Blog von OnkelSato

Interessant an THE DEPARTED ist, dass er vom Aufbau nahezu identisch ist wie INFERNAL AFFAIRS. Ganze Szenen laufen gleich ab, sogar vereinzelte Dialoge ähneln sich, einige Szenen sind gar fast gleich inszeniert. Und dennoch trägt THE DEPARTED den Scorsese-Stempel – nach den eher schweren THE AVIATOR und GANGS OF NEW YORK hat Scorseses Signatur diesmal auch wieder eine gewisse Leichtigkeit vorzuweisen; vielleicht ein wenig „back to the roots“. Kamera führte mal wieder Scorseses Weggefährte Michael Ballhaus – den Schnitt übernahm wie üblich Thelma Schoonmaker.

Das Setting ist Boston und damit dessen Bewohner, was für Außenstehende schwierig zu beurteilen ist. Tatsächlich scheint hier ein ganz eigener Menschenschlag zu agieren, und es ist fast eine Milieustudie, Alec Baldwin und Mark Wahlberg beim gegenseitigen Beschimpfen zuzusehen.

Es ist interessant zu sehen, wie unterschiedlich die gleiche Geschichte abläuft, wenn nur die Umgebung eine andere ist. Scorsese hat also wieder einen Gangsterfilm gedreht, durch das Setting aber diesmal nicht über italoamerikanische (GOODFELLAS) oder jüdische (CASINO) Gangster, sondern diesmal irische.

Do you want to be a cop, or do you want to appear to be a cop?

Die Story ist wie erwähnt die gleiche wie in INFERNAL AFFAIRS: der Kopf der irischen Mafia, Frank Costello (Jack Nicholson), schleust schon von dessen Jugend an seinen Schützling Colin Sullivan (Matt Damon) bei der Polizei ein, um dadurch einen perfekten Spitzel zu haben. Die Polizei wiederum setzt Billy Costigan (Leonardo DiCaprio) als Undercover Cop ein, der sich bei Costello einschleusen und genug Material liefern soll, damit ihm der Prozess gemacht werden kann. Nur der Polizeichef (Martin Sheen) sowie sein Assistent (Mark Wahlberg) kennen die Identität ihres Spitzels, genauso wie nur Costello die Identität von Sullivan kennt. Beide Lager erfahren jedoch, dass sie einen Spion in ihren Reihen haben und versuchen diesen ausfindig zu machen. Wer findet den Maulwurf (oder engl.: die Ratte) zuerst? [...]"

Wer weiterlesen möchte, ist herzlich eingeladen, mal auf meinem Blog vorbeizuschauen! Sobald ich ein wenig mehr Zeit habe, werde ich auch die Blu-Ray selbst bewerten.

Peter Jackson hatte sich nach der Lektüre des Buches die Rechte an der Verfilmung gesichert und brachte THE LOVELY BONES Ende letzten Jahres in die Kinos. Seine Filmumsetzung hält sich in weiten Teilen an die Originalvorlage, allerdings gibt es einige größere Abweichungen im genauen Ablauf der Geschehnisse. Außerdem wurden Elemente, wie beispielsweise eine Affäre der Mutter mit dem ermittelnden Polizisten, im Film ausgelassen.

THE LOVELY BONES ist ein sehr ambitionierter Film, und das ist auch sein größtes Problem. Man spürt förmlich in jeder Minute den Drang des Filmemachers, ein Kunstwerk zu schaffen und sich selbst zu übertreffen. Dadurch zerläuft das Gesamtwerk für meinen Geschmack zu sehr und weiß nie so ganz recht, in welche Richtung es gehen soll.

Was mir an THE LOVELY BONES gefällt

Technisch ist Peter Jacksons zehnter Spielfilm einwandfrei, und die visuellen Effekte von Weta sind natürlich auf höchstem Niveau. Die Hauptdarstellerin Saoirse Ronan (CITY OF EMBER) hat eine zauberhafte Leinwandpräsenz mit unglaublichen Augen. Sie schafft es trotz ihres noch jungen Alters, diesen Film überzeugend zu tragen, und selbst in der vielleicht schwierigsten Szene eine beeindruckende Leistung abzuliefern. Damit komme ich auch zu Stanley Tucci. Seine Darstellung des Kindsmörders ist phänomenal; die besagte Szene, in welcher er Susie in ihr Verderben lockt, ist die beste des ganzen Films. Tucci ist für seine Rolle für den Oscar nominiert worden – allemal verdient.

Was mir an THE LOVELY BONES nicht gefällt

Die visuellen Effekte sind wie bereits erwähnt allererste Sahne, allerdings zu viel. Oft wird die Grenze zur Effektorgie überschritten, und manchmal werden Erinnerungen an THE CELL wach. Sicherlich sollte versucht werden, ein völlig fremdartiges Fantasiereich darzustellen – aber in meinen Augen wurde zu dick aufgetragen. Die Musik (Brian Eno) ist an vielen Stellen interessant und atmosphärisch schön – aber oft merkwürdig und anstregend. Wie der ganze Film mutet die Musik oft Kopflosigkeit an.

Ich bin leider enttäuscht von THE LOVELY BONES. Er scheitert an seinen überstrapazierten Ansprüchen und hat keine klare Linie. Was will der Film vermitteln? Dass Kindsmord eine schreckliche Sache ist? Dass Susie etwas Schlimmes widerfahren ist? Dass sie etwas Schönes und Gutes erlebt in ihrem Himmel? Will der Film uns ein gutes Gefühl hinterlassen, weil es am Ende in den Himmel geht und alles gut ist? Oder will er uns traurig und bedrückt nach Hause schicken, weil wir den Verlust der Tochter zusammen mit der Familie empfinden? Ich finde, THE LOVELY BONES gibt hierzu keine guten Antworten und bleibt zu diffus. Gleichzeitig ist er nicht ambivalent genug, sondern strebt mehr oder weniger determiniert auf den Himmel und Happy End (?) zu.

Fazit

Insgesamt funktioniert THE LOVELY BONES einfach nicht so, wie er sollte. Ohne das Buch gelesen zu haben, werde ich mit dem Film nicht warm. Er hat ungemein gute und auch ein paar extrem spannende Szenen, die meisterlich inszeniert sind, aber auf der Metaebene berührt mich THE LOVELY BONES nicht und nimmt mich leider nicht wirklich mit auf Susies Reise."

THE LOVELY BONES (2009, Peter Jackson), 135 min.

"[...]THE HURT LOCKER, nominiert für neun Oscars und damit schärfster Konkurrent von AVATAR, wurde von Kathryn Bigelow (Ex-Frau von AVATAR-Macher James Cameron) in Jordanien gedreht.

Gleich zu Beginn des Films wird die Spezialeinheit in Aktion gezeigt – und diesmal geht es schief: der Bombenentschärfer wird getötet und muss für die verbleibenden 38 Tage bis zur Ablösung der Einheit ersetzt werden. Gleich im Intro wirkt sich einer der Clous von THE HURT LOCKER aus: der Zuschauer kann sich nie sicher sein, er wird gezwungen, mit der Unsicherheit der Protagonisten zu leben und sie auf deren schmalen Grat zwischen Leben und Tod begleiten. Dies wurde u. a. dadurch gelöst, dass selbst die Teilnahme großer Stars kein Zeichen für deren lange Leinwandpräsenz ist. Guy Pierce (MEMENTO) spielt den ursprünglichen Bombenspezialisten, welcher zu Beginn ums Leben kommt, und ist somit nach keinen zehn Minuten wieder raus aus der Geschichte. Diese Taktik wiederholt sich im Verlaufe des Films in anderen Varianten.

William James (Jeremy Renner, 28 WEEKS LATER) ersetzt also für die restlichen 38 Tage den Verstorbenen und schockiert seine beiden Teammitglieder Sanborn (Anthony Mackie, NOTORIOUS) und Eldridge (Brian Geraghty, JARHEAD, BOBBY), indem er sich nicht an das Protokoll hält, Sicherheitsrisiken eingeht und sein Leben scheinbar ohne zu zögern aufs Spiel setzt.

Was folgt ist eine Aneinanderreihung von Szenen und Situationen, mit denen das neu zusammengesetzte Team konfrontiert wird, und die den alltäglichen Wahnsinn in einem vom Krieg gezeichneten Land schildern. Paranoia, Sprachbarrieren, Misstrauen und die hässliche Fratze des Krieges, die vor keinen noch so grausamen Methoden zurückschreckt. THE HURT LOCKER bietet einerseits hochgradig spannende Szenen, die akribisch genau recherchiert wirken. Mein Highlight ist der Scharfschützen-Schusswechsel in der Wüste, der sich ewig hinzieht und überwiegend aus Abwarten und Lauern besteht. Gleichzeitig wird die Psyche der Soldaten im Einsatzgebiet gut beleuchtet und zeigt einerseits die junge Generation von Soldaten, welche zunehmend desillusioniert und verzweifelnd ihren Dienst tut, aber auch die völlig abgestumpfte Variante des Adrenalinjunkies, der außerhalb eines Gefahrenfelds gar nicht mehr zurecht kommt und dort ständig zur Flasche greift und seinem Privatleben aus dem Wege geht.

So könnte man THE HURT LOCKER als Film der Generation Zweiter Irakkrieg sehen und in eine lange Reihe bedeutender Filme wie JARHEAD, PLATOON, THE DEER HUNTER… stellen.[...]"

Tarantino zitiert seine Vorbilder und Lieblingsfilme – er ist das Paradebeispiel eines Filmwahnsinnigen, der so viel Zelluloid inhaliert und gut sortiert in seinem Kopf abgespeichert hat, dass er stets auf Abruf das Bild, die Einstellung, das Detail, welches er braucht, zur Hand hat. Dabei sind das keine plumpen Kopierversuche – Tarantino verneigt sich in seinen Hommagen bei seinen persönlichen Idolen, und wandelt und konvertiert sie in seine eigene Welt.

Nur so ein Regisseur ist in der Lage, einen Film wie INGLOURIOUS BASTERDS zu machen. Und vermutlich kann es sich auch nur ein Quentin Tarantino erlauben, die Geschichte dermaßen zu ignorieren und umzuschreiben, und Unterhaltungskino im zweiten Weltkrieg zu produzieren.
Viel wurde über INGLOURIOUS BASTERDS geredet und geschrieben. Einig sind sich fast alle, dass Christoph Waltz eine geniale Leistung als SS Offizier Hans Landa abgeliefert und dafür zurecht den Oscar erhalten hat. Ansonsten war der Film neben AVATAR (welcher zumindest zwei technische plus den Kamera Oscar bekam) bei der Verleihung vor einer Woche der Verlierer des Abends.

INGLOURIOUS BASTERDS ist Tarantinos Spaghetti-Western. Damit hat er sich einen langjährigen Traum erfüllt. Viele Elemente konnte er bereits in KILL BILL verarbeiten, aber diesmal füllt die Western Anmutung beinahe den ganzen Film.

Killing Nazis

Die Handlung: eine amerikanische Spezialeinheit von Juden treibt im von Nazis besetzten Frankreich, verkleidet in zivil, ihr Unheil, indem sie deutsche Soldaten töten und Angst und Schrecken verbreiten. 100 Nazi-Skalps schuldet jeder einzelne Basterd dem Anführer Lt. Aldo Raine (Brad Pitt), und bald schon erreicht die Kunde vom Nazi-Schrecken den Führer selbst. Der Plot der Basterd-Einheit, eindeutige Anspielung auf die Apachentaktik, ist nur ein Teil eines ganzen Plot-Mosaiks, der zusammen mit der Geschichte von Shosanna, einer überlebenden französischen Jüdin und Kinobesitzerin und schließlich der „Arbeit“ von Landa in mehreren Kapiteln zum Gesamtwerk verwoben wird. Dabei ist INGLOURIOUS BASTERDS eine Aneinanderreihung von Szenen, die jeweils ihren eigene Besonderheit haben. Die Introsequenz ist direkt ein Geniestreich, der an Spannung und aufgebauter Dramatik kaum zu überbieten ist. Hier wird mit Landa der Antagonist eingeführt und Waltz zeigt gleich zu Beginn, dass seine Figur ein extremes Gewicht im Film haben wird. Die verschiedenen Einstellungen, das Framing und die Farben eröffnen den Western, und man spürt die Bewunderung für Sergio Leone. In seinem ganzen Aufbau erinnert das Intro gewissermaßen an den Anfang von KILL BILL. Auch dort wird der Gegenspieler langsam, dramatisch, bedrohlich eingeführt, mit Betonung auf seinen Sinn für Etikette. Hans Landa ist ein Mastermind, welches uns von Anfang an fasziniert und anwidert, zugleich aber auch zum Lachen bringt.

Das Nazi Oberkommando inklusive Hitler selbst sind herrliche Karikaturen, und man denkt bei sich, dass es wirklich an der Zeit war für so einen Film.
Die große Stärke von INGLOURIOUS BASTERDS, und was ich Tarantino hoch anrechne, ist die Verwendung von Muttersprachlern für die entsprechenden Rollen und die damit einhergehende Sprachvielfalt. Im Film wird auf Englisch, Französisch, Deutsch und Italienisch gesprochen – und dem interessierten Zuschauer sei dringend empfohlen, die untertitelte Originalversion zu schauen und keine Synchronfassung! Dies macht den Film (in seiner Tarantino-Parallelwelt) authentisch und seine Figuren anziehend. Es ist eine Freude, deutsche Schauspieler in den deutschen Rollen zu sehen, französische in den französischen, britische in den britischen usw.
Außerdem ist es interessant zu sehen, wie deutsche Schauspieler unter der Regie von Tarantino aufzublühen scheinen! Interessant ist übrigens, dass Tom Tykwer die deutschen Dialoge übersetzt hat. Tarantino beweist, dass ein mehrsprachiger Film funktionieren kann und man wünscht sich  mehr davon.

Eine persönliche Lieblingsszene kann ich bis zum heutigen Zeitpunkt nicht nennen – zu viele begeistern mich noch immer beim wiederholten Betrachten. Sehr weit vorne in meinem Ranking befinden sich aber sicherlich das Intro in der französischen Hütte, die Begegnung der deutschen Einheit mit den Basterds und dem „Bear Jew“ sowie die zum Brüllen komische Szene in La Louisiana (August Diehl ist neben Landa einer meiner Favoriten des Films).
Die Kamera von Robert Richardson ist grandios und hätte ebenfalls die Oscarauszeichnung verdient (na gut, er hat schon zwei).

Eine kleine Anmerkung zur deutschen Blu-Ray Version: diese ist im Gegensatz zur Kinoversion und der amerikanischen Blu-Ray ein wenig länger. Die zusätzlichen Einstellungen sind in der Kneipenszene und verlängern das „Wer bin ich?“-Spiel ein wenig.

Fazit

INGLOURIOUS BASTERDS ist ein echter Tarantino. In diesem Jahrzehnt für mich knapp hinter KILL BILL, aber wirklich nur knapp. Meiner Ansicht nach der beste Film des letzten Jahres und bei den Oscars deutlich ungerecht behandelt. Tarantino ist längst überfällig für den Oscar, sei es für die Regie oder das Drehbuch.
Wer einen historischen Weltkriegsfilm sehen möchte, der ist bei Tarantino falsch. INGLOURIOUS BASTERDS ist Unterhaltungskino auf höchsten Niveau, in allen Belangen, und deshalb für mich besser als AVATAR, und auch ein wenig besser als THE HURT LOCKER.
Ich bin gespannt, wie Tarantino sein Gesamtwerk fortführen wird – die Messlatte ist weiterhin ganz oben.

INGLOURIOUS BASTERDS (2009, Quentin Tarantino), 154 min

10/10"

Schließlich kulminiert die Geschichte in einem Blutbad. Es ist das Jahr 1913, der erste Weltkrieg steht an, und alte Revolverhelden und Postkutschenräuber müssen Automobilen und Maschinengewehren weichen.

Als THE WILD BUNCH ins Kino kam, galt er als der bis dato brutalste Film der Geschichte und wurde in eine kontroverse Reihe gestellt mit BONNIE AND CLYDE sowie THE DIRTY DOZEN, und selbst heute noch ist der Film aufgrund seiner expliziten und blutigen Gewaltdarstellung nichts für Zartbesaitete. Es wäre allerdings schade, beschränkte man dieses Werk von Sam Peckinpah auf Gewalt und Schießerei. Natürlich ist Gewalt ein wesentliches Element dieses Spätwesterns, doch gerade der enorm hohe Body Count dient hier eher als Stilmittel. Die Sinnlosigkeit des Todes vieler Namenlosen (gleich zu Beginn des Films und besonders in der letzten Szene) deutet auch auf den Zeitenwechsel an. Die alte Welt der Revolverhelden wird verlassen, und die neue moderne Welt, in der selbst das Töten in anderen, noch nie dagewesenen Größenordnungen geschehen wird, bricht heran. Für Pike Bishop und seine Männer ist kein Platz mehr in der neuen Welt. Sie gehen unter, und mit ihnen der Wilde Westen.

THE WILD BUNCH ist ein pessimistischer Film, eingefangen in wunderschönen Farben und Landschaften (Kamera: Lucien Ballard). Der Director‘s Cut geht 145 Minuten und wurde überwiegend um ruhige Szenen ergänzt – in erster Linie Rückblicke. Damit scheint der Film auch eine andere Wirkung zu haben als die kurz nach der Premiere gekürzte Fassung, die sehr auf die Gewalt beschränkt worden ist. Es ist daher empfehlenswert, sich den ursprünglichen Director‘s Cut des Re-Releases anzusehen, da zu vermuten ist, dass die Intention von Peckinpah hier am besten rüber kommt.
Die Actionszenen sind meisterlich inszeniert. Zum ersten Mal spritzte Blut bei Einschüssen und sahen Verletzungen echt aus; die Stunts von Mensch und Pferd sind spektakulär und man kann über den logistischen Aufwand nur staunen. Im Gegensatz zu den Low-Budget Italowestern wurde hier natürlich auch mit anderen Geschützen aufgefahren. Der Überfall auf die Eisenbahn ist in allen Belangen eine grandiose Szene.

William Holden ist großartig als Anführer einer aussterbenden Art, und auch sein Verfolger Robert Ryan überzeugt mit seiner Peformance als müder Ex-Krimineller, der zwischen die Fronten gerät. Ausstattung und Dimension der Statisten macht THE WILD BUNCH zu einem epischen Werk. Das Thema des Niedergangs des Wilden Westens ist im finalen Himmelfahrtskommando treffend umgesetzt und macht THE WILD BUNCH damit zu einem Klassiker des amerikanischen Films. Sam Peckinpahs Werk war für zwei Oscars nominiert: beste Musik sowie bestes Orginaldrehbuch."

THE WILD BUNCH (1969, Sam Peckinpah), 145 min. (Director‘s Cut)

9/10

Regisseur Christopher Nolan verblüffte uns im Jahre 2000 mit dem raffinierten und großartigen Film MEMENTO, ein narratives Puzzle im Rückwärtsgang, voller Verschachtelungen und parallelen Strängen. Kurz darauf begann er offensichtlich mit den ersten Entwürfen für einen weiteren Film, den man getrost auch als „Mind Fuck“ bezeichnen kann. Zehn Jahre und vier weitere fantastische Filme später ist das Werk nun vollbracht, und INCEPTION wartet darauf, vom verwöhnten Publikum begutachtet zu werden.
Worum geht es in INCEPTION – von Nolan im Vorfeld geheimnisvoll mit contemporary sci-fi action thriller ,set within the architecture of the mind‘ beschrieben – eigentlich?

Cobb (Leonardo DiCaprio) ist ein Dieb. Seine Spezialität ist die so genannte „Extraction“: er dringt in die Träume anderer ein, um ihnen Ideen und Geheimnisse zu stehlen – eine Art Wirtschaftsspionage 3.0. Der mächtige Firmenboss Saito (Ken Watanabe) möchte Cobb allerdings für einen ganz anderen Job. Nicht stehlen soll er eine Idee, sondern selbige in das Bewusstsein der Zielperson einpflanzen – „Inception“. Diese Prozedur gilt als schwierig bis unmöglich, doch Cobb ist der Meinung, den Job durchführen zu können, denn nur mit der Hilfe von Saito kann Cobb wieder in seine Heimat zurückkehren…

INCEPTION hat naturgemäß mit einigen Problemen zu kämpfen. Die Schwierigkeit eines jeden Sci-Fi-Filmes ist, dass der Zuschauer zunächst die Gesetze und wenn man so will die Physik des vorgestellten Universum kennenlernen muss, um halbwegs die Handlung mit Verständnis verfolgen zu können. Dafür nimmt sich Christopher Nolan eine gute Stunde ausführlich Zeit und führt den unwissenden Zuschauer, repräsentiert durch die Studentin Ariadne (Ellen Page), wie in einem Tutorial zu Beginn eines Computerspiels, in die Traumwelt ein. Diese Einführung ist recht dialoglastig, aber durch die beeindruckenden Geschehnisse und Effekte glücklicherweise nicht langweilig.

Sobald die Möglichkeiten des INCEPTION-Universums abgesteckt wurden, werden wir in die eigentliche Handlung, die in klassischer Heist-Movie Manier daherkommt, hineingeworfen. Cobb engagiert als Mastermind ein Spezialistenteam, u. a. die genannte Ariadne, welche als Architektin die Traumlevels erstellen soll, in welchen sie die Zielperson, Robert Fischer (Cillian Murphy), Erbe eines sterbenden Energiegiganten, bearbeiten wollen. Mit von der Partie sind Arthur (Joseph Gordon-Levitt), eine Art Mr. Wolf für alle Fälle und Hauptdarsteller in einer der coolsten Kampfszenen der neueren Filmgeschichte, der Verwandlungskünstler Eames (Tom Hardy) sowie der Apotheker und Betäubungspezialist Yusuf (Dileep Rao) und der Auftraggeber Saito persönlich.
Das Verfahren bei Extraction/Inception funktioniert wie folgt: über eine Apparatur werden der Träumer und die Träumenden gemeinsam verkabelt und gelangen dadurch in die konstruierte Welt, welche sich in einem Zwischenstadium des menschlichen Bewusstseins befindet.

Zwei „Gesetze“ der Prozedur sorgen für die nötige Würze: erstens ist es möglich, im Traum selbst die Apparatur erneut zu aktivieren, und dadurch einen Traum im Traum zu generieren (was auch immer weiter verschachtelt werden kann), und zweitens läuft die Zeit in den Traumebenen langsamer ab: je tiefer die Ebene, desto langsamer. Die beste Szene des Films spielt genau mit diesem Prinzip und ist eine meisterliche und ungemein spannende Montage, welche in der ersten Ebene nur wenige Sekunden dauert, während sich in den unteren Ebenen die Ereignisse länger ziehen und überschlagen.
Zu der Komplexität des Ganzen kommt noch Cobbs Vergangenheit um seine verstorbene Frau Mal (Marion Cotillard) dazu, welche in seinem Unterbewusstsein wie eine Zeitbombe tickt und dadurch in seinen Träumen an die Oberfläche durchzuschlagen droht.

Soviel als kurzer Einblick in die Handlung des Films, der zweifellos dem Zuschauer einiges abverlangt, ohne aber zu kompliziert zu sein. Ich wurde in dieser Hinsicht sogar fast enttäuscht, da der Film viel simpler konstruiert ist, als ich erwartet hatte. Den roten Faden kann man hier viel einfacher fokussieren als in MEMENTO. Dennoch ist INCEPTION raffiniert und steckt voller Details, die man im Anschluss gerne genauer ergründen möchte: der zweite Kinobesuch ist dadurch für einige schon vorprogrammiert – ich habe ihn bereits ein zweites Mal gesehen. Das Verständnis ist schon nach der ersten Sichtung da, aber die Aufmerksamkeit auf Kleinigkeiten, philosophische Aspekte, eventuelle Handlungslöcher, die ist beim zweiten Mal wesentlich höher.

Was mir an INCEPTION gefällt

Christopher Nolan liefert uns einen visuell und inhaltlich beeindruckenden und extrem spannenden Mix aus Spionagefilm, Heistmovie, Sci-Fi und Action-Thriller. Sein klarer, fast klinischer Stil, der bereits in THE DARK KNIGHT stark herauskristallisiert war, wird auf die Spitze getrieben und scheint nach wie vor stark beeinflusst zu sein von Michael Mann (HEAT). Technisch auf allerhöchstem Niveau, zeigt Nolan uns Kampfszenen in Schwerelosigkeit, denen man eine perfekte Illusion attestieren muss. Nicht nur die Choreografie und die makellosen visuellen Effekte, sondern auch die dabei zusehende Kamera (wie immer Wally Pfister), ständig in Bewegung und Rotation, machen die von mir oben genannte Szene zu einem absoluten Highlight und weiteren Meilenstein in der Geschichte des Films, so wie uns Neo und Trinity 1999 mit bisher unbekannten Bewegungen entzücken konnten. Schauspielerisch ist nichts auszusetzen, selbst Nebenrollen sind mit Hochkarätern wie Michael Caine besetzt. Leonardo DiCaprio ist überzeugend wie eh und je, Joseph Gordon-Levitt ist die Entdeckung schlechthin (er hat eine frappierende Ähnlichkeit mit Heath Ledger, und wird Gerüchten zufolge auch in Nolans drittem Batman Film den Antagonisten „The Riddler“ spielen), Tom Hardy hat einerseits britischen Charme und gleichzeitig die nötigen Fähigkeiten fürs Grobe. Ellen Page (JUNO) als Avatar des Zuschauers spielt den überzeugenden Neuling und meistert auch die emotionalen Szenen mit guter Dosis. Marion Cotillard ist bezaubernd und furchteinflößend, Ken Watanabe einfach cool, und Cillian Murphy beeindruckt mit seiner guten und teilweise rührenden Darstellung des verunsicherten Milliardärserben.

Zusätzlich zu solidem Spiel und beeindruckenden Effekten, die in gekonnten Montagen zur Geltung kommen, überzeugt mich INCEPTION auch inhaltlich. Filme dieser Kategorie treffen bei mir einen Nerv. Ich liebe THE MATRIX, THE FOUNTAIN, THE THIRTEENTH FLOOR, AVALON, DARK CITY,… – alle Filme, die mit der Frage nach der Realität spielen, manche vielleicht auf philosophisch naiverem Niveau als andere, aber allesamt interessante Filme, die uns nicht nur stupide Action liefern, sondern auch über den Filmgenuss hinaus zum Denken in anderen Kategorien als im Alltag anregen. Während bei AVATAR beeindruckende und noch nie da gewesene Effekte einen völlig banalen und herkömmlichen Plot kaschierten, wird hier eine Geschichte geliefert, die wahrscheinlich auch ohne Explosionen und Schwerelosigkeit als Low-Budget-Produktion überzeugt hätte. Das schicke Beiwerk macht aus einem sehr guten Film einfach auch noch einen kassentauglichen Blockbuster.

Was mir an INCEPTION nicht gefällt

Ich habe tatsächlich minimale Kritikpunkte, die allerdings das Filmerlebnis nicht wirklich trügen, aber über die ich mir dennoch Gedanken mache. Zunächst einmal wäre ich froh gewesen, noch mehr zu sehen! Sprich: die Prozedur der Kreation einer Traumwelt wird ausgiebig beschrieben und gezeigt, später aber als erledigte Tatsache hingenommen, ohne weiter gefeatured zu werden. Man hat zu Beginn den Eindruck, dass es unermessliche Möglichkeiten gibt, sich auszutoben, aber dass schließlich nur ein Bruchteil verwendet wird und uns zu Gesicht kommt. Nolan spielt mit der Architektur. So kommt die unendliche Treppe M. C. Eshers zwar vor, bleibt aber einziges Paradoxon im Level und hätte eines von vielen sein können.

Außerdem leiden die zahlreichen Charaktere ein wenig darunter, dass sie sich wenig entwickeln können aufgrund limitierten Raumes, so können die Akteure ihr schauspielerisches Potential nicht voll zur Schau stellen.

Den möglichen Kritikpunkt einer zu langen Einführung möchte ich hingegen nicht unterstützen, da mir persönlich das „Tutorial“ gefallen und mich auch unterhalten und informiert hat. Grenzwertig wird es teilweise, wenn der Zuschauer im Laufe der Handlung weitere Regeln des Spiels kennenlernt, die vorher nicht bekannt waren. Dies ist allerdings die logische Konsequenz eines konstruierten Universums. Die Alternative wäre gewesen, den Film viel simpler zu machen, oder aber den Zuschauer uninformiert zu lassen, und das hätte ihn narrativ auf eine ganz andere Schiene gebracht, die vielleicht auch wie ein traumartiger Zustand gewesen wäre, jedoch das Konzept Nolans völlig auf den Kopf gestellt hätte. Seine Traumwelten sind nicht abstrakte und surreale Bilder à la David Lynch oder Terry Gilliam (es wäre sicher interessant, eine Inception-Variante dieser Regisseure zu sehen). Nolan bleibt seiner Struktur treu, auch in den Träumen. Diese wirken ebenso real wie die Realität.
Die Musik Hans Zimmers ist imposant und laut, erinnert an vielen Stellen an THE DARK KNIGHT und drückt dem Film noch einen zusätzlichen schweren Stempel auf. An einigen Stellen ist die Musik beinahe genau so laut wie der Dialog und zwingt den Zuschauer, genau hinzuhören.

INCEPTION ist ein Erlebnis und zweifellos einer der besten Filme seit langem. Er ist voll von guten und interessanten Ideen, seien es die synchronisierten Kicks, um die einzelnen Traumwelten zu durchbrechen, die unterschiedlich wahrgenommene Zeit, die verschachtelten Träume,  der Limbus oder die Idee des Diebstahls oder der Einpflanzung von Ideen. Es sind nicht Ideen, die noch nie da gewesen sind oder formuliert wurden, aber es sind Konzepte und Gedankenexperimente, die Christopher Nolan zu einem funktionierenden originellen Gesamtwerk zusammengefügt hat. INCEPTION ist sein zweites eigenes Drehbuch in Alleinregie  nach dem Erstlingswerk FOLLOWING aus dem Jahre 1998, dessen Protagonist übrigens auch ein Dieb names Cobb ist.

Wenn man über einen Film wie INCEPTION nachdenkt, so muss man fast zwangsläufig einen Vergleich mit THE MATRIX ziehen, selbst wenn streng genommen die Konzepte doch unterschiedlich sind. Während in INCEPTION lediglich Träume hergestellt werden, in welche einige ausgewählte Personen agieren können, wird in THE MATRIX die Realität komplett simuliert, und die gesamte Population bewegt sich in ihr. Dennoch macht der Vergleich allein wegen des philosophischen Aspektes Sinn, und vor allem hält INCEPTION diesem Vergleich stand. Für mich ist INCEPTION das, was 1999 THE MATRIX war und bei mir ausgelöst hat.

Fazit

Christopher Nolan hat bis heute sieben Filme gemacht. Kein einziger davon war schlecht, und nahezu alle waren außergewöhnlich gut. Mit INCEPTION schließt sich gewissermaßen zehn Jahre nach MEMENTO eine narrative Klammer in der Karriere dieses britischen Regietalents und wir dürfen gespannt sein, welche Richtung er nach dem dritten Batman Film (auf den wir uns zweifellos auch freuen dürfen) einschlagen wird. INCEPTION ist keine einfache Kost, aber fordert dem Zuschauer sicherlich auch nicht zuviel ab, ist also längst nicht so kompliziert, wie manche vielleicht befürchten (oder hoffen). Die Komplexität entsteht im Nachhinein, wenn man sich das Konzept durch den Kopf gehen lässt, das Ende überdenkt und ins Grübeln gerät – auch hierfür verdient der Film höchstes Lob.
Ein großartiger Film und ein Highlight in diesem Filmjahr!

INCEPTION
USA 2010
Regie: Christopher Nolan
Drehbuch: Christopher Nolan
Kamera: Wally Pfister
Schnitt: Lee Smith
148 min.

10/10

Auf meinem eigenen Blog habe ich zusätzlich zu dieser Review auch eine ausführlichere Analyse und Interpretation des Films gepostet. Der Link zum Blog ist in meinem Profil.