Hier etwas Background zu den Filmen mit denen wir grossgeworden sind, zu den Blurays die bei vielen von uns im Regal stehen

Es wird auf die Regisseure und deren Ideen eingegangen, aber auch auf alles was sich beim Dreh zugetragen und in den kreativen Prozess mit reingespielt hat

Film Stills sind für editoriale Zwecke freigegeben, Filmwissen basiert auf Werkstattgesprächen, Interviews und/oder Autobiographien sowie dem Web


2001 - Odyssee im Weltraum
 


Stanley Kubrick in dem an das 18. Jahrhundert angelehnten French Room, der im Smithsonian National Air and Space Museum 2018 ausgestellt war
 


Kubrick weist im Cockpit den Piloten an welche Knöpfe er in welcher Reihenfolge und Geschwindigkeit zu drücken hat
 
 

Im Verlauf der 3-jährigen Dreharbeiten wurden in England mehrere 100 Hektar grosse Hangare gemietet, in denen 1:1 grosse Raumschiffe lagerten. Die Szene in der Keir Dullea in die Discovery reingeblasen wird wird in 40 Metern Höhe mit Druckluftdüsen realisiert
 


Kubrick hatte zu Beginn bereits Kostüme für Aliens ausgearbeitet, fand es dann aber doch überzeugender sie einfach nicht zu zeigen. Zu Beginn der Dreharbeiten gibt es weder PCs, Mondlandungen noch digitale Effekte
 


Stanley Kubrick und William Sylvester im Gespräch in dem von der NASA installierten Antigravitationsfeld. Er spielt Heywood Floyd der zu dem auf dem Mond entdeckten Monolithen reist. Dieser ist auf Jupiter ausgerichtet, dem Ziel der sich an Bord des Raumschiffes Discovery befindenden Crew, von der sich bis auf 2 alle in Tiefschlaf versetzt wurden


Robocop
 


Paul Verhoeven instruiert Miguel Ferrer, wie er auf die vielen Kilopond des Metallarms reagieren soll. Kameramann Jost Vacano lässt das Robocop-Kostüm mit Wachs einfetten, damit die vielen grossflächigen Lichtreflexe darauf besser zur Geltung kommen
 


Frisch in den USA angekommen, bezieht Verhoeven viel Inspiration für das Mensch-Maschine-Thema aus "The Terminator" von James Cameron, den er 1984 im Kino sieht. Vacano zieht einen mit seinem immersiven Stil in das Bild rein, während Verhoeven mit seinem expressionistischen Stil sozusagen wieder ausspuckt  
 


Orion Pictures stellte nur 6 Mio $ zur Verfügung, der ED-209 Roboter musste deshalb per Stop-Motion animiert werden. Verhoeven nutzt auch ansonsten bei TV News und Werbung gerne Trash, um die sich normalerweise durch Wert definierende Gesellschaft zu unterlaufen
 


Verhoeven musste von der Crew vom Set getragen werden um nicht noch brutalere Szenen zu drehen. Der später veröffentlichte Director's Cut musste anhand von Interpositiven rekonstruiert werden. Wie Vacano bemerkte wirkt der Film in der geschnittenen Version härter, weil die comichafte Übertreibung fehlt
 
 

Peter Weller verlor durch das Tragen des von Special Effects-Mann Rob Bottin entwickelten Kostüms über 20 Kilo. Paul Verhoeven gefiel unterdessen sein puppenhaftes Aussehen immer mehr


Alien
 


Ridley Scott und Sigourney Weaver gehen an Bord der Nostromo das Drehbuch durch. Alle Charakternamen wurden von den Produzenten geändert. Scott wird regelmässig von der Crew aufgezogen weil er in seinem Rolls Royce beim Studio vorfährt
 


Aus Kostengründen wurde in den Shepperton Studios in England gedreht. Die blauen Laser für die Alien Eggs Szene wurden kurzerhand von einem The Who-Konzert ausgeliehen
 


Aufgrund des geringen Budgets von 11 Mio $ wurden viele Räume multifunktional gestaltet, um sie mehrfach einsetzen zu können. Das Raumschiffdesign ist durch Flugzeugfriedhöfe inspiriert worden
 
 


Sigourney Weaver wurde aufgrund von Theaterauftritten an Ridley Scott empfohlen und sprach in bis dato halbfertigen Bauten vor. Das Alien von H.R. Giger war nicht ansatzweise fertiggebaut
 


Scott wollte elektronisch ferngesteuerte Puppen für das Alien, doch die Spezialeffekte waren 1979 noch nicht so weit. Am Ende stieg dann doch einfach ein 2,08 m grosser Mann in das Alien-Kostüm


Das Ding aus einer anderen Welt
 


John Carpenter der normalerweise die Musik zu seinen Filmen selbst macht, überlässt es hier Ennio Morricone. Dessen Score wird 1982 als schlechtester Score für den Razzie nominiert, gewinnt aber 2015 als Tarantino ihn wieder ausgräbt den Oscar für The Hateful Eight
 


Am Set entbrennen unter den Schauspielern Diskussionen, ob die Charaktere sich dessen bewusst sind dass sie "das Ding" sind. Sie einigen sich schliesslich darauf, dass wenn das Ding wirklich eine perfekte Imitation ist sie sich dann für Menschen halten würden
 


John Carpenter wurde mit 15 Mio $ ein grosszügiges Budget zur Verfügung gestellt, dass er unter anderem dafür verwendete alle Studiohallen auf 4 Grad runterzukühlen. Für die pfeifenden Polarwinde wurde dennoch der heisse Wind rund um die 38 Grad warme die Studiohallen umgebende Wüste aufgenommen
 


Es gab hitzige Diskussionen über die Flares, an denen sich Russell und Carpenter regelmässig die Finger verbrannten. Deshalb spulte Russell, als er die Crew mit Dynamit und einer Flare bedrohte, auch so schnell wie möglich seinen Dialog runter um schneller als die 90 Sekunden-Flare-Dauer zu sein
 


Der Film floppte an der Box Office. Ein Reviewer nannte Carpenter "einen Pornoregisseur der Gewalt". 20th Century Fox löste den Vertrag mit ihm auf. Der Film errang trotzdem Kultstatus. An Bord der 98er DVD und LD ist ein genialer Audiokommentar von Carpenter und Russell, der jedoch aufgrund von political incorrectness auf allen aktuellen Blurays zensiert ist


Blue Velvet
 


David Lynch der Ende der 70er mit transzendaler Meditation begann, basiert Blue Velvet auf Erinnerungen aus seiner Kindheit. Aus seiner Sicht geht das idyllische Spiessertum und der archaische Trieb von Sex und Gewalt überhaupt gar nicht erst zusammen, also bildet er sie als komplett von einander getrennte Sinneinheiten ab
 


Lynch der ausschliesslich visuell denkt verlangt pro Szene anderes Schauspiel, dass exakt auf die gemäldehaften Bildkompositionen ausgerichtet ist
 


Lynch wurde von regelmässigen Lachkrämpfen geschüttelt, als er Hopper und Rossellini bei den Sexszenen zusehen musste. Hopper schmiss bis vor kurzem noch regelmässig Geburstagspartys für den "Pfadfinder" Lynch wie er ihn nannte
 


Lynch in dem Land seiner selbst erschaffenen Alpträume und Kreaturen, findet mit Blue Velvet endlich zu seinem Stil. Einfach indem er vom Abstraktem zu Menschen in alltäglichen Situationen rüberwechselt
 
 

Isabella Rossellini lernt David Lynch in einem Restaurant kennen. Er staunt nicht schlecht darüber, wie selbstverständlich sie sich den verstörenden Charakter aneignet. Und auch darüber wie genervt Dennis Hopper jedes Mal reagiert als sie mit ihm über seine Rolle sprechen will


Dead Man
 


Dead Man, der wie immer bei Jarmusch komplett ausserhalb des Studiosystems gedreht wurde, hatte seine Premiere beim 1995 Cannes Film Festival, wurde in die Criterion Collection aufgenommen und ist der letzte Film in dem Robert Mitchum mitspielte
 


Der Film hat einen einzigartigen Stil, in dem es im Prinzip nur um die beiden Hauptdarsteller geht. Alle anderen Charaktere werden sozusagen von aussen herangetragen und in in sich geschlossenen Sinneinheiten abgehandelt
 


Robby Müller der ausser einer Kamera, einer Linse und Licht jegliche andere Kameratechnik ablehnt, lehnte sich bei diesem Film stark an die Fotografie von Ansel Adam an
 


Jim Jarmusch sieht William Blake als eine Art weisses Papier, dem die Gesellschaft ihren Stempel aufdrücken will. Die einen wollen einen Outlaw aus ihm machen, andere einen Rebellen oder Poeten. Johnny Depps Gesicht das diese passive Qualität aufweist könnte nicht besser passen
 


Neil Young spielte den Score für Dead Man ein, während er sich 3x hintereinander die 2 1/2 stündige Ursprungsfassung anschaute. Der Score sollte zwar danach noch an den Schnittrythmus angepasst werden, wurde aber dann doch mehr musikalisch und weniger cineastisch einfach in der Ursprungsfassung belassen -


Departed
 


Martin Scorsese platzierte in Szenen "X"s in Verbindung mit bestimmten Charakteren, um deren baldiges Ableben anzudeuten. Was wiederum eine Hommage an "Scarface" von 1932 ist. Kameramann Michael Ballhaus wurde angewiesen alles möglichst minimalistisch auszuleuchten
 


Martin Scorsese gab Jack Nicholson gleich zu Anfang vor, dass er ausschliesslich sich selbst spielen sollte. Er liess ihm auch freie Hand bei Dialogen, Szenen gestalten und hinzuerfinden. Visuell nutzt er das indem er den Bösewicht als einen vom Rest der Welt isolierten Charakter darstellt
 


Für Scorsese war The Departed der erste Film seit 20 Jahren der in der Jetzt-Zeit spielt. Die zahlreichen Close-Ups klingelnder Handys weisen in die Richtung, dass alle auch ohne Elektronen miteinander verbunden sind
 


Nachdem die Oscar-Jury für den besten Film aus einer Jury von Schauspielern besteht, verwundert es nicht dass The Departed gewinnt. Scorsese hatte Matt Damon ausgesucht, weil er wie ein "frecher, grossspuriger Maulheld" rüberkommt. Leonardo Di Caprio beschrieb dagegen seine Rolle als "24/7-Opferlamm"
 


Für Scorsese ist das Machen des Films "Moral Ground Zero". Es gibt keine Guten, die dunklen Machenschaften bleiben unentdeckt, am Schluss geben alle den Löffel ab. Er mag zwar den Film, aber ihn zu machen war selbst in der Postproduktion für ihn noch eine äusserst stressige Erfahrung
 


No Country For Old Men
 


No Country For Old Men ist einer der wenigen Filme in dem es keinen Score gibt, und falls doch ist er meist hinter Autogeräuschen oder Winden versteckt. Minimalismus wird in Verbindung mit Existenz zu etwas Überlebensgrossem hochstilisiert. Der Film holt 2007 den Oscar als bester Film
 


Als die Coen Brothers Javier Bardem die Rolle vorschlugen, meinte der dass er nicht fahren kann, schlecht englisch spricht und Gewalt verabscheut. Die Coens antworteten dass sie ihn genau deswegen ausgesucht hatten. Bardem monierte noch dass es mit diesem Haarschnitt die nächsten Monate schlecht mit Frauen aussehen werde
 


Für die Coen Brothers ist Independent bei Film auch nichts anderes als ein Label, dass sich verkaufen muss. Es ergibt für sie genauso wenig Sinn wie Filme in Genres einzuordnen
 


Lange Passagen des Films kommen komplett ohne Dialog aus - aber wenn ist es wortwörtlich aus McCarthy's Roman übernommen und sogar in der gleichen Reihenfolge belassen
 


Joel Coen wird als Regisseur aufgeführt, aber Drehbuchautor Ethan Coen führt immer mit Regie. Weil ihnen die vielfache Nennung ihres Namens peinlich ist, haben sie sogar für den Schnitt irgendwann das Pseudonym Roderick Jaynes erfunden, obwohl sie alles meistens selber schneiden


 
Es war einmal in Amerika
 


Sergio Leone setzt De Niros Opiumhalluzinationen als Metapher für die ineinander verschachtelten Bewusstseinsebenen von Vergangenheit und Zukunft ein, die je älter man wird immer klarer zutage treten
 


Robert De Niro hat grosse Probleme mit Leones Schauspielanweisungen, da völlig entgegen seinem Naturell zurückhaltend und minimalistisch spielen soll
 


Leone instruierte James Woods für das Finale eine gerupfte Ente zu spielen. De Niro bezahlte persönlich für seine leuchtend weissen Zähne weil sie den Produzenten zu teuer waren
 


Sergio Leone liess von 1980 bis 1982 über 3.000 Schauspieler für 110 Rollen vorsprechen, von den Proben wurden 500 auf Video aufgenommen. Er trifft sich mit dem Gangster Harry Grey, dessen Eitelkeit ihn königlich amüsierte. Seinen visuellen Stil basierte er auf Gemälden von Hopper, Rockwell und Degas und den Fotos von Jacob Riis
 
 


Leone erlebte die Reaktion des US-Publikums auf die 229-minütige Ursprungsfassung, die von dem Studio einen Tag vor Release auf 139 Minuten gekürzt wurde nicht mehr, da er 5 Jahre später verstarb


Wild At Heart
 


Lynch erfindet ständig neue Szenen zu Barry Giffords Novelle hinzu, mit der der Film am Schluss nicht mehr viel zu tun hat. Auch lässt er die Schauspieler einige Sachen dazuerfinden. Besonders Willem Dafoe kommt seitdem er die Zahnprothese verpasst bekommen hat mit immer neuem Zeug an das Lynch hocherfreut abnickt
 


Nicolas Cage benutzte als Kostüm eine Schlangenlederjacke aus seinem Besitz. Er sah Wild At Heart als willkommenen Bruch mit seinem bisherigen Method Acting an. Nach den Dreharbeiten bekam Laura Dern die Jacke geschenkt
 


David Lynch hätte es beinahe nicht geschafft, die Filmrolle nach Cannes zu bringen, weil er es nicht als Flugzeuggepäck aufgeben konnte. Er verstaut sie dann im Flieger bei einer älteren Dame unter dem Sitz. Der Gewinn der Goldenen Palme unter tosendem Applaus bedeutet ihm viel, auch dass Regisseur Fellini anwesend ist
 


Lynch der den Film ursprünglich 270 Minuten ohne Happy End laufen lassen wollte, belehrt das lange Gesicht seines Produzenten nach dem Screening eines Besseren. Nachdem bei einer Testvorführung bei einer Szene 300 von 350 Zuschauern den Saal verlassen, nimmt er weitere Kürzungen vor. Und auch eine kleine, finale um ein X-Rating zu vermeiden
 


Wie so oft spielen Lynchs Filme kaum etwas ein. Er fühlt sich wie ein missverstandener Europäer unter einheitlichen Amerikanern. Viele unterstellen zudem Lynch gestört zu sein, ehe sie ihn nicht persönlich kennengelernt haben
 

 
Das Schweigen der Lämmer
 


Kameramann Tak Fujimoto im Gespräch mit Jonathan Demme. Er ist es der nach Demmes Tod zusammen mit der Criterion Collection in momatelanger Kleinarbeit das Filmnegativ für die Bluray restauriert
 


Jonathan Demme der parallel zu dem Film noch eine Doku über seinen Cousin dreht, driftet je mehr er dort Realität abbildet, beim Film ins Surreale. Die Charaktere die mit Jodie Foster reden sprechen oft direkt in die Kamera, während Foster immer leicht von der Kamera wegschaut, so dass der Zuschauer mit ihrem Charakter eins wird
 


Anthony Hopkins setzte sein direkt in die Kamera schauen so ein, dass er der Einzige ist, der alles weiss. Zur Vorbereitung auf seine Rolle las er Akten über Serienkiller, besuchte Gefängnisse und studierte verurteilte Mörder, war auch bei deren Gerichtsverhandlungen anwesend
 


Hopkins liess sich von Reptilien inspirieren, die nur dann blinzeln wenn sie es wollen und es dann bewusst machen. Auch von dem Bordcomputer HAL 9000 in "2001 - Odyssee im Weltraum", der seiner Meinung nach eine hochintelligente, extrem logische und komplexe Maschine sei, die sich aller Vorgänge um ihn herum gleichzeitig bewusst sei
 


Jonathan Demmes stilistische Wahl von durch Francis Bacon Gemälden inspirierten Kompositionen zusammen mit extremen Close Ups, dem herausragendem Schauspiel sowie der Tiefe von Harris Buchvorlage sorgt dafür, dass der Film 5 Wochen auf Platz 1 der Kinocharts landet und die 5 wichtigsten Oscars gewinnt


Kill Bill Vol 1 & 2
 


Mit Kill Bill wird Tarantino endlich mehr Regisseur als Schauspieler: keine endlosen Dialoge, Charakterfixierung und statische Kamera mehr, dafür Cinema pur. Grossen Anteil daran hat Kameramann Robert Richardson, der am Valentinstag vor seiner Tür ein Bouquet roter Rosen zusammen mit dem verpackten Drehbuch vorfindet
 


Tarantino erklärt Richardson, dass jedes Kapitel sich anfühlen soll, als ob man die Filmrolle im Kino wechselt: von Western, Melodrama, Thriller bis hin zu Horror. Zusammen mit Tarantinos Filmvorschlägen und eigenen Käufen studiert Richardson die Kameraarbeit von über 200 B-Movies
 


Tarantino entscheidet sich dafür, Kill Bill in zwei Teile aufzusplitten: in Vol 1 ist Rache etwas lineares, voller Schauwerte, in Vol 2 ist sie wie ein Nachklang, voller Tiefe. Die Teil 1 und 2 vereinende "The Whole Bloody Affair", für die er den Anime auf 30 min ausweitet, hat es bis heute nicht ins Kino geschafft
 


Bei den Dreharbeiten zu Pulp Fiction erkundigte sich Uma Thurman in welchem seiner Filme sie als nächstes mitspielen solle. Tarantino schrieb daraufhin ein paar Seiten eines Kung Fu-Scripts, das anschliessend in die Mülltonne wanderte. Deshalb im Abspann The Bride created by Q & U, nämlich Quentins und Umas Initialen  
 


Quentin Tarantinos erster Film nach 7 Jahren Pause. Laut Tarantino ist Kill Bill ein "Film-Film-Universum", in dem nicht nur jeder ein Samuraischwert trägt, es erlaubt ist eins ins Flugzeug mitzunehmen, sondern extra dafür eine Halterung in jedem Sitz angebracht ist


Mulholland Drive
 


Mulholland Drive, der ursprünglich als Pilot für eine TV-Serie geplant war, stellt David Lynch vor völlig neue Herausforderungen. Erst kurz bevor der Deal zustandekommt, kommen ihm Ideen in Form eines Kinofilms, während er die ganze Zeit mit dem Gedanken spielt das Projekt aufzugeben
 


Lynch verlässt sich beim Drehen auf seine Intuition, nicht selten schaffen es Dialoge aus Schauspielergesprächen in den fertigen Film. Er verzichtet oft auf ein Vorsprechen, ein persönliches Gespräch reicht ihm meistens um zu casten
 


Mulholland Drive ist Lynchs letzter grosser Kinofilm, der analog gedreht wurde. Die frei schwebende Kamera wird oft zu einer Art unsichtbaren Protagonisten. Mulholland Drive gewinnt 2001 zusammen mit The Man Who Wasn't There die Goldene Palme in Cannes
 


Lynch weigert sich seine eigenen Filme zu interpretieren. Er bemerkt dass wenn er im voraus mit einer eigenen Interpretation zum Dreh gehen würde, er rückwärts denken würde und es demnach auch gleich sein lassen könne
 


David Lynch, der sich neben Filmen auch für Malerei, Fotografie, Skulpturen, Comicstrips und Musik begeistert, hat in den USA Schulen für Meditation gegründet. Für seine Comicserie "Dumbland" hat er alles selbst gezeichnet und animiert, die Stimmen eingesprochen und die Soundeffekte aufgenommen


Carlitos Way
 
 

Nachdem sich Brian De Palma in den 70ern und 80ern hauptsächlich dem Thriller-Genre gewidmet hatte, weil sie nicht viel kosten und er mit den Bildern machen konnte was er wollte, entdeckt er in den 90ern das Mainstreamkino für sich
 


Pacinos Improvisationstalent führt soweit dass er, weil ihn das ständige Tragen der Lederjacke bei Temperaturen um die 40 Grad stört, inmitten des Drehs in der U-Bahn einfach verschwindet. Als De Palma ihn am Telefon erreicht meinte er dass er nur das getan habe, was jeder vernünftige Mensch um die Uhrzeit mache, nämlich nach Hause zu fahren
 


10 Jahre nach Scarface finden De Palma und Pacino wieder in einem Gangsterfilm zusammen. Wer das Anti-Happy End beim ersten Zuschauen verkraftet, auf den wirkt Carlito Brigante beim erneuten Ansehen wie jemand der sich aus einem Traum ausgesperrt hat
 


De Palma beweist auch in diesem Film ein Händchen für Schauspieler und Gesichter. Er will unbedingt den Argentinier Jorge Porcel haben, der kein englisch kann und dem hinter der Kamera immer jemand phonetisch die Zeilen vorsagen muss. Sean Penn dagegen kommt gleich mit passender Frisur und Nickelbrille zum Set und wird sofort durchgewunken  
 
 

Tarantino sammelt bis heute Zeitungsartikel von De Palmas Filmen die meistens empörte Verrisse sind. Carlitos Way schaut er sich, obwohl er eigentlich auf Promotiontour für Reservoir Dogs ist gleich 4x hintereinander an. Nachdem er als Filmfan vor einem Kino stehend sich nicht getraut hatte De Palma anzusprechen, finden die beiden als Filmemacher endlich zusammen


Dobermann
 
 

Jan Kounen adaptiert den Comicstrip von Joel Houssin und übernimmt visuelle Ideen von seinen früheren Kurzfilmen, vor allem die dass die Aggression alleine vom Kinozuschauer ausgeht
 


Der gerade mal 34-jährige "Crazy Kid" Kounen zusammen mit Vincent Cassel und Monica Bellucci bei den Cannes Filmfestspielen 1997, in dessen Programm Dobermann überraschend aufgenommen wird
 
 

Kounen geht es vor allem um das Spiessbürgertum, dass dem Kino das Rollenmodell des Actionhelden und seiner schönen Frau vorgibt und widmet deshalb den Film vor allem den skurril-abgedrehten Nebendarstellern. Er selbst inszeniert sich demenentsprechend als Kunde, der nur Geld abheben will und von Monica Bellucci eine Granate abbekommt
 


Jan Kounen bemerkte in einem Interview dass er durchaus seine eigene Ethik verfolge, diese aber nicht zwangsläufig mit der "der feinen Gesellschaft mit ihren schönen Ideen" übereinstimme
 


Jan Kounen der nach Dobermann hauptsächlich esoterische Filme und Dokus, in denen es um Bewusstseinserweiterung durch Drogen und Selbstfindung durch Meditation geht dreht, wird 2020 überraschend Jurypräsident der Cannes Filmfestspiele


Fear And Loathing In Las Vegas
 


Laila Nabulsi, die Produzentin des Films, versuchte 10 Jahre lang erfolglos Thompsons Roman zu verfilmen, ebenso wie Martin Scorsese und Oliver Stone. Erst als Terry Gilliam und mit ihm Johnny Depp und Benicio Del Toro an Bord sind, nimmt das Projekt Fahrt auf. Nabulsi hat als Grace Slick von Jefferson Airplane einen kurzen Gastauftritt
 


Johnny Depp, der sich im voraus über die Angst der Studios freut, sobald er vor die Kamera tritt, lebt monatelang mit Hunter S. Thompson zusammen. Als er sich selbst dann bei der ersten Testvorführung auf der Leinwand sieht, muss er auf Toilette um sich zu übergeben
 


Terry Gilliam der in seiner Autobiographie bemerkt dass er nie Drogen konsumiert hat, erfindet für den Film kurzerhand die rauschhaften Zustände. Zum einen fällt ihm sowas als Cartoonist leicht, zum anderen geht von dem Roman eine starke Wirkung aus
 
 
Benicio Del Toro den Hunter S. Thompson gewarnt hatte dass der Film das Ende seiner Karriere sein werde, hatte zwar jede Menge Spass beim Dreh aber nach dem Film blieben dann tatsächlich über ein Jahr lang die Angebote aus
 


Del Toro, Gilliam und Depp bei den Cannes Filmfestspielen 1998, der dort für die Goldene Palme nominiert war. Kurz darauf wir der Film im 2 Minuten längeren Director's Cut in die Criterion Collection aufgenommen


Killing Zoe
 


Roger Avary der zusammen mit Tarantino als Videothekar B-Movies an Kunden empfohlen und mit ihm den Drehbuch-Oscar für Pulp Fiction gewann, gibt ein Jahr später sein Regiedebüt mit Eric Stoltz, Julie Delpy und Jean-Hughes Anglade in den Hauptrollen
 


Avary korrigiert Leute, die Killing Zoe als Flop bezeichnen. Bei Low Budget Filmen wie diesen war es damals das Ziel, sie ohne Werbung und in unter 50 Kinos zu zeigen, damit sie sich für die Walmart- und Blockbuster-Videoketten qualifizierten. Produzent Samuel Hadida meinte, dass er auf die Weise mit Killing Zoe höhere Einnahmen erzielt hatte als mit True Romance
 
 

Der Titel Killing Zoe bedeutet, dass man über die ganze Feierei, den falschen Freunden und dem Geld beschaffen ständig unterbewusst einer Frau etwas antut, auch wenn diese gar nicht zu sehen ist. Roger Avary schrieb das Drehbuch in unter 2 Wochen und nahm Anleihen bei Tarantino, der ihm empfahl einfach mit der Frau seiner Träume zu beginnen
 
 

Avary war nach der Fertigstellung des Films völlig ausgebrannt und schaute sich anstelle seiner Premiere in Paris lieber The Crow an. Nachdem er dann doch neugierig wurde, sieht er volle Kinositze und bekommt enthusiastische Reaktionen mit. Selbst im Taxi bei der Heimfahrt fragt ihn der Fahrer in Anspielung auf den Film ob er ein Girl für die Nacht brauche
 


Jean-Hughes Anglade hatte jede Menge Spass on und off screen. Neben Posieren für Pressefotos übersetzte er die englischen Drehbuchdialoge ins Französische und steuerte den Kamerawagen für die Anfangs- Und Endsequenz quer durch Paris


Scarface



Oliver Stones Drehbuch, das auf Interviews mit Drogenbossen rund um Florida basiert, kommt Brian De Palma gerade recht. Mit dem Stilmittel einer Gangstersatire karikiert er 1983 gekonnt den American Way Of Life
 


De Palma inszeniert Michelle Pfeiffer als blosses Accessoire, als Gedankenkonstrukt des arbeitenden Menschen, als Bestandteil des Inventars einer auf Besitz ausgerichteten Gesellschaft. Was u.a. auch der Grund ist warum sie und Pacino sich im Film weder küssen, Zärtlichkeiten austauschen noch sich sonst näherkommen
 


Oliver Stone der sich auf Schnellbooten auf den Bahamas Geschichten von bei Kokaindeals eingesetzten Kettensägen anhören muss und schliesslich nach Paris zieht um das Drehbuch fertigzustellen, bekommt von Produzent Marty Bregman 300.000 Dollar dafür. Bregman feuert den wenig begeisterten Sydney Lumet und holt dafür De Palma als Regisseur mit an Bord
 


Wegen der amerikanischen Zensurbehörde MPAA muss De Palma ständig den Film umschneiden, um ein X-Rating zu vermeiden. Am Schluss entscheidet er sich einfach für die Ursprungsfassung und schickt einen DEA-Agenten vor. Als dieser bestätigt dass das Gezeigte der Wahrheit entspricht wird der Film ungeschnitten freigegeben  
 


Brian De Palmas Film und Al Pacinos Performance, die beide im Gegensatz zu Stone niemals Kokain geschnupft haben, werden bis heute in das Repertoire vieler Rapsongs aufgenommen. De Palma empfindet das als merkwürdigen Zufall da er das Gangstermilieu nur benutzt hat, um den hart für seine Dollars arbeitenden Normalbürger ein unvergessliches Portrait zu setzen


True Romance
 
 

Tony Scott will unter allen Umständen Tarantinos Drehbuch verfilmen, das er zu seiner Videothekarzeit zusammen mit Natural Born Killers verkauft, um seinen ersten Film Reservoir Dogs finanzieren zu können. Tarantino merkt zwar an dass der Film nun linear und mit Happy End sei, er den Film aber trotzdem sehr möge
 


Scott holt sich für True Romance einen All Star Cast mit Christian Slater, Patricia Arquette, Gary Oldman, Dennis Hopper, Christopher Walken, Samuel L. Jackson Brad Pitt und Val Kilmer als Elvis. Die Musik für den Film macht Hans Zimmer, der für das Hauptthema auf einen alten Jingle aus seiner Schulzeit zurückgreift
 


Gary Oldman liest das Drehbuch erst gar nicht, sondern lässt sich es sich lieber von Scott nacherzählen. Nachdem Scott nur sagt, dass der Charakter weiss ist aber sich einbildet ein Schwarzer zu sein und dass er ein Zuhälter ist, sagt er sofort zu. Gary Oldman erfindet für seinen Charakter Dreadlocks, Narben, Goldzähne und ein falsches Auge dazu
 


Tom Sizemore erinnert sich an die Dreharbeiten vor allem weil er während des 2-wöchigen Drehs des Shootouts im Hotel ständig irgendwelche Federn im Mund hatte. Die Dreharbeiten müssen regelmässig wegen Gelächter unterbrochen werden, als Bronson Pinchot während er die Wanze in seiner Unterhose hin und herschiebt immer neue Grimassen erfindet  
 
 
Der Film kommt in den USA nur gekürzt in die Kinos und spielt in der Fassung gerade noch so seine 13 Mio $ Produktionskosten wieder ein. Hierzulande wird er noch nicht mal indiziert, nur im TV läuft eine 20 Minuten kürzere Fassung bei der dann gleich mal das komplette Finale fehlt  


Tanz der Teufel
 


Sam Raimi dreht 2 1/2 Monate in einer Hütte in den Wäldern von Tennessee, die Schauspieler haben Mühe sich im Hotel und bei den Dreharbeiten warmzuhalten. Raimi erinnert sich trotzdem gerne an die nicht endend wollenden Dreharbeiten weil er seiner Kreativität 100 Prozent freien Lauf lassen konnte
 


Der Film spielt ein Vielfaches seiner Produktionskosten wieder ein und wird ins Museum Of Modern Art aufgenommen. In Deutschland wird er verboten und es dauert 33 Jahre bis er von der FSK 2017 neubewertet und ab 16 freigegeben wird
 


Für das Finale in dem die Zombies zerfallen wendet Raimi Stop-Motion an. Für eine Sekunde Film müssen mit einer Single Frame Kamera 24 Aufnahmen von Objekten in diversen Stadien gemacht werden, was nochmal 3 Monate beansprucht. Special Effects-Mann Tom Sullivan bemerkt, dass es dafür vor allem wichtig ist die Anatomie, Bewegungen und Physik der echten Welt zu studieren
 


Raimi dreht vor dem Film auf Super 8 eine Art Promofilm, der "Within The Woods" heisst, um die 350.000 $ Budget zusammenzubekommen. Stephen King greift ihm unter die Arme, indem er den Film promotet und ein Review schreibt. Als Bruce Campbells Eltern noch eine Hypothek auf ihr Haus aufnehmen, kann der Film zur Freude aller auf das gängige 35mm aufgeblasen werden
 


Sam Raimi erweitert später Tanz der Teufel zu einer Trilogie. Spätestens mit "Schneller als der Tod" erschöpft sich sein visueller Overkill. Nachdem er auf kleine, charakterorientierte Filme umgestiegen ist, findet ihn plötzlich ein Comicheld aus seiner Kindheit wieder. Bei der "Spider-Man"-Trilogie erzählt er nun Stories über optische Ebenen


Hass
 
 

Matthieu Kassovitz der überhaupt nicht aus dem Ghetto stammt, kommt auf die Idee für das Drehbuch, als ein Afrikaner in Polizeigewahrsam umkommt. Er meint in einem Interview, dass er es nicht glauben kann, dass so etwas immer noch vorkommt. Im Film spielt er als eine Art Statement einen Neonazi aus der Nachbarschaft, der eine Pistole ins Gesicht gehalten bekommt
 


Während der Cannes Filmfestspiele wenden Polizisten aus Protest darüber wie sie im Film dargestellt werden, der eintreffenden Crew einheitlich den Rücken zu. Der Film gewinnt 1995 unter Standing Ovations den Preis für die beste Regie
 


Kassovitz benutzt und bildet Realistisches ab, aber unter der Perspektive des Surrealistischen. Eine tickende Uhr kehrt immer wieder, während die einzelnen Szenen in sich gleich Songs abgeschlossen wirken. Die erste Filmhälfte in den Vororten ist ein Makrokosmos, während die zweite in Paris voller Close-Ups ist und absichtlich banal wirkt
 


Vincent Cassel fragt in Anspielung auf die Szene in Taxi Driver sein Spiegelbild, ob es mit ihm redet. Beim Original steht Scorsese hinter dem Spiegel, um De Niro aus der Fassung zu bringen. Auch hier hat Vincent Cassel einen Schauspieler anstatt seines Spiegelbildes vor der Nase
 


Der Film wurde zunächst in Farbe gedreht und später in schwarz-weiss umgewandelt, was die Shots lebendiger wirken lässt. Um maximalen Input von den Akteuren bei den Dreharbeiten zu bekommen, gibt Matthieu Kassovitz den Charakteren die gleichen Namen die sie auch im echten Leben haben  


Harte Ziele
 


Für John Woos US-Debüt holt Sam Raimi als ausführender Produzent Kameramann Russell Carpenter, seinen Editor Bob Murawski und Musiker Graeme Revell mit an Bord. Woo bildet in der ersten Hälfte das Banale der Existenz ab, um es dann in der zweiten Hälfte dem überlebensgrossem Mythischen gegenüberzustellen
 
 
John Woo, der in den Slums von Hongkong Priester werden wollte, um nicht täglich von Gangs zusammengeschlagen zu werden, inszeniert Van Damme als Christus mit zwei Pistolen. Mal treibt Boudreaux das Rad der Zeit voran, mal schwebt er gleich einem abstrakten Pendel in der Luft, mal wechselt er die mythische Seite
 


Wie immer wenn Woo auftaucht, geht es hoch her. Stuntmänner und Pyrotechniker beklagen sich, dass das 10-fache an Munition abgefeuert wird. Die MPAA verweigert selbst nach der 6. Schnittfassung eine Altersfreigabe. Graeme Revell schmeisst zwischen der 3. und 4. Fassung hin, so dass jede geschnittene Fassung leicht an den abgehackt wirkenden Melodien zu erkennen ist
 


Kameramann Russell Carpenter darf für Woos Actionszenen 5-6 Kameras, die alle dazu noch mit unterschiedlichen Shutterspeeds arbeiten, operieren und muss neben den ganzen verlegten Schienen auch noch alles parallel ausleuchten. Bei Universal Pictures und angesichts dessen, was Drehtage in den USA kosten, muss Woo auf seine übliche komplexere Ausleuchtung verzichten
 


Sam Raimi inspiriert Woo dazu seine übliche Detailverliebtheit zugunsten eines präzise getimteren, innovativerem Stil aufzugeben. Man stattet die Kamera mit einer Art Eigenleben aus, überhöht das Ganze noch durch den Schnitt und hebt so alles auf eine neue, multidimensionale Ebene