Effekte bietet, dadurch aber kaum von seinem besonderen Charme verliert. Vor allem die düstere, neblige Atmosphäre funktioniert hervorragend und sorgt zusammen mit den teilweise morbiden Bildern für eine wunderschöne Gothic-Optik. Schauspielerisch punktet natürlich besonders Johnny Depp, der für eine solch schrullige und leicht überzeichnete Rolle wie geschaffen ist und für mich die perfekte Wahl für Ichabod Crane darstellt. Aber auch die Nebenrollen sind mit bekannten Gesichtern hervorragend besetzt, wobei Christopher Walken als furchteinflössender kopfloser Reiter eine besonders coole Wahl ist. Die Geschichte rund um die geheimnisvollen Morde und das Mysterium von Sleepy Hollow gefällt mir über weite Strecken ebenfalls sehr gut und verbindet Krimi, Fantasy und Horror auf unterhaltsame Weise miteinander. Lediglich gegen Ende verliert die Handlung für mich etwas von ihrem Reiz, wodurch sich der Film stellenweise ein wenig zieht und nicht mehr ganz so rund wirkt wie zuvor. Dafür können die herrlich düsteren Bilder, die selbst in ihrer Trostlosigkeit eine gewisse Schönheit entwickeln, sowie Danny Elfmans grossartiger und perfekt zur Atmosphäre passender Score durchgehend überzeugen. Insgesamt ist Sleepy Hollow für mich auch heute noch eine klare Empfehlung und ein wunderbar morbides Gothic-Märchen, dass trotz kleinerer Schwächen jede Menge Atmosphäre, Charme und Unterhaltungswert bietet.