Filmbewertungen von Vincent_vega84

Da ich das zugrunde liegende Buch von Stephen King nicht gelesen habe, bewerte ich The Long Walk ausschliesslich als eigenständigen Film. Das zentrale Konzept sowie die gesamte Inszenierung haben mir dabei von Beginn an sehr gut gefallen. Regisseur Francis Lawrence gelingt ein brutaler, aber zugleich nachdenklich stimmender Film, der immer wieder mit starken und eindrucksvollen Bildern überzeugt. Technisch gibt es für mich kaum etwas zu bemängeln, da aus einer sehr simplen Grundidee erstaunlich viel herausgeholt wurde. Dennoch hätte das Ganze insgesamt etwas straffer und knackiger erzählt sein dürfen. Die Hauptcharaktere funktionieren überzeugend, wobei vor allem Cooper Hoffman und David Jonsson mit starken schauspielerischen Leistungen herausstechen. Mark Hamill als Major empfand ich stellenweise als etwas zu überzeichnet, auch wenn seine vergleichsweise geringe Screentime dies etwas abmildert. Die simple Story könnte für manche Zuschauer zu eintönig sein, mich hat sie jedoch überraschend gut abgeholt. Besonders die Dialoge zwischen den Figuren fand ich interessant und stellenweise auch emotional berührend. Dem gegenüber stehen sehr explizite Tötungsszenen, bei denen der Film keinerlei Zurückhaltung zeigt und den Zuschauer immer wieder schockiert. Für die ganz grosse Begeisterung hat es am Ende jedoch nicht gereicht. Ein wesentlicher Grund dafür ist, dass die dargestellte Welt für mich nicht wirklich greifbar und nachvollziehbar bleibt. Zwar wird behauptet, dass es der Welt extrem schlecht gehe, dies wird jedoch weder ausreichend gezeigt noch erklärt. Auch das erklärte Ziel des Marsches, die Produktivität der Bevölkerung zu steigern, bleibt für mich eine unbelegte Behauptung. Trotz meiner Unzufriedenheit mit dem Ende, dass mich eher ratlos und emotional unbefriedigt zurückgelassen hat und den zuvor sorgfältig aufgebauten Spannungsbogen für mich nicht ganz konsequent zu Ende führt, halte ich The Long Walk insgesamt dennoch für sehenswert, da der Film sich angenehm von gängigen Genrevertretern abhebt und zum Nachdenken angeregt hat. 

Diesen Film von Stanley Kubrick hatte ich zuvor noch nie gesehen, was sich im Nachhinein als schade erweist, denn Barry Lyndon ist ohne Frage sehenswert. Die Lebensreise von Barry wird interessant, vielschichtig und mit spürbarer Abwechslung erzählt, wobei vor allem das schonungslose Porträt von Aufstieg und Fall überzeugt. Am stärksten punktet das Kostümdrama jedoch eindeutig durch seine Inszenierung, denn Kubrick liefert hier fantastische Bilder, bei denen jede Einstellung bis ins kleinste Detail durchdacht und präzise arrangiert ist. Die Ausstattung, die Kostüme und die Schauplätze sind nicht nur opulent, sondern auch ausserordentlich glaubwürdig und tragen massgeblich zur dichten Atmosphäre bei. Auch schauspielerisch bewegt sich der Film auf hohem Niveau, da Kubrick bekanntlich das Maximum aus seinen Darstellern herausholt, was ihm hier zweifellos gelingt. Ein grösseres Problem stellt für mich allerdings das Pacing des knapp dreistündigen Films dar. Während die ersten 60 Minuten sehr kurzweilig sind und auch das Finale wieder deutlich an Fahrt aufnimmt, verliert der Film im Mittelteil spürbar an Dynamik. In dieser Phase zieht sich das Geschehen merklich in die Länge und ich ertappte mich mehrfach dabei, auf die Uhr zu schauen. Das schmälert den Gesamteindruck zwar, zerstört ihn aber nicht vollständig. Am Ende bin ich dennoch froh, diese filmische Lücke geschlossen zu haben, da Barry Lyndon trotz seiner Schwächen ein visuell wie erzählerisch eindrückliches Werk bleibt. 

Ace Ventura: Pet Detective ist für mich eine der unvergesslichsten Komödien der 90er Jahre, die ich schon unzählige Male gesehen habe und die in Sachen Humor einfach legendär bleibt. Selbst heute noch sorgt der Film in meinem Kollegenkreis für Lacher, da zahlreiche Szenen so einprägsam sind, dass sie regelmässig zitiert werden. Die eigentliche Story ist eher nebensächlich und dient vor allem als Rahmen für die unglaubliche Performance von Jim Carrey, der hier in jeder Szene sein Talent für verrückten, körperbetonten Humor ausspielt. Carreys Energie und Unberechenbarkeit machen jede Szene zu einem Highlight, während seine Grimassen und überdrehten Aktionen den Film zu einer wahren One-Man-Show verwandeln. Sicherlich funktionieren aus heutiger Sicht nicht alle Gags und manches wirkt mittlerweile übertrieben oder einfach lächerlich, doch viele Momente haben ihren Charme behalten und bringen mich nach wie vor zum Lachen. Besonders die absurde Mischung aus Slapstick, Wortwitz und skurrilen Situationen macht den Film zeitlos komisch. Für mich persönlich gehört Ace Ventura: Pet Detective nach wie vor zu den besten Komödien überhaupt und hat einen festen Platz in meiner Sammlung von Lieblingsfilmen. Die Mischung aus überdrehtem Humor und unverwechselbarem Charisma macht ihn zu einem Klassiker, den man immer wieder anschauen kann. Auch wenn die Handlung nebensächlich ist, zeigt der Film eindrucksvoll, wie viel Spass reine Spielfreude erzeugen kann. 

To Catch a Thief ist ein charmanter Gaunerfilm von Alfred Hitchcock, der vor allem durch seine witzigen Dialoge und seinen leichten Ton wunderbar unterhält. Das sonnige Setting an der Côte d’Azur liefert dabei zahlreiche eindrucksvolle Bilder und trägt stark zur eleganten Atmosphäre des Films bei. Besonders gelungen ist die Chemie zwischen Cary Grant und Grace Kelly, die dem Film viel Charme und Spielfreude verleiht. Die Handlung selbst ist allerdings nicht besonders komplex, sodass aufmerksame Zuschauer den wahren Täter relativ früh durchschauen können. Gerade im Vergleich zu anderen Hitchcock-Werken fehlt es der Geschichte etwas an Spannung und Überraschungen. Dennoch gleicht der Film dies durch Humor, Stil und starke Darstellerleistungen aus. Auch Hitchcocks Sinn für Timing und visuelle Eleganz kommt immer wieder zur Geltung. Trotz seines Alters bleibt To Catch a Thief ein unterhaltsamer Klassiker, den man auch heute noch gut ansehen kann. 

Sunset Boulevard ist ein Klassiker des Film-Noir, den ich schon lange sehen wollte, nicht zuletzt, weil er als Lieblingsfilm von Donald Trump gilt. Tatsächlich musste ich mehrmals schmunzeln, da die Figur der Norma Desmond erstaunliche Parallelen zu Trump aufweist: Grössenwahn, Realitätsverlust und die verzweifelte Sehnsucht nach vergangenem Ruhm. Wegen seines Alters von über 70 Jahren fiel mir der Zugang zu diesem psychologischen Dramas zunächst nicht ganz leicht. Die Schwarzweissbilder im 4:3-Format und das für heutige Sehgewohnheiten sehr theatrale Schauspiel wirkten auf mich zunächst etwas sperrig. Dennoch kam ich überraschend gut damit zurecht, was vor allem an der dichten und ungewöhnlich erzählten Geschichte liegt. Besonders spannend ist, dass das Schicksal von Joe Gillis von Beginn an feststeht und er gleichzeitig als Erzähler aus dem Jenseits fungiert. Im Kern behandelt der Film zeitlose Themen wie Vergänglichkeit, Wahnsinn und Selbsttäuschung. Gleichzeitig ist Sunset Boulevard eine schonungslose Abrechnung mit Hollywood, die zur Entstehungszeit nicht überall gut aufgenommen wurde. Diese selbstkritische Haltung verleiht dem Film auch heute noch Relevanz. Für mich war es insgesamt ein interessantes und lohnendes Seherlebnis, auch wenn ich persönlich kein ganz grosses Meisterwerk darin erkennen konnte. 

Migration ist ein angenehm kurzweiliger und charmanter Animationsfilm, der seine Geschichte in knackigen 80 Minuten auf den Punkt bringt. Der Humor zündet immer wieder und sorgt durchgehend für gute Laune, ohne dabei aufdringlich zu wirken. Auch optisch weiss der Film zu überzeugen, mit einem farbenfrohen Stil und vielen liebevollen Details. Besonders die Figuren wachsen einem schnell ans Herz und tragen viel zum hohen Unterhaltungswert bei. Weniger gelungen ist hingegen der völlig überzeichnete und eindimensionale Bösewicht, dessen Motivation kaum nachvollziehbar ist. Dieser Antagonist wirkt eher störend und hätte meiner Meinung nach problemlos weggelassen werden können. Stattdessen hätte man das Abenteuer stärker mit kreativen Begegnungen oder emotionalen Momenten ausschmücken können. Trotz dieser Schwäche bleibt Migration ein gelungener Animationsfilm, der sich hervorragend als leichte und gute Unterhaltung eignet. 

Beim Look and Feel hat The Hobbit: The Desolation of Smaug leider mit denselben Problemen zu kämpfen wie bereits der erste Teil, weshalb ich diese Kritikpunkte hier nicht erneut im Detail ausführen möchte. Wie bei vielen mittleren Kapiteln einer Trilogie fehlt auch diesem Film ein klarer Einstieg sowie ein wirklich befriedigender Abschluss. Dennoch liegt Teil 2 für mich persönlich leicht vor The Hobbit: An Unexpected Journey. Das liegt vor allem daran, dass der Film insgesamt einen etwas ernsteren Ton anschlägt und stellenweise mehr Atmosphäre aufbaut. Besonders die Sequenz im Düsterwald ist hervorzuheben, da sie mit düsteren Bildern und leichtem Horror-Einschlag für echte Spannung sorgt. Auch das Auftauchen der Elben, inklusive eines alten Bekannten, bringt frischen Wind in die Handlung. Gerade in den Actionsequenzen sorgen sie für Abwechslung und Dynamik. Absolutes Highlight ist jedoch das Finale mit Smaug, dass nicht nur spannend und actionreich, sondern auch visuell äusserst beeindruckend inszeniert ist. Weniger gelungen ist hingegen die überzogene Flusssequenz, die zwar einzelne starke Momente besitzt, insgesamt aber oft zu albern wirkt. Der grösste Kritikpunkt bleibt jedoch der ausgedehnte Abschnitt in der Seestadt, der viel zu lange dauert und den Film spürbar ausbremst. Trotz dieser Schwächen kann ich mit The Hobbit: The Desolation of Smaug insgesamt sehr gut leben und für mich ist er sogar der stärkste Teil der Hobbit-Trilogie. 

Bei der Erstsichtung von The Hobbit: An Unexpected Journey bin ich damals richtig enttäuscht aus dem Kino gegangen und auch bei späteren Sichtungen hat sich dieses Gefühl kaum gelegt. Nach der grandiosen The Lord of the Rings Trilogie waren meine Erwartungen verständlicherweise extrem hoch, vielleicht sogar zu hoch. Es wirkte von Anfang an so, als könne der Film diesen Erwartungen gar nicht gerecht werden. Mein grösstes Problem war immer der zu digitale und künstlich wirkende Look. Besonders der massive Einsatz von CGI stört, da deutlich weniger auf praktische Effekte gesetzt wurde als noch bei The Lord of the Rings. Dadurch fühlt sich vieles weniger greifbar und erstaunlich steril an. Auch tonal ist The Hobbit ein ganz anderer Film. Er ist deutlich klamaukiger, oft nicht ernst genug und verliert dadurch an epischer Wirkung. Hinzu kommen für mich eher störende Gesangseinlagen, die den Erzählfluss immer wieder stören. Das nimmt der Geschichte stellenweise Spannung und Atmosphäre. Mit den Jahren habe ich jedoch meinen Frieden mit dem Film gemacht. Heute sehe ich auch mehr die positiven Seiten und spüre trotzdem die Liebe, die Peter Jackson in dieses Projekt gesteckt hat. Die Fantasy-Welt ist wunderschön gestaltet und lädt nach wie vor dazu ein, dem Alltag für ein paar Stunden zu entfliehen. Visuell gibt es trotz aller Kritik viele starke und stimmungsvolle Momente. Der Cast ist insgesamt hervorragend gewählt. Besonders Martin Freeman als Bilbo und Richard Armitage als Thorin überzeugen mit starken Darstellungen. Über Ian McKellen als Gandalf muss man ohnehin kaum Worte verlieren, er ist schlicht grossartig. Auch musikalisch gibt es keinerlei Abstriche, denn Howard Shore liefert erneut einen fantastischen Score. Die Story an sich ist gut, wurde jedoch deutlich gestreckt, um genug Material für drei Filme zu bieten. Rein von der Vorlage hätte die gesamte Geschichte problemlos in einem Film erzählt werden können. Insgesamt bleibt The Hobbit: An Unexpected Journey für mich kein grosses Highlight, bietet aber solide Unterhaltung und gehört zusammen mit den anderen beiden Teilen, mittlerweile als Vorbereitung auf die The Lord of the Rings Trilogie zum Pflichtprogramm. 

Ghost in the Shell war für mich ein bewusster Schritt, meinen Horizont im Anime-Bereich zu erweitern und diese Sichtung fühlte sich fast schon wie Pflichtprogramm an. Obwohl ich mit Anime insgesamt nicht besonders bewandert bin, hat mich der Film schnell in seinen Bann gezogen. Besonders der Animationsstil ist beeindruckend, die Bilder sind atmosphärisch, detailreich und zeichnen ein faszinierendes Bild einer japanischen Cyberpunk Zukunft. Die visuelle Gestaltung wirkt selbst heute noch stark und zeitlos. Ebenso positiv hervorzuheben ist der Score, der ungewöhnlich, fast hypnotisch wirkt und perfekt zur melancholischen Grundstimmung des Films passt. Storytechnisch bietet Ghost in the Shell erstaunlich viel Tiefe und wirft zahlreiche spannende sowie philosophische Fragen auf. Themen wie Menschlichkeit, Bewusstsein, Identität, Seele und Evolution werden hier intelligent und ernsthaft behandelt. Tatsächlich hätte ich mir davon sogar noch mehr gewünscht, denn mit einer Laufzeit von nur rund 80 Minuten fühlt sich der Film stellenweise fast zu kurz an. Einige Ideen hätten durchaus noch weiter vertieft werden können. Trotz meiner begrenzten Anime-Erfahrung zählt Ghost in the Shell für mich klar zu den besten Filmen dieses Genres. 

Titanic ist und bleibt auch bei jeder erneuten Sichtung ein echtes Erlebnis und durchweg beeindruckend. Noch immer bin ich der Meinung, dass der romantische Part zu viel Raum einnimmt und den Film in der ersten Hälfte stark ausbremst. Sobald sich der Film jedoch zum Katastrophenfilm wandelt, bekommt man ein Spektakel geboten, wie es wohl nur James Cameron inszenieren konnte. Visuell ist Titanic auch heute noch erstaunlich stark, vor allem weil so vieles praktisch gebaut und umgesetzt wurde. Gerade diese handgemachten Effekte verleihen dem Film eine physische Wucht, die man sofort spürt. Zwar fallen einige wenige CGI-Effekte aus heutiger Sicht negativ auf, doch der Grossteil der Bilder ist weiterhin extrem wirkungsvoll. Die opulente Ausstattung und die detailverliebten Kostüme tragen enorm zur Immersion bei. Sie verleihen dem Film eine Produktionsqualität, die danach nur noch selten erreicht wurde. Sobald die Katastrophe beginnt, entwickelt der Film einen starken Sog, dem man sich kaum entziehen kann. Spannung, Chaos und Emotionen greifen hier perfekt ineinander. Rein technisch ist Titanic ein absolutes Meisterwerk. Trotz einiger Schwächen, Längen und einer etwas überbetonten Liebesgeschichte funktioniert der Film bis heute immer noch sehr gut. 

Pretty Woman ist eine romantische Komödie, die vor allem von ihrem starken Hauptdarsteller-Duo lebt. Ich bin eigentlich kein grosser Julia Roberts Fan, aber hier spielt sie ihre Rolle unglaublich sympathisch und absolut passend, sodass man ihr einfach gerne zusieht. Auch Richard Gere fügt sich sehr gut ein und gemeinsam haben die beiden eine spürbar tolle Chemie, die den Film trägt. Besonders in der ersten Hälfte funktioniert der Film für mich am besten, da kaum Langeweile aufkommt und immer wieder humorvolle Momente eingebaut sind. Die zweite Hälfte wirkt dagegen etwas träger und bewegt sich zunehmend nach Schema F. Überraschungen bleiben aus und der zentrale Konflikt fühlt sich stellenweise etwas aufgesetzt an. Inhaltlich ist der Film zudem stark märchenhaft und blendet problematische Aspekte seiner Prämisse bewusst aus, was man mögen muss. Insgesamt ist Pretty Woman aber ein charmanter Klassiker, den man auch heute noch problemlos und mit Vergnügen schauen kann. 

Boogie Nights gehört für mich neben There Will Be Blood zu den absoluten Highlights von Paul Thomas Anderson. Unter dem Strich erzählt der Film zwar eine klassische Aufstiegs- und Fallgeschichte, doch das Porno-Setting fühlt sich auch heute noch erstaunlich frisch und unverbraucht an. Besonders stark ist der Cast, der durch die Bank hervorragend besetzt ist und den Film enorm trägt. Mark Wahlberg liefert hier seine mit Abstand beste schauspielerische Leistung ab, an die er später nie wieder ganz herangekommen ist. Die Inszenierung sticht deutlich hervor und zeigt bereits Andersons enormes Gespür für Rhythmus und Bildsprache. Über weite Strecken hat der Film ein grossartiges Pacing, auch wenn der Mittelteil stellenweise leicht durchhängt. Dafür nimmt sich der Film bewusst Zeit, seine Figuren auszubauen und ihre Dynamiken glaubwürdig zu entwickeln. Besonders gelungen ist die Balance zwischen Drama und Komödie, da beide Tonlagen ausreichend Raum bekommen. Emotionale Abstürze und absurde Momente stehen hier nebeneinander, ohne sich gegenseitig zu untergraben. Visuell überzeugt Boogie Nights mit toller Ausstattung und einer sehr stimmigen Optik. Der Soundtrack ist zudem extrem prägend und verleiht dem Film eine zusätzliche Energie. Insgesamt ist Boogie Nights für mich ein fast perfekter Film, der trotz ernster Themen vor allem eines macht und zwar richtig viel Spass. 

So alte Filme sind eigentlich nicht ganz mein Ding, trotzdem habe ich diesem Film-Noir-Klassiker eine Chance gegeben. The Third Man ist zweifellos ein hochwertig gemachter Film, wirklich begeistern konnte er mich am Ende aber nicht. Das liegt vermutlich eher an meinen Sehgewohnheiten als an der Qualität des Films selbst. Die Detektivgeschichte ist klug konstruiert, ohne dabei besonders anspruchsvoll zu sein, wodurch zwischendurch immer wieder leichte Längen entstanden sind. Schauspielerisch ist das Ganze sehr charmant umgesetzt und auch der Schauplatz Wien hat mir gut gefallen und verleiht dem Film eine besondere Atmosphäre. Besonders überzeugend fand ich die Kameraarbeit mit ihren starken Schwarzweissbildern. Die ungewöhnlichen Perspektiven und Schräglagen sorgen visuell für Spannung und bleiben im Gedächtnis. Auch die insgesamt düstere Stimmung des Films funktioniert gut und passt perfekt zum Genre. Am Ende fehlte mir dennoch ein wenig die Begeisterung, auch wenn die Sichtung insgesamt durchaus angenehm war. 

The Raid ist für mich persönlich einer der besten Actionfilme der letzten 20 Jahre. Die Kämpfe sind fantastisch choreographiert, abwechslungsreich und haben auch die nötige Härte. Kritisieren kann man eigentlich nur die Handlung, da die wirklich sehr dünn ist und der ein wenig zu lang geratene Endkampf. Mit der neuen 4K kann man den Film nun auch endlich in vernünftiger Qualität geniessen, da die alte Blu-ray wirklich katastrophal ausgesehen hat. 

Klassischer 80er Jahre Actionfilm ohne grosse Überraschungen, aber durchaus unterhaltsam. 

Der Film spaltet mich ein wenig, da er zwar sehr gut gemacht ist, aber dann auch vor Patriotismus strotzt. Die Actionszenen wurden mitreisend inszeniert und sind auch mit brachialen Soundeffekten unterlegt, zusätzlich oft auch sehr brutal. Bradley Cooper Spielt meiner Meinung nach auch sehr gut, oft ist die Figur des Chris Kyles unsympathisch und sogar unangenehm. Ich denke Freunde dieses Genres können da sicher mal einen Blick wagen, sofern man mit viel Patriotismus leben kann. Die 4K Umsetzung hat mir übrigens auch sehr gut gefallen und der Atmos Track ist ebenfalls stark. 

Von Furiosa: A Mad Max Saga war ich zuletzt ein wenig enttäuscht, was vielleicht auch an meinen hohen Erwartungen gelegen hat, aber auch sehr an dem künstlichen Look. Im Abspann von Furiosa wurden Szenen aus Fury Road gezeigt und dadurch habe ich richtig Lust bekommen dieses Meisterwerk mal wieder zu schauen. Ich betrachte Mad Max: Fury Road als reinen Actionfilm und so gesehen ist dieser Film für mich persönlich einfach perfekt, vielleicht ist es sogar der beste Actionfilm aller Zeiten. Die Story ist auf den ersten Blick sehr simpel, aber bei genauerer Betrachtung wir auch noch sehr viel über die Welt gesagt und das nur über Bilder. Kamera, Schnitt, Score, Effekte sind hier auf einem unglaublich hohen Niveau und dazu kommt natürlich noch das Stuntteam, dass hier ebenfalls einen tollen Job gemacht hat. Fury Road ist einfach ein Erlebnis und muss man gesehen haben. 

Ein Film der besonders meiner Frau sehr gut gefällt und ich 1mal pro Jahr mit ihr schauen darf/muss ;-) Ferdinand ist ein unterhaltsamer Animationsspass ohne grosse Überraschungen und natürlich mit einer Message am Schluss. Der Film tut niemanden weh und kann ich deshalb durchaus empfehlen. 

Immer noch ein toller Western, mit einprägenden Bildern und einem fantastischen Cast. Die klassische Rachestory ist spannend erzählt und bietet auch ein paar Wendungen. Der Score ist natürlich ebenfalls sehr cool, nur die Lauflänge hat mich gestört, hätte gerne ein wenig straffer sein dürfen. Bei der 4K Umsetzung wurde für meinen Geschmack zu stark gefiltert, Filmkorn ist fast nicht mehr vorhanden, was einfach nicht zu dem Film passt. 

Paris, Texas beginnt für mich zunächst mit der Erwartung, etwas in Richtung Rain Man zu sehen, da Travis wirkt, als leide er an Autismus. Diese Annahme erweist sich jedoch schnell als falsch, denn der Film schlägt eine ganz andere, deutlich experimentellere Richtung ein. Stattdessen entwickelt sich ein ruhiges, introspektives Roadmovie, dass mehr über innere Leere als über äussere Handlung erzählt. Im Zentrum steht klar die Vater-Sohn-Beziehung zwischen Travis und Hunter, die extrem langsam, aber dafür umso berührender aufgebaut wird. Wim Wenders nimmt sich viel Zeit, um Emotionen wirken zu lassen, was Geduld vom Zuschauer verlangt. Visuell ist der Film herausragend, mit eindrucksvollen Bildern des amerikanischen Südwestens, die fast schon ikonisch sind. Der minimalistische Score unterstreicht die melancholische Stimmung perfekt. Besonders die Dialoge stechen hervor, da sie oft reduziert, aber emotional sehr präzise geschrieben sind. Der Cast, allen voran Harry Dean Stanton, transportiert diese Dialoge äusserst glaubwürdig. Für meinen Geschmack ist der Film mit rund 150 Minuten allerdings deutlich zu lang geraten. Einige Passagen hätten gestrafft werden können, ohne die Wirkung zu verlieren. Dennoch bekommt man, wenn man sich auf diesen Slow Burner einlässt und in der richtigen Stimmung ist, einen aussergewöhnlich schönen und berührenden Film geboten. 

Mit Infernal Affairs III findet die Trilogie ihren Abschluss, der mich insgesamt nicht mehr ganz so stark überzeugen konnte wie die Vorgänger, auch wenn es absolut kein schlechter Film ist. Handlungsmässig springt der Film ständig vor und zurück zwischen den Ereignissen aus Teil 1, was zwar ambitioniert wirkt, dem Ganzen aber spürbar den Fokus nimmt. Persönlich hätte ich es stimmiger gefunden, wenn sich der Film konsequent auf die Zeit nach dem ersten Teil konzentriert hätte. Gerade durch diese Struktur leidet leider auch die Spannung, die Teil 1 und in weiten Teilen auch Teil 2 ausgezeichnet hat. Immer wieder schleichen sich Längen ein, die den ansonsten interessanten Figuren und Themen etwas den Drive nehmen. Positiv bleibt jedoch die intensive Darstellung von Andy Lau, der die innere Zerrissenheit seiner Figur überzeugend transportiert. Auch die düstere Atmosphäre und die moralischen Grauzonen bleiben typisch für die Reihe und funktionieren weiterhin gut. Am Ende verlässt man den Film dennoch mit einem guten Gefühl, da alle Handlungsstränge sauber und nachvollziehbar abgeschlossen werden. Unter dem Strich ist die Infernal Affairs-Trilogie definitiv sehenswert, insbesondere für Fans des asiatischen Kinos. 

Infernal Affairs II fungiert als Prequel zum ersten Teil der Trilogie und ist trotz kleiner Schwächen absolut sehenswert. Zwar erreicht der Film nicht ganz die Klasse des überragenden Vorgängers, knüpft aber inhaltlich und thematisch überzeugend an. Auch hier ist die Geschichte clever konstruiert und hält einige spannende Wendungen bereit. Besonders gelungen ist, dass bekannte Figuren aus dem ersten Teil mehr Tiefe erhalten und ihre Motivationen besser nachvollziehbar werden. Der starke Cast trägt den Film erneut mühelos und sorgt für durchgehend glaubwürdige Leistungen. Inszenatorisch bleibt die Reihe ihrem stilvollen, düsteren Ton treu. Allerdings schleichen sich im Mittelteil einige kleinere Längen ein, die das Pacing spürbar bremsen. Diese Schwächen fallen jedoch nicht allzu stark ins Gewicht, da Spannung und Atmosphäre weiterhin stimmen. Insgesamt möchte ich Infernal Affairs II nicht missen, weil die ersten beiden Teile zusammen eine bemerkenswert runde und geschlossene Geschichte ergeben. 

Spassiger 80er Jahre Actionfilm, mit einem gut aufgelegtem Duo, die eine tolle Chemie zusammen haben. Kopf aus und einfach unterhalten lassen, mehr braucht es ab und zu nicht. 

Habe den Film tatsächlich vorher noch nie gesehen, was mich ein wenig überrascht hat, da ich dieses Genre sehr gerne mag. Glory hat mir richtig gut gefallen und das liegt unter anderem auch an der knackigen Lauflänge von 122 Minuten, was dem Film sehr gut tut. Es gibt drei Schlachtszenen und diese sind ordentlich inszeniert worden und haben auch eine gewisse Härte. Beim Thema Sklaverei traut man sich leider nicht in die Tiefe zu gehen und natürlich kommt hier mal wieder der “White Savior“ Aspekt zum tragen. Besonders hervorheben möchte ich noch die Leistung von Denzel Washington, er hat hier die vielleicht stärkste Szene im Film abgeliefert und den Oscar für seine Leistung absolut verdient. 

Der Film hat ein paar wenige Längen, ist aber ansonsten ein Meisterwerk. Was hier Audiovisuell gezeigt wird ist auf unglaublich hohem Niveau, mehr geht eigentlich fast nicht mehr. Bei der 4K Disc ist bei mir ein wenig der Wurm ;-) drin, bei Kapitel 4 und 5 habe ich immer wieder Aussetzer, obwohl ich gerade letztens die Disc ausgetauscht habe :-/