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Saving Private Ryan ist für mich bis heute einer der besten Kriegsfilme, die je gedreht wurden, auch wenn der Film im Mittelteil einige Durchhänger hat und die Geschichte teilweise etwas auf der Stelle tritt. Steven Spielberg liefert bereits mit der Ankunft am D-Day eine der intensivsten, spektakulärsten und gleichzeitig niederschmetterndsten Sequenzen, die ich je in einem Film gesehen habe. Durch die extrem nahe Kamera und die hektische Inszenierung fühlt sich die Schlacht unglaublich unmittelbar und realistisch an, wodurch der Schrecken des Krieges so greifbar wird wie nur selten zuvor. Doch auch abseits dieses beeindruckenden Auftakts hat der Film einiges zu bieten, besonders in Bezug auf seine hervorragenden Schauspieler. Der hochkarätige und breit aufgestellte Cast überzeugt durchgehend, wobei Tom Hanks als Captain Miller für mich ganz klar heraussticht. Er verkörpert seine Figur gleichzeitig ruhig, menschlich und emotional und liefert damit eine Leistung ab, die auch lange nach dem Film im Gedächtnis bleibt. Auch optisch ist Saving Private Ryan bis heute beeindruckend, was vor allem am entsättigten, körnigen und bewusst schmutzigen Look liegt. Dadurch wirkt der Film nicht künstlich glatt, sondern beinahe dokumentarisch und verstärkt den Eindruck, mitten im Kriegsgeschehen zu sein. Zusätzlich sorgen das gewaltige Sounddesign und der passende Score dafür, dass die ohnehin schon intensive Atmosphäre noch stärker zur Geltung kommt. Leider hat der Film für mich gerade im Mittelteil einige Pacing-Probleme und wirkt dort stellenweise etwas unrund, wodurch die Spannung zeitweise nachlässt. Gegen Ende fängt sich der Film jedoch wieder und liefert mit seinem intensiven Finale einen weiteren Höhepunkt, bei dem Spielberg noch einmal alle Register zieht und dank der handgemachten Inszenierung alles unglaublich greifbar wirkt. Saving Private Ryan bleibt deshalb trotz kleiner Schwächen ein herausragender und beeindruckender Film, den ich auch heute noch jederzeit gerne erneut anschaue.

Ganze 13 Jahre liess die Fortsetzung zu Finding Nemo auf sich warten, was eine wirklich lange Zeit ist, aber zum Glück hat sich das Warten gelohnt. Was sofort auffällt, ist die Qualität der Animationen, denn in diesen Jahren hat sich technisch sehr viel getan und Finding Dory sieht dadurch nochmals deutlich besser aus als sein Vorgänger. Die Unterwasserwelt ist wunderschön gestaltet und steckt voller kleiner Details, wodurch der Film auch optisch sehr beeindruckend ist. Die Figuren bleiben genauso liebenswert wie im ersten Teil und besonders die Entscheidung, Dorie diesmal in den Mittelpunkt zu stellen, fand ich sehr gelungen. Die Macher schaffen es dabei, ihre Geschichte so zu erzählen, dass der Fokus auf Dorie nie erzwungen oder fehl am Platz wirkt. Auch die neuen Charaktere passen gut in die Geschichte und sorgen für einige lustige und unterhaltsame Momente. Wie schon Finding Nemo ist Finding Dory ein toller Abenteuerfilm für Gross und Klein, der mit einer emotionalen und spannenden Geschichte wunderbar unterhält. Besonders gut gefällt mir, dass der Film neben Humor und Action auch wichtige Themen wie Familie, Freundschaft und den Umgang mit seinen eigenen Schwächen vermittelt. Für mich ist die Fortsetzung trotzdem etwas schwächer als der erste Teil, was hauptsächlich am grossen Finale liegt. Dort wird meiner Meinung nach bei der Action und den Ausmassen etwas zu stark übertrieben, wodurch das Finale für mich wie ein Fremdkörper in einem ansonsten liebevoll erzählten Film wirkt. Trotzdem gehört Finding Dory zu meinen liebsten Pixar-Filmen und wird von mir bis heute eigentlich immer zusammen mit Finding Nemo angeschaut.

Im Städtchen Sleepy Hollow sorgt eine Reihe grausamer Morde, bei denen die Opfer enthauptet wurden, für Angst und Schrecken. Der junge Kriminologe Ichabod Crane (Johnny Depp) wird aus New York entsandt, um den Fall mit wissenschaftlichen Methoden aufzuklären. Doch als die Legende eines kopflosen Reiters immer realer erscheint, gerät selbst der überzeugte Realist an seine Grenzen.

Mit Sleepy Hollow bekommt man die Kombination aus Johnny Depp und Tim Burton, die einfach wunderbar zusammenpasst und dem Film seinen ganz eigenen Charakter verleiht. Für mich bleibt der Film ein sehr unterhaltsamer und stimmungsvoller Horror-Fantasy-Spass, der zwar häufig deutlich nach Studioproduktion aussieht und einige mittlerweile eher schwache CGI-Effekte bietet, dadurch aber kaum von seinem besonderen Charme verliert. Vor allem die düstere, neblige Atmosphäre funktioniert hervorragend und sorgt zusammen mit den teilweise morbiden Bildern für eine wunderschöne Gothic-Optik. Schauspielerisch punktet natürlich besonders Johnny Depp, der für eine solch schrullige und leicht überzeichnete Rolle wie geschaffen ist und für mich die perfekte Wahl für Ichabod Crane darstellt. Aber auch die Nebenrollen sind mit bekannten Gesichtern hervorragend besetzt, wobei Christopher Walken als furchteinflössender kopfloser Reiter eine besonders coole Wahl ist. Die Geschichte rund um die geheimnisvollen Morde und das Mysterium von Sleepy Hollow gefällt mir über weite Strecken ebenfalls sehr gut und verbindet Krimi, Fantasy und Horror auf unterhaltsame Weise miteinander. Lediglich gegen Ende verliert die Handlung für mich etwas von ihrem Reiz, wodurch sich der Film stellenweise ein wenig zieht und nicht mehr ganz so rund wirkt wie zuvor. Dafür können die herrlich düsteren Bilder, die selbst in ihrer Trostlosigkeit eine gewisse Schönheit entwickeln, sowie Danny Elfmans grossartiger und perfekt zur Atmosphäre passender Score durchgehend überzeugen. Insgesamt ist Sleepy Hollow für mich auch heute noch eine klare Empfehlung und ein wunderbar morbides Gothic-Märchen, dass trotz kleinerer Schwächen jede Menge Atmosphäre, Charme und Unterhaltungswert bietet.

Als Taken 2008 erschienen ist, fühlte sich der Film erstaunlich frisch an, obwohl er sich im Grunde vieler bekannter Elemente des Action-Genres bedient. Sicherlich gibt es bessere und anspruchsvollere Actionfilme, doch für mich besitzt Taken bis heute einen ganz eigenen Charme und macht auch nach mehreren Sichtungen noch richtig viel Spass. Liam Neeson überzeugt als kompromissloser Bryan Mills und verleiht seiner Figur mit seiner ruhigen, aber bedrohlichen Art eine starke Präsenz. Auch die Action kann sich grösstenteils sehen lassen, obwohl gerade bei den Kämpfen deutlich mit schnellen Schnitten gearbeitet wird, um vermutlich die eine oder andere Schwäche zu kaschieren. Dadurch wirken einige Actionszenen ziemlich hektisch und teilweise etwas unübersichtlich, bleiben für meinen Geschmack aber noch in einem akzeptablen Rahmen. Die Geschichte rund um Menschenhandel greift grundsätzlich ein ernstes und relevantes Thema auf, behandelt dieses jedoch sehr oberflächlich und wird spätestens bei Bryans erstaunlich einfacher Spurensuche zunehmend unglaubwürdig. Seine grösste Stärke hat Taken für mich ohnehin in seinem hervorragenden Tempo und Pacing, denn der Film verschwendet kaum Zeit und treibt die Handlung konsequent voran. Die rund 90 Minuten vergehen dadurch wie im Flug, sodass Taken trotz seiner offensichtlichen Schwächen für mich auch heute noch ein äusserst unterhaltsamer Actionfilm ist, den ich immer wieder gerne anschaue.

Interstellar gehört auch heute noch zu meinen absoluten Lieblingsfilmen von Christopher Nolan und entwickelt nach wie vor einen Sog, dem man sich kaum entziehen kann. Dabei schafft es der Film, dass komplexe Science-Fiction Thema durch verständliche Erklärungen und beeindruckende visuelle Einfälle erstaunlich greifbar zu machen, sodass man als Zuschauer kaum das Gefühl bekommt, zurückgelassen zu werden. Besonders spannend ist die Darstellung der Zeit, denn das unterschiedliche Vergehen der Zeit auf verschiedenen Planeten verleiht der Geschichte eine enorme emotionale und wissenschaftliche Dimension und sorgt für einige der stärksten Momente des Films. Gleichzeitig regt Interstellar dazu an, über unseren Umgang mit der Erde und die möglichen Folgen unseres Handelns nachzudenken, wodurch die Geschichte auch abseits ihrer Science-Fiction Aspekte eine interessante Ebene bekommt. Insgesamt ist die Story richtig stark und bietet immer wieder neue Punkte, über die man auch nach dem Abspann noch nachdenken kann. Lediglich gegen Ende wird der Film für mich etwas zu wirr und übertreibt es meiner Meinung nach mit dem Mysterium, wodurch die ansonsten sehr elegante Erzählweise etwas verloren geht. Optisch ist Interstellar dagegen eine absolute Wucht und zeigt eindrucksvoll, wie gut echte Schauplätze, praktische Effekte und gezielt eingesetztes CGI miteinander funktionieren können. Dadurch ist der Film erstaunlich gut gealtert und sieht auch heute noch besser aus als viele aktuelle Produktionen. Besonders die Kameraarbeit liefert immer wieder Bilder, die sich regelrecht ins Gedächtnis einbrennen und die gewaltige Grösse des Weltraums eindrucksvoll vermitteln. Etwas gewöhnungsbedürftig ist lediglich der Wechsel des Bildformats durch die verwendeten IMAX-Aufnahmen, auch wenn dieser für die damalige Zeit nachvollziehbar ist. Beim Score von Hans Zimmer bin ich hingegen bis heute etwas zwiegespalten, da die mächtigen Orgelklänge an manchen Stellen perfekt zur Atmosphäre passen und den Film noch epischer machen, an anderen Stellen für mich aber etwas unpassend wirken. Beim Cast gibt es dagegen kaum etwas zu kritisieren, denn der Film ist bis in die Nebenrollen hervorragend besetzt. Besonders Matthew McConaughey trägt den Film problemlos und funktioniert gleichzeitig als emotionaler Ankerpunkt der gesamten Geschichte. Auch die fast dreistündige Laufzeit stellt für mich kein Problem dar, da Interstellar über weite Strecken ein hervorragendes Pacing besitzt und trotz kleinerer Längen kaum langweilig wird. Insgesamt gehört der Film für mich zu den besten Werken des Science-Fiction Genres, weil er sowohl erzählerisch als auch technisch aussergewöhnlich viel zu bieten hat. Nur im letzten Akt verliert Interstellar etwas von seiner Eleganz und wird unnötig kompliziert, was jedoch kaum darüber hinwegtäuschen kann, dass Nolan hier ein technisch meisterhaftes, bildgewaltiges und zugleich emotionales Science-Fiction Epos geschaffen hat.

Captain Marvel ist ein unterhaltsamer und visuell beeindruckender Superheldenfilm, der frischen Wind in das Marvel Cinematic Universe brachte. Der Film erzählt die Ursprungsgeschichte von Carol Danvers, die nach einem Gedächtnisverlust versucht herauszufinden, wer sie wirklich ist und welche Rolle sie in einem intergalaktischen Konflikt zwischen den Kree und den Skrulls spielt.
Besonders überzeugend ist Brie Larson in der Hauptrolle. Sie verkörpert Carol Danvers als selbstbewusste, humorvolle und entschlossene Heldin, die sich nicht von den Erwartungen anderer einschränken lässt. Ihre Entwicklung vom verwirrten Soldaten zur mächtigen Superheldin wird nachvollziehbar erzählt und vermittelt eine inspirierende Botschaft über Selbstvertrauen, Identität und den Mut, den eigenen Weg zu gehen.
Ein weiteres Highlight ist die Chemie zwischen Carol Danvers und Nick Fury, gespielt von Samuel L. Jackson. Die gemeinsame Dynamik sorgt für viele humorvolle Momente und lockert die Handlung angenehm auf. Gleichzeitig liefert der Film interessante Einblicke in die Vergangenheit einer der beliebtesten Figuren. Auch Goose, die scheinbar harmlose Katze, sorgt immer wieder für überraschende und unterhaltsame Szenen.
Optisch überzeugt Captain Marvel mit gelungenen Spezialeffekten, abwechslungsreichen Schauplätzen und beeindruckenden Actionsequenzen. Besonders die Weltraumszenen und die Darstellung der verschiedenen außerirdischen Völker sind hochwertig umgesetzt. Die Actionszenen sind dynamisch inszeniert und bieten eine gute Mischung aus Spannung und spektakulären Effekten.
Die Geschichte entwickelt sich in einem angenehmen Tempo und überrascht mit einigen unerwarteten Wendungen. Vor allem die Darstellung der Skrulls hebt sich von den üblichen Gut gegen Böse ab und verleiht dem Film zusätzliche Tiefe. Auch die zahlreichen Anspielungen auf die 90ziger, von der Musik bis hin zur Technik, schaffen eine nostalgische Atmosphäre, die gut zur Handlung passt.
Die Handlung wirkt in der ersten Hälfte stellenweise etwas langsam, da sich der Film zunächst stark auf den Aufbau der Welt und die Hintergrundgeschichte konzentriert.
Trotz dieser kleinen Kritikpunkte bietet Captain Marvel spannende Unterhaltung, starke Action und eine sympathische Hauptfigur. Der Film erweitert das Marvel Universum sinnvoll und bereitet wichtige Ereignisse für spätere Filme vor. Für Marvel Fans ist es ein actionreicher Science Fiction Film, der absolut sehenswert ist.
Bereits in den ersten Szenen fällt die hohe Bildschärfe auf. Gesichter, Uniformen und Kulissen werden mit einer beeindruckenden Detailfülle dargestellt. Feine Strukturen in Kleidung, Haut oder Haaren sind deutlich sichtbar und verleihen dem Bild eine sehr natürliche Wirkung. Auch die zahlreichen futuristischen Schauplätze profitieren von der hohen Auflösung, da Oberflächen, Raumschiffe und technische Details wesentlich präziser dargestellt.
Helle Lichteffekte, Explosionen und die leuchtenden Energiekräfte von Captain Marvel wirken besonders intensiv, ohne dabei überstrahlt zu erscheinen. Gleichzeitig sorgen die kräftigen Schwarzwerte für einen ausgezeichneten Kontrast, wodurch Weltraumszenen eine enorme Tiefe erhalten. Sterne, Raumschiffe und Lichtquellen heben sich klar vom dunklen Hintergrund ab und erzeugen eine sehr plastische Bildwirkung.
Auch die Farbdarstellung überzeugt. Die kräftigen Farbtöne von Captain Marvels Anzug wirken lebendig und satt, ohne unnatürlich auszusehen. Die verschiedenen Planeten besitzen jeweils ihre eigene Farbpalette, wodurch sich die Schauplätze klar voneinander unterscheiden. Besonders die bunten Energieeffekte und die kosmischen Sequenzen profitieren sichtbar in der 4K Version.
Die Bildqualität bleibt über die gesamte Laufzeit konstant auf einem hohen Niveau. Selbst in schnellen Actionszenen bleibt das Bild sauber und detailreich. Bewegungen werden flüssig dargestellt und Kompressionsartefakte sind praktisch nicht wahrnehmbar. Lediglich einzelne CGI Einstellungen wirken etwas weicher als die Realaufnahmen.
Auch der Ton ist ein beeindruckendes Erlebnis. Die Tonabmischung sorgt für eine sehr räumliche Klangkulisse, bei der alle Lautsprecher sinnvoll eingesetzt werden. Bereits während der Weltraumschlachten entsteht ein überzeugendes Surround Gefühl, da Schiffe, Explosionen und Energiegeschosse präzise durch den Raum wandern.
Die Dialoge bleiben jederzeit klar verständlich und gehen selbst während actionreicher Szenen nicht unter. Gleichzeitig liefert der Soundtrack viel Dynamik und unterstützt sowohl die emotionalen als auch die spannenden Momente des Films. Besonders die Musik der 90ziger fügt sich hervorragend in die Handlung ein und sorgt zusätzlich für Atmosphäre.
Der Bass arbeitet kraftvoll, ohne übertrieben zu wirken. Explosionen, Abstürze und die mächtigen Energieangriffe von Captain Marvel besitzen ordentlich Druck und verleihen den Actionszenen spürbare Wucht. Gleichzeitig bleiben feinere Klangdetails erhalten, wodurch der Ton insgesamt sehr ausgewogen wirkt.
Besonders beeindruckend sind die Szenen im Weltall. Dort erzeugen die Kombination aus Surround Effekten, kräftigem Bass und klaren Höhen eine glaubwürdige und immersive Klangkulisse. Die zahlreichen Spezialeffekte werden sauber voneinander getrennt, sodass auch in hektischen Momenten keine akustische Überforderung entsteht.
Die Extras bewegen sich im Mittelfeld.
Der Schuber zeigt unsere Heldin. Übersät mit feinen Strukturen, die herausragend geprägt sind. Dazu noch ein Regenbogeneffekt, der sich perfekt ins Gesamtbild einfügt.
Das SteelBook kommt in Hochglanz und ist zudem gepägt. Captain Marvel und der Stern. Die Motive sind ganz gut und zeigen nochmals unsere Heldin. Innendruck zeigt die Heldentruppe Starforce.
Zudem noch limitiert und nummeriert auf 1150 Exemplare.

Die USA im Jahr 1985: Präsident Nixon konnte mithilfe der Superheldengruppe Watchmen den Vietnamkrieg gewinnen. Nun sind die Helden im Ruhestand. Als einer der Superhelden ermordet wird, macht sich der soziopathische Rorschach daran, den Täter ausfindig zu machen. Bald stößt er auf eine Verschwörung, die das Ziel verfolgt, sämtliche ehemaligen Superhelden auszuschalten. Die Lösung des Falls führt ihn jedoch zurück in die Vergangenheit.
Der Film basiert auf den Comic von Alan Moore. Gezeigt wird eine Alternative Zeit in den 80zigern, wo Nixen seine dritte Amtszeit ausübt...Die USA und Sowjetunion stehen vor einem Atomkrieg.
Hier versucht Rorschach den Mord an seinen früheren Superhelden "The Comedian" aufzuklären.
Dabei trifft er auf Geheimnisse, die weit über seine Grenzen und Vorstellungen gehen.
Die Verfilmung von Zack Snyder richtet sich fast an den Comic. Es gibt zwar einige Änderungen, die aber so gut wie nicht ins Gewicht fallen. Es ist in dem Sinne kein gewöhlicher Superheldenfilm, sondern mehr Verschwörungsthriller.
Eine Fiction, die aber nah der Realität überläuft. Eine künstlerische Freiheit, die die Ereignisse auf den Kopf stellt.
Die starke Inszenierung verpackt Snyder in gut 3 1/2 Stunden. Komplex gehalten, mit einer gewissen Ernsthaftigkeit und dazu noch mit einer gehörigen Portion Tiefgang.
Die Superhelden werden dabei etwas in den Hintergrund gerückt, was aber ihre Rollen nicht gänzlich vernachlässigt.
Man braucht eine Menge Sitzfleisch, denn der Film besticht mehr durch seine Dialoge und Durchführung, als seine Action. Diese gibt ein wenig Abwechslung und zeigt eine explizierte Darstellung von Gewalt. Brutal, einzigartig choreographiert und ziemlich beeindruckend.
Die erweiterten Szenen fügen sich gut in den Film ein. Es gibt auch einige animierte Szenen, die den Film ein wenig mehr Härte und Bedrohlichkeit geben, aber der Geschichte nix bringen und für den ein oder anderen als störend empfindet.
Auch wirft der Film ethnische Fragen auf. Moralisch lässt der Film auch mit sich ringen.
Schauspielerisch machen alle ihre Sache ganz ordentlich. Einige mit mehr, andere mit weniger Screentime. Vorallem aber überrascht hier Jackie Earle Haley als Rorschach. Unglaublich präsent, ehrgeizig, rechtschaffen. Malin Åkerman als Silk Spectre II bringt ein wenig Sexyness mit rein. Patrick Wilson als Nite Owl II bleibt ein wenig blass. Billy Crudup als Dr. Manhatten cool, lässig, aber auch sehr verbissen.
Das Setting trifft hier voll ins Schwarze. Bietet einen düsteren, dreckigen Look, ist atmosphärisch beeindruckend und macht mit seinen Noir Szenen einen starken Eindruck.
Das passende Soundtrack unterstreicht die Szenen nochmals.
Es ist schwer, den Film zu bewerten. Aber für mich ist diese Comicverfilmung mit einer besten auf den Markt. Einzigartig, intensiv und äußerst originell erzählt. Komplex, aber auch mit Tiefgang und moralisch verwerflich.
Die 4K bietet im Gegensatz zur Blu Ray kaum Steigerungen. Die Schärfe ist natürlich spürbar, auch der Detailgrad wurde nach oben geschraubt. Sichtbar wird das aber nur in den beleuchteten Szenen. Das Filmkorn ist durchgängig vorhanden, bleibt aber leicht nuanciert. Der Schwarzwert ist in einigen Szenen etwas zu dunkel geraten.
Der Ton in DD ist ordentlich. Dynamik und Räumlichkeit kommen gut zur Geltung und wurden sehr gut abgemischt. Auch die Surround Effekte haben ihre Wucht. Der Subwoofer hat einiges zu tun. Dialoge sind in einigen Szenen zur leise abgemischt und sind nicht immer verständlich.
Extras NUR auf der Bonus Blu Ray. Sind im unteren Mittelfeld.
Der Schuber war die beste Wahl. Die Motive zeigen unsere Superhelden. Es gibt jede Menge Prägungen zu bewundern und Spotglosseffekte kommen auch zum Einsatz.
Das SteelBook ist ein Highlight. Hochglanzoptik und mit einer präzisen Prägung des Filmtitels.
Der Innendruck ziert nochmals unsere Superhelden.
Die Rückseite zeigt uns, das 5 vor 12 ist ( Zitat aus dem Film ).
Eine rundum gelugende VÖ von MantaLab und ein Highlight in meiner Sammlung.
Limitiert und nummeriert auf 1000 Exemplare.

Ein neuer Vampirvirus, der Reaper Strain, grassiert unter den Vampiren. Einmal befallen, töten sie zur Nahrungsaufnahme Menschen und Vampire. In ihrer Not ersuchen die Vampire um Hilfe bei Blade, um die Reaper-Vampire zu bekämpfen. Blade willigt ein und kommt dem Ursprung der Reaper auf die Spur, die das Ergebnis genetischer Experimente sind. Blade wird jedoch von den Vampiren hintergangen. Er kann sich aber befreien, als Nomak, der Anführer der Reaper, ins Hauptquartier der Vampire einbricht.
Ein neuer Vampirvirus, der Reaper Strain, grassiert unter den Vampiren. Einmal befallen, töten sie zur Nahrungsaufnahme Menschen und Vampire. In ihrer Not ersuchen die Vampire um Hilfe bei Blade, um die Reaper-Vampire zu bekämpfen. Blade willigt ein und kommt dem Ursprung der Reaper auf die Spur, die das Ergebnis genetischer Experimente sind. Blade wird jedoch von den Vampiren hintergangen. Er kann sich aber befreien, als Nomak, der Anführer der Reaper, ins Hauptquartier der Vampire einbricht.
Für mich ist die Fortsetzung sogar noch einen Ticken besser, als sein Vorgänger. Er geht dabei andere Wege, die mit Teil 1 kaum vergleichbar sind.
Hier erwartet man einen knallharten Actionfilm, wo das Thema Vampir Ursprung etwas in den Hintergrund rückt. Die Handlung ist dabei sehr gradlinig und hat einige Überraschungen parat. Blade diesesmal in einer ungewöhnlichen Rolle, da er von Vampiren um Hilfe gebeten wird. Der, der Vampire tötet, soll helfen, was einen gewissen Reiz mit sich bringt.
Alles wirkt schneller, härter und brutaler.
Der Cast bleibt mit den beiden Hauptdarstellern aus Teil 1 gleich besetzt, wird aber mit vielen neuen Charackteren erweitert. Luke Goss als Bösewicht, der seine Rolle sehr gut ausübt und einem Bösewicht würdig ist. Leonor Varela als Nyssa, die Blade um Hilfe bittet. Ein sehr schöner Blickfang. Dazu noch Ron Perlman, der noch unbekannte Donnie Yen, Norman Reedus oder auch Thomas Kretschmann.
Sobald Blade in Aktion tritt, metzelt er alles nieder, was sich ihm in den Weg stellt. Die Effekte sind dabei deutlich besser, als noch in Teil 1 und die sehen echt stark aus. Untermalt wird das noch mit Techno- und Rock-Beats. Hat schon einen gewissen Style. Auch das Setting wirkt wieder sehr düster, hab aber nicht mehr den kühlen und lieblosen Look, wie noch in Teil 1, sondern ist moderner gehalten. Einige Twists und Intrigen bekommt man auch noch. Das peppt die Story nochmal ein bisschen auf.
Blade II ist eine würdige Fortsetzung, die mir sogar noch besser gefallen hat, als noch sein Vorgänger.
Die Blu Ray macht einen ordentlichen Eindruck. Schärfe und Details ind im hohem Bereich zu sehen. Farben sind natürlich und bestechen mit einen satten Kontrast. Auch der Schwarzwert ist hier wieder sehr gut ausgefallen.
Der Ton ist leider wieder in DD. Aber hier wurde besser abgemischt. Dynamik und Räumlichkeit sind deutlich besser, als noch in Teil 1. Dialoge klar verständlich.
Extras reichlich vorhanden.
Auch dieses SteelBook ist nur in matt gehalten. Front wie immer mit einer coolen Snipes Pose. Innendruck ziert den Lord Eli Damaskinos und Rückseite wieder mit Blade.
Es harmoniert sehr gut mit dem ersten Teil aus Japan. Eine Alternative gibt es von Zavvi, das allerdings in grau ist und sich mit dem rot schon beißt.

Eric Brooks ist ein Halbwesen aus Mensch und Vampir. Er hat die Kräfte der Vampire geerbt, aber nicht seine Schwächen. Als "Daywalker" geht er auf Jagd nach Vampiren, um sich an ihnen für den Tod seiner Mutter zu rächen. Hilfe erhält er vom Vampirjäger und Waffenentwickler Whistler. Beide sind auf der Suche nach dem Vampir Deacon Frost, der im Rat der Vampire aufbegehrt und die Vampirgottheit La Magra erwecken will. Frost lockt Blade in eine Falle und will ihn für das Erweckungsritual opfern.
Auch heute noch ist diese Marvelverfilmung absolut hervorragend.
Wesley Snipes war/ist die perfekte Besetzung dafür und spielt den "Antiheld" cool und lässig. Die Mentor-Schüler-Beziehung wird durch Kris Kristofferson erweitert und er spielt diese mit eine rauen Wärme. Seine Erfahrung macht sich hier sehr gut bemerkbar.
Ohne Bösewicht geht es natürlich auch nicht. Gespielt wird dieser von Stephen Dorff. Er spielt den Decon Frost mit einer eiskalten Performance. Auch der Nebencast spielt hier einige tolle Characktere. Donal Logue als Straßenvampir, Udo Kier als Oberhaupt oder N’Bushe Wright, die die engagierte Hämatologin spielt und versucht Blade zu helfen. Dabie entwickelt sich eine gewisse Tiefe zwischen den beiden, die an das Sohn/Mutter Verhältnis erinnert.
Blades Weg ist einsam und er existiert nur, um Vampire zu töten und das klappt hier vorbildlich. Sein Ziel verliert er dabei NIE aus den Augen.
Die Effekte sind heute ein wenig schlecht gealtert. Das Setting wirkt ein wenig kühl und lieblos, vermittelt aber eine gewisse Ästhetik und das passt irgendwie zum Film. Auch die Kampfszenen sehen heute noch klasse aus. Das Tempo hätte ein wenig knackiger sein können.
Blade ist auch heute noch ein mitreißender Superheldenfilm, mit einem düsteren Ton, sehr guter Action und herausragenden Schauspielern.
Trotz des Alters hat die Blu Ray eine gute Schärfe aufzuweisen. Feinste Details sind zu erkennen. Das leichte Filmkorn sorgt für eine tolle Farbgebung und der Schwarzwert ist sehr gut geworden. Ich habe mich noch zusätzlich die 4K besorgt. Das Upgrade lohnt sich, auch wenn die 4K der Blu Ray nicht in allen Belangen überlegen ist.
Der Ton in DD ist leider nicht so stark ausgefallen. Die Dynamik in den Actionszenen ist leider kaum vorhanden. Die Räumlichkeit leider auch unter der Abmischung. Subwoofer Einsatz eher sporadisch. Dafür sind die Dialoge verständlich abgemischt.
Extras sind im soliden Mittelfeld.
Das SteelBook ist mit das beste auf den Markt. Es ist leider nur matt und hat sonst keine Effekte aufzuweisen. Das Frontmotiv zeigt Blade in einer coolen Pose. Innendruck ziert Decon Frost und Rückseite nochmals mit Blade. Allerdings harmoniert dieses SteelBook sehr gut mit Teil 2 und Teil 3 aus Japan, weslhalb dieses SteelBook die beste Wahl ist. Toppen kann das nur das Zavvi SteelBook, welches Prägungen aufweist, aber auch nur matt ist. Immerhin gibt es dort einige Spotgloss Effekte. Rückseite ist auch besser ausgefallen und bietet ein schöneres Motiv.

Der Film Furiosa: A Mad Max Saga ist für mich ein gutes Beispiel dafür, wie ein Werk mit mehrfacher Sichtung deutlich in der eigenen Wertschätzung steigen kann, denn nach meinem Kinobesuch war ich zunächst eher enttäuscht, obwohl ich ihn keineswegs schlecht fand. Meine Erwartungen waren nach Mad Max: Fury Road einfach zu hoch, was dem Film gegenüber im Nachhinein betrachtet nicht ganz fair war. Bei der Zweitsichtung im Heimkino konnte ich mich dann deutlich besser auf das einlassen, was der Film eigentlich erzählen möchte, weil ich nun wusste, welche Art von Geschichte mich erwartet. Für eine weitere Sichtung wollte ich dann meine neuen Heimkinolautsprecher ein wenig an ihre Grenzen bringen und habe mich bewusst entschieden, zuerst Furiosa und als nächstes dann Fury Road zu schauen, da beide Filme in Sachen Sound richtig stark abgemischt sind und sich dafür perfekt anbieten. Erstaunlicherweise ist der Film dadurch noch einmal ein gutes Stück in meiner persönlichen Bewertung gestiegen und wirkt inzwischen wie ein richtig starker Genrebeitrag. Zwar stört mich weiterhin der stellenweise künstlich wirkende Look mit sichtbar eingesetztem CGI, der die raue Authentizität des Vorgängers nicht ganz erreicht. Auch Chris Hemsworth empfinde ich als Antagonisten weiterhin nicht vollständig überzeugend, obwohl seine Figur grundsätzlich interessant und exzentrisch angelegt ist. Gleichzeitig überzeugt der Film jedoch mit einer deutlich umfangreicheren Handlung als sein direkter Vorgänger und nimmt sich mehr Zeit für Figurenentwicklung und Weltaufbau. Gerade dieser stärkere Fokus auf Story hat mir bei der erneuten Sichtung überraschend gut gefallen und gibt der Figur Furiosa zusätzliche emotionale Tiefe. Besonders gelungen ist dabei der Übergang von der jungen zur erwachsenen Furiosa, der so elegant umgesetzt ist, dass man ihn kaum bewusst wahrnimmt. Auch schauspielerisch weiss der Film zu überzeugen, vor allem Anya Taylor-Joy trägt die Rolle mit viel Präsenz und Intensität und passt hervorragend in diese raue Welt. Die Action erreicht zwar zu keinem Zeitpunkt ganz die ikonische Wucht von Fury Road, bleibt aber dennoch klar überdurchschnittlich und sehr kreativ inszeniert. Ein besonderes Highlight ist dabei die lange Tankwagen-Sequenz, die mit mehreren originellen Einfällen begeistert und für echtes Mad-Max-Feeling sorgt. Insgesamt habe ich mit dem Film mittlerweile meinen Frieden gemacht und sehe ihn heute als richtig guten und unterhaltsamen Actionfilm, der sich vor vielen aktuellen Genrevertretern nicht verstecken muss. Am Ende bleibt dennoch der Eindruck, dass der Film ein wenig zu lang geraten ist, auch wenn er inzwischen für mich deutlich besser funktioniert als noch nach der ersten Sichtung.

Die Familie "Borger" besteht aus winzigen Figuren, die sich der Gegenstände von Menschen bedienen und sich in den Häusern anderer Leute einquartieren. Eines Tages wird die kleine Tochter Arrietty von Sho, einem vierzehnjährigen Jungen, entdeckt. Es beginnt eine verbotene Freundschaft zwischen dem aufgeweckten, neugierigen Mädchen und dem kranken Jungen und damit ein unvergessliches Abenteuer, das das Leben beider für immer verändern wird.
Arrietty - Die wundersame Welt der Borger taucht in die geheime Welt der Borger ein, die sich an den Sachen der Menschen bedienen. Sie sind unauffälig, sehr zurückhaltend und verstecken sich natürlich. Eines Tages wird sie durch einen Zufall von den kranken Jungen Sho gesehen und es entwickelt sich zur einen einzigartigen Freundschaft. Für andere sind sie lästige Diebe oder werden als Ungeziefer angesehen, doch für Sho ist sie zur einer Freundin geworden, mit der er sich super versteht. Arriety besticht durch seine wunderbaren & detaillierten Bildern, liebevollen Charackteren. Eine Coming of Age Geschichte, die den Respekt der Menschen akzeptiert, egal in welcher Form man sich befindet. Die Story wird dabei langasm und ruhig erzählt. Der Soundtrack ist atemberaubend und lebt von der Orchestik. Sanfte Klavier Einlagen, gefühlvolle Passagen lassen einen verzaubern. Highlight ist das Harfenspiel von Cécile Corbel. Die deutsche, sowie die japanische Versionen bieten absolut Gänsehautfeeling.
Das Ende empfand ich leider als schlecht. Da befindet sich eine Freundschaft in Arbeit und Arriety flieht mit ihrer Famile, um weitere Borger zu finden. Das war für mich leider nicht gut gewählt. Da war schon ein weinendes Auge mit dabei.
Dennoch taucht Arriety in eine Welt ein, die man so nicht kennt und einen verzaubert. Man sieht die Geschichte in einem anderen Blickwinkel.
Das Digibook ist in naturgrün gehalten und passt super zum Film. Das Covermotiv ist schön gemacht.
Das Bild ist wieder einmal absolut fantastisch. Referenzwürdig. Ton ist kraftvoll. Extras sind ok.

Caleb ist 24 Jahre alt und ein erfolgreicher Web-Programmierer. Nach einem gewonnenen Wettbewerb darf er im Privathaus des abgeschieden lebenden Firmenchefs Nathan mit einer schönen Roboterfrau zusammenarbeiten - der ersten wirklichen künstlichen Intelligenz. Doch nach und nach beginnen unerwünschte Gefühle in dem jungen Mann zu wachsen und es wird immer unklarer, wo die Unterschiede zwischen Mensch und Maschine liegen, wenn es um Gefühle, Bewusstsein und Sexualität geht.
Das Prinzip dieser Story ist einfach gehalten, wirkt dabei aber sehr spannend und dringt sehr tief in eine KI ein, wie man es heute schon kennt. Dabei spielt der Turing-Test eine wichtige und zentrale Rolle, ob eine KI ein Bewusstsein entwickelt oder nicht.
Der Film beginnt recht einfach und entwickelt sich dabei langsam aber sicher zu einem fesselnden Experiment. Das Setting ist sehr minimalistische und spartanisch gehalten, bietet aber einen futuristischen Aspekt und sieht visuell einfach nur stark aus. Die klaustrophobische Atmosphäre des Hauses wirkt dabei sehr kühl und sorgt auch fürt ein unangenehmes Gefühl der Leere. Die Bildästhetik durch eine gezielte Farbgebung und der detailreichen Aufnahmen verstärken nochmal die Isolation, in der man sich befindet.
Auch das Spiel mit Licht und Schatten hat eine wichtige Rolle und soll den Zuschauer mit Emotionen fesseln. Eine Grenze zwischen Mensch und Maschine.
Der Film lebt von seiner 4 Protagonisten und die spielen allesamt überragend. Im Vordergrund stehen dabei Caleb und Eva.
Alice Vikander als künstliches Wesen...Sinnlich, ruhig, intelligent. Entwickelt dabei Gefühle, die menschlicher nicht sein können und die sich Caleb aber entziehen kann. Welche Absichten hinter Evas handeln steckt, bleibt lange im Unklaren und das macht den Reiz des Filmes aus.
Auch die ganzen Wendungen bringen Frische mit rein und dringend tief in die Beziehungen der Personen ein. Ein Katz und Maus Spiel, wer hier wem Vertrauen kann.
An Spannung mangelt es den Film nicht und diese bleibt konstant auf einem hohen Niveau.
Das Ende ist nochmal ein Schlag ins Gesicht und dort drängt sich die Frage auf...Kann man einer KI Vertrauen schenken?!
Ein Film, der heute nicht aktueller sein kann. Verstörend, beklemmend, visuell eine Wucht, ein starker minimalistischer Cast und eine komplexe Handlung, über die Auswirkung einer KI, behält ein lange Wirkung nachsich und regt zum Nachdenken an.
Da ich diese Edition mit der deutschen 4K aufgewertet habe, bewerte ich hier die 4K.
Die Nahaufnahmen, sowie die Aussenaufnahmen sehen absolut scharf aus. Ein sehr hoher Detailgrad. Die Farben wirken etwas kühl und stillistisch, ist aber der Film geschuldet und auch so gewollt.
Der Ton kann auch punkten. Da der Film viel ruhig wirkt, kommen Sourroundeffekte selten zur Geltung. Dialoge sind aber klar verständlich.
Die Extras sind in Ordnung.
Der Full Slip hat einen schönen Lenti-Effekt, der gestochen scharf wirkt. Die Rückseite hat sehr schöne Prägungen zu bieten und ist etwas minimalistisch gehalten.
Das SteelBook punktet mit einem Hochglanz Finish und die Prägung des Filmtitels ist präzise gesetzt. Von den Covern her sind diese gut gewählt. Innendruck aber etwas lieblos.
Die Edition ist limitiert und nummeriert auf 1000 Exemplare.

Blade Runner 2049 ist für mich eine fantastische Fortsetzung, mit der Denis Villeneuve ein echtes Science-Fiction-Meisterwerk geschaffen hat. Tatsächlich sehe ich den Film sogar noch vor dem Original, weil er dessen Stärken aufgreift und konsequent weiterentwickelt. Die tiefgründige Story wird hier konsequent fortgeführt und um spannende Fragen zu KI, Identität und Evolution erweitert. Dadurch gewinnt der Film noch einmal deutlich an philosophischer Tiefe und emotionaler Wucht. Ein absolutes Highlight ist die Inszenierung, die unglaublich detailverliebt ist und visuell einfach ein Brett ist. Jede Einstellung wirkt durchdacht, jede Kulisse strotzt vor Atmosphäre und trägt zur dichten, melancholischen Stimmung bei. Das CGI bewegt sich dabei auf höchstem Niveau und fällt zu keinem Zeitpunkt negativ auf, sondern fügt sich nahtlos in die reale Bildwelt ein. Besonders die Bilder von Kameramann Roger Deakins sind atemberaubend schön und vollkommen zurecht mit dem Oscar ausgezeichnet worden. Auch der Score und das Sounddesign sind eine echte Wucht und verstärken die intensive Wirkung vieler Szenen enorm. Insgesamt handelt es sich hier um eine Produktion auf allerhöchstem technischen und künstlerischen Niveau. Ryan Gosling ist als Hauptfigur die perfekte Wahl und verkörpert K mit genau der nötigen Mischung aus Zurückhaltung, Melancholie und innerer Zerrissenheit. Aber auch der restliche Cast überzeugt bis in die Nebenrollen hinein und zeigt keinerlei Schwächen. Selbst langsame, ruhige Passagen entfalten eine enorme Spannung, weil Bild, Ton und Schauspiel perfekt zusammenspielen. Für mich ist Blade Runner 2049 daher ein perfekter Film, bei dem ich keine echte Schwäche erkennen kann und der für mich klar den Status eines Meisterwerks verdient.

Blade Runner von Ridley Scott ist ein Science-Fiction-Film, den ich in jungen Jahren als langweilig und wenig zugänglich empfunden habe. Damals fehlte mir wohl der Zugang zu seiner ruhigen Erzählweise und den philosophischen Untertönen. Mit jeder weiteren Sichtung ist der Film jedoch in meiner Gunst gestiegen und hat für mich deutlich an Tiefe gewonnen. Heute würde ich sogar sagen, dass er mit jedem Rewatch besser wird. Optisch ist der Film nach wie vor beeindruckend und in seiner Detailverliebtheit nahezu unerreicht. Die erschaffene Cyberpunk-Welt wirkt dicht, düster und zugleich erstaunlich greifbar. Das verregnete, neongetränkte Los Angeles entfaltet eine ganz eigene Atmosphäre, die bis heute stilprägend für das Genre ist. Auch die Ausstattung und das Produktionsdesign sind aussergewöhnlich stark und tragen massgeblich zur Immersion bei. Hinzu kommt der fantastische, fast schon hypnotische Score von Vangelis, der perfekt mit den Bildern harmoniert und die melancholische Grundstimmung unterstreicht. Der Cast überzeugt ebenfalls auf ganzer Linie. Harrison Ford spielt den desillusionierten Rick Deckard zurückhaltend und glaubwürdig. Für mich ist jedoch Rutger Hauer der heimliche Star des Films, insbesondere durch seinen legendären finalen Monolog, der emotional voll ins Schwarze trifft. Mittlerweile lebt der Film für mich vor allem von seiner vielschichtigen Geschichte. Die Fragen nach Menschlichkeit, Identität, Empathie, künstlichem Leben und Sterblichkeit sind zeitlos und richtig spannend. Zwar gibt es einige Längen und klassische Action steht nicht im Vordergrund, doch genau diese ruhige, nachdenkliche Art macht einen grossen Teil seiner Faszination aus. Blade Runner ist für mich mittlerweile ein richtig starker Vertreter des Science-Fiction-Genres, ein Film, für den ich in jungen Jahren schlicht noch nicht bereit war.

The Godfather Coda: The Death of Michael Corleone bildet den Abschluss der Trilogie und war für mich schon immer deutlich schwächer als die beiden grandiosen ersten Teile, auch wenn die neue Schnittfassung den Film zumindest ein wenig verbessert. Grundlegend ändert sich zwar nichts an den strukturellen Problemen, doch wirkt die Erzählung nun etwas kompakter und in sich geschlossener. Inszenatorisch kann man dem Film kaum Vorwürfe machen, denn Francis Ford Coppola beweist erneut sein Gespür für starke Bilder, stimmungsvolle Kompositionen und eine dichte Atmosphäre, die immer wieder an die Klasse der Vorgänger erinnert. Auch der Score von Nino Rota und Carmine Coppola fügt sich wunderbar ein und verstärkt die tragische Grundstimmung der Geschichte. Schauspielerisch ist das Ensemble insgesamt überzeugend, allen voran Al Pacino, der einen gealterten, von Schuld zerfressenen Michael Corleone intensiv und glaubwürdig verkörpert. Ausnahme ist Sofia Coppola, die in ihrer Rolle leider deutlich abfällt und gerade in emotionalen Momenten nicht die nötige Tiefe erreicht. Die grössten Probleme liegen jedoch eindeutig in der Story, da sich vieles nicht wirklich schlüssig und rund anfühlt. Besonders die Einführung von Andy Garcia wirkt wie ein Fremdkörper und alles andere als elegant und auch sein schneller Aufstieg innerhalb der Familie erscheint nur bedingt nachvollziehbar. Allgemein ist die Handlung in der neuen Fassung etwas straffer erzählt, dennoch bleiben einige Längen bestehen, sodass immer wieder leichte Langeweile aufkommt. Positiv fällt auf, dass sich der Film nun nicht mehr so stark zweigeteilt anfühlt wie früher, da die einst klare Amerika-/Italien-Aufteilung besser miteinander verwoben wurde. Ein echtes Highlight bleibt jedoch das grosse Finale in der Oper, dass packend inszeniert ist und der Tragödie eine spürbare Konsequenz verleiht. Insgesamt ist der Abschluss der Trilogie sicherlich kein Reinfall, wirkt für mich aber dennoch wie ein Kapitel, dass ich im Grunde nicht unbedingt gebraucht hätte.

Der Trapper Hugh Glass wird 1823 auf einer Expedition in der Wildnis Nordamerikas von einem Bären angegriffen und schwer verletzt. Seine Begleiter, der skrupellose Söldner John Fitzgerald, der ehrliche Captain Andrew Henry und der junge Jim Bridger, geben ihm kaum eine Überlebenschance. Sie lassen ihn im Stich und nehmen außerdem seine Ausrüstung und Werkzeuge mit. Doch der Totgeglaubte kämpft sich ins Leben zurück und beschließt, sich an seinen ehemaligen Gefährten zu rächen.
Ein Film, der mehr Authentizität zeigt, als vielleicht jeder andere Film. Di Caprio legt hier eine unglaubliche und atemberaubene Leistung an den Tag, die seines gleichen sucht. Man fühlt mit jedem Bild, jeder Erfahrung mit ihm, als ob man dabei wäre. Man ist so unglaublich nah am Geschehen, das man die Kälte, den Schnee, das Leid fühlen kann. Seine Reise ist unglaublich zäh, schmerzhaft. Eine Reise voller Gefahren, mit neuen Freundschaften und einen Rachefeldzug, der an den Nerven zerrt.
Lobend sein erwähnt, das an realen Orten gedreht wurde. Sowas sieht man heute eher wenig. -15 C, eisiger Wind...Glaubwürdiger kann man es nicht fühlen.
Die Atmosphäre wurde hier perfekt eingefanegn. Absolute grandiose Bilder wurden hier aufgenommen. Dazu trägt natürlich auch die geniale Kamerarbeit bei. Die Actionszenen wurden dabei brilliant eingefahren und bewegen sich auf einen sehr hohen Niveau.
Die Laufzeit von über 150 Minuten erscheinen dabei sehr lang und die Geschichte wird dabei sehr detailreich und ausführlich bereist. Das mag für den ein oder anderen langatmig rüberkommen und das merkt man vielleicht im Mittelteil. Man hätte die Geschichte auch kürzer und knackiger erzählen können.
Dennoch war es die Reise wert. Eine unglaubliche Geschichte über einen Mann, der alles dafür getan hat, um seinen Wunsch nach Rache zu erfüllen. Und damit hat sich Di Caprio auch seinen Oscar mehr als redlich verdient.
Das Bild der ist eine absolute Schönheit. Alles knacke scharf, detailreich. Der Kontrast bekommt spitzenwerte. Eine Referenz Scheibe. Die 4K setzt nochmal einen drauf, die ich mir dann auch noch besorgt habe und in der Edition plaziert habe.
Auch der Ton ist eine Wucht. Bei Action geht es rund. Kommt der Soundtrack in die Gänge, hat der Subwoofer ordentlich zu tun.
Bis auf eine Documentary gibt es keinerlei Extras. Bis auf das Booklet und die Charackter/Postkarten.
Das SteelBook kommt in Hochglanz und ist geprägt. Eine saubere Stanzung. Die Motive sind super gewählt, auch wenn der Übergang nicht so ganz passt.
Highlgiht ist hier der Leather Slip. Eine absolute Schönheit und ein Highlight in meiner Sammlung. Echtes Leder, dazu noch geprägt. Alles fühlt sich qualitativ hochwertig an.
Ein überragender Film, in einer hochwertigen Edition.

The Secret Life of Walter Mitty ist ein wunderschöner und kreativer Abenteuerfilm, in dem Ben Stiller nicht nur vor der Kamera glänzt, sondern auch gleich noch selbst Regie geführt hat. Die Reise von Walter Mitty ist dabei wirklich klasse erzählt, weil er sich im Verlauf der Handlung als Mensch weiterentwickelt und am Ende deutlich gereifter wirkt. Besonders beeindruckend sind die fantasievollen Tagträume, die visuell einfallsreich umgesetzt wurden und dem Film eine ganz eigene Magie verleihen. Ebenso zählen die atemberaubenden Landschaftsaufnahmen zu den absoluten Highlights, vor allem die Bilder aus Island stechen hier hervor. Diese haben mich zusätzlich abgeholt, da ich viele der gezeigten Orte selbst schon besucht habe und dadurch einen persönlichen Bezug hatte. Der kurze Auftritt von Sean Penn fällt zwar knapp aus, gehört aber dennoch zum Besten, was der Film zu bieten hat. Emotional schafft es der Film immer wieder, eine ruhige und nachdenkliche Stimmung zu erzeugen, ohne dabei kitschig zu wirken. Mein grösstes Problem bleibt allerdings der Auftakt, denn der Film braucht extrem lange, um wirklich in Fahrt zu kommen. Das ist schade, weil die Geschichte danach regelrecht einen Sog entwickelt und man völlig in Walters Abenteuer eintaucht. Insgesamt überwiegen jedoch klar die positiven Eindrücke, sodass der Film für mich ein inspirierendes und sehr sehenswertes Erlebnis bleibt.

Mit The Lord of the Rings: The Return of the King endet diese grandiose Trilogie auf beeindruckende Art und Weise und setzt ihr ein mehr als würdiges Denkmal. Die verschiedenen Handlungsstränge werden nun sauber zusammengeführt und ergeben ein erstaunlich rundes Gesamtbild. Einerseits mündet alles in ein Spektakel, wie man es nur selten gesehen hat, mit monumentalen Schlachten und atemberaubenden Bildern. Gleichzeitig besitzt der Film eine sehr emotionale Ebene, die den Figuren den nötigen Raum gibt. Besonders die Geschichten von Frodo, Sam und Aragorn erhalten einen Abschluss, der berührt und lange nachhallt. Ich habe zu den vorherigen Teilen bereits viel über die Qualitäten dieser Reihe geschrieben und all das gilt natürlich auch für Teil drei. Die Inszenierung verbindet erneut perfekt grosse Action mit leisen, menschlichen Momenten. Peter Jackson beweist dabei ein unglaubliches Gespür für Rhythmus, Spannung und Atmosphäre. Für mich ist die The Lord of the Rings Trilogie definitiv die stärkste Trilogie überhaupt, weil sie ihr Niveau über drei Filme gehalten hat. Darüber hinaus war sie auch popkulturell ein absolutes Phänomen, das Generationen geprägt hat. Das Ende rührt mich auch heute noch zu Tränen und sorgt gleichzeitig für echte Gänsehaut. Der Film ist ein beeindruckendes Beispiel dafür, was mit der nötigen Liebe zum Detail und echtem Respekt vor der Vorlage erreicht werden kann. Manchmal stimmt es mich tatsächlich ein wenig traurig, weil ich immer mehr das Gefühl habe, dass ein solches Herzensprojekt in dieser Form nie wieder entstehen wird. Gerade deshalb bleibt The Lord of the Rings für mich nicht nur eine grossartige Trilogie, sondern ein einmaliges Erlebnis der Filmgeschichte.

The Lord of the Rings: The Two Towers knüpft direkt an das emotionale Ende des ersten Teils an und erzählt die getrennten Wege der Gefährten konsequent weiter. Durch die Aufteilung in mehrere neu zusammengestellte Gruppen entsteht erzählerisch wie auch visuell viel Abwechslung zwischen Rohan, Fangorn und Mordor. Peter Jackson schafft es dabei sehr gut, die Screentimes der einzelnen Handlungsstränge so auszubalancieren, dass keine Figur und kein Schauplatz zu kurz kommt. Ein absolutes Highlight ist die Einführung von Gollum, für den Andy Serkis das Motion Capture übernahm und die Figur mit einer geradezu unheimlichen Intensität zum Leben erweckt. Besonders die ambivalente Beziehung zwischen Gollum, Frodo und Sam verleiht dem Film eine neue emotionale und psychologische Tiefe. In der ersten Hälfte zeigt der Film allerdings leichte Schwächen, da das Pacing nicht ganz so rund wirkt wie im Vorgänger. Dies wird zusätzlich durch den Ent-Handlungsstrang verstärkt, weil die Baumwesen ihrer Natur entsprechend sehr entschleunigt erzählt sind. In der zweiten Hälfte entfaltet der Film dann jedoch seine ganze Wucht und liefert mit der Schlacht um Helms Klamm eine der spektakulärsten Schlachten der Filmgeschichte. Diese Sequenz ist bis heute unglaublich packend inszeniert und sieht trotz ihres Alters immer noch fantastisch aus. Mittelteile einer Trilogie haben es oft schwer, da sie weder einen klaren Anfang noch ein richtiges Ende besitzen und auch hier ist das spürbar. Für mich spielt das jedoch kaum eine Rolle, weil ich die Trilogie ohnehin am liebsten als grosses Gesamtwerk schaue. Technisch und inszenatorisch liefert auch The Lord of the Rings: The Two Towers auf ganzer Linie ab und funktioniert selbst heute noch nahezu perfekt. Die Ausstattung, die Kameraarbeit und vor allem der erneut überragende Score von Howard Shore tragen entscheidend zur dichten Atmosphäre bei. Insgesamt würde ich The Two Towers zwar ganz leicht hinter Teil eins einordnen, doch bleibt der Film für mich trotz kleiner Schwächen ein absolutes Meisterwerk.

Der Auftakt der wohl besten Trilogie aller Zeiten ist und bleibt für mich ein absolutes Meisterwerk ohne Schwächen. Ich liebe diesen Film noch immer genauso wie bei der Erstsichtung im Kino, denn er hat nichts von seiner Faszination eingebüsst. Auch nach unzähligen Sichtungen schafft es das Fantasyspektakel, mich zu Tränen zu rühren und völlig in seinen Bann zu ziehen. Die Abenteuergeschichte ist einfach grossartig und fühlt sich wie eine perfekte Mischung aus Märchen, Epos und Charakterdrama an. Dramaturgisch überzeugt der Film durch ein sehr gutes Pacing, dass nie Langeweile aufkommen lässt. Es gibt jede Menge emotionale Momente, die berühren, aber auch Action, die extrem mitreissend inszeniert ist. Besonders die Balance zwischen ruhigen Szenen im Auenland und den düsteren Passagen später im Film ist hervorragend gelungen. Allgemein ist dies technisch ein extrem guter Film, der in allen Bereichen auf höchstem Niveau abliefert. Ausstattung, Kostüme und Settings wirken so detailverliebt, dass Mittelerde vollkommen real erscheint. Die Kamera fängt die Landschaften Neuseelands atemberaubend ein und macht sie zu einem eigenen Charakter. Der Score von Howard Shore verleiht jeder Szene zusätzliche emotionale Tiefe und gehört für mich zu den besten Filmmusiken aller Zeiten. Überall steckt so viel Liebe zum Detail, dass man nicht anders kann, als den Hut vor Peter Jackson zu ziehen. Ebenso verdienen die Produzenten grossen Respekt, weil sie an dieses gewaltige Projekt geglaubt haben. Nicht zu vergessen ist das perfekte Casting, dass kaum besser hätte ausfallen können. Die Figuren besitzen eine wunderbare Chemie und Dynamik, die die Gemeinschaft glaubwürdig macht. Jeder Charakter erhält genügend Tiefe, um mit ihm mitzufiebern und seine Entscheidungen nachzuvollziehen. Besonders die Entwicklung von Frodo und die Loyalität von Sam berühren mich immer wieder. Ein paar CGI-Effekte sind zwar etwas schlecht gealtert, doch sie fallen kaum ins Gewicht, weil so viel wie möglich praktisch umgesetzt wurde. Gerade diese handgemachten Effekte verleihen dem Film eine zeitlose Qualität. Kurz gesagt ist The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring ein Meisterwerk, dass zu meinen absoluten Lieblingsfilmen gehört. Für mich hat der Film bis heute nichts von seiner Magie, seiner emotionalen Kraft und seiner epischen Grösse verloren.

The Hobbit: The Battle of the Five Armies macht seinem Titel definitiv alle Ehre, denn gefühlt besteht nahezu der gesamte Film aus einer einzigen, ausufernden Schlacht, die zwar immer wieder für Bombast und spektakuläre Unterhaltung sorgt, auf Dauer jedoch auch sehr ermüdend wirkt. Der häufig sehr digitale Look reisst dabei immer wieder aus der Immersion und lässt Mittelerde stellenweise künstlicher erscheinen, als man es aus früheren Filmen kennt. Dennoch gibt es einige wirklich epische Bilder und emotionale Momente, die im Gedächtnis bleiben und in denen die Genialität von Peter Jackson deutlich aufblitzt. Gerade in diesen Szenen entfaltet der Film jene emotionale Wucht, die man sich über weite Strecken wünscht. Die Handlung wird insgesamt sauber zu Ende erzählt und findet einen klaren Abschluss. Besonders gelungen ist die Brücke zu The Lord of the Rings, die es leicht macht, die anschliessende Trilogie direkt weiterzuschauen. Gleichzeitig wird hier aber auch deutlich, dass die Hobbit-Trilogie erzählerisch und atmosphärisch nicht an ihr grosses Vorbild heranreicht. Im direkten Vergleich bleibt sie klar hinter der The Lord of the Rings-Trilogie zurück. Mit etwas zeitlichem Abstand lassen sich jedoch auch die positiven Aspekte besser schätzen. Trotz aller Schwächen funktioniert der Film als Abschluss der Trilogie gut. Am Ende ist es vor allem die faszinierende Welt von Mittelerde, die immer wieder dazu einlädt, für ein paar Stunden in eine andere Welt zu entfliehen.

Beim Look and Feel hat The Hobbit: The Desolation of Smaug leider mit denselben Problemen zu kämpfen wie bereits der erste Teil, weshalb ich diese Kritikpunkte hier nicht erneut im Detail ausführen möchte. Wie bei vielen mittleren Kapiteln einer Trilogie fehlt auch diesem Film ein klarer Einstieg sowie ein wirklich befriedigender Abschluss. Dennoch liegt Teil 2 für mich persönlich leicht vor The Hobbit: An Unexpected Journey. Das liegt vor allem daran, dass der Film insgesamt einen etwas ernsteren Ton anschlägt und stellenweise mehr Atmosphäre aufbaut. Besonders die Sequenz im Düsterwald ist hervorzuheben, da sie mit düsteren Bildern und leichtem Horror-Einschlag für echte Spannung sorgt. Auch das Auftauchen der Elben, inklusive eines alten Bekannten, bringt frischen Wind in die Handlung. Gerade in den Actionsequenzen sorgen sie für Abwechslung und Dynamik. Absolutes Highlight ist jedoch das Finale mit Smaug, dass nicht nur spannend und actionreich, sondern auch visuell äusserst beeindruckend inszeniert ist. Weniger gelungen ist hingegen die überzogene Flusssequenz, die zwar einzelne starke Momente besitzt, insgesamt aber oft zu albern wirkt. Der grösste Kritikpunkt bleibt jedoch der ausgedehnte Abschnitt in der Seestadt, der viel zu lange dauert und den Film spürbar ausbremst. Trotz dieser Schwächen kann ich mit The Hobbit: The Desolation of Smaug insgesamt sehr gut leben und für mich ist er sogar der stärkste Teil der Hobbit-Trilogie.

Bei der Erstsichtung von The Hobbit: An Unexpected Journey bin ich damals richtig enttäuscht aus dem Kino gegangen und auch bei späteren Sichtungen hat sich dieses Gefühl kaum gelegt. Nach der grandiosen The Lord of the Rings Trilogie waren meine Erwartungen verständlicherweise extrem hoch, vielleicht sogar zu hoch. Es wirkte von Anfang an so, als könne der Film diesen Erwartungen gar nicht gerecht werden. Mein grösstes Problem war immer der zu digitale und künstlich wirkende Look. Besonders der massive Einsatz von CGI stört, da deutlich weniger auf praktische Effekte gesetzt wurde als noch bei The Lord of the Rings. Dadurch fühlt sich vieles weniger greifbar und erstaunlich steril an. Auch tonal ist The Hobbit ein ganz anderer Film. Er ist deutlich klamaukiger, oft nicht ernst genug und verliert dadurch an epischer Wirkung. Hinzu kommen für mich eher störende Gesangseinlagen, die den Erzählfluss immer wieder stören. Das nimmt der Geschichte stellenweise Spannung und Atmosphäre. Mit den Jahren habe ich jedoch meinen Frieden mit dem Film gemacht. Heute sehe ich auch mehr die positiven Seiten und spüre trotzdem die Liebe, die Peter Jackson in dieses Projekt gesteckt hat. Die Fantasy-Welt ist wunderschön gestaltet und lädt nach wie vor dazu ein, dem Alltag für ein paar Stunden zu entfliehen. Visuell gibt es trotz aller Kritik viele starke und stimmungsvolle Momente. Der Cast ist insgesamt hervorragend gewählt. Besonders Martin Freeman als Bilbo und Richard Armitage als Thorin überzeugen mit starken Darstellungen. Über Ian McKellen als Gandalf muss man ohnehin kaum Worte verlieren, er ist schlicht grossartig. Auch musikalisch gibt es keinerlei Abstriche, denn Howard Shore liefert erneut einen fantastischen Score. Die Story an sich ist gut, wurde jedoch deutlich gestreckt, um genug Material für drei Filme zu bieten. Rein von der Vorlage hätte die gesamte Geschichte problemlos in einem Film erzählt werden können. Insgesamt bleibt The Hobbit: An Unexpected Journey für mich kein grosses Highlight, bietet aber solide Unterhaltung und gehört zusammen mit den anderen beiden Teilen, mittlerweile als Vorbereitung auf die The Lord of the Rings Trilogie zum Pflichtprogramm.

Im Jahr 2036 wird die Produktion von Replikanten, künstlichen Menschen zum Einsatz im Weltall, nach einem langen Verbot wieder erlaubt, als der Industrielle Niander Wallace ein verbessertes Modell vorstellt. Ein lange gehütetes Geheimnis droht ans Licht zu kommen und die Gesellschaft in ihren Grundfesten zu erschüttern. Um das zu verhindern, begibt sich der neue Blade Runner, der Polizist K, auf die Suche nach dem seit 30 Jahren verschollenen Rick Deckard.
Blade Runner 2049 ist die direkte Fortsetzung vom den Film aus dem Jahr 1982. Denis Villeneuve ist ein vieuelles Genie und zeigt das hier auch eindrucksvoll. Eine Kriminalgeschichte, um Officer K ( R. Gosling ), der versucht, verborgene Replikanten zu suchen und sie in den Ruhestand zu versetzten. Eine dystopische karge Stadt, die alte und kalte Gebäude zeigt. Das andere Gesicht der Stadt ist die im neonlicht, bildgewaltige andere Seite. Die gestaltete Zukunftsvision sieht dabei fantastisch aus. Technik, so weit das Auge reicht. Der Film lebt von seinen kriminalistischen Handlung. Spannung ist gegeben. Die Action selbst ist eher wohl dosiert. Viseulle Effekte und die Kameraarbeiten sind grandios. Ryan Gosling spielt seine Rolle sehr gut, auch wenn sein Gesichtsaudruck kaum Abwechselung bietet. Die Rolle von Harrison Ford kommt erst viel später zum Einsatz, macht aber seine Sache ordentlioch. Der restliche Cast kann sich aber auch sehen lassen. Hans Zimmers Soundtrack ist mal wieder einzigartig. Minimalistisch, druckvoll, stellenweise sanft und aggressiv.
Trotz der langen Laufzeit gibt es einige Passagen, die den Film ein wenig ausbremsen.
Dennoch ist 2049 ein visuelles Fest für die Augen.
Technisch ist die 4K auf einen absoluten hohen Niveau. Die satten farben machen sich hier bemerkabr. Satter Schwarzwert. Der Ton knallt nur so durch die Decke.
Der Full Slip macht einen wertigen Eindruck, für ihre erste Edition. Starke Prägungen, auch wenn der Hochglanzeffekt etwas übertrieben eingesetzt wurde. Das SteelBook selbst glänzt mit einer sauberen Prägung und tollen Motiven. Die Bonus Blu Ray bietet wenig Extras.

Es ist das Jahr 1945. Japan wird von amerikanischen Bombern heimgesucht, die das Land zur Kapitulation zwingen sollen. Bomben prasseln vom Himmel und wo sie einschlagen, brennt die Erde. Im Inferno eines solchen Angriffs verlieren der vierzehnjährige Seita und die vierjährige Setsuko ihre Mutter. Ohne den Vater, der schon lange bei der Marine ist, sind die Kinder auf sich alleine gestellt.
Die letzten Glühwürmchen gehört zu den schrecklichsten Ghiblifilmen. Man mag es kaum glauben, aber die Geschichte wird einen zu schlucken geben. Die Altersfreigabe von ab 6 Jahren ist meiner Meinung nach völlig inakzeptabel und sollten von Kinder in dem Alter gar nicht gesehen werden.
Das Haupthema sind hier die Geschwister Seita und Setsuko, die im Krieg um ihr Überleben kämpfen müssen. Der Film zeigt seine schonugslose Seite und trifft einen mit voller Wucht in die Magengrube. Die gezeigten Szenen sind einfach nur realistisch, schmerzlich und zudem tiefst tragisch. Diese drastischen Szenen vermitteln einen ein Gefühl von Angst, Ratlosigkeit und Hilflosigkeit und man möchte den beiden einfach nur helfen. Die atmosphärisch tragischen Bilder, das Leid der Kinder sind einfach ergreifend und authentisch gehalten. So drastisch zeigt wohl kein anderen Anime die Auswirkungen eines Krieges in dieser Intensität. Die Story wird dabei langsam erzählt und wird auch stellenweise etwas in die Länge gezogen. Auch der dramatische Anteil wird etwas zu stark aufgesetzt. Auch Tage danach lässt einen Film der Film nicht los und man macht sich immernoch seine Gedanken. Am Ende kann es nur Tränen geben. Es bleibt nix anderes übrig.
Ein Film, den man eigentlich nicht sieht, sondern viel mehr fühlt. Ein erschütterndes Meistwerk seines Gleichen.
Wie allen anderen Digibooks dieser Reihe ist auch dieser toll verarbeitet. Das Cover geht in Ordnung. Das Bild der Blu Ray ist wie von Ghibli gewohnt sauber, klar, farbenfroh.
Der Ton ist wuchtig und ist für die Art von Filmen gemacht. Extras ok.

Die junge Hexe Kiki verlässt mit dreizehn Jahren ihre Familie und ihre Freunde, um in einer fremden Stadt ihre Hexenkräfte zu vervollkommnen, so wie es die Tradition von allen jungen Hexen verlangt. Zusammen mit ihrem schwarzen Kater Jiji, der ihr helfend zur Seite steht und in allen Lebenslagen eine ironische Antwort parat hat, gelangt das Mädchen in eine Stadt am Meer. In der ungewohnten und unbekannten Großstadt verfällt das Mädchen zunächst in tiefe Unsicherheit.
Kikis kleiner Lieferservice erzählt eine wunderschöne Geschichte, um ein junges Mädchen, das erwachsen werden muss. Aller Anfang ist schwer und Kiki kommen dabei Selbszweifel auf. Doch nur einige Zeit später findet sie Hilfe und ihr neuer Lebensabschnitt beginnt. Sie findet einen Job in einer Bäckerei und findet gefallen daran. Die Geschichte ist dabei zeitlos und ist auch nach über 30 Jahren immernoch aktuell und macht Spaß. Dabei gibt es tolle Landschaftsaufnahmen, liebevolle Characktere, detaillierte Zeichnungen. Geprägt wird der Film aber durch Kiki selbst. Ihre charmante Art, ihre Lebensfrohe Entschlossenheit macht sie einfach sympathisch. Die Erzählweise ist sehr ruhig gehalten, was für einige vielleicht langweilig erscheint. Jedoch hat jeder Tag ein neues Abenteuer, welches man gespannt erwartet.
Der Film gehört jetzt nicht zu den besten Ghiblifilmen, hat aber dennoch seinen Charme. Die Geschichte ist auch heute noch ansehnlich und bietet eine Entwicklung eines jungen Mädchen, das sich den Problemen des erwachsenwerdens stellen muss, in einer guten Vorstellung.
Das Motiv des DigiBooks ist super gewählt und zeigt den Kiki, wie sie leibt und lebt. Das knallige Lila passt hervorragend.
Wie von Ghibli gewohnt, ist das Bild eine wahre Pracht. Ton eher recht als schlecht, reicht aber für den dialoglastigen Film völlig aus. Extras sind ok.

Chihiro und ihre Eltern ziehen in die Nähe von Tokio. Auf der Fahrt dorthin landet die Familie in einer seltsamen Welt. Sie scheint menschenleer zu sein. Chihiros Eltern verwandeln sich plötzlich in dieser fremden, unheimlichen Gegend in Schweine.
Chihiros Reise ins Zauberland gehört für mich zu den besten Ghiblifilmen ever. Die Reise in die Parallelwelt ist mystisch, wo viele verschiedene Wesen aufeinander treffen und leben. Auf ihrer Reise muss Chihiro jede Menge Gefahren und Abenteuer überstehen, um der Welt zu entfliehen. Dabei trifft sie auf einen Jungen, der ihr bei ihren Abenteuern hilft. Emotionale Momente, atemberaubende Bilder, amtosphärisch bunt...Es wird alles geboten. Die verschiedenen Characktere sind einfach Teil der Geschichte. Sei es die Hexe Yubaba, Kamaji, das Ohngesicht oder Haku...Jeder von ihnen trägt zur Geschichte bei. Chihiro lernt sich dabei neu kennen, wird erwachsen, wird vom ängstlichen Mädchen zur weltfremden Abenteurerin, kommt aus sich raus und findet dabei Freunde. Der Film zieht einen einfach mit rein und man erlebt eine wunderschöne Geschichte. Die Action ist wohl dosiert. Einige Szenen sind schon etwas zu heftig, das eine Freigabe ab 0 Jahren doch schon sehr fragwürdig wirkt.
Das DigiBook macht optischen einen sehr wertigen Eindruck. Die Front ist einfach gehalten, vermittelt aber eine tiefsinnige Verbundenheit zwischen den Figuren. Es reiht sich perfekt zu den anderen ein.
Bild ist eine Wucht. Brilliante Farben, wo das Auge hinreicht. Super Kontraste. Ton ist in Ordnung und tut das, was er soll. Extras eher mau.
Der Film ist ein Muss von jede Anime Sammlung. Auch wenn einer nix damit anfangen kann, sollte er sich dieses Meisterwerk nicht entgehen lassen. Man verpasst eine Geschichte, die einen in seinen Bann zieht.

Für mich ist Enter the Dragon, mit einer der besten Filme von Lee. Die Handlung erinnert schon etwas an einem Bondfilm, aber tut der Sache keinen Abbruch. Die Story funktioniert auch so ganz gut. Der 70ziger Jahre Look passt zum Film. Der Soundtrack bringt das Ganze noch etwas mehr in die Richtung. Für damalige Verhältnisse hat der Film ein echt starkes Staraufgebot mit Jim Kelly, John Saxon, Robert Wall, Bolo Yeung, Sammo Hung und Shih Kien. Dazu gibt es noch sehr coole Kämpfe, die stark choreografiert sind. Der Endfight ist natürlich das Highlight des Filmes.
Leider kam Bruce Lee nie dazu, seinen Film zu sehen. Er starb 3 Wochen vor Kinoaufführung.
Enter the Dragon avanchierte über die Jahre zum Kultfilm und hat heute nix von seinen Glanz verloren.
Dieses SteelBook sieht absolut fantastisch aus. Es ist zwar nur matt, kommt aber mit sagenhaften Prägungen daher. Besonders der Drache macht optisch was her. Rahmen und Filmtitel sind auch nocht geprägt. Das ist meine dritte Edition zum Film. Damals noch mehrfach gekauft, was ich heute aber nicht mehr mache.
Als Bruce Lee Fan ist der Film ein absoluter Muss. Aber am besten die 4K kaufen. Upgrade lohnt sich defenitiv.

Tja werter David Ayer. Hättest du mal so einen Film wie James Gunn gemacht. Denn so sollte ein Suicide Squad aussehen.
Dieser bunt gemischte Haufen macht einfach nur Spaß. Jeder einzelne Charackter ist auf seine Art und Weise sympathisch. Idris Elba und John Cena sind 2 schießwütige coole Typen, mit absolut herrlichen Sprüchen. Daniela Melchior als Rattendame süß und herzlich. David Dastmalchian als Punktewerfer unscheinbar, aber tödlich. Steve Agee als Hai, stark, wenig intelligient, aber bissig. Margot Robbie kehrt wieder als Harley zurück...Wild und sexy. Einige andere Heldin habe kurze Auftritte, die sehr schnell blutig enden.
Von der ersten Minute an macht der Film einfach nur saumässigen Spaß. Er will gar nicht Ernst genommen werden, sondern einfach auf die kacke hauen. Die Action ist herrlich, die Splattereffekte sehen etwas billig aus, aber stört einfach nicht, weil es einfach so aussehen soll. Dennoch sind sie Bestandteil des Filmes und sind sehr schön anzusehen. Aus Underdogs werden Helden, mit einer einfachen Story, die jetzt nicht gerade aus der Reihe tanzt.
Das Finale besticht nochmal durch ein feines Action Feuerwerk.
James Gunn hat hier alles richtig gemacht. Starker Cast, super Action, blutige Einlagen...So hätte ich mir den ersten Suicide Squad gewünscht.
Die 4K Scheibe macht hier alles richtig. Starke Scheibe.
Der Full Slip hat mich am meisten überzeugt. Die Truppe in ihrer Pracht. Das SteelBook selbst ist optisch stark. Schöne Farben, perfekte Prägung und mit einem Hochglanzfinish. Eine starke VÖ von MantaLab.

Ich bin ja ein großer Fan seiner Filme, doch bei dem Film tat ich mich etwas schwer. Der Anfang fängt eigentlich etwas belanglos an, aber mit Themen, die schon lustig sind. Der typische Tarantino Style. Nach gut 15 Minuten fängt der Film eigentlich so richtig an. Die Erzählweise ist dabei ein kleines Problem für mich. Der Überfall wird eigentlich gar nicht gezeigt, sondern man konzentriert sich dabei auf Konsequenzen, die daurch entstehen. Zudem wird die Geschichte nicht durchweg erzählt, sondern sie wird etwas umständlich erläutert. Die Handlung beschränkt sich zu 80% in einer Lagerhalle, was etwas eintönig wirkt. Action darf man bei dem Film recht wenig erwarten. Ein wenig Schießerein, mehr gibt es nicht zu sehen. Ein Film, bei dem Loyalität und Verrat hoch im Kurs stehen. Man kann hier von einer Tragödie reden. Ein fulminantes Finale darf natürlich auch nicht fehlen, das aber sehr kurz geraten ist. Ohne jeden Zweifel...Der Cast ist absolut spitze und in jeder Rolle super besetzt. Madsen stach hier ein wenig raus. Grandiose Leistung von ihm.
Man muss sagen, das es auch Tarantinos erste Film als Regisseur war. Defenitiv ein guter Einstieg. Ein starker Cast, ein minimalistischer Aufwand und starke Dialoge sind der typische Tarantino. Allerdings ist die Erzählweise hier das größte Manko für mich.
Kein Meisterwerk, aber auch kein Reinfall.
Der Full Slip passt hervorragend zum Film. Tolle Optik. Das SteelBook macht optisch einen guten Eindruck. Tolle Prägung mit Hochglanzfinish. Cover ist in Ordnung.

Was für ein abgefahrender Streifen. Mehrere Auftragsmörder in einem Zug und alles hängt miteinander zusammen. Jeder einzelne Schauspieler hat seine individuelle Klasse für sich, bekam genug Screentime um zu wissen, wieso weshalb warum das alles. Brad Pitt überzeugte mal wieder mit klasse, doch der heimliche Star war Joey King für mich. Sehr überzeugende Vorstellung.
Die Action bzw. Kampfszenen sind echt stark inszeniert und blutig. Stellenweise sehr lustige Dialoge, gerade wenn Brad Pitt an der Reihe ist.
Das Ende ist sehr übertrieben und eigentlich völlig unrealistisch, aber das passt nunmal zum Film.
Für mich knapp zweistündige pure Unterhandlung, mit einer verrückten Story, schrägen Charackteren und toller Action.
Technisch eine echt starke 4K Scheibe. Der Full Slip trotz nur so von Prägungen und prächtigen Farben. Optisch eine Augenweide. Das SteelBook ist das bekannte Artwork, welches weltweit erschienen ist. Nicht perfekt, aber ganz gut. Limitierung vorhanden.

Ganze 7!!! Jahre hat der Meister Miyazaki an sein Werk gebastelt. Die Story dieses Werkes ist aber nicht leicht zu verstehen. Diese erfodert schon sehr viel Aufmerksamkeit und eingene Interpretationen lässt man sich hier offen. Ein Film über Freundschaft, Mut und Mitgefühl, aber auch Tod, Hass und Furcht spiegeln sich hier wieder. Wie geht man mit den Verlusten um...Lebt man in einer anderen Welt besser? Ein Grat zwischen jener Welt und dieser Welt. Miyazaki versucht das in dem Film unterzubringen, was vermutlich vielen schwer tut. Gerade wegen den melancholischen Themen, der abstrakten " anderen" Welt und des schnellen Tempos werden Kinder den Film wohl kaum verstehen.
Die Handschrift von Ghibli sieht man mal wieder deutlich. Absolut bildgewaltig, wunderschöne Animationen, tolle Synchro, tiefgründig, rätselhaft.
Der Film hat den Oscar gewonnen, was mich als großer Ghiblifan natürlich freut. Allerdings ist der Film wahrlich kein Meisterwerk geworden. Dafür ist er zu speziell geraten ( nicht wie seine anderen Filme, die einfacher gestrickt sind ), aber es ist dennoch ein toller Film, mit sehr vielen Botschaften.
Technisch eine starke Blu Ray. Das Digibook passt super zu den anderen Filmen und macht die Reihe somit komplett. Schlicht gehalten, aber passend.

Denis Villeneuve macht genau da weiter, wo er mit Teil 1 aufhört hat. Die Geschichte setzt sich nahtlos fort. Die Story geht weiter in die Tiefe. Immer mehr Geheimnisse kommen ans Licht. Die Action ist mal wieder ordentlich und kommt Hans Zimmer um die Ecke, bebt es erneut. Die nochmals erhöhte Laufzeit wird auch hier sehr gut genutzt. Keinerlei Längen. Alles schön im Flow.
Ich bin von den ersten beiden Teilen echt begeistert. Science Fiction der extraklasse, bombastischer Sound, grandioses Schauspiel, spektakuläre Action. Für mich sind die Filme ein Muss für die Sammlung. Teil 3 kann kommen.
Auch hier kann die 4K technisch absolut begeistern. Referenzscheibe. Auch hier überzeugt MantaLab mal wieder. Die Edition kann sich wirklich sehen lassen. Kleiner Kritikpunkt. Die Edition ist nicht ganz so gut auf Teil 1 abgestimmt. Das hätte man besser lösen können, aber das ist meckern auf hohen Niveau.

Wie soll ich anfangen...Gleich von der ersten Minute an hat mich Dune in seinen Bann gezogen. Eine neue Geburt eines neues Universums, das die Hand nach uns austreckt und entdeckt werden möchte. Der Anfang verhält sich eher ruhig. Die ganzen Characktere werden langsam eingeführt. Die Geschichte wird in den 150 Minuten wirkliuch gut erzählt. Es gibt keine langweiligen Momente, die Action ist wohl dosiert und bietet starkes Kino.
Der Cast ist meiner Meinung nach echt stark besetzt. Auch die kleinsten Nebenrollen zeugen von Stärke.
Visuell ist der Film ein wahrer Augenschmauß. Die ganzen Aufnahmen, die gut getimten Kamerafahrten machen alles wirklich perfekt. Die Kulissen und Kostüme sehen einfach nur atemberaubend aus. Hier steckt viel Herzblut drin. Wenn Hans Zimmers Sound durch die Anlage kanllt, bebt der Boden. Und da kommt ein kleines Manko dazwischen. Die Dialoge gehen dann teilweise unter. Nicht immer gut gelöst.
Dennoch ist Dune ein ein visuell, anmutiger und atembraubender Film, der alles hat, was man von einem Blockbuster erwartet.
Technisch ist die 4K auf allerhöchsten Niveau. Besser geht es kaum.
Die Edition selbst überzeugt auf ganzer Linie. Der Full Slip, das SteelBook...Alles perfekt auf den Film zugeschnitten.

Sehr sehr schöner Anime, der das Thema Zeitreisen wunderbar umgesetzt hat. Der Animationstil sieht heute noch toll aus. Die Protagonistin mag am Anfang kindisch, tollpatschig und nervig wirken, aber durch ihre Fehler, wird sie aber daher viel über sich selbst lernen.
Die Geschichte über Freundschaft und Liebe wird dabei lustig erzählt, enthält aber auch emotionale Elemente, die einen schwer zu schaffen machen.
Der Film ist ein schöner Beitrag zur Coming-Of-Age Reihe, der emotional und auch nachdenklich macht.
Die Edition aus dem Hause Plain ist absolut gelungen. Die Box ist etwas zu schlicht gehalten, überzeugt aber mit einer schönen Oberfläche. Der Full Slip überzeugt mit leichten, feinen, strukturierten und leichten Prägungen. Motiv eher kleinlich gehalten. Das SteelBook überzeugt mit eiem schönen Cover, das zum Film passt. Die Prägungen ist super gesetzt und zeugt den japanischen Titel. Hochglanz kommt auch zum Einsatz. Die restlichen Extras sind gut. Artbook ist ok. Leider ist derText nur in japanisch und koreanisch. Englisch wäre mir lieber gewesen. Der Pin ist hochwertig, aber sowas sammel ich nicht.
Der Film sollte aber in keiner Anime Sammlung fehlen.

Vito Corleone (Robert De Niro) überlebt als Kind eine Mafiafehde und steigt in den USA zum mächtigen Unterweltboss auf. Jahrzehnte später tritt sein Sohn Michael (Al Pacino) sein Erbe an und beteiligt sich an den Erfolgen der Familiengeschäfte. Doch Misstrauen und Grausamkeit führen dazu, dass Michael sogar die Beziehung zu seinem eigenen Bruder (John Cazale) beendet.

The Godfather Part II bleibt für mich trotz kleiner Schwächen ein beeindruckendes Meisterwerk des Gangsterkinos. Zwar fehlt mir Marlon Brando hier ein wenig, doch der Film fängt diese Lücke durch seine herausragenden Darsteller hervorragend auf. Besonders die Idee mit den zwei Zeitlinien verleiht der Geschichte grosse erzählerische Tiefe. Robert De Niro brilliert als junger Vito Corleone und füllt die ikonische Rolle mit bemerkenswerter Präsenz. Gleichzeitig liefert Al Pacino eine seiner stärksten Leistungen ab und führt die Entwicklung von Michael Corleone packend fort. Seine Transformation vom widerwilligen Erben zum eiskalten Patriarchen ist erschreckend klar zu erkennen. Trotz der massiven Laufzeit gibt es zwar einige Längen, doch sie mindern die Wirkung des Films kaum. Die Inszenierung bleibt jederzeit auf höchstem Niveau und besticht durch eine meisterhafte Bildsprache. Auch der fantastische Score sorgt erneut für eine dichte, unverwechselbare Atmosphäre. Zusammen mit The Godfather Part I ergibt sich ein rundes Gesamtwerk, dass in seiner Konsequenz und Tragik einzigartig ist. Für mich liegt der erste Teil zwar knapp vorne, doch auch der zweite erreicht nahezu makelloses Niveau. Unter dem Strich sind beide Filme absolute Klassiker, die ich mir immer wieder gerne ansehe.

Für mich gehört Dreed zu der Sorte, wo man den Comic perfekt getroffen hat. Die Story ist jetzt nicht der garant für den Oscar, aber sie bietet genau das, was man möchte. Knallharte Action, die eine Brutalität mit sich bringt, die einen auf den Magen schlägt. Der Bodycount ist enorm hoch. Die Location im Hochaus sorgt für eine gewisse Anspannung, da keine Fluchtgefahr möglich ist. Karl Urban rockt als Dredd gewaltig. Jede einzelne Aktion sitzt und hat dazu noch einen passend Spruch auf Lager. Sidekick Olivia Thirlby spielt ebenfalls super, auch wenn sie nicht ganz an Urban heranreicht. Lena Headey als Bösewicht ist genau die richtige dafür. Ihre Rolle ist auf sie zugeschnitten worden. Leider ist der Film im Kino dermassen gefloppt, was ich leider nicht verstehen kann. Genau das ist der Dredd, den ich wollte und steckt die Kinderversion von Stallone bei weitem in die Tasche. Leider wird es wohl nie einen zweiten Teil geben.
Das Bild der 4K ist gut, aber leider nicht perfekt. Gegenüber der Blu Ray aber einen Ticken besser, wenn auch kein Meilenstein. Der Ton dagegen ist wuchtig. Geht die Action los, bebt das Wohnzimmer. Die Dynamik kann man spüren. Bewertet wird hier die 4K, da diese nachgekauft wurde und in der Edition steckt.
Das SteelBookcover gefiel mir damals recht gut, weshalb ich den JP gekauft habe.

Nicolas Cage spielt hier hervorragend. Seine Präsenz ist magisch, berührend, melancholisch, ruhig und äußerst einfühlsam, obwohl er selbst nicht viel spricht. Sein langem hat er mal wieder einen Volltreffer gelandet. Sein Partner Amir nervte am Anfang etwas, entwickelte sich aber später weiter und man fühlte mit ihm.
Der Film ist eher ruhig geraten. Eigentlich hätte ich mehr gewaltätige Rache erwartet, jedoch ist das bei dem Film nicht nötig. Er funktioniert auch so.
Pig ist also ein kleines feines, aber auch eingenständiges Drama, das nicht jedemanns Sache sein könnte. Er funktioniert ohne großartige Gewalt, sondern mit Worten und Gefühlen.
Technisch ist die Blu Ray sehr gut. Alles ganz ordentlich umgesetzt. Deutsche Blu Ray wurde nachgekauft.
Der Full Slip hat ein schönes Cover, welches den Film super wiederspiegelt. Das SteelBook ist glossy und hat sonst keine weiteren Effekte.

Ich ging ohne Erwartungen an den Film ran und habe ihn blind gekauft. Die Story...Ansich nix neues, ist aber spannend, traurig, beinhaltet einen großen Nostalgiefaktor, biete sehr gute Action und hat einen starken Cast.
Aus meiner Sicht ist der Film zu unrecht gefloppt. Ezra Miller, sowie Sasha spielen wirklich stark. Michaels Keaton Potenzial wurde leider etwas verschenkt, dennoch war sein Auftritt echt gut. Fühlte mich wieder wie in den 80zigern und 90zigern, als er Batman war.
Der Humor trifft stellenweise gut ins schwarze.
Kritikpunkte gibt es auch...Der Vergangenheits Ezra ging mir stellenweise tierisch auf den Keks und nervte ungemein. Das CGI war stellenweise nicht schön.
Ansonsten ist der Film ein purer Spaß, hat hohen Nostalgiefaktor, der Fanherzen höher schlägt, bietet eine sehr schöne Story, die einen fesselt und mitreißt, gerade im Bezug auf die Mutter & hat tolle Action. Unbedingt bis zum Ende weiterschauen.
Technisch ist die 4K absolute Referenz.
Der Full Slip macht optisch echt was her. Die schönen Prägungen sehen cool aus. Das SteelBook selbst kommt in Hochglanzoptik und die Prägung des Filmtitels ist präzise und sticht hervor. MantaLab hat hier wieder eine richtig schöne Edition rausgehauen.

Obwohl ich normalerweise kein grosser Fan von Wes Andersons Filmen bin, hat mich The Grand Budapest Hotel positiv überrascht. Der Film besticht durch eine beeindruckende Besetzung, die ihre Rollen mit viel Charme und Witz ausfüllen. Besonders hervorzuheben ist die kreative und detailverliebte Ausstattung, die jede Szene zu einem visuellen Erlebnis macht. Die typischen symmetrischen Kameraeinstellungen und das verspielte Set-Design tragen zur einzigartigen Ästhetik bei. Die Handlung ist spannend und unterhaltsam, während die Dialoge mit cleverem Humor glänzen. Ralph Fiennes brilliert als charmanter Concierge Gustave und trägt massgeblich zur Faszination des Films bei. Andersons Stil ist hier besonders ausgereift und sorgt für eine perfekte Balance zwischen Komik und Melancholie. Für mich ist The Grand Budapest Hotel nun sein bisher bester Film.

Die Vorgeschichte zu Furiosa. Im Endeffekt ist es fast eine Kopie von Fury Road. Man fährt von A nach B, nimmt etwas bei C ein und handelt miteinander zwischen Station A und B. Aber es funktioniert tadellos. Ein wildes Actionspektakel der grandiosen Art, visuell beeindruckend, krasse Autoszenen, gepaart mit Geschwindigkeit und furiose Gewalt. Schauspielerisch hat mich Anya Taylor-Joy besonders beeindruckt. Trotz weniger Dialoge, ein klasse Vorstellung. Alleine schon der Blick mit ihren Augen funktioniert unglaublich stark. Hemsworth Rolle war etwas seltsam und gewöhnungsbedürftig, aber verrückt und eiskalt.
Das Ende ist gut gewählt und funktioniert mit dem Anfang von Fury Road einwandfrei. Toller Übergang.
Trotz " fast " identischer Geschichte weiß Furiosa zu gefallen. Bombastische Action, eine wilde Jagd, machen den Film zu einer visuell beeindruckenden Actionsaga.
Die 4K ist eine absolute Wucht. Referenzscheibe. Der Sound knallt nur durch das Wohnzimmer.
Das SteelBook weiß optisch zu gefallen. Tolle Prägung. Der Full Slip sieht bombastisch aus und hat ein schönes Motiv. Diese ganzen feinen Prägungen machen echt was her.

Ich war damals echt überrascht, wie gut der Film war und es heute noch ist, obwohl er damals negativ aufgenommen wurde. Die Story ist recht simpel. Die Suche nach seiner Tochter auf eigene FaustNeeson haut hier richtig auf den Putz. Sobald die Geschichte richtig losgeht, rollt der Rubel. Auf eine sehr rasante, spannende und verdammt actionreiche Art und Weise macht Neeson das Versprechen war, seine Tochter zu finden. Das Tempo bleibt stetig hoch und es kommt keine langweilige auf. Neesons One Man Show ist hier wirklich top.
96 Hours ist einer seiner stärksten Auftritte. Leider sind solche mit ihm nicht mehr zu finden. Seine neureren Filme sind leider nicht mehr das, was sie mal waren. Zu viel Einheistbrei, die sich nicht von der Masse abheben.
Technisch ist die Blu Ray noch in Ordnung.
Das SteelBook ist eine echte Schönheit. Tolle Prägungen, ein Hochglanzfinish und ein starkes Cover. Der Fullslip sieht zudem edel aus.

Für mich war der Film eine absolut Wucht. Die Story ist sehr warm, herzergreifend und einfühlsam. Sie verbindet Vergangenheit und Gegenwart, reales und Märchenhaftes in einem emotionalen Drama. Es ist eine Art Geistergeschichte, die die Geschichte eines Mädchens erzählt, das nach sich selbst sucht.
Eine sehr emotionale Geschichte, mit einem Ende, was man so nicht erwartet. Am Ende kullerten sogar Tränen, da die Geschichte sehr rührend ist.
Technisch ist die BD absolut perfekt. Das japanische Digibook ist für mich die schönste Verpackung. Schlicht, aber passend. Habe mir zusätzlich die deutsche BD gekauft.

Zunächst einmal die Story, die sich die ganze Zeit im Gefängnis abspielt und sich dem Prozess vom Joker ( Arthur Fleck ) widmet. Eigentlich geht es nicht um den Joker, sondern um Arthur Fleck. Der Joker ist hier eingentlich nur eine Randnotiz. Denn nach den Eriegnissen aus Teil 1, weiß er selber nicht, wer oder was er ist bzw. sein soll. Es ist mehr ein Drama im Gefängnis/Gericht, mit Musicaleinlagen. Den Gesang empfand ich jetzt als nicht so schlimm. Stellenweise waren sie deplaziert, aber stellenweise auch wirklich gut gesungen. Gesanglich als Paar funktioniert das wunderbar. Jedoch tragen sie der Handlung weniger weiter und dienen sicherlich nur als Lückenfüller. Leider wirkt der Film dadurch auch viel zu lang geraten. Nach einer guten Stunden fing der Film endlich mal interessant zu werden, jedoch verpufft das auch leider schnell wieder. Die Action ist absolut gering gehalten. Die Charackter entwickeln sich leider kaum weiter und die Handlung stockt. Phoenix spielt den "Joker" aber wieder einmal recht stark. Lady Gaga als Harley macht ihre Sache auch ganz gut. Das Ende ist, sagen wir mal, echt beschissen. Muss es so enden?
Ist der Film ein Flop für mich? Jein. Ist der Film einwürdiger Nachfolger? Nein. Ist der Film so gut wie Teil 1? Nein. Ist der Film anschaubar? Vermutlich. Eine Enttäuschung ist der Film für mich aber defenitiv. Nicht der erhoffte, würdige Nachfolger. Schade, das die Figur so fortgesetzt wurde. Es fehlte die Tiefe aus Teil 1, die Weiterentwicklung, der Joker selbst. Es war nix halbes und nix ganzes. Wer einen Film wie Teil 1 erwartet, wird arg enttäuscht werden.
Technisch eine sehr gute 4K, mit einigen Abstrichen. Der Slip sieht echt toll aus. Das SteelBook selbst ist geprägt und biete feine Noucen in Sachen metallische Effekte.
MantaLab macht echt schöne Premium Editionen, die es einfach wert sind.

Die Story ist recht simpel, was den Film eigentlich auch gut tut. Von den Schauspielerischen Leistungen stechen Demi Moore, Margaret Qualley & Dennis Quaid heraus und spielen alle wirklich absolut hervorragend. Vorallem hat mich Demi Moore fasziniert. Sich in dem Alter noch so zu präsentieren... Sie spielt mit einer so starken Intensität. Hut ab!!!
Die erste Hälfte des Filmes ist sehr fesselnd erzählt und baut drauf auf, wie sich das Experiment mit dem Elixier entwickelt. Die Atmosphäre ist stellenweise düster, die Spannung baut sich so allmählich langsam auf. Das Thema Schönheitswahn wird hier ganz speziell aufgerufen und bringt eine schicke Satire mit sich.
Die zweite Hälfte des Filmes geht dann in eine wirklich andere subtile Richtung, mit der ich so nicht gerechnet habe. Wer denkt sich denn sowas krankes aus? Es geht in Richtung Horror inkl. Exploitationeinlagen. Die künstlerische Freiheit wird hier vollstens ausgeschöpft und bietet eine wirklich skurrile Messlatte in Sachen "Kostüme".
Am Ende denkt man sich...What the fuck war das. Aber The Substance hat voll überzeugt.
Technisch war die 4K super. Das SteelBook ist für mich das beste auf den markt. Der Full Slip macht optisch wirklich was her.

Top Gun mag für viele ein Kultklassiker sein, doch für mich hat der Film auch bei der Neusichtung nicht wirklich gezündet. Die Flugszenen sind handwerklich gut gemacht und vermitteln ein Gefühl von Tempo und Spannung. Auch der Cast, allen voran Tom Cruise, passt gut zur Inszenierung und bringt die nötige Coolness mit. Allerdings zieht sich die Handlung stellenweise spürbar, was vor allem an der überpräsenten Liebesgeschichte liegt, die den Erzählfluss bremst. Die Romanze wirkt aufgesetzt und nimmt deutlich mehr Raum ein, als ihr guttut. Zwar punktet der Film mit einem ikonischen Score und einem gewissen 80er-Jahre-Charme, doch das reicht für mich nicht, um wirklich zu begeistern. Als solider Actionfilm mit nostalgischem Flair funktioniert Top Gun aus heutiger Sicht noch ganz gut. Mehr ist er für mich persönlich aber nicht.

Ich bin wohl einer der wenigen, den Teil 3 am besten gefallen hat. Die Story läuft flüssiger zusammen. Die Action ist vielseitiger, als bei den Vorgägngern und kommt mit frischen, neuen Ideen ( ich sage nur Pferd, Fisch oder Frosch ). Man sieht auch andere Symbionten in Aktionen treten, was mir auch ziemlich gut gefiel.
Endlich wurde auch der Härtegrad nach oben geschraubt, auch wenn der immernoch nicht den gewünschten Effekt erzielt. Das hätte noch besser gehen müssen.
Aber was Tom Hardy und Venom wieder zusammen anstellen...Die Gespräche zwischen den beiden waren immer das Highlight der ganzen Filme. Einfach nur herrlich den beiden zuzuhören bzw. zuzuschauen.
Der Score war hier on point. Hat mir super gefallen. Tolle Musikauswahl. Das Ende finde ich passend und auch rührend. Toller Abschluß.
Leider ist das wohl der letzte Teil von Venom ( dennoch sagt das Ende wohl etwas anderes, man darf gespannt sein ). Ich bin da mit einem weinenden Auge und glücklichen Auge dabei. Einerseits schade, das es endet, aber auch besser, weil SONY sich da hätte mehr trauen sollen.
Für mich ein toller Abschluß der Reihe, der mir am meisten Spaß gemacht hat.
Technisch ist die 4K absolut stark. Das SteelBook ist ganz ok, dafür punktet aber der geile Full Slip. Dazu noch nummeriert.

Black Hawk Down ist ein Kriegsfilm, der eindeutig seine Stärken im Bereich der Inszenierung und Action hat. Zwar mangelt es an tiefgründigen Dialogen und echten Charakterentwicklungen, doch das wird durch die packende Intensität der Bilder mehr als ausgeglichen. Ridley Scott gelingt es, den missglückten Einsatz in Mogadischu mit einer Wucht darzustellen, die den Zuschauer direkt ins Geschehen zieht. Besonders die handgemachte Action verleiht den Gefechten eine rohe Authentizität, die sich von vielen modernen CGI-Schlachten abhebt. Die Kameraarbeit sorgt zudem dafür, dass man das Chaos, die Angst und die Anspannung der Soldaten beinahe körperlich miterlebt. Nach dem Film ist man selbst erschöpft, weil die Intensität kaum Verschnaufpausen zulässt. Hans Zimmers treibender Score verstärkt diese Wirkung und gibt den Szenen eine zusätzliche emotionale Schwere. So entsteht ein kompromissloser Actionkracher, der weniger durch Figurenzeichnung, sondern vielmehr durch seine audiovisuelle Wucht überzeugt. Trotz seiner Schwächen bleibt Black Hawk Down ein fesselndes und unvergessliches Kriegsdrama.

The Godfather ist auch über 50 Jahre nach seiner Veröffentlichung ein zeitloses Meisterwerk, dass nichts von seinem Glanz verloren hat. Trotz seiner stolzen Laufzeit von rund drei Stunden wirkt der Film zu keiner Sekunde zu lang, jede Szene trägt zur epischen Erzählung bei und entfaltet die Geschichte in genau dem Tempo, dass sie braucht. Die Regie von Francis Ford Coppola ist meisterhaft und verleiht dem Film eine dichte, beinahe majestätische Atmosphäre. Besonders hervorzuheben ist das brillante Schauspielensemble, Marlon Brando als Don Vito Corleone liefert eine legendäre Performance, während Al Pacino den Wandel von Michael Corleone mit beeindruckender Intensität verkörpert. Auch Nebenfiguren wie James Caan oder Robert Duvall tragen wesentlich zur Tiefe der Geschichte bei. Die Inszenierung ist bis ins kleinste Detail durchdacht, von der Kameraarbeit über das Licht bis hin zur symbolischen Bildsprache. Der ikonische Score von Nino Rota verstärkt die emotionale Wucht und verleiht jeder Szene eine fast schon tragische Eleganz. Die Geschichte selbst ist nicht nur spannend, sondern wirkt in ihrer Darstellung von Macht, Familie und Loyalität erstaunlich realistisch. The Godfather ist weit mehr als nur ein Gangsterfilm, er ist ein tiefgründiges Drama über den Preis der Macht. Für mich bleibt er ein zeitloses Meisterwerk und einer der grössten Filme, die je gedreht wurden.

Godzilla: King of the Monsters ist für mich der “japanischste“ aller Hollywood-Godzillas, weil er die menschliche Seite konsequent in den Hintergrund rückt und stattdessen voll auf gigantische Monstergefechte setzt. Zwar gibt es ein kleines Familiendrama, doch es wirkt eher wie ein Pflichtteil und trägt wenig zur eigentlichen Handlung bei. Die zahlreichen Actionszenen hingegen sind eindrucksvoll inszeniert und liefern einige wahrhaft spektakuläre Bilder. Besonders auf der Tonebene entfaltet der Film eine enorme Wucht, die den gigantischen Massstab der Kämpfe perfekt unterstreicht. Auch visuell überzeugt das CGI, dass dank geschickter Nutzung von Wetter- und Lichtstimmungen seine Stärken ausspielen kann. Trotz dieser Qualitäten bleibt der Film erzählerisch flach und emotional distanziert. Im Vergleich zu anderen Beiträgen des neuen MonsterVerse fehlt etwas an Dynamik und Spannung im Mittelteil. Dennoch ist King of the Monsters ein unterhaltsches Spektakel, dass vor allem durch seine visuelle Kraft und seinen Respekt vor der japanischen Tradition punktet.